話題

  • 2021年第14屆台灣室內設計大獎(Taiwan Interior Design Award, TID Award)在9月10日舉行線上頒獎典禮。從今年年初開始徵件的TID Award,一共收到703件投稿作品,最後在6月23日公佈54件榮獲TID獎的作品,延續不分類的形式,端看作品的設計成果做評選,希望讓許多優秀的作品能被看見。 TID Award台灣室內設計大獎,從創辦以來為台灣以及亞洲的室內設計領域帶來新氣象。原本計劃於高雄衛武營舉行的頒獎典禮,雖然因新冠疫情的影響而改為線上直播方式進行,雖然得獎者不能親臨現場,仍可透過即時連線,與觀眾分享得獎的喜悅。中華民國室內設計協會CSID理事長趙璽表示:「雖然無法舉行實體的頒獎典禮,但正因為疫情,讓人們的生活模式產生變化。用設計磨合居家的生活方式,用科技改變工作的環境與方法,正是TID獎希望看到的面向。」 中華民國室內設計協會CSID輔導理事長龔書章作為典禮頒獎人提及:「評審在評選的已不是作品的好壞,而是作品呈現的獨特性,能回應時代轉變的動態性以及回應需求的設計。」評審團主席姚政仲也說到,今年的評選過程更著重在設計的本質,同時他也期望未來能看到更多跨領域思考與整合的展現。而典禮還邀請到2020年拿下兩座金獎的合風蒼飛設計張育睿建築師、2020年新銳設計師獎的湘禾國際設計周奕伶總監以及2020年年度大獎曲墨建築師事務所郭恩愷建築師分別與中華民國室內設計協會CSID理事長趙璽進行三場設計對談,為典禮增添風采。 本期《室內》介紹本屆TID Award台灣室內設計大獎的年度大獎、金獎、新銳設計師獎以及評審特別獎的作品,並收錄得獎者感言,作為創作心得的重要回顧。(獲獎名單依據TID Award 及CSID官網公佈為準。)  年度大獎  2020 桃園文創博覽會|走桃花 格式設計有限公司 / 王耀邦、凌宗湧、彭一揚、李翊勤 《2020桃園文創博覽會》試圖透過「編輯地方」的採集精神,從挖掘桃園自身底蘊與價值的「走桃花」文化展區、運用設計能量結合桃園產業進行創新實驗的「結桃子」議題展區,到結合展售消費與在地故事的「大桃林」體驗展區,在中壢馬祖新村這個眷村空間中打造一個嶄新的文化桃林,散發觀者意想不到的地方活力與光彩。 得獎感言:此次以《2020桃園文創博覽會—走桃花 RUNNING TAOYUAN》獲得TID最高榮譽獎項,是給予格式團隊最溫暖的鼓勵與肯定,這個展結合了各方優異強大的夥伴日夜投入才得以誕生。桃紅、翠綠、靛藍,在眷村的夜裡螢著光、白晝綴著樹影,兩種姿態都美好。特別感謝CNFlower精彩萬分的植物景觀總策劃,讓空間與植物、眷村老樹緊緊咬合,也謝謝桃園的山林、原民文化、農業與紡織工業,讓我們在空間材料的運用上有了最在地的靈感。  TID評審特別獎  工地計畫 康爾富照明股份有限公司 / 鄭遠揚 此作是設計團隊十年來對資源再造的概念整理,講述著「我們既然已經從地球上索取人類所需的資源,就應該將這些資源做最有效的運用,以滿足我們無盡的需求。」原本只是單純希望藉此在「燈、光」上有不同的見解,卻慢慢內化成日常的思考方式與價值觀,設計團隊深入建築工地尋找潛藏可能性的建築廢棄物或餘料,用不同角度看待這些材料,為它們尋找新的可能。 得獎感言:「以不同角度來看待相同事物」是META的品牌精神。與業主一同運用建築工地的營建廢棄物,打造各式家具與物件,讓原本看似無用之物,再次回到企業辦公空間中。降低廢棄物的產生,也減少對地球索取新的資源。 楓苳聚場 米索空間設計有限公司 / 詹明旎、長友大輔 透過引進自然光和場域的整合,將柔道角力館重新定位為校園的展演中心。改造重點在於拆除所有戶外佈告欄和室內的輕鋼架,重現原始折板天花,同時增設展演中心的圓形舞台,將校園的活動動線串連起來,並將館場創立時的「以柔克剛」匾額整理乾淨後,整合至鏡面牆上,以全新的面貌守護著豐東國中的孩子們。 得獎感言:我們相信實踐社會設計可以擴展設計思維的核心價值,從解決空間問題到公眾的生活日常。以往幾乎無法屬於任何室內獎項的校園改造,這次突破性地得到TID評審團的青睞得到特別獎,讓我們得到莫大前進的動力!  新銳設計師獎  新竹州廳盥洗空間新生計畫 工二建築 / 胡靖元、魏嘉亨、黃冠儒、吳柏寬 新竹州廳作為官廳角色的日治建物,是一個保存完整且具時代意義的空間。設計團隊取原有建築語言的色澤、條理、材料,簡化為豎直線條的金屬彎折成型,牆面覆蓋具有質感肌理的塗抹,重新分割地板黃銅線條再重新調製磨石配比,完成屬於現今延伸時間感的廁所設計。 得獎感言:此次新竹州廳廁所再生計畫能夠獲得肯定,是得到新竹市政府團隊全然的信任。難度在於對於面對古蹟的命題與對於公共性的公廁空間的機能性的框架下表達「reverse」的思考。我們一本初心,感念並與使用者一同成長:是以接近完美的呈現,著迷用取自內心浮現的想像去測量關於美的事物。  金獎  榫卯承傳,隱於可園 廣州普利策裝飾設計有限公司 / 梁穗明 此作引入中國園林的概念,設計了一個四層樓建築。表現從過去到現在的共時屬性,1、2樓乘載老宅的印記,3、4樓加蓋懸挑結構的新建築,利用傳統三角力學結合新的混凝土結構,保留坡屋頂,產生時空之間強烈的承啟關係,並提煉傳統的榫卯結構,形成整個建築的骨架,讓空間得以傳承並保存東方文化的氣韻。 得獎感言:十分榮幸榮獲TID Award金獎,感謝夢想改造家節目與團隊的支持。《榫卯承傳,隱於可園》是一個公益項目,面臨古建築逐漸消失的現狀,我們希望延續文化傳承的意識,將傳統文化精髓深藏於設計中,以此建構未來民居的嶄新可能。 才屋 清翠行設計 / 胡日強、吳泓蔚 設計師提出一個循環及多重動線的空間架構,讓夫妻分房而居的生活模式能更為緊密。為降低東西向日曬的影響,建築物朝外部的開窗採最小化,而面向內部則最大化,並將白色的鋼構梯,順著光線方向而上,引導著視覺方向及樓層間的動線。建築主要的開窗位在2樓,將用餐區安排在此處,利用窗戶內與外的連結,建立起家人之間的對話。 得獎感言:人與住宅是多元的流動關係。我們試圖透過辯證的方式與實驗,打破、重置既有的關係結構,並將此導入《才屋》中。承蒙本屆TID評審團的青睞,我們將這份肯定歸予具實驗精神的業主,感謝。 扇變屏風 柒木設計 / 石筱君、葉庭瑋、林宜賢 此作試圖將東方的內斂與西方的外放帶入產品中,當紙扇與屏風共存,收合時的極簡輕盈,釋放後的華麗魅力,提供一種衝突的平衡。扇面選用台灣製造環保綠建材的織品,並採用磁吸性和模組化的設計,讓使用者可輕易調整,增添層次感與多樣性,同時方便清潔與維護。《扇變屏風》透過平面與立體結構的變換,為空間增添虛與實的魅力。 得獎感言:謝謝台灣有這麼多設計師努力著,期待在更多有生命的空間裡,遇見柒木產品們的身影,對我們來說,柒木產品在這時候才完整了。扇變屏風,除了表達東西文化的共生,更期許在現在的時空背景裡,提供新的價值。 永恆的十年 周正峰設計工作室 / 周正峰 這是一間非典型住宅,一個觀念獨特都市家庭的階段性居住空間。屋主是一對年輕夫妻、一位小女兒以及即將出生的寶寶,他們希望住宅空間能從刻板模式中鬆綁,由自己的認知定義。28坪的開放空間,沒有明顯的區域界定,四周是隱藏櫃與深凹窗,中間一座3.5米長的檯面滿足生活各式所需,也界訂出開放空間的層次與活動範圍。 得獎感言:我喜歡設計住宅,喜歡從不同人的生活方式中尋找空間想像。此作品的屋主有著獨特的觀念與眼界,讓我有機會挑戰框架,探索現代都市家庭生活與居所之間未被發掘的空間關係。感謝評審們的肯定,看到我的努力。 三星四季青花瓷工作室 本來空間設計 / 林家興 將傳統三合院空間,規劃為青花瓷工作室,保留石砌牆、磚牆以及回收被颱風吹落的屋頂木椼架,結合新的水泥牆面及鋼構椼架,並適當地引入光線及增加視覺通透性,與戶外的風景相融。空間區分為工作室、彩拓教室、咖啡店及產品展示區,以原生的雀榕樹為中心圍繞,業主簡化陶藝製作流程,將在地的風景地貌轉化為創作的圖騰元素,並讓民眾參與其中。 得獎感言:感謝TID評審看見了我們在有限預算下,運用基礎建材所營造出來的空間氛圍。我們希望商業空間的規劃,不只完成空間而已,而是要把品牌讓更多人知道,因此報名了幾個國際性的獎項,希望因為得獎可以讓地方、台灣甚至國外更多在不同領域的人看到《三星四季青花瓷》這個品牌,這樣的方式也可成為我們設計空間之外給品牌另外的附加價值。 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」中華民國室內設計協會 CSID、本屆獲獎各大事務所

  • Baccarat法國巴卡拉水晶創立於1764年,以精湛的工藝、華麗優雅享有盛名,印度、俄國皇室與歐美名流的青睞,更增添了品牌傳奇色彩。Baccarat水晶採用32%的極高含量氧化鉛製成,以淨透無瑕的水晶與精緻切割工藝為人熟知,Baccarat水晶的折射效果華麗,品牌知名的枝型水晶燈更令無數仕女傾心,燈飾在光線折射下極為華麗夢幻,而品牌最知名的元素莫過於標誌性的「紅色水晶」,象徵著Baccarat集藝術與奢華於一身的基因。   Baccarat標誌性的「紅色水晶」是品牌獨家且領先的技術。有別於其他彩色水晶加入金屬氧化物製成,Baccarat紅色水晶是加入24K的純金並以再次加熱的方式精製,經由資深工匠在高溫燒製時掌握色澤變化,經過昂貴、繁複與挑戰性極高的製作過程,才製成透亮而深邃的正紅色水晶,至今這項技術仍為Baccarat專有,紅色水晶成了品牌作品最具辨識度的標誌,也是每件水晶吊燈必備的經典符號;紅色水晶可說是Baccarat最值得珍藏的彩色水晶,在品牌持續與知名設計師的合作系列裡,紅色水晶也以豐富面貌融入居家空間。   Zenith天頂紅色吊燈 Zenith水晶燈飾系列是Baccarat最知名的古典水晶燈。Baccarat在品牌250週年時推出Zenith雙色水晶吊燈,將經典的紅色水晶運用於吊鏈、燭杯,與水晶菱柱掛飾,細膩的鑽石切割使燈飾的光線折射效果更為璀璨。水晶吊頂端及底部綴以大量的水晶掛墜飾,頂端的百合花吊墜是象徵法國的皇室標誌。Zenith水晶燈飾是不僅是皇室名流與頂級會愛用的燈飾,也是全球知名設計師與Baccarat合作時的創作靈感來源。    HARCOURT哈寇特我心之火燭台 「我心之火燭台」是設計師Philippe Starck在2006年設計的「Our Fire熱情之火燭台」改版。在透明燈罩中映襯出紅色哈寇特高腳杯形狀,燭光透過水晶散發出柔和暖光,精緻浪漫。   OCTOGONE紅色八角鑽型花瓶 八角鑽型花瓶由設計師Thomas Bastide創作,靈感來自Baccarat吊燈常用的八角形紅色水晶流蘇/吊墜設計,將品牌經典標記作為空間裡是醒目直覺的亮點。   FAUNACRYSTOPOLIS 晶奇動物之都-猴子 Jaime Hayon與Baccarat攜手的創作系列。Hayon重塑動物造型,展現品牌的切割工藝。頭部以Baccarat自豪的三層紅色水晶為主體,採用切割雕刻臉部線條。頂部的祖母綠色水晶採用扁平切割,耳朵與鼻子是以斜面切割的透明水晶,另以鈀金鑲嵌點綴,底座則搭配綠色卡拉拉大理石。全球限量25件。   BACCARAT巴卡拉遊戲系列-五子棋 2019年底Baccarat與Marcel Wanders合作推出的頂級桌遊。棋組共有180枚透明水晶棋子和181枚黑色水晶棋子,包括替補黑色水晶棋子和透明水晶棋子各2枚。棋子雙凸面設計令執子感受厚實,每枚棋子正反面刻有系列與品牌標記。棋板採用白色大理石板製成,棋盤格線以鍍金雕刻,棋板刻有金色Baccarat字樣與Marcel Wanders簽名。棋板上鑲嵌9塊紅色圓形水晶片,白色大理石缽可盛裝棋子,是以現代奢華視角重新詮釋傳統遊戲的收藏級遊具。 Torch 火炬壁燈 以色利知名設計師Arik Levy操刀設計,運用Baccarat經典的「Zenith天頂」吊燈作為主要元素,呈現華麗繁複的鑽石型切割與古典外觀,配有金屬材質底座與柔和的織品燈罩,集古典華麗與現代風格於一身。   HARCOURT羅馬圓柱紅頂花瓶 知名水晶設計師Thomas Bastide將經典哈寇特Harcourt的鮮明特徵:三節手柄、六角形、平面切割運用於花瓶,創作出古典建築的欄杆身形,束口圓身器形適於擺放小花莖類鮮花,瓶頸以Baccarat獨步全球的特殊塗層水晶工藝點綴,造就古典與時尚混搭之美。    Zenith Unfocused 天頂夢幻璀璨水晶吊燈  原是Philippe Starck為Baccarat全球第二座、位於俄羅斯莫斯科的水晶宮所設計。這款水晶燈重新詮釋Baccarat最經典的Zenith水晶吊燈,搭配透明、霧面、粉紅及霧灰色的淺色水晶,不規則的點綴在吊燈的各個部位,營造出夢幻浪漫的設計感。珍珠灰色的錦緞燈罩令這款吊燈更加時髦,而細節與材質的考究,讓它成為高級餐廳、飯店的愛用燈款。   NEW ANTIQUE 森林之王花瓶 Marcel Wanders設計之作,以「新古董」精神作為構想,將傳統造型、風格與元素,用當代視角重新組合創造。花瓶集繁複的巴洛克切割與傳統石柱元素,義大利大理石每件紋理都不同,讓這件新古典主義風格作品,件件更加獨特。全球限量99件。  Mille Nuits一千零一夜紅色香檳杯對杯 設計大師Mathias設計的「一千零一夜」系列,自問世以來即是品牌最受歡迎的作品。創作靈感來自設計師幼年在敘利亞與土耳其生活的經驗,以中東的神祕、歷史與繁複的裝飾圖騰作為靈感。香檳杯擁有高挑、優雅的長笛型線條,精緻的威尼斯式切割更增添水晶耀眼光芒,十分華麗高雅。   圖片提供」Baccarat法國巴卡拉水晶 採訪」Sumile

  • 2020 杜拜世界博覽會日本館

    一期一會 創意交會

    若查詢杜拜的天氣,觀光局會告訴你,全年四季氣候溫暖,每年10月至隔年5月,氣溫約在攝氏20-35度,和可達到攝氏40度以上的6至9月夏季相比,較為舒適宜人。5年一次的世界博覽會,首度在中東地區舉行,原先訂於2020年10月於杜拜展開,無奈受到新冠肺炎疫情影響,由六成以上會員國投下贊成票的決議之下順延一年,於2021年10月1日正式開幕,為期182天,直至2022年3月31日止,迎接來自各地的遊客。 純白色系建築量體位於「機遇展區」,以日本熟悉「白銀比例」來配置。© Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 與夏季奧運相同,正式名稱仍沿用「2020杜拜世界博覽會」,有192個國家及地區參與,不僅是世界最大展覽,被視為各國彰顯實力的舞台,國家場館出自各國名師,更是綜覽能否成為經典之作的建築界盛會。本屆核心主題訂為「溝通思想,創造未來」(Connecting Minds, Creating the Future),設置「永續發展」、「流動性」與「機遇」三大主展區,透過多元知識交流期許構築更美好的世界。 日本館鎖定在中東、非洲地區的未來發展,達成更多經濟暨文化交流,日本身為下一屆2025世界博覽會主辦國,更加重視「2020杜拜世界博覽會」,在主導的經濟產業省、日本貿易振興機構JETRO審查之下,選出由曾操刀「LOUIS VUITTON 京都大丸店」、「豊島橫尾館」的建築師永山祐子執行,成為首位設計世界博覽會日本館的女性建築師。  從正中央的廊道進入,彷彿走上寺院參道的儀式感轉換觀者心境。© Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 2020 杜拜世界博覽會日本館 建築設計」DENTSU LIVE INC.(總策劃)、永山祐子建築設計 (建築設計) NTT FACILITIES, INC.(設計整合、概念設計)、ARUP( 結構、設備、 FACADE ENGINEERING)  建築類型」文化展館  地點」杜拜 建築執行面積」3,200 平方公尺 建築施工」OBAYASHI MIDDLE EAST CONSTRUCTION, LLC 永山祐子 1975年生於東京,1988年畢業於昭和女子大學生活美學系。1998~2002年任職青木淳建築計畫事務所,2002年成立永山祐子建築設計。 阿拉伯圖騰與日本文化的交會 日本自古文化便相當重視相逢緣分,有著「一期一會」的說法,相遇之中吸收外部新知或文化,進而衍生出新鮮創意,提升自我價值。這屆日本館主題定調為「創意交會」(Where ideas meet),初始規劃中,即點出建築必須符合的要素:除考量杜拜一整年高溫潮濕氣候,要節能減碳又避暑,選擇適合當地的材料,盼運用日本獨特的建築技術,揭示對於地球永續發展的環境技術,充分發揮日本各領域的實力。繼2015年米蘭世界博覽會結合傳統與最新技術的立體木格子建築、2000年漢諾威世界博覽會中,建築師坂茂運用最擅長的紙管建築後,2020 杜拜世界博覽會的日本館位於「機遇展區」,純白色系的建築外觀設計,融合阿拉伯圖騰與日本平安時代流傳至今的麻葉紋樣意象,從平面幾何紋飾轉為立體的傳統木工藝「組子細工」來發想,雖然在歷史上,日本與杜拜兩地看似關聯性低,但據說有著絲路來串連,企能重現當時文化的相互對話。 前方水池倒映著日本館,不僅為建築降溫,也延續日本傳統建築融入水景的手法。© Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 建築師永山祐子表示:在杜拜世界博覽會主題「溝通思想」(Connecting Minds)之下,思考建築如何達成中東與日本文化的連結、技術的溝通是主要方向。文化層面展現在量體外觀,技術則是源於中東地區自古便有水資源的課題,調查下得知日本的淡水化技術在中東相當受到肯定,因此於建築前方規劃水池,搭配中東傳統的換氣風塔與日本開發的冷卻系統,更冀望日本館本身達成人與人溝通聯繫的場域。 折型禮法 盛迎來客 建築外觀以約 2,000 張柔軟輕薄的白色 PTFE 膜與立體桁架結構不斷重複構築,恰能包覆場館遮擋日曬且通風,比起一整張大面積的膜結構覆蓋,約為人體半身大的布膜堆疊,隨著風吹搖動更創造出風的可視性。所表現的立體感有如細緻的日本摺紙意象,其實是無心插柳,而是在地人的提醒關注下發現相當類似。恰巧摺紙正是源自傳統文化中,贈禮時在和紙包裝出現的「折型禮法」,也能象徵以崇敬款待之意來迎接入館的客人。如此具有特色的外牆是先行確立會採用球型系統桁架,設計時為了能使細節更加精準,透過電腦來演算膜的數量、位置,進行參數化設計,並透過虛擬實境 VR 來驗證,更與製造商一同確認模型決定最終細節,最後達成超乎預期地理想成果。 外觀設計融合阿拉伯圖騰與日本平安時代流傳至今的麻葉紋樣意象。 © Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 總面積超過5,000平方公尺日本館前,水池除了有降溫功能,還成為一片天然的鏡面,倒映著建築,並利用水的蒸發熱來調節自然風的環境裝置達成永續精神。思考量體配比時,由於所在基地平面為梯形,便以日本熟悉的「白銀比例」(1:1.414)來切割出兩個等腰三角形,區劃建築量體與水池。對比於西方美學的黃金比例,從上空俯瞰場館時也能展現出日本傳統美學語彙。 約2,000張柔軟輕薄的白色PTFE膜與立體桁架結構打造日本館印象。© Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 謙禮環境 水景入映 從正面來看,建築量體刻意退縮於池面之後,隨著穿越水池的路徑走入,創造出日本風格及蘊含的和式美學精神。讓人不禁聯想到自古以來,日本建築便擅於將水景融入庭園,透過水面不僅映照出因應季節、氣候的細微轉變景觀,也讓建築不斷產生各種表情,特別像是平安時代興起的「淨土式庭園」。而一邊欣賞倒映於水中的建築,一邊從正中央道路進入,更有著走上寺院參道的儀式感。建築師永山祐子也將本案與2020年JR東日本高輪Gateway站前的活動「Takanawa Gateway Fest」與「HOUSE VISION 2016 EXHIBITION」視為自己「水之三部曲」的作品之一。 場館參觀動線開端,白色PTFE膜能遮擋日曬且通風。© Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 永山祐子接受《室內 interior》專訪時說明:在今日生活中,以國家為個體單位的概念已逐漸消失,而是邁向全球化,在建築業更是顯而易見。例如在打造建築物時,多數建材皆來自國外,因此會去思考全球化世界中的日本角色,從日本風土民情、與伴隨而來的自然觀、衍生的文化等來發想日本館要傳遞給世界的魅力。本案中,除了考量了如何使用全球化材料,也同時向參觀者表現日本的世界觀;日本有著所謂「陰翳禮讚」的美學概念,曖昧的空間性即是日本建築的魅力之一。 她指出日本館提出的並不是強而有力的量體,而是和緩地讓內外空間連結,從刻意退縮的建築配置、透過立體格子與布膜來展現的細緻光影,並且能自前方水池的細微水波紋表情欣賞倒映在水面搖曳的立體格子。這些源於日本人從自然環境而來的美學意識、與實現其成果的技術成為本案最重要的理念。而早已進軍中東地區的日本海水淡化系統,以及實現本次立體格子構造的成熟技術也涵蓋其中。 挑高的等候區,白色PTFE膜完整包覆全區。© Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 對於自己在中東地區的首件作品,永山祐子敘述,中東與日本所使用的材料規格不同,選材時頗為辛苦,對於完成品的想法也有所差異,是在本案中遇上的難題。由於基地距離歐洲較近,此次主要的外牆系統是來自德國,運輸上相對便利。而自2018年開始執行的2020杜拜世界博覽會日本館在施工期遇上疫情,受到跨境限制,讓工程執行變得困難,過程中還導入360度攝影機與遠端檢查系統,透過網路在嚴謹而綿密地溝通下才得以完成。提及遇上疫情時代,永山祐子表示,日本館的主題是呼籲思考解決地球的課 題,而疫情便是需要面對的新課題,在疫情期間建造的日本館當然也不斷遇上需要解決的問題,對於最終能夠完工,也呼應了日本館主題感到十分高興。 用科技讓虛實相會 進入室內,參觀者率先抵達的大廳空間為二層樓挑高,有鑑於上一屆日本館相當受到歡迎,人潮爆滿,這裡是刻意留給入場者的等待區,而風吹搖曳的純白布膜完整包覆此空間。館內規劃連續性環繞的階梯,參觀者隨坡道動線依序前進,預估每人停留時間約60分鐘。 連續而沿著等候區環繞的階梯創造動線。© Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 為了讓來場者體驗到日本館所要傳達「透過多樣的交會發展出創意,進而交流,朝美好未來邁進」的主旨,並成為連結至下一屆日本國際博覽會的橋樑。館內分為六大區塊,包括:遇見日本、誕生於自然的文化、現代日本技術、世界的課題、創意交會與未來社會燦爛生活的設計,隨著穿梭在不同區域之間,動態影像與聲光效果刺激著各種感官,更有藉著細緻霧氣與投影藝術,創造出前所未有的沉浸式體驗,觀者可從中認識日本歷史、文化與藝術。 夜間點亮燈光,讓猶如日本折紙藝術的 PTFE 膜更加生動。© Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 從大自然環境中學習的「現代日本技術區」以一個個精巧模型呈現,針對當前世界需要面對的各種課題,空間內利用鏡面的無限反射功能,讓影像蔓延其中。「創意交會區」觀者可擁有360度視角的劇院空間;最後區域則是介紹將於日本舉行的2025世界博覽會,場中可見大阪關西會場模型,並有巨大螢幕的影像投影,展現關西在地印象。美食,同樣也是世界認識日本的要角之一,今年選定迴轉壽司連鎖品牌「壽司郎」,進駐場館前的池畔,淨透玻璃的建築外觀融入日本館量體,空間內則以和風為主題迎接來自世界各地的參觀者。 2020杜拜世界博覽會日本館平面圖。© 永山祐子建築設計 配合10月1日的開幕,「虛擬日本館」也同步於線上展開,讓無法親臨的人能感受。以「創意交會」為概念的影片、構築日本館的元素乃至製作過程將一一呈現,而展期中更會隨時傳遞杜拜當地的即時消息。預定12月中旬起,甚至設置能夠遠端操作的分身機器人avatarin,依人體高度設計的機器人隨著瀏覽者操作自由移動,還能近距離欣賞展出,讓人猶如置身現場。而另一個特別設置的「循環 JUNKAN -Where ideas meet-」網站,則點出目前世界需要面對的重要課題或如何解決的創意方向,設定為訊息共享平台,無論從線上或日本館入場者,都能夠留下意見來互動。 圖片提供」Expo 2020 Dubai JAPAN PAVILION 撰文」Chienpei Huang

  • 精品酒店Thompson Hollywood 完美演繹好萊塢精神

    Thompson Hotels於加州的首間酒店近期開幕

    豪華精品酒店Thompson Hollywood於近期正式開幕,鄰近好萊塢(Hollywood)及維恩區(Vine),是Thompson品牌於加州的首間酒店,樓高11層,共有190間豪華客房,並設有酒吧及可俯瞰都市美景的露天泳池。 大廳。 酒店的室內建築及設計由國際知名團隊Tara Bernerd & Partners操刀,整體形象鮮明而且大膽,將西岸的現代主義與俏皮的好萊塢經典合而為一,同時又能夠保有時尚優雅的風格;聰明的空間布局,加上豐富的紋理、中世紀的家具及精心挑選的藝術品,令Thompson Hollywood成為造訪洛杉磯時不能錯過的地點之一。Tara Bernerd & Partners創辦人Tara Bernerd表示:「Thompson Hollywood將成為洛杉磯心臟地帶的全新地標。我們希望透過設計展現充滿活力、大膽卻又溫馨的氛圍,每個設計細節都是量身訂造,洛杉磯優閒的生活模式亦滲透在其中」。 賓客接待處 大廳。風格強烈的家具成為空間亮點。 因應酒店位處的地點,大廳的整體設計瀰漫著中世紀晚期的工業風味及魅力,門前的格子地磚行人道引領旅客走向Crittal風格的雙開大門;內部裝潢靈感則來自西岸派建築,以中性色調的木材為主調,與鑲嵌著黃銅線條的米白水磨石地面構成鮮明對比。融合中世紀及現代風格的家具,配襯由Tara Bernerd & Partners設計的地毯,工業風加上充滿手感的面料及豐富的紋理,成為整間酒店重點。 大廳酒廊及酒吧 休憩區一隅。 延續了接待處的悠閒氛圍,提供旅客悠閒享用飲品與用餐的環境,為使室內的視覺效果更顯對稱,酒吧兩旁皆利用L型長椅搭配充滿復古韻味的咖啡桌椅,深沉煙草綠色中帶點汽油藍的特殊牆體增添了空間的清新氛圍,亞麻布及織布等元素則豐厚了語彙層次;為了貫徹綠意盎然的氣息,無論置身於任何座位,皆可被綠色植物所包圍,與自然為鄰。酒吧區則藏身於酒廊後方,以吸睛的復古綠色縞瑪瑙打造吧檯,上半部為開放式黃銅架,替不同形式的酒瓶和酒杯帶來了存放空間。  酒吧區。吧檯由綠色縞瑪瑙打造,黃銅架則提供了酒瓶和酒杯擺放的位置。 客房 Thompson Hollywood的所有客房均選用寬幅胡桃木地板及奶油色牆面,以明亮柔和的色調打造出沉實而溫馨的感覺。房內同樣擺放了盆栽植物,室內細節盡顯低調卻奢華,其中別具心裁的迷你酒吧更備有皮製雜誌架及托盤,精緻實用兼備。房間內的床邊桌提供充足的收納空間,燈光及裝飾品的搭配更見巧思,令整體空間別有一番風味。 而套房則規劃於角落位置,設有落地玻璃採光,室內通透明亮,房內備有綠色天鵝絨躺椅梳化,配合大理石檯面的用餐及工作桌,展現出簡潔統一的舒適格調。 資料及圖片提供」Tara Bernerd & Partners、PURPLE 編輯」陳映蓁

  • 柏林KaDeWe百貨

    百年品牌的改造與轉型

    法國巴黎的老佛爺百貨(Galeries Lafayette)、英國倫敦的Selfridges百貨、義大利米蘭的La Rinascente百貨,這些歐洲早期便創立的百貨公司,一直是各國零售業的重要支柱,而位於德國柏林西部主要購物區域陶恩齊恩大街(Tauentzienstraße)上的Kaufhaus des Westens(KaDeWe)百貨也是屬於歐洲傳統城市的知名百貨之一。 KaDeWe百貨坐落在柏林西部的主要購物區域陶恩齊恩大街(Tauentzienstraße)上。Photograph by Marco Cappelletti, Courtesy of OMA.  項目簡介 業主」KaDeWe Group 總體規劃」OMA 大都會建築事務所、Ellen van Loon、Rem Koolhaas 項目建築師」Natalie Konopelski 總建築面積」90,000 平方公尺 1907年開業的KaDeWe百貨,曾在二戰時遭到破壞,直到1950年代重生後,被視為德國戰後重建和經濟成功的象徵,有人說KaDeWe百貨的演變如同德國現代歷史的縮影。KaDeWe百貨光是銷售區域面積就超過6萬平方公尺,不僅是德國最大的百貨公司,也是歐洲僅次於倫敦Harrods百貨的第二大百貨公司。 歷史悠久的KaDeWe百貨此次的改造將重新定義百貨公司的模式與定位。Photograph by Marco Cappelletti, Courtesy of OMA.  20世紀後期,全球經濟結構的快速轉變和數位革命,讓KaDeWe百貨早期樹立的消費模式已不符合潮流趨勢,因此,KaDeWe百貨決定重新定義百貨公司、顧客、城市及環境之間的模式與關係。 陶恩齊恩大街(Tauentzienstraße)與Passauer Straße的轉角處,設立一新的兩層樓高的商店櫥窗,作為數位展示。Photograph by Marco Cappelletti, Courtesy of OMA.  KaDeWe百貨將此次的轉型工程交由荷蘭知名的OMA大都會建築事務所負責,翻新工程自2016年開始進行,項目總體規劃由Ellen van Loon和Rem Koolhaas負責領導,而Natalie Konopelski則是項目建築師。 Ellen van Loon. OMA / Frans Strous  Ellen van Loon表示,此次KaDeWe百貨的改造旨在重新定義零售空間、顧客和城市環境之間的關係,然而,電子商務的蓬勃,正在重新塑造人們面對面購物的模式,該項目需要重新詮釋類型學中百年來不曾改變過的一個基本元素。 每個象限的「留白」空間透過木質的電動手扶梯構成。Photograph by Marco Cappelletti, Courtesy of OMA.  OMA將數學中「象限」的概念套用在這次的項目中。將KaDeWe百貨劃分成四個象限,每個象限都有不同的建築和商業氛圍,針對不同客群分為:經典、實驗、年輕與一般大眾;原本龐大的建築量體,透過分割的手法,讓人流與動線更為暢通並易於到達目的地,而這個構思也解決了傳統百貨公司遇到的挑戰以及消費者行為轉變所帶來的問題。 象限概念圖。Image courtesy OMA  象限模型圖。Image courtesy OMA  每個象限除了面臨不同的街道入口,各個區域皆圍繞著既是中庭又是主要垂直動線的「留白」空間規劃,「留白」空間都是經過特別規劃,希望在一家百貨公司內即能產生四種空間體驗和四種高效的組織模式。而象限之間則透過十字形結構,不僅規範了各個空間的用途、作為區域之間的過渡,同時連結了品牌與空間策劃之間的關係。 既是中庭又是主要垂直動線的「留白」空間。Photograph by Marco Cappelletti, Courtesy of OMA.  藉由「留白」,產生四種空間體驗和四種高效的組織模式。Photograph by Marco Cappelletti, Courtesy of OMA.  KaDeWe百貨正門上方原本的拱形屋頂則改為從現有建築輪廓延伸出來的簡潔玻璃體量。從最後一個電動手扶梯穿過其中一個「留白」空間即可到達此處,顧客可以在這裡欣賞到柏林的廣闊景色,作為購物旅程的終點。新的屋頂配置,也讓百貨可以在多餘的空間中規劃露天庭院,為戶外活動與展演提供了新的場地。 象限之間透過十字形結構連結。Photograph by Marco Cappelletti, Courtesy of OMA.  KaDeWe百貨正門上方的屋頂可以欣賞柏林的廣闊景色。Photograph by Marco Cappelletti, Courtesy of OMA.  資料、圖片提供與版權」OMA 大都會建築事務所 編輯」歐陽青昀

  • 橫山書法藝術館 10 月 22 日正式舉辦開館暨首檔國際展「飛墨橫山」記者會,由鄭文燦市長主持揭幕。展館位於桃園高鐵站旁,毗鄰青塘園生態公園,為台灣首座由官方經營之書法藝術主題館,更是桃園市立美術館館群中第一座正式開館營運的館舍,別具意義。 橫山書法藝術館建築全景。(原間影像工作室提供) 藝術公園景觀及藝術館建築由景觀設計師吳書原、建築師潘天壹擘劃。建築師以公園基地為「硯台」、陂塘為「墨池」的意象來規劃的園區中,打造了有如五方篆印的主體建築群,結合水岸景觀,將主體建築以硯石色為基調,並藉由錯落矩陣延展其空間,闢出建築間隙,引入自然天光,以禪風建築概念打造硯台及墨池,映照城市的藝術紋理和埤塘的文化景觀。 運用黃檜格柵編織而成的簍空木屏風,來表達東方藏書文化中「閤」的概念。(原間影像工作室提供) 橫山書法藝術館於 2018 年啟動前期籌備,以國際現當代書藝發展的軸線出發,既聚焦漢字傳統所形成的亞洲文化邊界,亦關照科技進步下書寫本身在數位化時代的挑戰,故此,於具體的實踐上,橫山書法藝術館企圖打造、培力的是面向亞洲的書藝生態系。 橫山書法藝術館空拍全景。   開館國際展「飛墨橫山」 「飛墨橫山」攜手中、港、台、日、韓、德、芬等地 51 位藝術家,透過「溯源」、「尋新」、「對語」、「跨域」4 個子題,展示書法藝術傳統與當代的對話,探索書藝創作的時代趨勢和美學思維,為橫山書藝館的未來發展拉開序幕,也展望成為國際書藝匯流的焦點場域。 建築外觀。(原間影像工作室提供) 除了賞覽書法大家作品,民眾更可親身貼近書法藝術,如國際知名藝術家徐冰展出《英文方塊字書法書房-古典版》現地裝置,思考不同文明與跨文化對話,並鼓勵觀眾以字帖臨摹重新思考書寫和文字的本質;或如「造象 Word to World」以傳統漢字起源的神話爲想像,回應「倉頡造字」,並以當代科技為媒介,邀請觀眾參與作品互動,呈現當代科技跨媒材的書藝語境轉換。 「造象 」新媒體藝術裝置。 橫山書法藝術館自 10 月22日至 26 日為開館週,邀請優人神鼓 13 組知名國內表演團隊及在地優秀演藝團體,在橫山書法藝術館戶外公園,帶來連續 5 日的精彩演出,開館展期間更推出免收費優惠,邀請民眾闔家共賞書藝之美。 《飛墨橫山-橫山書法藝術館開館國際書藝展》 日期」2021 年 10 月 22 日至 2022 年 1 月 6 日 地點」橫山書法藝術館(桃園市大園區大仁路100號) 「飛墨橫山」展場一隅。 資料及圖片提供」桃園市立美術館 編輯」林慧慈

  • 香港室內設計周 2021

    為香港室內設計,再創嶄新一頁

    由香港室內設計協會主辦、香港特別行政區政府「創意香港」為主要贊助機構的首屆「香港室內設計周」已於日前圓滿落幕,從8月1 日至22日舉辦一連串活動,除了是香港室內設計界首個且規模最大的活動,同時也邀請大眾一同參與,希望藉此提升大眾對於室內設計產業的關注。《室內》雜誌專訪香港室內設計協會會長潘鴻彬,與讀者分享此次的活動規劃、內容與亮點,以及同時身為PANORAMA泛納設計集團創始人的他,對於未來的展望和設計理念。  關永權設計師與梁志天設計師。 潘鴻彬表示,設計周的規劃始於2019年,因觀察到其他產業常舉辦時尚周、博覽會等活動來向大眾展示成績與交流,然而香港的室內設計雖然活躍於國際,但卻沒有正式且公開的活動能與大眾對話,因此有了設計周的發想。然而因新冠疫情的影響,原規劃在2020年進行的設計周,在多方考慮下,選擇延期至2021年舉辦。香港室內設計周作為產業的首個大型活動,備受各界關注,活動的主旨是希望表揚香港室內設計大師的成就、新一代室內設計專才的才華,更重要的是與大眾分享香港室內設計行業的最新發展。  香港室內設計周活動現場,規劃五大主題展區展出。 為了增加大眾的參與度,設計周正式登場前,即透過由公民提名及投票的「我最喜愛的香港室內空間」展開。潘鴻彬說到,在疫情的非常時期,因為不能出國,反而藉此機會讓大眾回頭欣賞香港本地的設計,從百貨商場、酒店旅館、書店、辦公室到藝文展演空間,從使用者的角度發掘鮮為人知的空間故事,最後獲選的10個空間作品也在展覽中展出。緊接著藉由「開放日」活動,帶領大眾走進平日不易開放參觀的場所,包含表演/視覺藝術場地—藝穗會、義大利設計藝術畫廊—Novalis Contemporary Art Design Gallery、設計工作室—元新建城、電影院—iSQUARE 英皇戲院、品牌陳列室—亞細亞瓷磚概念店,在業內人士的講解下,透過親身體驗,感受設計師別出心裁的設計,進行一場室內設計的藝術之旅。  香港室內設計周活動現場,規劃五大主題展區展出。 最後設計周的壓軸則是在香港會議展覽中心舉行的博覽會、論壇以及工作坊。從8月20至22日,為期三天的活動,共有5場論壇、8場工作坊以及內容豐富的展覽。除了展出由公民投票出的10個「我最喜愛的香港室內空間」,還特別設置傳奇展區向梁志天、林偉而、伍仲匡、顏學添、關永權以及張智強等香港的室內設計大師致敬;「全球室內設計大獎—香港作品展」展出在國際評選中屢獲殊榮的香港設計師,表揚他們的成就和才華;而「創新提案—作品徵集展」(Creative Collection)展區,則介紹以當代生活、社區、學習以及為健康生活而設計的新趨勢。展區和展品之間,透過具關聯性的香港空間故事串聯,彷彿一趟走遍香港天南地北、橫跨傳統與現代的時空之旅。 香港室內設計協會會長潘鴻彬。 論壇一共邀請了25位講者。潘鴻彬表示,因為邀請的學者、設計師不僅來自香港、日本、澳洲、荷蘭等國內外各地且人數眾多,加上緊迫的籌備時間,對於主辦方來說是一大挑戰。5場論壇透過現場以及視訊的方式,分別以「室內設計教育學」、「東方設計匯聚」及「重點會議:酒店零售設計」等議題開講,與參與者分享他們的設計視野,演繹設計的無限可能。 展覽現場。 潘鴻彬作為PANORAMA泛納設計集團的創始人也談及自己的設計理念,公司以書店、商場、酒店等各式商業複合式空間設計活躍,而他們始終秉持「以設計來說故事」的概念。以近期公司榮獲紅點設計獎best of best的《覓居酒店》為例,酒店以「竹子林」的名字作為概念開啟故事,為了做出市場區隔,他們選擇使用在地的竹子為建材,讓它不僅是一個精品酒店項目,更是一個宣揚文化的媒介。他提到,每個案子對於團隊來說都是一次經驗、一個挑戰,希望不斷跳脫傳統,為設計注入更多的「人文」元素。而感知全球化的趨勢,潘鴻彬發覺因資訊發達,各國的設計元素與風格日漸相似,雖然有好有壞,但當作品太過相似就模糊了辨識度。他期許,香港的室內設計能找回自我的文化認同,透過歷史、文化差異等的元素,做出屬於自己的設計。 開放日—英皇戲院參訪。 首屆香港設計周盛大展開也圓滿落幕,然而今年只是個開端,香港室內設計協會希望它可以變成一個持續性的活動,透過業界之間、跨界甚至是與民眾的互動,提升香港室內設計的水平。設計周結束後,協會將專注於亞太區室內設計大獎項目,潘鴻彬表示,今年是香港室內設計協會創辦30週年,目前正積極規劃明年第30屆的亞太區室內設計大獎,作為一個歷史悠久的獎項,不管是在分類、評選系統甚至是對於空間的定義,將因應環境的改變重新調整與規劃,同時除了頒獎典禮,如何透過推廣與行銷活動,延續獎項的效應,讓獎項更具意義也是他們希望努力的方向。 ​資料及圖片提供」香港室內設計周、香港室內設計協會 採訪」歐陽青昀

  • 2021紅點設計獎

    台灣Best of the Best作品精選

    繼四月初,紅點產品設計大獎公佈得獎名單後;緊接著,在八月份宣布了紅點品牌暨傳達設計大獎的結果,紅點設計獎不僅是全球高知名度且備受注目的設計大獎之一,對於設計師來說更是一種高度的肯定與榮耀。紅點設計獎是德國北萊茵威斯伐倫邦設計中心自1950年代創立的產品選拔機制,包含「紅點產品設計大獎(Red Dot Award: Product Design)」、「紅點品牌暨傳達設計大獎(Red Dot Award: Brands & Communication Design)」,以及「紅點設計概念大獎(Red Dot Award: Design Concept)」3項設計競賽。 在為期數天的評估過程中,評審達到一致的共識,從今年投稿與獲獎的作品中,可以發現「數位解決方案」、「品牌」以及「社會責任」這三大特徵,不僅影響設計,同時也是作品獲得成功的原因之一。 第一,「數位解決方案」是近年各產業都十分關注的議題,隨著科技的發展,許多公司與企業嘗試跳脫傳統思維,利用「數位解決方案」作為新的設計方法,紅點品牌暨傳達設計大獎也在今年將「數位解決方案」加入參賽類別之中;第二,「品牌化」成為流行趨勢,市場上的品牌不僅眾多也越來越多元,當品牌化成為趨勢,對於設計者來說,如何創立一個能獲得認同並與其他品牌有所區隔的的當代品牌更是一大挑戰;最後,也是近年各項國際比賽不斷強調的,設計不再只注重美感,它還必須負擔「責任」,如何透過設計解決大眾所面臨的問題,並進而鼓勵大眾改變思維,是設計所要達到的另一境界。 紅點設計獎每年皆收到來自世界各地上千件參賽作品,如此激烈的競爭之下,台灣作品仍獲得十分亮眼的成績。2021紅點產品設計大獎中,台灣共有114件作品榮獲紅點獎,其中馳綠XpreSole Panto雨靴、Porsche Design Acer Book RS筆記型電腦、Philips B1D5000顯示器以及板橋布查花園幼兒園榮獲紅點最佳設計獎;而八月揭曉的2021紅點品牌暨傳達設計大獎,共有105件紅點獎與2021臺灣文博會《花蓮縣館—據說考古隊》、《2020桃園文創博覽會—走桃花》、《STEADY POWER 穩定日常》線形藝術展、《田馥甄 一一》音樂錄影帶、《來嗑光,和_作用》藝術力便當以及4件青年組作品,共9件作品獲得紅點最佳設計獎。 本期《室內》將介紹5件來自台灣的紅點最佳設計獎(Best of the Best)作品。而2021年所有品牌暨傳達設計獲獎作品將會在11月12日起在紅點官方網站進行線上展覽(https://www.red-dot.org),請大家共同關注與參與。 板橋布查花園幼兒園/三角創意 兒童看待世界的視角與成人不同,他們透過玩耍來發掘世界。空間以溫潤的木材以及潔淨的白色為主,明亮清晰的氛圍讓兒童能盡情發揮想像力,考量兒童作為空間的主要使用者,除了加入洞穴造型和圓弧玻璃窗等弧形元素溫潤視覺,並選用柔軟且富有彈性的地板,提供更安全的活動空間。其中廁所明亮通透且低矮隔間的開放式設計,打破傳統廁所的格局,體現設計者對於「安全」的重視。 《STEADY POWER 穩定日常》線形藝術展/大亞電線電纜、INCEPTION 啟藝 大亞集團65週年《 STEADY POWER 穩定日常》線形藝術展,以「穩定日常」為題,訴說大亞電線電纜雖隱身於鋼筋水泥下,但傳遞的電力支撐著人們的日常生活。邀請金工藝術家李昕,用電纜纜芯的銅線為材料創作,透過大眾生活的6個日常場景:粥攤、燈塔、火車、餐桌、廟宇、大樹,打造6座藝術裝置,搭配燈光情境、語音導覽,營造出如同沉浸式劇場的氛圍,觸發參觀者的記憶並產生聯繫。 《2020桃園文創博覽會—走桃花》/桃園市政府、格式設計 桃園是全台第一個舉辦在地文創博覽會的城市,以每兩年舉辦一次的形式進行。《2020桃園文創博覽會—走桃花》選擇在富含歷史記憶、具多元文化的中壢馬祖新村舉辦,將這個獨特的文化遺址透過設計翻轉大眾印象。「走」在閩南語中有「跑」的意涵,團隊以「走桃花」作為活動名稱與宣傳語,將眷村空間打造成當代文化的桃林,展現出桃園不停向前邁進的推動力。   2021臺灣文博會《花蓮縣館—據說考古隊》/花蓮縣政府、偶然設計 《花蓮縣館—據說考古隊》是2021臺灣文博會的地方展館之一,為了展現花蓮最靈性的一面,設計團隊進行了一年的實地田野調查,收集了花蓮的聲音、植物、香氣、石頭和故事。從地面升起的巨型石頭裝置,是利用上千片廢棄的大理石板材堆疊而成,由布農族的石板屋延伸成板塊量體,展示出花蓮的特質。展覽邀請參觀者成為傳奇考古隊的一員,一同進入並探索花蓮最獨特的風景。 《來嗑光,和_作》藝術力便當/新北市政府農業局、朱銘美術館 《來嗑光,和_作》藝術力便當是2020年朱銘美術館與新北市農業局聯手為《來嗑光,和_作》藝術展演推出的宣傳商品。跳脫傳統藝文活動利用廣告、海報等的宣傳行銷手法,從大眾每天關心的話題「食物」為發想,將宣傳資料、夏日造訪金山必備的毛巾、野餐墊等,化為在地食材造型,組成趣味又吸睛的便當,並在辦公大樓的便當自動販賣機限量開賣,一份不能吃但卻很實用的便當,成功造成話題。 ​資料及圖片提供」Red Dot Design Award  編輯」歐陽青昀

  • PAVILION TOKYO 2021

    東京奧運之迷你場館展

     猶記得2013年東京申奧成功時,日本舉國歡騰的畫面在各媒體擴散,我也跟著莫名興奮,盤算將一同參與。彼時東京申奧形象大使-女主播瀧川克莉絲汀在宣傳提出,將以日式熱情款待之心「O・MO・TE・NA・SHI」迎接世界,也讓世界更加認識東京,認識日本。   然而無可預期地,2020年初開始的新冠肺炎嚴重打擊了世界,也包括東京在內,各項活動陸續停擺、取消……最終,延期了一整年的夏季奧運與帕奧總算順利完成。而由東京都主導,原意為迎接世界各國遊客,隸屬 Tokyo Tokyo FESTIVAL Special 13一環的「Pavilion Tokyo」也配合奧運及帕奧順延一年,於今年夏天圓滿展出。   隨著準備期延長,原訂的展出內容與地點也有所變更,參與建築師與藝術家團隊則增加至8+1組,包括藤森照信、妹島和世、藤本壯介、石上純也、平田晃久、藤原徹平、会田誠、草間彌生、真鍋大度+Rhizomatiks。作品展示以東京奧運主場館「新國立競技場」周邊為主,從澀谷、青山到濱離宮恩賜庭園與因應東京奧運開設的「高輪Gateway」站,並於主要企劃的「Watari美術館」展示各作品的草稿、模型等概念。以都市新景觀讓造訪東京的人能夠在遊逛城市之間認識世界仍未知的日本文化魅力。如參展者之一的平田晃久在相關講堂中所言,56年前的東京奧運打造出多座場館,是建築師們大顯身手的舞台,這次雖未能再現建築盛況,也盼藉此小型場館群凝聚力量,傳遞創作者們眼中人與都市的對話。    藤森照信-茶室五庵 以茶室建築為人所熟悉的藤森照信,延續東京奧運要迎接世界的款待之心,獻出最新茶室作品。二層樓高的底座覆以草皮綠意,上層則將杉板燒製,經過碳化熱處理,使其更防火耐久,由外便可見傳統茶室的窗戶、障子門扇意象。自1樓穿越狹窄梯子攀上2樓,茶室典型的4蓆半面積中,考量訪客來自世界各地而增加坐式桌椅,結合和紙與壓克力的燈具也是首次嘗試。開窗後視野正對著龐大量體的「新國立競技場」,有如畫框般納入都市景觀,關閉時又彷彿瞬間移動,進入茶聖千利休的世界。藤森照信在開幕記者會中也表示,展期結束後盼能運回自己的故鄉長野茅野市,和目前既有的多棟茶室,包括「高過庵」、「低過庵」等藤森照信建築群一同展出。 獨一無二的茶室矗立於東京。攝影:ToLoLo studio 開窗便可見奧運主場館之「新國立競技場」。攝影:ToLoLo studio   妹島和世-水明 為展現日本魅力,妹島和世盼於有歷史淵源的基地發揮,最終選上被現代高層建築環繞的傳統日式庭園「濱離宮恩賜庭園」內的「延遼館」。全長168公尺的鏡面水道蜿蜒穿梭於林間草坪,打造平安時代庭園中的「曲水」風景,透過鏡面與澄淨水面映照天空及周邊景觀,是呈現「水」的場館。雖看似是靜止水面,其實有著水流循環的裝置,在精準調節地面高度後,水流會隨著設置其中的人造花與植栽產生變化,在多種視角下能發現不同風景。因會受風雨等天候影響,經過多次實驗與調整,開展前妹島和世也幾乎每日前往確認,完成融合於自然中的作品。 俯瞰「濱離宮恩賜庭園」中的鏡面水道。攝影:妹島和世建築設計事務所 藤本壯介-Cloud pavilion 延續藤本壯介自己從首次個展以來對於雲朵的熱情,作品名為「雲之場館」,同時設置於擁有豐富自然的代代木公園與現代感十足的「高輪Gateway」車站。考量到夏季展期,希望讓參觀者更加舒適,以飄浮在各國、各地角落,有如世界大屋頂的雲朵來發想。材質選用氣球,需不停維持膨脹狀態,欲創造出能包容所有的建築,透過高度計算,在其陰影下區劃出空間範圍,看似有著外觀,卻沒有壁面的隔閡,打造一個似建築又非建築原始定義的作品,而隨著設置地點的不同,所反映的周邊環境也讓觀者有不同感受。 代代木公園內被自然包圍的 Cloud pavilion。攝影:木奧惠三   石上純也-木陰雲 選在都市中卻能保有隱密性的九段下「kudan house」,這棟1927年建造,西班牙風格的企業家私人宅邸庭園內,運用碳化熱處理,將杉木表面燒製焦黑,於園中佈滿柱子並架起屋頂,遮擋住現代的高樓建築,並在構造上穿鑿出無數的小孔讓光線能夠穿透,與樹蔭之間的空隙交錯,映射入點點光源,呈現彷彿廢墟化的場景,以復舊的「新」建築完美融入歷史風景。在被自然綠意圍繞的庭園中,即使夏日展期也能夠讓參觀者感受涼意與舒適感。 日光透過樹蔭與刻意穿透的孔洞灑落。攝影:後藤秀二   平田晃久-Global Bowl 青山通上的聯合國研究機構前廣場,一直以來便是讓都市呼吸的留白處,平田晃久以「將世界包圍其中」為概念,選用讓人想親近撫觸、甚至坐下停留的溫潤木質,設置有如翻轉龜背造型的巨大木碗。穿透性的多孔裁切是在日本最新的3D加工技術協助下,實現挖空巨木的概念。將一塊塊木材削成像恐龍骨架般,再到現場進行組合磨製,打破作品空間內外的界線,往來行人能自由地穿梭進入其中、休憩,也像是呼應留白廣場在都市的角色,夜晚更會打燈呈現非日常感的謎樣氣氛。 穿透性高的多孔裁切打破作品界線。攝影:ToLoLo studio   藤原徹平-Street Garden Theater 擁有舞台藝術等跨界背景的建築師藤原徹平最初以劇場相關為主題,欲呈現從街頭起源的傳統藝能,甚至提出展期之間移動劇場的想法。但隨著疫情變化,宅家期間他再次意識到植栽與人們的關係,靈感來自出現於都市各角落的微小植栽風景,因此主題修正為自江戶時代以來的日本園藝文化,於青山地標之一的岡本太郎雕塑旁打造出「為了植物與人的劇場」。透過木桁架結構與植物的多重纏繞,以「植栽樑」為名,乘載著花卉、香草植物甚至是蔬菜的盆栽,使用者可走入其間欣賞,感受都市脈絡中植物與人們的對話。   作品位於青山地標之一的岡本太郎雕塑「兒童之樹」旁。攝影:ToLoLo studio   会田誠-東京城 以銀杏林道為人所熟悉的明治神宮外苑,原有江戶城的石牆遺跡上,矗立起藍色、大地色二座「東京城」,選擇媒材是藝術家会田誠善用的防水布與紙箱,有著平價卻能堅固保護的特色,不僅適合此次場館的臨時性,也象徵不被困境擊退的人們。約10公尺高的紙箱東京城先以金屬勾勒架構,再以拼布般黏貼塑型,上層的天守閣則是事先完成製作運送至現場組裝。而高度減半的防水布東京城以鋼管組構再覆蓋上防水布並繫繩固定。 隔著道路相對的紙箱城與防水布城。© AIDA Makoto。攝影:ToLoLo studio   草間彌生-The Obliteration Room 最後追加的草間彌生團隊以2002年首次問世的互動展覽《消融之屋》參加,在澀谷區公所辦公廳內,打造出公寓。從客廳、餐廳、廚房到和室一應俱全,也完整設置家具、電器用品與居家擺設,展出前地板、壁面到家具全面地塗白,展期中事先預約就能免費參觀,來場者可自己隨意貼上圓點貼紙,結束時便共同完成一個被圓點淹沒的房間,呈現草間彌生所述消逝於圓點的概念。 房間內設置各種生活細節。攝影:木奧惠三 ©YAYOI KUSAMA Yayoi Kusama / The Obliteration Room 2002–present Collaboration between Yayoi Kusama and Queensland Art Gallery. Commissioned Queensland Art Gallery. Gift of the artist through the Queensland Art Gallery Foundation 2012. Collection:Queensland Art Gallery, Australia. Cooperation:OTA FINE ARTS   真鍋大度+ Rhizomatiks-2020-2021 位於Watari美術館對面的空地,擅長透過軟硬體讓人與科技連結的團隊,以視覺呈現,自2020年春天起緊急事態宣言下至今,陷入混沌狀態的各種訊息,透過AI將其抽象化轉變成連續性的文字或影像,在視覺不斷變化之下,透過展示板在人們眼中看似是光,實則為瞬間消失已成歷史的幻影。 都市中不斷傳遞著轉瞬即逝資訊。攝影:木奧惠三   Tokyo Tokyo FESTIVAL Special 13 PAVILION TOKYO 2021 主辦單位」東京都、公益財團法人東京都歷史文化財團 Arts Council Tokyo 、 PAVILION TOKYO 2021執行委員會 企劃」Watari美術館https://paviliontokyo.jp   PAVILION TOKYO 2021 展期」2021年7月1日至9月5日 會場」東京都各地,以新國立競技場周邊為主。 創作者」藤森照信、妹島和世、藤本壯介、石上純也、平田晃久、藤原徹平、会田誠、草間彌生 特別參加」真鍋大度 + Rhizomatiks   PAVILION TOKYO 2021展at Watari美術館 展期」2021年6月19日至9月5日 開放時間」週二到週日(AM11:00-PM19:00) 創作者」藤森照信、妹島和世、藤本壯介、平田晃久、石上純也、藤原徹平、会田誠 撰文」Chienpei Huang  

  • 異雲書屋《花氣 — 亞洲花器集珍》

    演示生活裡的藝術風景

    花器是與生活最相關的藝術品,它是收藏,亦是生活器物,反映出不同時代、文化背景以及創作者對於美的定見。秉持「器用為上,用之為美」的核心理念,坐落台北市青田街的異雲書屋日前推出《花氣 — 亞洲花器集珍》展,展出內容匯集台灣、日本、韓國、中國共橫跨千年的花器藏品,包括台灣超過300年歷史的原住民陶壺、台灣日據時期金煉成、紅磚胎藝品、日本鎌倉時代器物、韓國李朝白瓷,以及中國新石器時代、戰國時期及至漢、唐、宋、元、明、清等朝代的歷史器物,讓美學愛好者能縱觀千年與不同地域文化所孕育的器物,閱讀它們對於過往生活的象徵意義。   異雲書屋推出花氣 — 亞洲花器集珍,匯集逾百件橫跨千年的器物,演繹出歷史器物在當代生活的美感呈現。 器_中國仰韶文化彩陶罐 中國西漢灰陶繭型壺 中國元代四繫罐 中國明清陶甕 (左至右)。 異雲書屋秉持器用為上,用之為美的理念,於花氣 — 亞洲花器集珍展覽中,汲宋朝文人四藝其二之插花、掛畫,將花與器諧和共生,於展覽空間內打造嶄新的共生關係與美學體現。 花器之美其實也源自於它和花材、花藝師的對話。異雲書屋主理人陳維駿擁有室內空間設計專業背景,素來對生活藝術與空間美學擁有豐厚心得,這個展覽一如他所主張的靈動美學精神,將生活作為藝術涵養的集大成表現,特地邀請七位當代藝術創作者,包括顏貽成、吳士偉、彭康隆、羅士亷、許靜、柯偉國、李凱真參與,讓書法、繪畫、陶藝、混合媒材與花器並呈於展場裡,同時也邀來多位花藝師參與,由花藝師選擇展品與真實花木展開對話,打造出各具特色的韻致情境,讓展覽選品不再是單純的器物呈現,而是回歸到可用可賞的生活本質,演示真實而立體的藝術風景。   器_台灣排灣族陶壺 中國明代磁州窯罐 (左至右),畫_彭康隆。 器_金代磁州窯瓶 韓國李朝白瓷罐 (左至右),掛畫_許靜(芳華載) 李凱真(花色殘影) (左至右),材_草海桐,事花_古玉貞。 一如花開花謝的自然周期,每位花藝師將陸續於《花氣—亞洲花器集珍》現場進行創作,以個人美學、視角表達對於器物、藝術的心得感受,週週別有意境,猶若一場場別致的小型盛宴。 器-台灣歸仁窯槽 羅士亷當代陶器 日本渡辺勝竹斎竹籃 (左至右),掛畫_許靜(花氣),材_山歸來 莎草 小判草 紫花藿香薊 繁星花 玉葉金花,事花_古玉貞。   異雲書屋 《花氣—亞洲花器集珍》展覽資訊 開展時間」2021年08月22日至10月25日(周二公休,配合防疫政策,展覽參觀採預約制) 開放時間」11:00am-6:00pm 地址」台北市大安區青田街12巷23號1樓 電話」02-2395-5858 Facebook」異雲書屋 yiyun art Instagram」yiyun_art 官方網站」yiyun-art.com 採訪」Sumile

  • 2021-2022 愛馬仕家居系列新品

    奢華始於感官的溫度

    愛馬仕米蘭家具展日前正式開展,於現場展出一系列作工精緻、設計別致的2021-2022系列新品。展場別富異國風韻,樸素的空間質感與活潑色彩,流露濃濃的手作溫度以及些許童心趣味。   愛馬仕米蘭家具展現場。 愛馬仕米蘭家具展現場。 愛馬仕米蘭家具展現場。 愛馬仕米蘭家具展現場。 2021-2022愛馬仕家居系列新品一如品牌向來歌頌創作、工藝藝術與材質內涵的精神,採用原始、天然素材為主,突顯出手作藝術與物料之間的連結,以極具溫度與精緻細節觸動人心,表達了奢華始於感官溫度的定義。 Sillage d’Hermès 扶手椅   這張有機形態的扶手椅,造型結構設計出自於孟買工作室的建築師團隊。採用木材為骨架,外層塗覆成分包含來自義大利普利亞地區製造的紙微米纖維,該地區同時也是16世紀時期混凝紙漿的發源地。 創新材質與古老工藝的完美平衡,令座椅結構堅實且觸感柔軟,椅身上的線條採用手繪塗繪而成,流露出別致韻味。   Lignage d’Hermès系列 石桌 選用比利時埃諾省的青石切割而成,石材本身為黑色,雕鑿後的紋理卻呈現白色,石匠以尺在檯面上精準刻劃出放射線條,展現原始美學與精湛工藝的相遇,每件都是獨一無二。   Sialk系列 餐桌擺飾 家飾系列再添全新材質。此系列以銅薄板為胎體,採用模板塗繪琺瑯釉料。透過燒製時呈現質地與色彩的反差,是餐桌上的獨特亮點。     Sarazine系列 檯燈 以天然母牛皮為主體、書寫紙為燈罩,搭配品牌細緻的馬鞍雙針縫法完美接合為燈型,結合品牌極具代表性的經典材質與專業技藝,令這款檯燈除了是情境燈光的來源,也是生活裡的收藏品。   Chromatic系列 籃子 結合皮革和柳條、皮具和編織的異材質與工藝技法,透過一只籃子開啟兩種材質與專業手作之對話,明亮配色為空間帶來吸睛焦點。   Théorème Round and Round系列 置物盒 手繪漆木置物盒的盒面圖案主題,是法國最著名的賽馬場鳥瞰圖。由Nigel Peake設計的Round and Round圖紋,不但與鮮明的騎士絲巾服相呼應,亦是向馬術傳統致敬。   Park 水瓶提籃 採用法國珍貴的傳統工藝—植物纖維編織製成。皮革與柳條編織的水瓶提籃貼心隨附兩個Intervalle系列水晶高腳杯,讓出遊時光依然享受美好。     Méridien 格紋毯 將喀什米爾羊絨與金線這兩種精緻的紡織布料,交織成宛如雲朵般輕柔的格紋毯。喀什米爾羊絨是經過數小時的手工輕壓工序,耐心地以水將其羊毛氈化而成,質地溫柔細膩。金色細線於喀什米爾羊絨上穿梭交疊,為輕柔毯面織入了璀璨流金。   H Dye系列 披毯 手工編織的披毯擁有豐富色彩,獨特的幾何圖形與色彩層次織構成「H」字樣,體現愛馬仕的極具代表性的工藝精神與當代靈魂。     Tigre Bayadère系列 披毯 畫面從條紋森林中探出頭來的皇家老虎,是設計師Gianpaolo Pagni從埃皮納版畫(Images d’Épinal)收藏中汲取靈感再重新演繹。披毯圖騰採用絲網版印刷技術呈現,喀什米爾羊絨的柔細觸感令人傾心。   Hippomobile系列 餐瓷 故事始於設計師Gianpaolo Pagni自Émile Hermès博物館館藏中發現的一匹馬的雕刻。他以騎師的絲巾騎士服為靈感,為馬匹裝飾繽紛的圖紋飾帶,構成此餐瓷系列的主要元素。俏皮的設計與活潑色彩貫穿全系列,提供隨心搭配使用的樂趣。   圖片提供與版權」愛馬仕Hermès 編輯」Sumile

  • 使用餐具器皿所感受的細緻與藝術性,向來是生活裡的一種奢寵。丹麥精品GEORG JENSEN喬治傑生自1904年於丹麥哥本哈根開設第一間銀雕工坊,即信奉以卓越工藝賦予銀製品藝術生命,其精緻的銀雕餐具向來被視為重要時刻的使用器皿,也是別富意義的傳家物,集品牌工藝精華的銀雕藝作系列,更是許多藏家的口袋名單。   2021年喬治傑生推出銀雕藝術年度典藏系列,新作靈感源自品牌創辦人喬治傑生於1921年所設計的銀雕冰鎮酒桶,由於此款酒桶出廠數量極少,在古董市場早已被視為稀有品。在百年後的2021年,由品牌銀雕工坊資深銀匠複刻,讓它重現於世,同時也以其為靈感,衍伸創作出「銀雕香檳杯」、「魚子醬銀雕器皿」、以及「魚子醬銀雕匙」,件件作品均以象徵豐饒的葡萄裝飾,傳承品牌百年工藝與詠讚自然之精神。 編號357  銀雕香檳桶 以繁複細節呼應新藝術運動時期的設計風格,採用925純銀打造,直徑與高度為25公分,桶身佇立於飾有銀珠的底座上,上緣浮雕飾邊是抽象的藤蔓姿態。兩側把手以手工雕刻的葡萄及葉片相互纏繞而成,宛若兩個精緻的小花環。此款香檳桶最經典之處,當屬表面數以萬計的手工鎚痕,鎚痕搭配氧化處理,在光線下照射下會映出深淺不一的立體光影,是品牌聞名的標誌性細節。銀雕香檳桶製作工序繁細,每件需耗時六個多月打造。     編號263C  銀雕香檳杯 銀雕香檳杯呈現新藝術運動時期裝飾風格,採用925純銀製成,高度約22公分,重量僅280公克,酒杯握柄處以扭結纏繞演繹葡萄藤蔓,恣意垂墜的小巧葡萄串和葉脈不對襯的錯落,表達結實纍纍的富饒意象。香檳杯表面與底座均運用品牌獨有的手工鎚痕工藝,在光線照射下會反射出淡灰色的柔和光澤。     編號1507 魚子醬銀雕器皿   魚子醬銀雕器皿以新藝術時期的品牌代表作品「葡萄碗」作為靈感,採用雙層結構,外層缽體以純銀製成,底部綴以精緻雕刻與立體葡萄葉脈裝飾,銀缽內可以裝盛冰塊,再放入手工吹製的無鉛水晶碗,讓碗內的魚子醬保持鮮美。這款器皿採用採用活動式扣合設計,除了能結合純銀碗蓋使用,也可讓外層銀缽與內層水晶玻璃缽旋開,分別各作他用,生活空間靈活點綴。   編號1507   魚子醬銀雕匙 魚子醬銀雕匙採用銀質與牛角製成,彎曲的牛角勺流暢結合純銀握柄,柄身觸感細緻,精美的葡萄裝飾體現品牌對於自然的愛戀。   圖片提供與版權」GEORG JENSEN喬治傑生 編輯」Sumile  

  • 眾所期待的「台灣光環境獎」於 9 月公布決選入圍名單,由台北「金普頓大安酒店」、台南「Shadow In Motion」、高雄「銀座聚場」、「屏東縣立圖書館總館」和「屏東縣民公園」及宜蘭中興文創園區的「20、21、22、23號倉庫展示規劃案—金工再現與複寫」等 6 件作品進入最後決選。 主辦單位中強光電文化藝術基金會說明,本屆的決選雖受疫情影響而有諸多限制,仍秉持「光環境是各種感官的組合」的信念,盡力在符合防疫規範下安排評審至現場評選,親身感受光如何形塑空間,並看見每件作品的特殊之處,最終將於 11 月 5 日頒獎典禮當日揭曉得獎名單。 邁入第四屆,台灣光環境獎早已是優質光環境作品的最佳舞台,每屆報名作品數量逐年增加,除了來自產業界及專業領域的肯定外,亦可觀察到其中不少作品都是由公部門單位主動報名參與,體現公部門對於光環境營造的日漸重視;也因前兩年「合歡山國際暗空公園」及「司馬庫斯無藍害部落」得獎,今年出現許多關懷生態環境的光環境作品參賽;除此之外,本屆更新增醫療類的作品報名,著重在醫療環境中光對健康的影響。基金會感謝大眾所給予的支持,能夠吸引不同領域的族群關注,對於中強光電文化藝術基金會長期推動的光環境議題具有正面意義。   20、21、22、23號倉庫展示規劃案—金工再現與複寫 業主」宜蘭縣政府文化局/建築設計」楊宗維建築師事務所/照明設計」日出設計 基地原為中興紙廠鑄造股、金工股、車床室等修復設備場所,為保有原建築遺構之美,建築團隊以最少的線條及最輕透的材料,如細鋼條、PC 透空版、玻璃磚等素材,提升空間穿透性。照明設計於倉庫上方增設 H 型鋼吊燈,採上下反打方式,展示屋頂鋼構架;並於結構柱內藏燈光,呈現立體雕刻柱列的視覺效果。設計思維展示原有的建築遺構及兼顧複合空間使用的需求,使到訪者有著穿梭在若隱若現的空間經驗。   金普頓大安酒店 業主」金普頓大安酒店/室內設計」如恩設計研究室/照明設計」原碩照明設計有限公司 建築以時尚摩登的精緻設計,融入台北巷弄的傳統人文色彩,交織出簡約靜謐的氣息。設身旅人外出忙碌一天後從台北街頭漫步回家的心境,將燈光視為體驗與服務的一環,入口招牌燈及大廳自然流瀉的光營造如家般的感受;透光的建築天井及落地窗引入自然光線,藉由室內燈控系統巧妙轉場,營造不同時段的燈光氛圍;餐廳珍珠項鍊造型的吊燈創造浪漫氛圍;而客房則於床頭增設直覺化的燈光場景面板,提供個性化服務。   Shadow In Motion 業主」台南市政府文化局/建築設計 」坂茂建築設計事務所、石昭永建築師事務所 裝置設計與監造」noiz/照明設計」原研哉、noiz 位於台南市美術館,此件公共藝術作品由三列的薄帶鋁板組成,每片鋁板緩緩旋轉,又連續排列在一起,環繞著橢圓形樓梯銜接起地面和地下停車場。雖然裝置本身是靜止的,但透過板間的錯位,在不同時間、天候及位置等條件交互影響下,創造出獨特的視覺效果,成功挑動起每位到訪者在移動時與「光」的專屬對話,創造場域獨有的空間體驗。   銀座聚場 業主」叁捌地方生活文化有限公司/建築設計」一起設計規劃顧問有限公司 照明設計」瓦豆、一起設計規劃顧問有限公司 位於高雄鹽埕「國際商場」巷內,前身為 1936 年建成的「高雄銀座」,是高雄第一座大型百貨街,80 年代隨著商圈轉移而沒落。業主花費兩年修整荒廢的老空屋,以咖啡廳結合民宿的樣貌重新開張。燈光選擇低照度、不刻意突顯光源,幽微而溫暖的黃光回應老屋特有氛圍,亦避免打擾街坊作息。「銀座聚場」在老商場點起一盞燈,延續老屋的生命,也為商街擦亮新可能。   屏東縣立圖書館總館 業主」屏東縣政府文化處/建築設計」張瑪龍陳玉霖聯合建築師事務所 照明設計」大公照明設計顧問有限公司 為發揮當代圖書館的公共性,建築團隊將舊建築軸線轉向 90 度,使圖書館直接面對城市,與市民日常生活連結;同時將 50 年老樟樹的身影經由戶外廊道的中介引入室內,打破原先封閉沉重的氛圍。照明設計也一併翻新規劃,以燈光襯托建築和環境的對話。白日通透玻璃窗景引入天光與綠意;而當夜裡館內燈光亮起,內部泛出的溫暖光線使靜謐夜晚充滿人文氣息。(攝影:丰宇影像)   HEITO 1909 屏東縣民公園 業主」屏東縣政府/建築設計、照明設計」衍生工程顧問有限公司 原為創建於 1909 年的屏東糖廠,後於 70 年代轉為紙漿廠,隨著時代變遷、汙染等議題,在 1994 年關廠後荒廢,直到近年整地施工,才挖掘出地下工廠與 5 個圓形水池遺構,不斷考察文史並修整,打造出結合工業遺址、水岸廊道的新型態公園。在錯綜複雜的地坑結構中,燈光成為空間引導,像是波赫士短篇集的〈歧路花園〉,每扇「門」都是一個歷史可能,重現糖廠不同時代的舊貌;而水池區的燈光藏於溝縫處,勾勒幾何形態,呈現特殊的工業結構。 資料及圖片提供」中強光電文化藝術基金會 編輯」林慧慈

  • 全球熱烈討論的 V&A 重量級大展《蒂姆.沃克:美妙事物》7 月 31 日在奇美博物館登場,不僅可以看見傳奇攝影大師蒂姆.沃克(Tim Walker)的奇幻之作,一展區一世界、充滿氛圍的情境空間同樣令人驚豔,加上聲音效果的巧妙陪襯與沃克優美動人的自述文字,讓人彷彿進入一個超現實的綺麗夢境,堪稱是最魔幻的沉浸式體驗。而今台灣的民眾不用出國就能在台南看到原汁原味、具國際專業水準的超級大展,奇美博物館不惜重本向 V&A 借展,引進時尚攝影大師此生至今最精采的作品展! 蒂姆.沃克「雲朵9」系列作品,拉迪卡.奈爾、尚特爾.庫爾卡尼與基蘭.肯德拉 時裝:Richard Quinn;伍斯特郡珀肖爾鎮 2018。圖片來源:Tim Walker Studio     傳奇攝影大師攜手百年博物館 蒂姆.沃克 1970 年出生於英格蘭,是當代公認最富創造力的攝影師之一,於 1990 年代嶄露頭角,在專題編輯攝影(editorial photography)領域以獨特的視覺敘事,模糊幻想和真實,創造出超現實、奢華或幽默動人的作品。而提供其豐沛靈感的來源,便是具有近 170 年歷史,館藏超過 230 萬件的維多利亞與亞伯特博物館(Victoria and Albert Museum,簡稱V&A),座落在英國倫敦最壯麗的維多利亞及現代建築群之中,是世界頂尖的藝術及設計博物館。 沃克透露,展覽名稱「美妙事物(Wonderful Things)」源自他在 V&A 尋找創作靈感時,想像著自己如考古學家霍華德.卡特第一次進入埃及圖坦卡門之墓,他引述霍華德著作《圖坦卡門之墓》中所記載的內容:「當我的眼逐漸習慣昏黃的燈光,陵墓內的景象彷彿撥開雲霧一般逐漸明朗,稀奇的動物、雕像及黃金,到處都是黃金反射的光芒......震懾得我一時之間呆住了。我的沉默讓卡那封伯爵再也無法忍受,他焦急地問我:『你有看到什麼嗎?』我只能愣愣地回答:『我看到了,非常美妙的事物。』(Wonderful Things)」 蒂姆.沃克於倫敦 V&A 博物館;莎拉.洛依德攝影,2019。 圖片來源:Tim Walker Studio     怪誕氛圍 打造沉浸式展場 展場主要分為兩大展區,第一展區回顧沃克在 90 年代出道後的職涯重要之作與一部影像節錄作品。此區可以清楚看見其鮮明特色,巨型道具、奇異角色、華麗服裝與浮誇布景,呈現魔幻、詩意、荒誕等強烈風格。且入鏡模特兒皆為國際影星、超模、歌手等名人,民眾欣賞作品的過程中會不時發現熟悉面孔,成為觀展一大樂趣。   第二展區為沃克從 V&A 藏品獲取靈感的系列作品,包含十大單元及一部短片。此區每個單元自成一個奇異世界,例如「光芒」呼應 V&A 16 世紀彩繪玻璃,展示空間好似一座燒毀的教堂;「寶盒」猶如一個逃離現實與追尋自我的所在,展間以粉紅玫瑰壁紙、粉紅樓梯打造為一座藏著祕密的童話天地。「雲朵 9」的創作靈感來自印度畫與西洋棋,場景設計師將拍攝道具「動物公仔」一併展示,更顯奇幻繽紛之感。 ​蒂姆.沃克「寶盒」系列作品;詹姆士.史賓塞; 倫敦 2018。圖片來源:Tim Walker Studio 有別於一般展覽經常以知識教育的方式解說作品,本展說明文字幾乎全出自藝術家之手,他有感而發、娓娓道來自己的心情,包括小時候的記憶、對攝影的想法以及對藝術的感動……文字情感飽滿且饒富意境,彷彿在身邊親自訴說,引領人們一同遨遊在他恣意奔放的心靈世界。此外由於沃克會在拍攝現場播放音樂,培養工作人員的情緒,因此本展也融入「聲音」元素,為不同主題搭配背景音效以增加臨場感。 展覽尾聲則放映沃克的電影《勇敢的小錫兵》,為一齣描述同性愛情故事的芭蕾舞劇。出口處還有一本巨型剪貼簿和鉛筆,提供民眾拍照留念。奇美博物館也自行設計一個向 V&A 與藝術家致敬的互動區「奇幻投影牆」,將奇美的典藏品化為光影,邀請民眾扮演攝影師,拍出創意照片。 蒂姆.沃克「珍藏與維護」系列作品;斯凱爾.伍德、詹姆士.克魯與凱倫.艾爾森;時裝: The Row、安東尼.瓦加雷羅為 Saint Laurent 設計的時裝、Daniela Geraci、Sarah Bruylant、Molly Goddard; 倫敦 2018。圖片來源:Tim Walker Studio    奇美與 V&A 的邂逅 將國際文化資源帶到台灣,一直是奇美博物館努力的目標。2019 年 8 月,時任奇美博物館副館長的郭玲玲女士(現任奇美博物館基金會董事長)至英國倫敦旅行,結識了 V&A 典藏主任 Antonia Boström 與多位館員,雙方理念相投、暢談甚歡,因而再度開啟了合作的討論。在多次討論後,館方對蒂姆.沃克有著高度興趣,展演組同仁也特別親自前往倫敦觀展。經館方確認展覽質量優異後,便決定與 V&A 合作引進該展。 《蒂姆.沃克:美妙事物》2019 年 9 月於倫敦首展,隨即進入世界巡迴,2020 年前往比利時,現今來到台灣,台灣不僅是亞洲首站,更是歐洲以外的第一站。奇美博物館表示,蒂姆.沃克的作品精采絕倫,所關注的面向也極廣,從時尚產業、多元文化、身體性別、環保到消費等議題皆有。期待將此展介紹予台灣大眾,提供與國際同步的文化資源,令觀眾都能如沃克一般,從 V&A 或更多美妙事物中尋得靈感,激發無窮想像力。 Tim Walker 特展第二展區「光芒」 。圖片提供:奇美博物館   展覽資訊 蒂姆.沃克:美妙事物(Tim Walker: Wonderful Things) 日期」2021 年 7 月 31 日至 2022 年 2 月 6 日 地點」奇美博物館特展廳(台南市文華路二段 66 號) 配合防疫,短期內採入館預約制,後續視疫情發展滾動式調整,詳情請見奇美博物館官網。   資料及圖片提供」奇美博物館 編輯」林慧慈

  • 還記得每回搭乘飛機時雀躍又期待的心情嗎?在抵達旅途目的後,機場便是首個與當地接軌的地點。機場不僅做為與國際連結的樞紐,亦是體現國家的人文風情,為每位踏入機場的旅客帶來深刻的第一印象的重要國門。 「視覺之門」文化藝術展於東京國際機場(羽田機場)與成田國際機場展開,邀請各國旅客共同探索日本文化及歷史魅力。(圖片提供:Takashi Kawashima) 2021年2月9日至9月,日本文化廳於國內7個國際機場和1個港口舉辦文化藝術展,以「CULTURE GATE to JAPAN」為企劃主題,使機場和港口成為旅客初步了解日本文化的入口。每個展區皆邀請現代藝術家及設計師運用裝置藝術或影音媒體的形式,來詮釋日本各個區域的歷史背景與文化特色。即使受到新冠疫情的阻礙,短期內難以實現自由旅行,各地民眾依然可透過官網資訊共同體驗富含日本文化底蘊的藝術饗宴。   視覺之門(Vision Gate) 以凌空視角揭開藝術序幕 保拉·安特那利/紐約現代藝術博物館建築與設計部資深策展人兼MoMA現代藝術博物館R&D部研發長。(圖片提供:Marton Perlaki) 東京國際機場(羽田機場)與成田國際機場在美國資深設計師保拉·安特那利(Paola Antonelli)精心策劃之下,以「視覺之門(Vision Gate)」為主題,於2021年初揭開展覽序幕。保拉·安特那利將自身搭乘飛機和旅遊的經驗融入策展構思,期望透過裝置藝術和影片來呈現搭乘飛機所見的景致—雲層及河川,讓觀展的民眾能擁有深入其境的體驗,同時藉由展示作品來發掘日本文化過去至未來的視覺感官,深入探索這個島國的歷史背景與文化魅力。   裝置藝術 擁擠的雲(Crowd Cloud) 創作者」鈴木有理、細井美裕 2位聲音藝術家鈴木有理和細井美裕攜手合作,共同打造結合視覺與聽覺藝術的裝置。這朵運用68隻高低不一的喇叭構築而成的人造雲朵,收錄並播放旅客在機場迎客大廳與親朋好友對話,使人能夠用心去傾聽日本這個民族的真實聲音。 「擁擠的雲」象徵視覺之門的大門,結合視覺與聽覺藝術,迎接每位抵達機場的旅客。 而在視覺效果的部分,喇叭特別選用「蒔繪(蒔絵)」常用的色彩漆覆外觀,在宣揚日本傳統工藝技術的同時,也與在地的藝術文化連結。藉由現代藝術作品與傳統藝術融合,使人們對於日本歷史演進的概念更加具體化。 鈴木有理/藝術家、設計師及音樂家,同時是五角設計聯盟(Pentagram)的合夥人。 作品設計靈感源自一首名為《歌唱技巧A.I(Vocalism A·I)》的具象音樂作品,是由日本現代知名作曲家武滿徹和詩人谷川俊太郎聯手譜寫出的經典名曲。《擁擠的雲》和《歌唱技巧A.I》這兩個作品皆捕捉到人們周遭無形的情感,細膩地展現言語與聲音的力量。 細井美裕/聲音藝術家。(圖片提供:Ken Hirose) 藝術家認為,語言是文化的一部份,乘載了一個民族的歷史、思想和信仰等多種面向。日語本身便體現了日本含蓄、內斂且謹慎的性格特色,透過言語交流能更進一步地去感受民族的歷史背景與魅力。   多媒體影像 寫實的世代群像   東京主題公園 (Theme Park Tokyo) 創作者」Acky Bright 影片連結」東京主題公園 Acky Bright/插畫家及漫畫家,其作品以傳統的黑白線條聞名。 Acky Bright是一位日本知名插畫家及漫畫家,在「東京主題公園Theme Park Tokyo」這部影片中,他以自身特色的黑白漫畫風格來呈現日本澀谷與原宿的街道景致,全片的表現手法生動活潑,既帶出東京現代科技的發展,也融合傳統的文化元素,讓人耳目一新。 一拍 (Hitoshobu) 創作者」井上純 影片連結」一拍 井上純/其作品將傳統藝術—書法與塗鴉、嘻哈這兩項現代藝術融合,以創造獨特的空間。 影片記錄井上純在掛軸上創作的過程,其作品不僅結合現代塗鴉和傳統書法的技巧,再配合身體的律動,將自身對於「視覺之門」這項主體的觀點,鮮明地灌注在作品之中。 重力花園(Gravity Garden) 創作者」兒玉幸子 影片連結」重力花園 兒玉幸子/擁有物理學科的背景,為首位結合鐵磁流體和藝術創作的藝術家。 擁有物理學背景的藝術家兒玉幸子,運用紅、綠、藍色的螢光鐵磁流體(Fluorescent Ferrofluid),在磁力與重力的作用下,創造出日本的重力花園,同時展現日本的生命力。    TSUGI 創作者」PARTY 影片連結」TSUGI PARTY/一家集結藝術、科學、設計等領域的創意公司。 這項作品涉及氣候變遷和自然生態保護的議題,例如:北極冰因地球暖化,其面積逐漸縮小;森林占地因野火肆虐而逐漸流失。面對環境浩劫,我們該如何應對?PARTY在作品中藉由日本傳統修補技術「金繕修復」,藉由金漆象徵人類的意志修復及環境損失,以喚醒大眾對環境議題的重視,共同去思考並採取行動來改善問題。   滿月之日(Day of a Full Moon) 創作者」茂木モニカ 影片連結」滿月之日 茂木モニカ/藝術家、攝影師及導演。(圖片提供:Monika Mogi) 影片蘊含對日本自然景觀的愛,帶領觀眾一同探索茂木モニカ眼中超凡推俗且神祕莫測的自然環境;同時融入自身對女性強大而獨特的特質的憧憬,紀錄女性的穿著在過去和現在的變化。   古事記 – 天之真名井 創作者」森萬里子 影片連結」古事記 – 天之真名井   森萬里子/當代藝術家。(圖片提供:David Sims) 作品運用電腦產生圖像技術來呈現日本首部文史典籍《古事記》的故事,影片演繹天照大神在須佐之男的十拳劍撒上天之真名井的淨化過程。森萬里子不僅藉由神話故事呈現日本的歷史與傳統文化,亦具有賦予日本生命力的象徵。 圖片提供與版權」Vision Gate 攝影師」Takashi Kawashima 撰文」紀奕安

  • 7月初的台北街頭,出現了一間令人眼睛為之一亮的新地標。由全台灣最大的咖啡原物料供應商-源友企業,成立的品牌「CAFE!N」,特地邀請曾設計全球知名咖啡品牌「%ARABICA嵐山店」的設計師Elson與其團隊MIZUIRO Design水色設計回台操刀全新旗艦門市,企圖引領台灣咖啡場域的新浪潮。《室內》雜誌隔海專訪設計師Elson,與讀者分享他的設計理念,以及他對美好生活的想像藍圖。   MIZUIRO Design水色設計   / 林正斌Elson 黃詩茹Lucy MIZUIRO =ミズイロ=水色。水清無色,純淨透明,「水色」是形容水的狀態:凝結、融化、蒸發,自然的存在於生活環境中,環境的變化讓水有了循環、讓水有了生命,雙方共生共存。MIZUIRO的設計期望如同「水」的本質,風格簡潔清晰、造型多變卻有內涵;概念自然流露卻不矯揉造作,讓設計能在不同的空間之中因應環境而變化,發展出自己最適合的型態。 CAFE!N旗艦店選址於三角窗,是經營商業空間的絕佳地點。 喝咖啡,儼然已成為時下社會一種新的生活方式,它是一種體驗、一種享受。城市中隨處可見的咖啡小店,不僅豐富了街邊景象,透過舌尖品飲來自世界各地的咖啡風味,也是現代人在忙碌工作之餘的心靈綠洲。而咖啡生豆的質地越硬,代表品質越好,這也是「CAFE!N」品牌命名的靈感來源,藉由母公司堅強的咖啡「硬實力」,提供消費者美味的味覺饗宴,設計師Elson表示,由於本案為品牌的旗艦門市,在設計發想上,他注入一個全新的概念:「CAFE!N × L!FE」,希望透過生活感的塑造,讓門市與消費者的互動更為密切且多元。   格局再造與店面角色的再定義 Elson認為,1樓的空間是拉近消費者距離的第一線,也是店員最容易與之產生互動的地方,但原有基地的1樓卻保留著通往2樓的巨大樓梯,不僅佔掉了絕大部分的面積,也因為建物本身並非方正造型,導致在規劃服務機能時,必須浪費掉許多畸零空間,在與業主溝通後,儘管需要增加不少預算,業主依舊支持設計師重新規劃樓梯細節;且為了不壓縮店員操作動線的餘裕,Elson嘗試將吧台外推至門面,讓店員們在服務時的專業形象,成為門面視覺的一部分。   為提供店員流暢的作業動線,設計師重新整理1樓布局。 Elson表示,此次旗艦店重新定義了CAFE!N與城市的關係,他反其道而行,跳脫傳統商業空間張揚、引人注目的調性,而是賦予店面安靜、簡單、低調的個性,企圖弱化其於城市中的存在感,把「有」留給環境,店面則呈現「無」的角色,因此設計師取消過往設計中常見的黑色、木質色等,改將白色放大,藉此讓城市與店內所上演的故事,有著更具張力的感受。 牆面以白色紙漿代替壁紙,增加紋理和材料的變化。 此外,搭配著空間中的細節,如用油漆滾筒塗刷的白色LOGO浮牆,牆面以白色紙漿代替壁紙,呈現出的紋理和質地皆有微小的差異,也讓空間縱然低調,卻擁有多種層次。除了沉靜內斂的形象外,Elson更主張旗艦店必須更貼近消費者,硬體之外更需要加入「人」的豐富情感,大家都能找到與環境互動、對談的方式,並了解隱藏其中的設計意涵,讓處處充滿著生活的體驗感!   手作溫度豐厚了空間生命力 生活感,是CAFE!N旗艦店十分重要的環節,設計師由此延伸出材質設定,「手作」是不可或缺的部分。如同生活,滿盈著質感也具有變化;如同生活,完美之中總伴隨著些微不完美;如同生活,需要用心體驗才能感受深層的美好,Elson特地選擇由職人手藝鏝抹出的地坪水泥粉光、一層層塗抹而成的立體LOGO油漆、由外帶杯架(環保紙漿)相疊製成的立體驚嘆號,又或是串接上下樓層的紙漿牆面,這些無法復刻出相同模樣的語彙,正是設計師希望呈現的生活痕跡。 由職人層層塗抹而成的立體Logo牆面,讓空間多了手作的質感。 CAFE!N旗艦店基地位在三角窗邊,無論是由內而外,抑或是由外至內,都有著良好的視野,是絕佳的開業場所,為了不破壞周遭環境,以及維持設計本身的簡約概念,立面未做過於顯眼的裝飾,而是於室內創造猶如招牌般的「標的物」,立體驚嘆號便應運而生。 以外帶杯架製成的立體驚嘆號,不僅是品牌的識別,也成為空間中引人注目的焦點。 設計師解釋道,驚嘆號不只是裝置藝術,除了與人產生互動外,也應為環境著想,遂利用環保紙漿形塑,達到環保永續的目的;而符號的凹凸造型,在製作時需經過層層疊砌方能穩固結合,並突顯出堆疊後的細節,也因為選擇回收材料,再製時難免會有厚薄不一的現象,但Elson認為這樣的效果更加真實地表現出「生活中些微不完美」的設計理念。   為確保空間的通透性,在家具的配置上,設計師以「減低數量、簡化空間、視覺活潑」等三大面向作為主軸,藉由減少單張桌椅,讓整體布局較為簡化,也能更直接的表現設計力道;利用薄板製作的金屬家具佐以簡易的折角設計,除可穩固結構外,亦使輕盈感受貫穿其中。 有機式的座位安排,帶來更多元的配置彈性。 設計團隊從不同層次、造型、家具著手,以提供多元視覺角度供消費者體驗,人與人、人與空間之間的互動,可以讓店面的氛圍更為活絡;再者,所有商業行為的構成中,消耗及浪費必定會發生,面對這種無可避免的難題,Elson也期望可以從每次的設計中,一步一步尋找到適宜的解決方式,就好似由回收材製成巨型立體驚嘆號裝置,便是設計師和品牌對於環保的實踐。 由1樓向上仰望樓梯與立體裝置藝術品。   資料及圖片提供」MIZUIRO Design水色設計 採訪」陳映蓁

  • 2021 第四屆「台灣光環境獎」於 7 月底公布複選入圍名單,近年大眾熟知的公共建築與地景,如台南美術館二館、台南月津港、屏東縣民公園等皆可見於名單之中,另外亦有金普頓大安酒店、高雄銀座聚場等商業空間入圍。   主辦單位中強光電文化藝術基金會表示,今年報名作品相當精彩,涵蓋地標、歷史建築、博物館、景觀設計、公共藝術、設施與空間等多面向的公共文化設施。入圍之 20 件光環境作品將進入複選會議,經評審再次討論評選後選出決選名單,決選名單將於 9 月公告,並於 11 月份舉辦頒獎典禮公布最終得獎者。   編按:為閱讀順暢,以下將 20 件作品簡單區分為古蹟及老舊建物再利用、公共藝術、室內照明、戶外照明等 4 類。實際入圍名單以光環境獎官網為準。    古蹟及老舊建物再利用  HEITO 1909 屏東縣民公園 / 衍生工程顧問有限公司 屏東製糖工場創建於 1909 年, 1994 年紙漿廠因故關閉,於殺蛇溪沿岸遺留了近 80 公頃的閒置荒地。設計師在錯綜複雜的地坑結構中,以燈光作為戲劇性的空間引導,每扇「門」都是一個歷史可能,糖廠不同時代的舊貌被重建出來,引導的「門」以滲出的光源在不同轉角呈現過去的空間。水池區則以勾勒外型的炫光為主,描繪出過去歷史故事。設計保留工業地景及遺構,營造綠水公園及水岸生活圈,亦運用保存、活化、再運用的觀念完成地域建築的實踐。   台灣基督長老教會濟南教會新宣教中心暨主日學教室古蹟修復 / 張哲夫建築師事務所  基地位於中山南路及濟南路口的市定古蹟濟南教會,於 1916 年竣工落成,隨著歲月侵蝕而逐漸不敷使用。照明設計傳遞出信仰特質,光以柔和姿態從新建的牧師館的立面十字架透出,映照在一旁的市定古蹟主禮拜堂。3000K 色溫呈現內部紅色磚牆,提供了溫暖的邀請。原主日學室建築內,訂製仿舊的吊頂漫射燈,映襯出不同時期的空間語彙及樣式。藏於溝槽的上照線型燈,將上方木作天花照亮,溫潤光澤落於鋼構桁架上,創造材質間的對話。   消失的地景—再造軍事碉堡成為影視基地 / 力口建築   此計畫為雲林縣政府新聞處推動的縣內老舊建築空間再利用,基地是兩座二戰期間所建造的軍事碉堡。VR 體驗區以兩側地面點狀光源暗示人們於指定位置就坐,光源上照突顯頂部弧形,將整體環境形塑出科技及神秘感。而 MR 空間讓人們席地倚坐在兩側,運用椅背帶狀光源洗牆強化整體空間感,將動畫投射在拱型天花板,善用碉堡建築成為新的影像平台。廣場的金屬鏤空的資訊立牌,白天透過天光將字烙印在地面,夜晚透過燈帶讓文字發光,讓資訊立牌成為乘載光的器皿。   國立台灣博物館—鐵道部廳舍室內公區照明設計 / 沁弦國際設計有限公司   此案為台灣總督府交通局鐵道部 6 棟國定古蹟建築群,整體照明設計概念以「織理」將新與舊的元素相互交織,呼應室內空間形式語彙,將車站與鐵軌的概念轉化以現代、抽象、簡潔的幾何元素。由照明所引導的中心視覺以 1 樓入口古典吊燈與 2 樓圓形幾何吊燈為主要基調,向外延伸南北翼對稱的長廊,以點與線寓意鐵道與站點的關係。2 樓演講廳亦是頗具新舊融合特色的空間,座位區以線形軌道燈做點狀直接照明,沿梯形漸層而上之處,則以圓筒吊燈接續,後方空間設計刻意保留天花開口,可觀見廳舍古蹟屋頂木構造。   20、21、22、23 號倉庫展示規劃案—金工再現與複寫 / 楊宗維建築師事務所   基地位置位於宜蘭縣五結鄉中興文化創意產業園區,設計將歷史遺構結合燈光設計,定義出空間特性,並再現歷史遺構工業之美,燈光設計規劃重點為三大部分:1. 上方屋頂鋼構架再現:各倉庫上方安排 H 型鋼吊燈,採上下反打照明方式。2. 柱列工業美感再現:在每組鋼鉚接結構柱內部藏有燈光,使其效果如立體雕刻。3. 柱列展示箱體再現:柱列外部各規劃有90*90cm 的玻璃展示箱圍塑。      銀座聚場 / 一起設計規劃顧問有限公司   本案坐落於高雄鹽埕「國際商場」,原稱作「高雄銀座」,落成於 1936 年,為高雄第一座大型百貨街,因商圈轉移而逐漸沒落、荒廢。照明設計延續環境氛圍,以低度且散佈的光源點綴空間。除了修復商街的舊燈具外,部分光源以藍染織布包覆,或採用減光紙讓環境更為柔和。而老木窗與鋼管扶手,也變身成為燈光的容器。此外,考量建築後方因緊鄰房屋而終年陰暗,亦將照明設於後巷,讓光線穿透玻璃散射進來為室內補光。有燈就有人,「銀座聚場」為自己點燈,也為沒落的商街擦亮改變的可能。    公共藝術  拾光 / 禹禹藝術工作室   作品〈拾光〉為 2021 月津港燈節參展作品之一,使用 LED 暖黃光源由內部投光,置身其中宛如被巨大能量包覆,在外部光源從縫隙透出微微光線,產生內外反差的視覺。作品左右高度落差的設計產生一條光痕,在月津港河岸另一側步道行走,宛若一條指引,沿著弧度透出的光散發著能量。水面的倒影完整了環境與作品之間的對話。   魯班塔 / 偶得設計有限公司   本作為藝術家范承宗的作品,以具千年歷史的三軸組合積木「魯班鎖」為創作基礎,透過運算產生下方密集上方逐漸空透,由實到虛和緩漸變的9米高塔形雕塑。照明同樣創造「反差」性質,白天的光由外而內,抬頭能看見結構與自然融合的特殊漸層;夜晚是裡面出去的光,像是一道火焰,是另一個受到燈光照射產生的漸層,透過燈光營造作品視覺印象在白天與夜晚的「反差」。   Shadow in Motion / noiz   在全新開幕的台南市美術館,noiz 和原研哉共同設計此裝置藝術,環繞著橢圓形樓梯,銜接起地下停車空間和地面。作品由三列的薄帶鋁板組成,每片板緩緩旋轉,同時連續排列,它的獨特性造就每板都成爲能調節光的反射方向和亮度的光學裝置。透過各百葉板間的週期錯位,以及當天天氣、到訪時間和到訪者的移動,演繹出獨特的視覺效果。    室內照明  金普頓大安酒店 / 原碩照明設計有限公司   在充滿色彩與藝術畫作的空間中,別出心裁的燈具設計也化身為空間的主角之一,有的巧妙的將特色材質表現,有的則是以暈光的造型桌燈、吊燈等樣態,成為空間中畫龍點睛的亮點。對比大堂採用柔和的散射光照亮迎賓,客房的照明旨在營造輕鬆感,同時通過對比的光線凸顯房內特有的設計材料和空間感,形成豪華的住宿體驗。   高科技外商辦公室 / 柏成設計有限公司   有別於傳統辦公室的燈光設計,此案改變以往光源皆由上而下的想法,將部分燈具光源轉換為壁面出光,帶出各空間獨特調性,並配合面材元素不同調整燈光呈現,例如木紋區域配上放鬆及愉悅的燈感,以及會議室內使用較為明亮的燈感。此外,燈光環境皆使用節能節約制,透過燈控系統調節不同時刻所呈現的氛圍,以及配合戶外日光照射的強弱,建立舒適的辦公環境,並達到永續發展。   台灣歷史博物館常設展廳整體展示環境提升計畫 / 偶得設計有限公司   位於國立台灣歷史博物館的「斯土斯民-台灣的故事」常設展,設計團隊實際走察後,發覺館方所困擾的展廳內太暗、看不清楚等問題,並非單純因照度不足,而是來自建築大面玻璃窗引入的強烈背景光。執行團隊以「降低前景與背景的視覺對比」為主要照明策略,採取 3 個照明手段:1. 在玻璃窗上裝貼減光膜降低輝度。2. 利用均質照明提升空間基礎照明。3. 配合展覽陳設,透過近或遠的窄角度投光,拉高重點照明;並透過電腦模擬,規劃出各種天候條件下各展區的調控比例,得到進一步的照明節能成果。    戶外照明  蘭陽博物館戶外環境友善照明改善行動計畫 / 宜蘭縣立蘭陽博物館   蘭陽博物館於 2015 年著手進行戶外環境友善照明改善,前後歷經 4 年時間,分別邀請台灣大學生物系楊恩誠教授協助進行跨年度夜間昆蟲調查、大公照明設計顧問有限公司指導與建議照明配置、億光電子呂立夫處長協助 LED 單一光譜之燈源調整。今蘭陽博物館建築外牆照明採用單一波長 590nm LED 50W 25 度燈泡。並依照季節不同調整點燈時間,點燈時間以不超過日落後一小時為原則,確保友善環境且營造舒適的夜間照明。   月津港水域景觀改善計畫 / 沁弦國際設計有限公司   本案以視覺友善為原則,從整體設計概念到燈具運用皆以減少過大的明暗對比造成訪客視覺上刺激與不適,將眩光控制最佳化。全面使用 LED 光源,免除紅外線及紫外線波長干擾,部分區域大面積採低尺度燈具,降低散射於空氣中的光害,並使用雙迴路時段燈控,僅保留向下照明至天亮,平衡夜間生態與安全環境。以整體光環境設計結合藝術創作氛圍,將此處水陸交錯之特性發揮到極致。   豐泰文教綠園區 / 九典聯合建築師事務所   本案豐泰文教基金會為一公益性質之機構,其設立宗旨希望以自然、永續與生態的方式,輔導在地農民耕作技術與提升生產價值。設計概念試圖創造出如花窗般同時可隔絕日曬又兼具採光的建築外殼,光源配置規畫於各樓層地板磚牆內退處,採 3000K 線性 LED 管狀戶外光源,光源以上投方式與牆體的凹凸、鏤空、虛實產生漸層光影變化效果,著重於建築外殼設計與光環境之對話。   屏東縣立圖書館總館 / 張瑪龍陳玉霖聯合建築師事務所 本案藉由增建一座形式獨特的透明圖書館大廳,彌補既有建築匱乏的流動性與開放性。設計改變建築的軸向,使原本面向公園內部的圖書館,轉向九十度直接面對城市,重新與市民日常生活連結;在建築層面,新大廳以新增的正面性將圖書館的機能展現於城市之前,也把立面前方一排老樟樹的身影經由戶外廊道的中介引入室內,打破既有建築封閉沉重的氛圍。   台南市美術館二館 / 台南市美術館(行政法人)   南美館二館由日本建築師坂茂及台灣建築師石昭永合作設計完成,別具特色的大型五角碎形屋頂,隨著日照角度的改變與日照強度的變化,呈現陽光揮灑在牆上的光影。主體建築亦搭配建築師選用的低色溫燈光,營造出典雅宏偉的氣勢。透過上層投光照明,五角造型鋼骨結構演繹出虛實變化的線條律動美感;中、下層外牆垂直錯位的塊面投光,則創造出明暗層疊及光影變換。入口階梯、椅下空間、步道欄杆及扶手樓梯等處則安裝的低色溫線性燈,提供民眾溫暖又安全的引導照明,更為館區整體景觀營造出光帶不規律縱橫交錯的照明美感。   橫山書法藝術館—光影石見 / 羅伊真照明設計有限公司   位於桃園市大園區的橫山書法藝術館,乃以公園爲「硯台」、陂塘爲「墨池」的意象規畫園區,是國內第一座官方設立、以書法藝術為主題的美術館。照明氛圍的營造,在光影明暗層次之間,以及點、線、面,進而至區塊的布局。外觀上,以連續性的燈光加以延續,以五方篆印建築量體之語彙爲體,輔以植栽綠樹以及室內泛光。本計畫運用細膩的燈光布局及層次,藉由「光」,作為空間與書法藝術的串聯,營造出有別白天景觀之詩意空間氛圍,形塑人文與自然共享、共存的友善光環境。   新竹市體育館雨庇及館前廣場之增生 / 工二建築   雨庇構造外推的立面及雨庇,彌補原本縱深及採光不足的大廳,提供民眾足夠的容留緩衝與交誼空間。設計從兩種厚度的鋼板開始,製成 60 度 V 型斷面樑及四片一組的平行四邊形面狀單元,進而編織成一個重複的構造系統,同時完成結構系統、雨水導水及造型等任務。而單元的秩序,具有構造評估及施工製造的高度效益,標準型鋼斷面對併製成內崁照明的柱,將頂部構造托住,同時也界定了平台空間的活動層次,傳統的柱、樑、板等建築元素,在此產生曖昧並相互合作的關係。   台灣大學醫學院附設癌醫中心醫院 / 潘冀聯合建築師事務所   「借用層次豐富的光源為黑白電影上色」,是本案設計核心,「以人為本」的療癒性環境理念,由環境照亮使用者心理的黑暗角落。為了將自然光線帶入建築物的內部,並有效引導醫院門診的人潮動線,設計團隊創造了兩個主要的室內大型挑空空間,分別是「希望光塔」與「翠微生活街」。人造光則隱身在建築細部之中,整體的色溫採用暖橘色,與立面的材料相呼應。室內則區分為以情境為主的公共空間及以功能為主的醫療空間,分別給予不同的色溫與燈具照明型式,兼顧病患與家屬的心理與醫療照護的安全需求。 編輯」林慧慈 資料及圖片提供」中強光電文化藝術基金會

  • 《環城 The Circle》比鄰瑞士蘇黎世機場(Zurich Airport),其宏偉而醒目的環形外觀是瑞士最大的建築之一。日本建築設計師山本理顯,打破以往建築設計的傳統框架,將這個多元服務空間打造成一個具有城市系統的圓環,並藉由象徵和諧與完美的圓形設計,來體現瑞士在建築與規劃方面的嚴謹。   環城鄰近蘇黎世機場,擁有便捷的交通系統;同時坐擁大片Butzenbühl 綠地,與周圍環境和諧共存。 建築群由小巷及廣場交錯而成,蜿蜒的公共通道串聯大大小小的廣場,並連接鄰近的機場和Butzenbühl綠地,使建築的各個單位能有系統地與環境集結成一個整體,構成一座小城鎮。 環城巨大且醒目的圓形外觀以密閉的幕牆系統覆蓋,此項目不僅作為蘇黎世的城市新標記,並發展出一套城市系統。 在交通層面,環城坐擁優越的地理位置,擁有便捷的交通系統;而在服務方面,此項目著重於商務與生活品質,涵蓋精品、餐廳、會議廳和頂級酒店等多元空間。這些內涵的組成,不僅讓大眾看見環城在城市中的重要性,也透過建築讓蘇黎世與世界建立深刻的連結,成為蘇黎世的鮮明標記。   建築上方的屋頂花園和露臺為環城的第五立面,地面以石板鋪設,欄杆則為玻璃設計。 小城街景的實現 此項目在施工、建築結構與建材尺寸等方面皆根據建築方格網(building square grid )布設,以確保整體規劃的準確性。再加上建築構思運用連貫性概念串連,使複雜的城市結構與建築脈絡能具有更加彈性且統一的規劃。   此項目主要以蜿蜒的小巷和廣場規劃出城市街景,通透的雙層玻璃帷幕設計讓室內空間能與戶外進行對話,以及優化室內採光,地板則使用石板鋪設讓環城的形象更加具體。 環城的大門入口設置在面朝機場的地面層,穿越階梯、斜坡或電梯後,則可通往建築前方的Butzenbühl綠地。小巷與廣場在環城中肩負靈魂角色,它們貫穿了此項目的所有區域,作為遊客行經的主要路徑。環城裡,地面和立面皆選用高品質建材,並藉由簡潔的樣貌讓各租戶的店面在呈現品牌特色的同時,也能與建築本身的設計和諧呼應。 環城的整體基礎結構皆為縝密而和諧的系統,連貫性設計也讓建築功能更加具有彈性和統一性。 在小巷與廣場的交滙處,地面採用小型的方形石板順著蜿蜒道路而鋪設;廣場中央則鋪設大型的天然石板,與周圍的小型石板連接,並且示意場域轉換。小巷內的梯座坡度一致,踏階延續小巷地板的特色,採用天然石板順應步寬與步長而鋪設。整齊劃一的石板設計,沿途林立的商店群像,高度起伏的動線變化,讓遊客恍若走在小城街景上。 廣場中心的地板以大面方形石板鋪設。 面面俱到的微城市規劃 建築的玻璃圍幕是環城的一大特色,團隊採用瑞士創新的密閉幕牆系統(Closed Cavity Facade, CCF),運用雙層玻璃幕牆包覆環城的所有子區域,不僅能達到優化室內採光、無阻通風的效果,亦使建築群能夠與周遭環境對話,映現出周遭風光。 租賃區域的店面設計皆交由租戶設計,讓店家各自展現品牌特色。 此項目的立面設計主要分為兩個範圍,一個是面朝綠地的垂直立面,包含山坡、小巷和廣場;另一個是面向交通系統的外突立面。垂直立面的部份呈現建築的高度,同時發展出結構可能的深度,突顯出建築量體的邊緣。外突的立面線條則圍覆著建築朝向機場的環形區域,構築出建築雄偉的姿態。 會議中心的大型會議廳採用對稱式設計,豐富了空間的層次感。 遊客在環城內可體驗2種空間型態:「城市規模 Urban scale」與「人文尺度 Human scale」。就「城市規模 Urban scale」而言,山坡及環側皆屬於此一範圍,建築表面均採用雙層玻璃幕牆設計,並將擁有高光澤度的鋁板覆蓋在上方作為護欄,以提高外牆的隔熱和防曬效果。 Butzenbühl 綠地為環城的項目之一,蘊含森林、草地和濕地等自然景觀。 在「人文尺度 Human scale」部分,則以小巷決定環境,垂直通道、玻璃電梯、入口大廳,以及不屬於品牌商家的租賃區域,皆按照城市規模的標準立面和密閉幕牆系統的規則作規劃。由於品牌商家是人文尺度的重要組成元素,並且佔據了環城大部分的空間,因此設計團隊精選高品質的建材來建構形象與外觀,租賃空間則交由租戶自行完成,令商店百花齊放,並呈特色。在這些涵蓋人文尺度的空間中,採用玻璃屋頂與城市規模的立面形成連結,完整了整體項目。   會議中心與綠地 會議中心的大型會議廳是環城不可或缺的重要元素,其恢宏的格局總共可容納1,500人,透過落地摺疊門可將空間彈性區劃出3間獨立小型個室。會議中心大廳以潔白的梯形結構作為空間特色,它採用預製的坡形白色混凝土組建而成,而裝設上方的玻璃屋頂能引入自然光線,兼具視覺美感同時提升室內採光。另外,在傾斜處與隔間牆之間的壁龕巧妙地隱藏了機械設備工程,使空間更形簡潔俐落。 Butzenbühl 綠地的地板同樣以天然石塊鋪設。 除了環城本身雄偉的建築外觀,旁鄰的Butzenbühl綠地也是此項目的特色環節之一,綠地不僅平衡當代建築與環境景觀的關係,同時也吸引民眾親近自然,共同體驗明媚的自然景觀。Butzenbühl綠地的地面延續著環城市的小巷與廣場設計,同樣採用天然石塊鋪設。此外,設計團隊為Butzenbühl的濕地規劃施作與水面齊平的步道,讓民眾近距離感受公園裡寧靜的水景風光。 自行車車道位於環城外側與公路的邊界牆之間,幕牆以鋁製擴張金屬板製成。 設計師簡介 山本理顯(Riken Yamamoto) 日本建築師,1968年畢業於日本大學理工學部建築學科,1971年取得東京藝術大學院建築博士學位,並於同年在東京大學生産技術研究所繼續學習。1973年創立山本理顯設計工場。 圖片提供與版權」Riken Yamamoto & Field Shop 撰文」紀奕安

  • 2021 倫敦蛇形藝廊 Serpentine Pavilion

    移民建築的精神轉化

    當浪漫的春天離去,熱情的夏季到來,人們的心境似乎也隨著季節的轉換而起伏。夏天,除了學生們迎接期待已久的假期,也是世界各地的旅遊旺季,而英國倫敦海德公園內的蛇形藝廊也在這熱情高漲的夏季裡,展開一年一度的藝術盛事—夏季戶外展亭(Serpentine Pavilion)。 展亭外觀。© Counterspace Photo: Iwan Baan 「蛇形藝廊」是位於英國倫敦海德公園內,肯辛頓花園蛇形湖畔的一座美術館,自2000年的夏季開始,藝廊每年會邀請享譽國際的設計團隊,在藝廊前打造一座為期三個月的臨時建築展館,被稱為蛇形藝廊夏季戶外展亭(Serpentine Pavilion)。2021年,此計畫邁入第20個年頭,今年邀請來自南非Counterspace事務所的建築師Sumayya Vally負責操刀設計,而她也是計畫實施以來受邀最年輕的建築師之一。 展亭內部。© Counterspace Photo: Iwan Baan 來自南非的女性設計師Sumayya Vally Counterspace事務所是由Sumayya Vally、Sarah de Villiers與Amina Kaskar三位生於1990年的女性建築師,在2015年共同成立的建築工作室,他們的作品不僅關注包容性、他者與未來,設計靈感更是來自他們的所在地—南非最大的城市約翰內斯堡(Johannesburg),期望將非洲大陸的歷史文化透過藝術、建築、設計等多元形式展現。年僅30初頭的Sumayya Vally,透過獨特的設計思維與視角,不僅被視為新生代建築師中的明日之星,更被紐約《時代雜誌》選為2021 TIME 100 NEXT。 設計師 Sumayya Vally。Photographed by Justice Mukheli in Johannesburg, 2020. © Counterspace 在南非學習建築設計的Sumayya Vally,長期關注身份、社區、歸屬感等社會議題,在設計上,她不斷跳脫西方的傳統思維,將南非獨有的文化語彙注入於作品之中;從她過往的實踐至2021年的夏季戶外展亭(Serpentine Pavilion),不難發現她的創作皆是圍繞著不同的歷史、族群以及對各樣聲音的觀察和發聲。Sumayya Vally提及,她大部分的靈感來自於約翰內斯堡的精神、面臨的挑戰和機會;她的童年常待在由祖父經營位於約翰內斯堡市中心的店裡,她清晰的記得,她小時候遊走在城市街道時,觀察到各式場所、活動以及文化勢力的那股激動和震撼。所以,當她被邀請作為此次展亭計畫的設計師時,她就希望能藉由這個機會,向其他和她一樣擁有不同文化脈絡的人們展示,他們能為世界帶來不同的面貌。 “ 建築所扮演的角色,是吸收、反射並轉化我們在世界上的定位。 ” 展亭內部。© Counterspace Photo: Iwan Baan 靈感發想:倫敦移民文化與跨文化 因新冠疫情的影響,2020年的夏季戶外展亭(Serpentine Pavilion)延期至2021年舉辦;然而,這一年的停歇卻也讓Sumayya Vally有了更多的時間以及空間反思展館設計對於大眾的意義。 展亭外觀。© Counterspace Photo: Iwan Baan 展亭的設計是依據在過去和現在的倫敦城市裡,用來作為聚會、組織、和具有歸屬感的地點。展亭的造型輪廓是將多個地點的建築元素,透過抽象化、相加、疊加、切割而成的結果,將倫敦的形狀轉化爲展亭的結構重新組合再現於海德公園內。 展亭內部。© Counterspace Photo: Iwan Baan Sumayya Vally以布里克斯頓(Brixton)、霍克斯頓(Hoxton)、哈克尼倫敦自治市(Hackney)、哈姆雷特塔倫敦自治市(Tower Hamlets)、埃奇威爾路(Edgware Road)、巴金-達根罕倫敦自治市(Barking and Dagenham)、佩克漢(Peckham)以及諾丁丘(Notting Hill)等,這些對於倫敦移民和跨文化極為重要的社區鄰里中的市場、餐廳、工作室、書店、當地文化機構的建築為參考。例如,市內最早建造的Fazl清真寺以及東倫敦清真寺、哈克尼倫敦自治市的Centerprise合作書店、Dalston Lane的The Four Aces Club、Mangrove餐廳、諾丁丘嘉年華會等,Sumayya Vally希望擷取這些歷史精神並透過設計與其致敬。 展亭內部。© Counterspace Photo: Iwan Baan 展亭是由再生鋼、軟木和覆蓋微水泥的木材建造而成,並參考倫敦建築在光線下的變化,選用不同質地以及色相的粉和棕色色調呈現。Sumayya Vally期望它不僅是一個展館建築、一個藝文活動,而是她為倫敦市民打造的一個新聚會場所。 延伸至展館外的結構裝置 擺放在德普特福德(Deptford)The Albany藝術中心的裝置作品。© Counterspace Photo: George Darrell 2021年的夏季戶外展亭(Serpentine Pavilion)也首次踏出蛇形藝廊,將展亭建築部份結構的小型裝置擺放在四個激發展館設計的地點,以表彰它們對於社區的貢獻和支持,分別是芬斯伯里公園(Finsbury Park)內英國首間黑人出版商與書販的New Beacon Books、諾丁丘(Notting Hill)的文化藝術/娛樂場地The Tabernacle、德普特福德(Deptford)的藝術中心The Albany以及Valence圖書館內的Becontree Forever Arts and Culture Hub。 擺放在Valence圖書館內的裝置作品。© Counterspace Photo: George Darrell 擺放在芬斯伯里公園(Finsbury Park)內New Beacon Books的裝置作品。© Counterspace Photo: George Darrell 擺放在諾丁丘(Notting Hill)文化藝術/娛樂場地The Tabernacle的裝置作品。© Counterspace Photo: George Darrell 2021年的倫敦蛇形藝廊夏季戶外展亭(Serpentine Pavilion),已於6月11日盛大開展,並開放至10月17日,期望在疫情下為世界和倫敦市民帶來一些慰藉和希望。 2021 倫敦蛇形藝廊 Serpentine Pavilion 展期」2021年6月11日至10月17日 10:00~18:00 網站」https://www.serpentinegalleries.org 資料及圖片提供」Serpentine Galleries  撰文」歐陽青昀

  • HMM-專注人器之間的互動 賦予日常用品全新靈魂

    2019金點設計獎年度最佳設計獎暨特別獎得主

    2019年金點設計獎甫於12月5日舉行頒獎典禮,公布30件「年度最佳設計獎」得主,並從中再選出兩件分別獲得「年度特別獎(循環設計/社會設計)」。來自台灣的HMM以「W Glass玻璃杯」榮獲年度最佳設計暨特別獎(循環設計)殊榮,且品牌在國外也日漸嶄露頭角,深受市場及消費者的喜愛,《室內》雜誌於本期報導中邀請HMM設計師劉嘉勝(小美)及品牌發展Michael,來與讀者分享品牌發展的點滴歷程,以及雋永經典的設計在他們心中是什麼模樣。     HMM產品設計-劉嘉勝 HMM是台灣在地品牌,2014年正式從廣告設計公司的業餘計劃獨立、努力朝著正經的方向轉型,希望透過對日常器物的重新詮釋,打造更為理想的「人-器互動」,專注於錘鍊獨特而人性化的細節,以貼近自然的素材、純熟的工匠技藝,演繹成生活中簡單而雋永的一道風景。劉嘉勝為HMM產品設計師,秉持對咖啡和設計生活的熱情,為HMM開發工作利及咖啡用系列,善於挑戰艱鉅的任務,HMM一系列獨特的產品語彙皆出自其概念,發揮產品創新結構,同時保有簡潔經典的設計。 重要得獎紀錄: 2014德國紅點榮譽獎 2017金點設計獎(年度最佳設計) 2018日本Topawards Asia包裝設計獎 2018文創精品獎-最佳產品設計 2019德國iF設計獎 2019文創精品獎 2019金點設計獎(年度最佳設計) 2019金點設計獎年度特別獎(循環設計) 由三個英文字組合而成的品牌名稱,背後內含著許多深意。設計師劉嘉勝(小美)表示,HMM是從廣告設計公司minimax獨立而出,目前已是2.0的版本,1.0版在當時其實僅是公司內部設計師的side project,大家製作一些跟日常生活有關的設計品並小量生產,爾後,在因緣際會下與某個廠商合作推出高音質耳機,得到熱烈迴響,遂開啟了hmm走向獨立品牌HMM的大門。現在的HMM三字定義為Human、Mechanic、Method,也就是所謂「人技法」,推出的所有商品均內含人的溫度、工匠的技藝、以及設計師的想法。 每一件既存器物,都能有更動人的詮釋 以「人技法」作為品牌發展的核心架構跟精神,小美認為「人」是當中很重要的關鍵角色,他所設計的物件力求朝向實用性的面向發展,希望可以讓日常生活更為便利且有質感。團隊擅長從觀察中找尋靈感,比如說品牌近期推出的「隨意板夾」即是觀察到大眾在使用板夾時面臨到諸多限制,遂透過可隨意吸附的夾子,改善直橫不易轉換的問題,並將板子、筆、夾子三個功能合為一體,秒拿即寫,兼顧創新與實用性。 另外,商品中亦飽含著台灣在地工匠的純熟技藝,具有靈魂和生命力,使其成為你我生活中的良伴。除此之外,如何精準地發掘市場缺口、或設法滿足消費者所重視的部分,則是HMM的長處,舉例來說,消費者在購買杯子的時候,首要的考量不是容量,而是視覺感,於是在杯子的製程上,他們對於感官效果、細節等處格外仔細。 有鑑於大家都喜歡購入「有故事」的東西,品牌的經營方向遂由此切入,每項商品都會花許多時間陳述設計背後的發展脈絡,再以影片等貼近時下動態趨勢的方式與大眾接軌,讓大家對理念、發想、製成過程更加理解,進一步增加話題性及消費者的品牌認同感。 若商品需要特別大量的溝通時,便會採取上募資平台的方式進行推廣,根據統計一般購物網站的停留時間大約僅有30秒,而群眾募資平台上卻可達約200秒,等於有相較其他網站更充裕的時間可以講故事,能充分說明產品屬性和細節;Michael則補充說到,他們企盼透過改良唾手可得的日常用品,帶給大家經典質感與舒適的氛圍,讓設計跟生活的距離不這麼遙遠。 有趣的是,小美顛覆外界對設計師大多注意外在物質的印象,刻意將自己維持在「最低限」的狀態,因為當人處於不滿足的情況下,就會想盡辦法要求自己突破,他不追求物質慾望、喜愛運動、出門在外盡量搭乘大眾運輸工具,從不同角度多觀察這個世界,藉此保持對設計的熱忱和靈感;再者在品牌的經營角色中,他除是設計師外,也身兼客服人員,能第一時間收到消費者的回饋或批評建議,亦有助於他彙整資訊,轉化成自身設計養分。 HMM至今大約創立5年,Michael認為這段日子中最大的收穫是人的成長,經營品牌很辛苦,不論是在銷售、商品製造、品管等,每件事情都需要做全盤的思考,人與人之間也須磨出一定的合作默契,才有可能肩並肩繼續往下走,另外,日以繼夜的研發過程、長途跋涉的參展等亦會帶來體力上的負荷,但挺過這些關卡後,他覺得團隊所有成員都蛻變成更好的人、變得比以前更堅強也更樂觀。 廢棄玻璃原料的新生 此次榮獲年度最佳設計獎暨特別獎的「W Glass玻璃杯」,是HMM與春池玻璃合作推出的產品,春池玻璃身為台灣最大的玻璃回收廠,一年可回收近10萬噸玻璃,全球僅次於瑞典,而春池也有感於日益嚴重的資源浪費問題,提出玻璃永續再生計劃「W Project」,讓設計職人以可被100%回收的玻璃進行創作,提升循環經濟的價值,更可為社會環境責任盡一份心力。 HMM的玻璃杯由台灣在地工匠手工製作,使用回收玻璃製造,將窯爐加熱到1400度,讓玻璃呈現液態膏狀後,採「壓鑄」方式製作,厚實杯底帶來渾厚美感,再輔以老師傅多年累積的經驗,用高溫噴槍修整細節。 設計概念以生生不息作為出發點,將時鐘的刻度轉化成十二角面的優雅稜角,暗喻時間的流動,玻璃染色工藝則賦予外觀熟成的琥珀色澤,一體成形的把手實用防燙,精算的高度帶來舒適握感,漸縮的圓形底部能讓杯身相互交疊,外方內圓便於清理。 小美提到,品牌推出的第一個商品「Mugr木柄杯」是長年熱銷單品,具有鑄鐵肌理的獨門泥漿釉在窯燒時很容易因為溫度的細微變化而產生瑕疵,且燒壞無法回收、只能丟棄,這讓團隊頗有罪惡感,於是便積極尋找其他替代性材質,讓民生用品能更有效地循環,而玻璃可達到零耗損的特性,可降低對環境的破壞。 Michael則表示歐洲市場非常在意環保,剛開始經營品牌時也收到許多指教,例如包裝、材質方面須修正,所以他們在設計的路上也是不斷摸索,希望找到之中的平衡點。 在2019年的紐約禮品展中,HMM以獨立參展的身分獲得大會頒發「最佳整體收藏獎」,小美表示他們致力於將台灣厲害的在地文化或工藝帶至國際市場上,未來也會持續發掘有潛力的加工工藝,並融入品牌的產品設計中,這過程就好像在創造一個文化般,雖然路途中困難重重,但HMM會一如初衷,帶著台灣在地職人與設計師的精神,踩著堅定的步伐持續向前邁進。 資料及圖片提供」HMM奇意果國際有限公司 採訪」陳映蓁

  • 「第二屆台灣光環境獎」於2019年11月22日公布得獎名單,自5月報名開始,歷經初選與複選會議,公布3件決選入圍作品,範圍含括自小至大尺度的室內外照明,作品的內容跟類型截然不同,呈現了評選過程的客觀與包容性。並於9月現場評選後,11月在淡水雲門劇場舉辦頒獎典禮,宣布由台中花博竹跡館、高雄市立美術館脫穎而出,獲得本屆「台灣光環境獎」殊榮,同時頒發「評審團特別獎」予合歡山國際暗空公園,表揚其結合政府、業者與民間共同推動減光行動以保護自然星空的努力。 《室內》雜誌於314期專訪決選入圍團隊,此期除了報導頒獎典禮外,更專訪「中強光電文化藝術基金會」董事長姚政仲與評審團主席周鍊,以他們的視角,提出對於今年光環境獎的觀察。     頒獎典禮出席貴賓合照(中強光電文化藝術基金會提供) 台灣光環境獎 高雄美術館、台中花博竹跡館 本次決選入圍作品恰好皆與「展示」的議題有關,照明設計如何與展示的環境、內容對話,3件作品皆藉由不同的手法呈現出精彩的成果。最終實地評選過後,由《光間-流動的靜謐 高雄市立美術館展覽空間重塑》與《2018臺中花博竹跡館》兩件設計案獲得評審團肯定。 高雄市立美術館自最大的複合式展間104、105室開始,期許藉由空間的改造,以光為主軸,帶領美術館邁向當代性新型態美術館。評審團認為,本案妥善運用新科技,以光膜材料結合電腦控制系統,創造傳統燈具難以達到的展覽照明效果,且整體照明設計與空間改造緊密結合,將空間自傳統提升至現代,此外更藉由空間的界定,於走道部分揉合自然光及人造光線,在動線行進間亦形塑美術館流暢而愉悅的觀展體驗。   《光間-流動的靜謐 高雄市立美術館展覽空間重塑》(沁弦國際設計提供,攝影:趙宇晨) 負責照明設計的林靖祐設計師提到,本案最難得之處即為對於「光」的尊重,即便經費限縮亦不選擇刪減燈光經費,並給予照明設計相當大的發揮空間,與高美館及禾磊設計建築團隊的合作是一次可貴的經驗。 而《台中花博竹跡館》亦獲得評審團的高度讚揚,以「光的奏鳴曲與詩篇」比喻,欣賞其不論於白日夜晚皆出色的光影表現,日光穿越結構間隙,疊映出流動的光影,呼應造型律動感;夜幕落下後則以人造光鏤雕建築線條,展現地標意象,更透過照明吸引民眾親近。除了台灣光環境獎的肯定外,竹跡館亦獲得英國Lighting Design Awards、美國IES Illumination Award兩項國際照明設計獎的肯定,照明設計師陳怡彰談到,其中光環境獎的肯定別具意義,是唯一一個評審委員曾實地參訪,而不是僅憑照片呈現判定的獎項,也應證了偶得設計堅持以光串聯空間、環境與使用者的作法,並非不切實際的理想。 《2018台中花博竹跡館》(偶得設計提供,攝影:夏新建築攝影工作室 / 楊士宏)   評審團特別獎 合歡山國際暗空公園 今年的評審團特別獎則頒予「合歡山國際暗空公園」,由台灣星空守護聯盟與清境觀光協會、南投縣政府攜手推動。創始人劉志安先生表示,自己身為業餘天文同好,6年前南投縣政府於合歡山裝置LED告示牌的工程,使他們體認到台灣公部門與一般民眾對於星空保護、光害防治意識的不足,因而於社群上成立「台灣星空守護聯盟」,並與清境觀光協會合作,藉由多次舉辦觀星活動,培養民眾與觀光業者對於星空旅遊的興趣,與對友善環境光源的使用觀念。 後來南投縣政府注意到「暗空」對於環境及觀光的助益,便主動聯絡聯盟,希望能夠透過公部門的加入,一同推動南投合歡山國家公園成為國際性的星空保護區,透過燈具的改造、聯合民宿業者夜間定時關燈等減光行動,最終成功於2019年8月獲得國際暗天協會認證,成為台灣第一座國際暗空公園。而縣政府亦規畫在未來3至5年內將整個南投仁愛鄉的路燈全數加裝燈罩,消除向上光源以維護星空;民間業者也配合在不影響遊客行走安全的考量下,盡量減少不必要的室外光源,或者提早熄燈,還給星光該有的亮度。 《合歡山國際暗空公園》(中光電基金會提供,攝影:陳詠傑) 評審團認為,「合歡山國際暗空公園」結合公私部門的力量共同推動,以「暗天不暗地」的光害防治原則,有效控制光汙染,對台灣的光環境深具啟發性及指標性意義,因此評審團一致通過,頒發「評審團特別獎」表示肯定。規劃單位海西諮詢的林正修規劃師感謝評審的遠見與大度,願意將以照明設計為主的光環境獎頒發予提倡「減光」的暗空計畫,也藉此次機會向在場的設計師與建築團隊提倡「暗天不暗地」的思考,他指出世界正以年增2%的速度變得更白更亮,人工照明對生態系帶來重大負面影響,暗空計畫的推動,正反映著人類對光需求的反省,期待破除大眾越亮越好、越美的迷思。 資料與圖片提供」中強光電文化藝術基金會 採訪」林慧慈

  • 第二屆「台灣光環境獎」於2019年11月22日公布得獎名單,自5月報名開始,歷經初選與複選會議,公布3件決選入圍作品,範圍含括自小至大尺度的室內外照明,作品的內容跟類型截然不同,呈現了評選過程的客觀與包容性。並於9月現場評選後,11月在淡水雲門劇場舉辦頒獎典禮,宣布由台中花博竹跡館、高雄市立美術館脫穎而出,獲得本屆「台灣光環境獎」殊榮,同時頒發「評審團特別獎」予合歡山國際暗空公園,表揚其結合政府、業者與民間共同推動減光行動以保護自然星空的努力。 《室內》雜誌於314期專訪決選入圍團隊,此期除了報導頒獎典禮外,更專訪「中強光電文化藝術基金會」董事長姚政仲與評審團主席周鍊,以他們的視角,提出對於今年光環境獎的觀察。   姚政仲:帶有訊息的光 中強光電文化藝術基金會董事長姚政仲。 儘管甫邁入第二屆,台灣光環境獎的背後,其實深埋了中強光電文化藝術基金會近10年來的努力,透過與各地公、私單位合作的點亮計畫,以及深耕校園教育,無一不希望能使更多人意識到「光」的影響力與重要性,首屆光環境獎所引起的迴響,即為過往辛勤耕耘的成果。 董事長姚政仲分享,除了引起業界的廣大討論外,在去年光環境獎落幕後,台北市政府即召開對於公共光環境的座談討論,並規劃選定都市重要節點作點亮示範;而今年9月的「點亮十三層」更是另一公部門逐漸重視光環境的最佳證明。他認為,大眾印象中「公部門美學」五顏六色的燈光,其實是來自對於光的不了解,誤以為強烈、艷麗的燈光能引人注目,但藉由點亮計畫與地方政府的合作,使許多單位理解到,純淨且適度的燈光並不困難,且亦能使民眾喜愛,光環境獎的舉辦即為對於良好公共光環境的鼓勵以及宣揚,使大眾透過各地的實際案例,理解光與生活息息相關,並不僅限於崇高、大尺度建築才可使用。 而經過第一屆的推廣,更多業主與設計師認識並了解光環境獎所希望提倡的理念與標準,因此本次參賽作品愈加精實且多元,其中更有許多具有實際改善環境功能的作品。特別的是,作品的廣泛面向亦影響了評審討論深度,本次入圍的作品含括室內外,具有不同的環境、功能與照明表現,評審不會以相同的標準審視每一件作品,而是針對其所擁有的條件、需求、與周遭互動等,更加量身地討論每一個作品的不同。 自決選作品名單即可看出,有歷史空間如《迪化半日》,新科技照明運用如《高雄市立美術館》,或者室外公共地景《台中花博竹跡館》,姚政仲表示,光環境獎的核心即為透過「光」與環境、與人產生互動連結,因此任何空間、意義、設計方式,評審皆能客觀而公正地看待,他說明,參賽作品只要具備廣義的「公共空間」定義,環境具備一定的公共性,光環境獎便十分歡迎其報名。 《光間-流動的靜謐 高雄市立美術館展覽空間重塑》(沁弦國際設計提供,攝影:趙宇晨)   「先有一個好的環境,才有好的照明。」如同名稱「台灣光環境獎」,姚政仲表示,這並不是一項單純的照明設計競賽,設計、技術的精彩度並非唯一考量,而是更整體地探討光線、環境、生活、社會與人之間的互動。且環境並不止於建築空間,評審十分重視如何透過照明與自然生態互動,他也希望能看到更多作品,可以由更人文、更貼近土地的角度表現,使光不只有視覺上的美,而是能夠呈現訊息。 良好的光環境並非使人看見精心設計過的「光」,而是以光作為媒介,使人們注意到環境的美學,進而開始關注自身的周遭、城市、自然與生活品質。推動光環境美學多年,「台灣光環境獎」的萌芽,是對於此前努力的一次驗收,而今後光環境獎又能綻開什麼樣的花朵,令人期待。 周鍊:美學來自感知 台灣光環境獎評審團主席周鍊。 觀察今年光環境獎參賽作品,評審團主席周鍊認為,由於光環境獎仍處於開創階段,整體案件方向上大多與去年相似,但亦可見許多差異之處,最明顯的部分即為「室內光環境」案件數量增加,代表著有更多人意識到光對於生活及室內環境的影響。他說明,室內照明設計需同時兼顧環境、功能與心靈感受,對比室外「大環境」的照明更重視個人的「微環境」,因此若有更多設計師意識到室內光環境的重要性,對整體而言是極其正面的現象。 「光環境獎意義在於營造體系裡起的變化。」周鍊說明,由於不少案件皆需要兩年以上的時間完成,於設計案成果上並無法看出明顯差別,但在實務體系上,他相信已引起了一些變化。回顧首屆光環境獎所收到的迴響,周鍊期待能藉由獎項的舉辦,培養光環境團隊的感動、參與感及自主感,更多提出自身的看法與觀點,使照明設計不僅於單純的功能性與視覺性,而是更富含心靈的累積與文化沉澱,使技與藝達到平衡的展現。   周鍊亦提出另一個有趣的觀察,部分設計師會認為公部門的案件繁瑣桎梏、無個人發揮空間,但其實在不少公部門的設計案中,反而相較私人企業更願意提供在地設計團隊創意空間及實踐的機會,同時亦關注本土人才的培育。   《2018台中花博竹跡館》(偶得設計提供,攝影:夏新建築攝影工作室 / 楊士宏)   本次評選過程與方向皆與第一屆大致雷同,但新增多位來自建築、室內設計界的評審,不僅設計經驗豐富,也清楚光環境的社會地位及對大眾生活的影響,並深切相信視覺與心理的互動關係,以各自的專業對作品進行評選。周鍊提到,作品能否入圍是相當明確的,設計是否到位、是否能帶來視覺或心靈上的感動,評審皆能立即決斷,因此本次10件複選入圍作品皆符合光環境獎的主旨,即以光提升生活,但最終入圍決選僅有3件,周鍊認為在於設計及表現能力上的不足,具進步空間。 3件決選入圍作品皆為照明設計與建築營造團隊合作的精彩心血,為大眾提供了舒適且健康、多元而具內涵的光環境。其中針對《迪化半日》,評審深論許久,有數位評審委員認為這是一個值得鼓勵的多元設計行為案例,但另些評審委員則提出,入口的商業空間光環境在視覺感受上與大稻埕歷史街區無法融合,最終選擇另外兩件作品。 談到台灣在光環境觀念或產業面上的轉變,周鍊認為可以分為兩大方向,首先是公部門的主導參入,更加重視城市、公共空間、文化及古蹟的夜間光環境,而且能夠主動邀請照明專業人士加入,甚至交由設計師主導;其次則為產業界愈加尊重設計專業,使團隊之間的合作更加融洽。 周鍊建議,若要提升台灣光環境,對於設計師而言應當更注意自身的品味、品質與品行,即在人文與技藝上多所磨練經驗,並善待每次與人的相處;而針對大眾而言,更應該透過教育提升民眾的感知能力,使其能夠欣賞並體會良好的光。他舉例,「美學」(aesthetics)一詞的原意即為「感知」,期許台灣光環境未來發展能更注重追求內涵及內心,而非視覺上的「美」。 資料與圖片提供」中強光電文化藝術基金會 採訪」林慧慈

  • 近年我們時常在新聞媒體上看到海洋廢棄物對環境、生態帶來的巨大影響和危害,衝擊畫面總令人頗為震撼與鼻酸,工業社會帶來大量資源浪費與廢棄物,如何改善此一現象所產生的生態浩劫,是各領域刻不容緩的議題;我們身處於海島台灣,與海洋的距離更是近在咫尺,或可從你我的生活中著手,貫徹回收行為、選用環保材質物品等,為環境保護盡一份心。 本期金點設計獎系列報導專訪以「稻殼沙灘玩具組」獲得標章肯定,並入圍年度最佳設計的點睛設計總監韓世國,邀請他就循環材料與設計的專業,與讀者分享觀點。 韓世國 點睛設計創辦人,也是多所大學的兼任講師。多年實務設計經驗,擅長多種材質運用,獲獎經驗豐富,如金點設計獎、OTOP設計獎與德國紅點產品設計獎等。2011 年創立「DOT Design」品牌,目前約有60件 商品在市場上銷售,創作以生活的趣味為主,讓每個使用者,感受到設計的豐富與趣味性;2015年成立Design Labs,嘗試讓食物、茶葉、各種豐富的生活元素與設計結合,創造設計的無限可能。2019年起以循環材料產品設計為品牌主軸,關懷永續議題,展開具體計畫與行動。 現任: 點睛設計有限公司創辦人暨設計總監 中國文化大學、清華大學兼任講師   重要經歷: 2019年臺灣國際學生創意設計大賽產品設計決選評審暨召集人、沙灘玩具組Golden Pin Design Award、鳳梨纖維盤Golden Pin Design Award 2018年「經濟部工業局設計經濟力國際推動」計畫(計畫主持人)、竹叉匙 OTOP Product Design Awards、碎岩蠟燭 Golden Pin Design Award 2017 年至 2019年花蓮縣文化局文創產業個案輔導(計畫主持人)、德國紅點產品設計獎、點茶Chosen Tea 1869 OTOP Product Design Awards、點茶Chosen Tea 1869 Golden Pin Design Best of Best 2016年通過經濟部工業局能量登錄「DE 類設計服務機構」4項分項 點睛設計的命名,內含著希望自家品牌商品與更多台灣企業,能為生活增添畫龍點睛的感受,韓世國總監從事設計工作已逾21年,公司主要提供平面設計、包裝設計等服務,並於7年前開始推出自營品牌(Dot Design)商品。 韓世國將設計的價值視為根本,嘗試接觸各式不同的材料,並將其運用在商品中,或許有人會覺得這樣是否對材料的特性不夠專精,但對點睛設計而言,材料的專業在於每一個合作工廠或工藝家的本領發揮,設計功能主要是提升製成品的價值;這兩年來,團隊開始致力於環保材料的開發與結合,例如鳳梨纖維、香蕉莖、稻殼等,透過系列產品的推出,一再反映循環設計、循環經濟的概念,也是品牌近期的主要目標。   在地原料二次利用 友善地球 除從事設計工作外,韓世國亦長時間投入教育領域,他笑說「韓老師」是他對外的代稱,在教書過程中時常會針對學生提出的問題進行反思,加上容易接觸形形色色的人事物,讓他觸角更多元,也能更靈活的使用各式材料;近年的設計思維偏向「越在地越國際」,如何使在地元素及文化獲得更多關注和發展,是點睛設計欲探究的重點;台灣有許多厲害的傳統工藝,目前遭遇較大的瓶頸在於缺乏跟設計結合的機會,故難以讓大眾了解,韓世國因著自己的興趣和好奇心,主動跟各式材料洽詢合作機會,希冀改變既有產品設計的觀念和能見度,也希望透過設計力量傳遞良善的想法,讓社會跟環境變得更好。 「循環設計」一詞,意指從廢棄物中找尋可能性,從中提煉出一項新的材料製成產品,使用完畢可按照資源分類回收,並可自然分解,達到對環境無害、永續循環的境界,韓世國表示,台灣在處理循環材料這方面十分具有競爭力,再加上自己也想做「好的事」跟「對的事」,遂投入循環設計領域,經剖析發現大部分循環材料商品過於著重於材質面,應用於民生用品時,對手就是成本低廉且大量產製的塑膠製品,可能貴個5元、10元,就會大幅降低消費者的購買意願,轉而選擇塑膠品項,若無法單憑純粹的材料獲得市場青睞,設計工作者的功用即在於賦予物品吸引人購買的條件,藉此讓友善環境的經濟鏈得以持續運行。   此次榮獲金點設計獎標章肯定的「稻殼沙灘玩具組」,是以中部最大稻米工廠「三好米」,在製米過程產生的大量稻殼回收製作,在不添加塑膠的前提下,如何維持商品良好的強度,是設計團隊與合作工廠面臨的一大挑戰;為讓成份裡的天然稻榖粉末跟天然澱粉橋接,亦實驗了多種原料,在意材料是否可以百分之百降解,且循環設計的商品在高度、溫度、流動性等方面也有諸多限制,研發時曾進行多次測試和角力,也曾發生因為商品射出點不盡理想而更改模具等情況。 韓世國提到,放眼望去,海洋中大部分海廢都是塑膠瓶,若可以製造出能快速分解的瓶器,對環境最有助益,但現階段製作瓶器的技術尚未發展到位,他轉而思考什麼樣的品項是既可能被遺留在沙灘上,也能帶來教育意義;有鑑於量販店販售的玩具大多價格低廉,使用後隨手丟置在沙灘上、最終被捲入海裡成為難以處理的廢棄物的情形屢見不鮮,於是他決定推出稻殼沙灘玩具組,讓小朋友們在玩樂之餘也能關注環保議題。   點睛設計多次獲得金點設計獎的殊榮,2017年更以對環境友善的材料製成的山形禮盒奪下年度最佳設計獎,韓世國表示獲獎帶給他很大信心,讓他相信走循環設計這條路依舊能得到大眾的認可,也有助於推廣商品及理念,讓更多人知悉。 循環設計是件很美也很有意義的事情,但在台灣碰到最大的困境毫無疑問就是成本,韓世國不諱言投入此領域需花費更多心思,但得到的報酬卻不成正比,需要有滿腔熱血和理想才能支撐他持續耕耘,也因此他建議有意願踏入設計行業的人,凡事要保持熱情跟好奇心,面對每項專案都要專注投入,不將自己侷限於舒適圈,而是應勇於邁出步伐,並堅持下去,才有可能有所收穫。 資料及圖片提供」點睛設計 採訪」陳映蓁  

  • 工家美術館

    世界首座結合工地、共享概念與藝術生活的精神場所

    勤美術館自2012年成立,舉辦過許多貼近群眾的藝術文化活動,第一階段任務已於2018年底畫下句點,新的美術館將由國際知名建築師隈研吾大師操刀,為勤美草悟道街區注入新能量。 2019年初開始進行轉型工程整備期,邁向下一階段之時,勤美璞真文化藝術基金會以擅長的策展轉譯與美學設計力,推動一項革新計劃-工家美術館,甫於11月15日正式開幕,藉由打開圍籬,打造一座結合工地、共享概念和美術館創意的基地,亦是新型態工務所的示範場域,除升級工地環境外,更希望透過民眾和社區的參與,展開與工地文化對話的可能性。 建築在熙來攘往的草悟道街區十分引人注目,期望以開放的新型態工務所兼美術館的角色拉近人與人的距離。攝影:CMP PJ Foundation 隱身於工地圍籬內的勞動者們,是創建文明的偉大英雄,這股看不見的強大力量,驅動著城市不斷向前邁進,然而,在每片被圈圍起來的荒地裡,辛勤工作的工人們,卻往往因為圍籬,加深了與民眾之間的距離和隔閡,而工作環境也擺脫不了不安全的刻板印象,勤美璞真文化藝術基金會思索著是否能夠翻轉工地環境,為隱身於幕後的工作者提供舒適的休憩空間,甚至將工務所引入文化與創意,連結周遭街區,成為大眾彼此共享的生活場域,於是,「工家美術館」就此誕生。   「工」指工程;「家」則是一種歸屬感,而工家的台語「ㄍㄨㄥ ㄍㄟ」,則是共享之意。工家美術館基於過往深耕街區的能量,以無疆界美術館為初衷,並以友善工人的初心作為一切的出發點,打造出充滿工地意象的場所。勤美璞真文化藝術基金會執行長何承育表示:「如何讓台灣的工地文化被大家知道是工家美術館的起心動念,並嘗試把工地文化的信仰化為精神性的創作。」 美術館區域本質上仍是工地的一部份,但以實驗的精神,重新定義工地美學,在工人未使用之餘,打開空間,讓一般民眾也加入這場工地藝術活動,促進文化交流及在地認同,希冀透過建築、軟體等安排,再現更深層的文化與社會內涵。   眾多設計力共襄盛舉 構建美術館畫面 作為未來美術館的前導項目,工家美術館身負連結過去與展望未來的深刻意義,此次計劃集結台灣各領域創作者共同構建出最獨特的工地視野。 十禾設計的吳聲明建築師在18×18的方形基地中藉由虛(開放)與實(圍籬、牆面或戶外露台)的構成,串起鄰里生活圈,並保留基地原有的兩棵老榕樹,象徵著在地情感,也讓建築被綠意包圍;再以不斷向上層疊的階梯,讓人穿梭於樹木之中,與環境對話,企圖暗示我們所有的隔閡與不了解,都是因為對話不夠而產生,所以工家美術館的目標其實是產生相遇,讓正在創造未來美術館的工人們及民眾,在不同的分時概念下共享此地。 至於內裝設計則邀請無氏製作PiliWu-Design的吳孝儒操刀,他運用鷹架、浪板、三角錐等素材,將其轉化成具實用性的家具軟件,並符合堅固耐用、可隨意組合的特性,「形隨機能」的設計方式是他覺得十分有趣的地方;選用工地常見具警示作用的亮橘色作為空間主色調,再搭配多種具巧思的活潑亮點,如油漆桶吊燈、午休時間用水泥枕等,將工地師傅最熟悉的物件透過他們最不熟悉的語彙呈現,從中找到平衡點,並反轉大眾對既定場域的印象。   而視覺形象設計則完整點出工家的精神,生活起物googoods負責人莊騏鴻考量到工地予人一種未完待續的氛圍,故以未寫完、缺少筆畫的字來表現logo形態,期望藉由大眾的參與,進而完整美術館的全貌;他亦統籌了便當包裝、入口意象裝置、指引系統等,就地取材並融入工地特有的生活智慧。 而開館首檔展覽「荒島工神」則邀請攝影師鐘聖雄、平面設計師廖小子及服裝設計師李育昇共同合作,策展單位爬梳島國脈絡,結合傳統宗教、台灣文化等內容,並將神明文化映射在工地景觀中常見的電動旗手上,傳遞這塊土地的真實樣貌。藝術家Yen Shih Chieh以工地現場使用的機具、工人常聽的收音機為基本旋律,創作出契合空間主題的背景音樂;盂施甫藝術家的機械動力裝置「涼日」的圓形涼扇則為2樓帶來和煦微風;戴翰泓所創作的戶外公共藝術座椅「工地獸」使用鋼筋水泥等材料,期待能承載工地跟街區共同譜出的故事。 除提供舒適環境之外,工家也與台中在地餐飲團隊「好食慢慢」合作,製作出美味健康又飽足的工家便當,亦研發專屬的工地創意小食,與結合工地文化的特調飲品,供工地師傅與一般民眾享用。勤美璞真文化藝術基金會希望通過這項計劃,集結充沛能量,表現出最具設計思考的新型態工務所。 資料及圖片提供」勤美璞真文化藝術基金會 採訪、撰文」陳映蓁

  • KUBE是由OMA David Giaontten和Rem Koolhaas所設計的建築,KUBE位於K11 MUSEA旁,外型由一個金色立方體和巨型氣球構成,它是一個售賣亭﹑是供閒坐的地方﹑也是活動空間。OMA管理合夥人建築師David Giaontten表示:「KUBE是一個多用途裝置,希望將來到K11 MUSEA的人們與在海旁閒逛的人聯繫起來,讓他們專注於當下,共同體驗這個城市,捉住當中與他人偶然相遇的機會。」   KUBE有別於海旁零售與商業區的建築。金色立方體是本地工藝咖啡烘焙專門店 %ARABICA的售賣亭,立方體的氧化鋁立面會隨光線變化,在不同時分展現不同面貌,為人們帶來獨特體驗。金色立方體配置著一組石材立方體,可用作座椅及桌子,其組合方式有助人們無意間展開對話。 此配置也帶來舉行不同活動的可能—像以海港為背景的表演藝術,為K11 MUSEA以及城中的藝術設計熱點Victoria Dockside注入更多文化元素;當特別活動舉行時,KUBE會安裝上巨型紅色氣球,氣球從維港彼岸清晰可見,是一個「都市頂篷」,將參與活動的人聚合一起,又是一個「城市標誌」,將KUBE定位為讓人們偶遇、受啟發的地方。   KUBE座落的K11 MUSEA是由100位建築師、藝術家、設計師和其他創意人才共同努力的成果,被稱為「香港文化矽谷」。其獨特的文化產品包括精心策劃的藝術典藏,包括超過40件當代藝術品和每週的文化活動。K11 集團創辦人鄭志剛表示:「OMA團隊為K11 MUSEA設計的不單單是一個特色建築,更是一個象徵融合維港海濱文化、咖啡文化以及鄰近社區的新空間象徵。」希望透過多元的文化與日常活動令維港更生氣盎然。   資料及圖片提供」OMA、K11 MUSEA  編輯」歐陽青昀

  • 第二所靜修居停將繼續傳遞大自然奧妙、啟發創意思考及提倡可持續發展   由HDH Capital Management資助的社會企業HDHP再次與普立茲克獎得主合作,將邀請日本建築師西澤立衛設計第二所Shishi-Iwa House,並預計在2021年開業。 這次項目的理念與由建築大師坂茂所設計的系列首間精品酒店雷同,旨在為客人提供一個與親朋好友交流並激發創意的居停。西澤立衛所設計Shishi-Iwa House 向日本傳統房屋建築致敬,採用日本傳承的度量體制 – 尺貫法,並選用當地檜木、參考日式庭院設計。從建築至室內設計均由西澤立衛負責,確保整棟建築風格統一,打造出一個前所未有的建築鉅作。  在人與自然的互惠關係及可持續發展的前提下,酒店由10個相互連接的分樓所組成,並以耐用且芳香宜人的本地檜木為主要建築材料。自多個世紀以來,區內的神社、寺廟及宮殿均以檜木建成,賦予這種樹木一種神聖感。除此之外,傳統的尺貫法網格系統採用高效能且環保的施工技術,令大部分工序可事先進行及組合並運輸到現場裝合,減少廢物排放,有效將整個酒店建築過程的碳足跡減至最低。 酒店共設有8間尺寸不同的客房,方便個人及團體旅客。當中還有接待室和圖書室、公共休恬空間和開放式廚房、茶室、澡堂、餐廳等一系列公共設施。別樹一幟的建築結構為酒店提供多個不同私密度的公共空間,促進客人之間的交流。 坂茂所設計的Shishi-Iwa Houseu已經在2019年2月開業,強調自然、建築和人與人之間的聯繫;不單是一間讓客人休養生息的精品度假酒店,還為企業、社區和客人間提供一個交流及討論的場所。兩所分別由西澤立衛及坂茂所設計的Shishi-Iwa House屹立於同一街道上,方便客人共享公共空間,並同時感受兩位日本著名建築師別具一格的設計作品。 編輯」歐陽青昀 資料及圖片提供」CATCHON

  • 2019年第12屆台灣室內設計大獎(Taiwan Interior Design Award, TID Award)競賽在8月31日於日本建築師坂茂所設計臺南美術館2館舉辦頒獎典禮,揭曉各項金獎、新鋭奬、評審團特別獎及年度大獎的得獎名單,同時也首次頒發「幕後貢獻獎」給傲代設計的張澤民先生,藉由這個獎項向所有幕後英雄致敬並表達感謝。 從今年2月中開始徵件的TID Award,在6月14日舉行複選會議,並緊接著在隔週進行最終決選,最後在7月1日公佈複審得獎名單,CSID理事長龔書章表示,今年TID金獎有別於以往,採不分類的形式,端看作品本身做評選,希望讓許多優秀的作品被看見。   TID Award台灣室內設計大獎,從創辦以來為台灣以及亞洲的室內設計領域帶來新氣象。第12屆的TID Award在評選制度做了很大的調整,投稿作品透過更細緻的分類方式,使不同類型的作品在評選過程中產生更多深入的討論;而除了金獎,更增加了年度大獎以及評審特別獎兩個獎項,希望能夠提釋出未來室內或空間設計的創意展現,希望透過上述改變帶領TID Award開創新的未來。   從2019年的入圍以及得獎名單可以看出此次作品的多元性,不僅囊括日本、香港、中國各地的優秀作品,更展現設計師們對於文化、社會、時代等多層面的深入探討。第12屆TID Award台灣室內設計大獎頒獎典禮已經完美落幕,請與我們共同期待下一屆TID Award會帶來更多精彩優秀的作品。(名單請依據TID Award 及CSID官網公佈為準。)    年度大獎  2018新竹市玻璃設計藝術節|光動 格式設計展策 / 王耀邦 展覽動能成為地方創生的驅動引擎,一場循環經濟的展演,產業、文化與設計的城市新鏈結。「2018新竹市玻璃設計藝術節|光動」將玻璃想像為一個承裝新竹的「文化的容器」的理念下,從台灣小吃攤最常見的143 CC. 常民玻璃杯出發,連動跨界領域中的優異設計師與藝術家,探討傳統漬物、茶文化、廟宇小吃、城市伴手禮、歐日玻璃設計等生活議題。 使用新竹在地的春池玻璃歷經循環經濟系統所產生的143玻璃杯,隱沒於玻璃地坪,成為展場光線氛圍的主要來源,配合兩側銅鏡與穿透性的玻璃展版,將原本的展覽空間透過無限延伸的視覺向兩側開展。設計團隊想將傳統運用在新的空間製作手法中,讓民眾漫步於光之上,一起在玻光中漫舞,參觀者將會如光一般,從身體經驗中體驗不同玻璃材質的魅力扭轉人民對於傳統工藝的想像,為玻璃這個介質注入嶄新的能量,成為活化新竹城市的引擎,打造玻璃成為新竹對外的一張新名片。      工作空間類金獎  美暉新辦公室 廈門喜瑪拉雅設計裝修有限公司 / 胡若愚 辦公室位在泉州老字號「源和堂」的舊廠房。設計團隊順應原有的空間格局,循著兩條軸線展開,迎賓的軸線上,前臺白色岩板檯面延伸入鋼製梯盒成臺階,另一端延伸成會議桌;另一軸線上串連設計部和總監室,長向燈盒和管槽拉伸空間的縱向維度。 梯盒的圍合和踏步均用U形折板構成,通過穿孔的輕盈來化解結構的沉重;夾層鋼階穿出梯盒成鋼橋,憑欄處俯視空間的構成穿插。熱軋鋼板的運用,突顯建築原本的工業屬性。   主動房 青埕建築設計 / 郭俠邑 作品簡介:「雖然是一個工作空間,我希望給人們回到家中,溫暖、回歸的初衷般,建構人與人、人與環境的密切關係。」 青埕建築設計經過翻新,最大限度減少能源浪費並使用FSC木材、GAINKER建築樹脂、低 VOC塗料等環保建材。斜屋頂延伸出的外觀造型,與家的型態相似,這是個從住家延伸到工作室的概念,工作也可以和家一般,希望人在此可以產生密切的情感。  工作空間類金獎    心傳動物醫院 覺知造所室內裝修有限公司 / 胡廷璋 心傳動物醫院的發想是溫柔且出自關懷的。業主期望在院內規劃懇談室,對飼主好好的說明生命狀況。而這份體貼心意,在設計師的延伸解讀下展開:其實不僅止於單一的懇談室,醫院空間也應該用溫柔語言,來撫慰所有的焦急不安。 回歸生物生活空間最本質的材質,選擇了土壁做為空間的一個重要元素,並藉由空間中的光對邊的勾勒,與區域光源的緩沉,來帶出醫院的神聖感;用弧線擬仿洞穴最天然的形狀,予人安心感。整體規劃希望具備親切氛圍與寧靜空間,撫慰動物的主人,也提供專業的動物診治。   宋•川菜 廣州市共和都市設計有限公司 / 黃永才 作品簡介:設計師從《瑞鶴圖》中受到啟發,擷取了「鶴羽」這一微妙的元素,從中建立起空間設計。用現代的材料與設計手法來演繹的中式餐廳,使用100800塊異性的不鏽鋼磚與399860塊琉璃羽毛構成餐廳的基本形態。 曲面的形態打破了一貫大家對於中式餐廳的想像,形成獨特的空間感受,設計團隊希望客人能夠感受到置身在夢境之中,能夠邊用餐邊感受古代文化的底蘊。   梵几 福州東西室內設計有限公司 / 陳志曙、李超 房子應該有自己的文化在裡面,材料的選擇也要考究,這座家具展示間施工初期設計團隊往返數次偏遠村莊,找尋可以利用的舊材料,因為這些材料經過時間打磨與包漿後更顯質樸與純粹。 整個空間通過格擋與光線的控制,營造出一種幽暗、神秘,如置身於原始的洞穴世界般,流露出一種獨特美感,與梵几品牌文化如出一轍。   撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」中華民國室內設計協會 CSID

  •  居住空間類金獎  回家 合風蒼飛設計工作室 / 張育睿 「打開既有空間界線,重塑物理環境」是整體設計的概念,希望打破一般公寓的固定隔間,放大公共空間尺度,讓視感舒朗延伸。以綠建築設計思考,透過將靠外牆的牆面切除,留出人、光與風的通道,依著窗外樹影搖曳,再引進日光、景觀及氣流的同時,也創造視覺的延伸與不同的行為模式的延伸,並且減少能源耗費。 室內建材主要以萊姆石泥牆、側柏實木以及生鐵為主,裡用穿透感的設計手法創造無壓的生活環境?隨著移動,希望能創造在同樣的房子裡,看見不同的風景,塑造出貫穿腹地的廊道與開放場域,讓空間感受更加豐富,創造家人在不同角落的交流。   山居 建築營設計工作室 / 韓文強 「山居」的設計初衷,是基於對未來居住生活的探索。設計師韓文強追溯人類最初的居所是山洞,定義了它的家園意義。隨著文明發展,古人有「仁者樂山」一說,回到當代居所是否可能回歸人類居住本源?據此,韓文強大膽提出方案—「山居」,它既歸返,也進化,帶來一種對未來居住生活的嶄新思考。 室內空間中,地面由窗邊向內緩緩抬升成為一個山坡,讓內部人的行為與窗外景色產生立體的對應關係,山下的洞穴是入口和廁所,山上視野最佳的位置是睡覺和洗浴的地方,山坡則是行走、休憩的介面。讓人工與自然,原始與精緻共存於這個空間之中,激發居住者的感官本能,回歸身體體驗,重拾居住生活的樂趣。    展覽空間類金獎  Happier Café Tokyo 柏成設計 / 邱柏文、王菱檥 Happier Café Tokyo的造訪者不僅可以沉浸在舒適的氛圍中,更是一個可以讓你改變以及啟發的地方。利用紙張極高的可塑性,勾勒出不同氛圍的小空間,或坐、或站、或臥,隨著時間流逝,紙張也會捲動前進,並呼應臨時空間的可移動性。 使人們可以隨著心情即興表達、創造和調整空間設計,造訪者能夠輕鬆自在地展現自我並且感染他人,或許獲得啟發,或許傳遞快樂。    臨時建築與裝置類金獎  NOOK光合台東 禾磊藝術有限公司 / 菲利帕•弗羅伊斯•阿爾梅達、雨果雷斯、吳慧貞 NOOK光合台東是一個城市的綠洲,一個療癒的場所,提供暫時脫離現實的魔幻空間經驗,也提供人們奇遇相遇的可能,探索城市的內與外之界限。這件空間裝置位在台東舊車站,台東設計中心前的空曠草坪環境上,是一個半透明的白色立方體,被植栽以及霧氣所圍繞,在一角巧妙地撩起,成為人們進入的入口。 由格狀鋼管系統形塑而成,外層包覆了具穿透性、透氣性的網布;空間內部設計了噴霧設施,創造出清透空靈的環境氛圍。輕靈的環境空間,吸引人群停留,讓人成群結伴來此活動,或享受隱蔽而親密的空間體驗。      品牌設計類金獎  鳳嬌催化室 共序工事 / 洪浩鈞 鳳嬌催化室的前身原本是紙鋪,由長期投入藝文教育領域的樹火紙記念博物館團隊經營著。業主希望創造一個紙及自然材質交流與實驗的平台,解構大眾過去對於自然材質的想像,接觸更多不同的創意想法,甚至在與創意人的跨界合作中,迸發出全新的概念與方向,於是「鳳嬌催化室」就此誕生。 整體設計以「遺跡」為概念,打開空間,裸呈建築原有的紅磚牆面,縫隙設置二條纖細固定軌道,懸吊起整片金屬框架,金屬鋼架僅僅只有0.6公分寬的材料尺寸,焊接組裝相當考驗鐵匠技藝,並以燈光及輕盈的展示構架為輔,展現建築歷史與原有材質的美。    新銳獎  海邊檔 LAAB 實現室 / 吳鎮麟   佇立在香港尖沙咀海傍、星光大道入口的海邊檔是香港第一個機動性公共建築,作用是小食亭以及機電房。港式獨有的小販街邊檔「朝桁晚拆」特色,是海邊檔設計的靈感來源。早上,海邊檔緩緩打開,像一隻張開嘴的蚌;夜裏,海邊檔闔上眼睛,安靜地聽海。 海邊檔的木條也會上下擺動,一吐一納,就如同海浪潮起潮落。 爲了不打擾既有的風景,LAAB融合了這些建築物的形態,並用紅巴勞木木條重新演繹,讓海邊檔和諧地成爲這裏的一部分。    評審特別獎  高雄水水 一起設計、偶然設計 / 辜達齊、趙尉翔、曾令理 設計團隊透過位於高雄市港灣邊的地景藝術,訴說關於一個都市人對於自然的想像:我們追求有形的滿足以及理智建構的文明社會,我們也渴望心靈與精神的、純粹感知的身體經驗。 裝置由兩道18米及36米長的自由曲面混凝土牆,築成寬窄不一的峽谷,谷中偶有霧氣,水霧自牆面逸散而出,路徑曲折蜿蜒,人在其中看不到出口;面對陌生與迷失,五感重新成為溝通的主要語言。峽谷外則覆蓋草皮土坡與夜光磨石地面,在夜晚成為都市裡的一盞夜燈。不刻意設定機能,讓所有人定義如何自處於這個空間。 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」中華民國室內設計協會 CSID

  • 2019倫敦設計節

    歐洲特訊

    每年秋季,是設計創意產業最忙碌的季節,各大國際展覽相繼展開,而每年都不斷推陳出新的倫敦設計節更是其中的重頭戲,2019年倫敦設計節在9月14日至22日盛大舉辦,為期8天的展會圍繞整個倫敦城市。 倫敦設計節自2003年由英國設計師 Sir John Sorrell和創意產業的倡導者Ben Evan CBE構思創辦以來,活動的宗旨是希望將倫敦推向領導全球設計產業的指標,今年進入第17屆的倫敦設計節,作為設計師的年度聚會,也是向大眾傳播設計的重要平台,2019年更將展場以及藝術裝置擴大遍佈於倫敦的各個角落,讓整座城市都一同慶祝這項國際設計的盛典;倫敦設計節總共有400多項活動,展覽主要集中在倫敦的11個區域,包含標誌性景點和廣場,並且在各大藝術中心舉辦論壇、藝術家和設計師的講座。   倫敦設計節的總策劃人Ben Eva說:「倫敦擁有世界最大的創意產業,設計是其中最重要的部分,而倫敦設計節在這個需要展示創意的年代,為設計、藝術提供了很好的舞台。」 2019年的倫敦設計節規劃了6大項目:地標項目、節慶委員會、裝置藝術、論壇及工作坊、維多利亞與艾伯特博物館項目、合作夥伴活動。其中與維多利亞與艾伯特博物館(Victoria and Albert Museum,簡稱V&A)的項目合作也邁入第11年,V&A 的負責人Dr Tristram Hunt表示,很榮幸V&A可以再次作為倫敦設計節的中心展場,並在展會中扮演重要角色。   倫敦設計節涵蓋各藝術設計領域的創作,今年的展會中可以看到5大亮點。   對大自然的陳述 TAKE THE PLUNGE / VOLUME CREATIVE IN COLLABORATION WITH VIRGIN VOYAGES TAKE THE PLUNGE的創作概念來自於對海洋的熱愛,裝置利用可回收的材料製成,TAKE THE PLUNGE描繪的是海底的日落風景,這個獨立的沉浸式空間,希望帶領參觀者進入一個獨特的二次元世界,帶著冒險的精神用全身的感官去感受海洋的快樂元素。     AI科技的應用 AFFINITY IN AUTONOMY / DESIGNED AND SUPPORTED BY SONY DESIGN AFFINITY IN AUTONOMY是一個機械鐘擺,主軸是希望將創新轉化為感知體驗,鐘擺可以偵測到人的存在,並轉化為動能呈現,這闡述了機器人技術的獨立性和自由意志—AI。AI近年被廣泛運用於各個領域,參與此項作品的SONY認為:人與科技技術之間的關係將透過時代發展而不斷變化,也希望反思科技與人的未來。 色彩與光線的關係 IRI-DESCENT / LIZ WEST IRI-DESCENT是一個以聚碳酸酯、鋁以及二向色薄膜包覆的150個骨架組成的懸掛式立方體,隨著觀賞者在中庭周圍、樓上樓下移動腳步,立方體會隨之改變顏色。創作者LIZ WEST因受工作環境中的輻射光以及各式光線的啟發而有的靈感,希望遊客用新的方式感知這個空間,同時觀察自我與色彩和光線之間的關係。 藝術與科技的互動 NON-PAVILION / STUDIO MICAT, THERE PROJECT AND SO PROUD STUDIO NON-PAVILION裝置闡述降低消費主義和生產水平的議題因為這是人類與自然世界及其資源共生的唯一途徑。裝置運用四根支撐角桿,角桿外包覆鏡面,內裡則是紅色霓虹,透過AR技術,參觀者可以使用智慧型裝置看到NON-PAVILION的不同形式。 環境與環保議題 SEA THINGS / SAM JACOBS SEA THINGS是位於V&A入口的大型裝置藝術,希望啟發大眾對於全球塑膠系統的反思,探討塑膠的生命週期,以及在未來產品設計的使用。裝置採用大型的雙向鏡像立方體,高高的懸掛在遊客頭頂的上方,結合動畫展示著海洋的廣闊無邊,也暗示著與人們面臨的挑戰一樣巨大;當遊客進入這充滿影響力的空間,會感受到裝置透過數位和物理展現的全球一次性塑膠危機。   上述的5大亮點,都擁有一個共同核心—人,每項作品都十分重視與「人」的互動關係,從人與環保、環境、科技、未來等層面的關係,創作者藉由藝術創作探討他們對於世界的感知。 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」London Design Festival

  • 以「華人人文,家庭溫暖」作為核心的居家用品品牌JIA Inc.品家家品,專注於提供優質的飲食烹飪產品體驗與服務。甫於2019年9月中下旬推出的「JIA虹彩鋼 賞味」系列商品,與素有「工業設計界一抹溫暖的微風」美譽的日本第一女工業設計師柴田文江(Fumie Shibata)合作,主打料理、上菜、收納、外帶一「器」呵成的創新飲食烹飪型態。《室內》雜誌受邀前往參加發表會,並與柴田女士進行專訪,聊聊她的設計思維和理念。 柴田文江Fumie Shibata Design Studio S創辦人,日本首屈一指的工業設計師,來自山梨縣,畢業於武藏野藝術大學。於日本東芝(Toshiba)設計中心工作數年後,創立自有設計工作室,產品設計跨足電子產品、醫療器材、文具、家具、餐具、生活用品、甚至膠囊旅店等,為眾多知名品牌提供設計服務,獲獎無數,包含德國iF設計大獎和日本Good Design設計大獎。 設計風格以細膩、溫柔著稱,被認為是「工業設計界一抹溫暖的微風」,即便經手冷硬的電子產品或醫療器材,都能展現出圓潤、貼心、友善的設計細節和態度。2014年起,受邀返回母校武藏野藝術大學擔任教授;2018年起擔任日本優良設計獎(Good Design Award)評審委員會主席。 日常中的料理和用餐時光,不僅要吃得健康美味,更應該充滿趣味且令人期待。「虹彩鋼 賞味」的鍋具碗盤組擁有多種尺寸和深度,模組化設計搭配完整周邊配件,讓使用者不再受限於飲食烹飪的器具和環境,反而有更多靈活樂趣和自主性。 市面上極度罕見的虹彩鋼製品須經過超過60道工序,並於超過攝氏800度高溫反覆燒製而成,不鏽鋼內胚結合琺瑯工藝,利用全新專利塗裝技術,免去傳統生產過程的電解、酸洗環節,更加環保且安全,也更加耐酸鹼、耐腐蝕;製成採靜電粉體噴塗,琺瑯瓷釉表面薄透均勻,污漬和細菌不易殘留,易於清潔。在設計上則希望打破對烹飪器皿的刻板印象,鍋具上桌後是極具美感的碗盤,碗盤其實也能上爐火加熱,彼此間不再有明確的界線。   何謂設計? 柴田文江於專訪時提到她在接觸一項新商品的委託時,不單單注重形態和顏色等表象物質,如何賦予產品新的價值、為人們創造新的生活方式,是她所重視的要點;身為一位設計師,她每天都在定義何謂設計的意涵,對她而言,設計的存在是希望可以解決問題,她透過大量的實務經驗來實踐理念:藉由設計,讓大眾的生活更人性化與便利。 好的設計不僅只侷限於模樣外觀,而是必須具備「持續性」的觀念,一項物品應該可以長時間被拿來使用,而非單一次用過即丟,且亦須有「未來性」、「前瞻性」的輪廓,科技和技術進步得很快,她認為設計的價值就是串連兩者的智慧並應用於生活中,因此她力圖在設計師和消費者的角色間換位思考,並關注當代使用者的需求,帶來簡約細膩又多功能的各式商品。 例如本次聯名商品的英文名「Gather」即是由柴田文江命名,她希望突顯料理與用餐的相聚時光,強調「聚」的概念;而模組化的圓弧線條則為商品帶來系列感,搭配多功能配件即可完成多數料理手段,亦可做堆疊收納,適合現今的小坪數居住空間,讓生活不受侷限。   當提及如何維持對工作的熱忱時,柴田文江說其實沒有什麼訣竅,設計對她來說就是件再自然不過的事,無須特別維持,這股力量就已深刻內化成她的一部分,且她自認是個勇於接受挑戰的人,喜歡接觸許多不同類型的事物,也樂於跟他人相處交流,不封閉自己的眼界,多方觀察,對工作就會有源源不絕的想法。 而此次與JIA合作時,除了針對產品與團隊進行討論和發想外,在如何料理食物及保健等話題,亦有大量的切磋和交流,這是她覺得很有趣的地方;因著設計師這個角色,她得到許多不同的珍貴經驗,這些都可以作為養分,並在需要之時轉化成設計語彙。柴田文江自2018年起擔任日本Good Design評審委員會主席,針對未來設計趨勢,她表示從人的需求切入、優化人類生活是日後發展的兩大重點,設計若僅關注經濟性或合理性,反而會喪失其溫度,因此「人情味」一直是她所追求的精髓。 資料及圖片提供」JIA Inc.品家家品、Design Studio S 採訪」陳映蓁

  • 超級南現場紀實 將設計帶回地方

    2019 台灣設計展「超級南」

    2019台灣設計展於10月20日完美落幕,今年首度移師島嶼南端的屏東,以「超級南─超級南方‧非常台灣」為主題,將屏東的產業、人文、環境與發展,以「超級市場」的概念全數攤呈於貨架之上,等待大眾發掘。 除了位於台糖縣民公園的主展區外,亦規劃屏東菸葉廠、勝利星村創意生活園區為衛星展區,集結台灣一流策展團隊,透過設計帶領人們細數屏東的風土故事。本次《室內》雜誌前往屏東,紀錄展覽現場,並採訪空間統籌設計師朱志康,一探「超級南」始末。 主展區 帶來歡樂的超級市場 主展區擇址屏東台糖縣民公園,由屏東縣政府將原先廢棄的廠房建築修復、更新,成為約2000坪的廣闊展覽空間,今年的台灣設計展為其首次亮相。場內設置5大主題展區及1家設計賣店,此外,寬敞空間甚至有餘裕規劃休憩及用餐區,結合室外市集、燈光造景,成為民眾閒暇時可以走逛的「超級市場」,將大眾印象中有距離感的設計展,重新帶回日常生活之中。   緊扣「超級市場」主題,空間統籌朱志康設計師以「雲霄推車」裝置貫穿全場,自踏入展場後,手推車即不斷地在身邊環繞,營造動態視覺與環境音效的雙重感受,配合大賣場中常見的巨幅吊軸及不時響起的廣播,將設計展與超市結合,只不過這次架上陳列的不是商品,而是最生猛鮮活的屏東印象。 5大展區圍繞著「屏東」概念,「屏東西」展示農業大縣的特色產物、「屏東製」主打觀光工廠、「屏東YA」則以趣味方式呈現地方人文自然;以及更少見的屏東面貌─「屏動能」推廣具備運動能量的屏東人才及產業,並以「屏安村」嘗試回應台灣高齡化社會的難題與挑戰,發展「全齡共融」的美好想像。其中,「屏東西」及「屏東YA」的主題同樣延伸自「超市」概念,以下簡單介紹此2區:   屏東西 由「無氏製作」吳孝儒擔任策展人,以「紙箱」為核心,串聯「屏東學」、「屏東人」、「屏東選」3項軸心,透過檸檬、鳳梨、香蕉、咖啡、可可、紅藜等6種隱形冠軍農產,帶領民眾探索屏東農業從傳統走向超級的脈絡。一開始的6個褐色麻簾代表紙箱,而掀開簾幕的動作則如同時下流行的「開箱」過程,簾後則為另個敞開的箱體,四周箱板成為說明牌,展示該項農產的特色、生產過程、歷年數據等資料,一窺這些冠軍背後的人與地。 其後則為具未來感的白色空間,以超市中常見的透明塑膠簾幕、貨架,以及堆放的紙箱型塑氛圍,亦象徵著農產自摘採到販售、面對消費者的過程。精選在地特色品牌,運用設計思維梳理脈絡、轉化加值,重新串連設計觀點與地方產業。   屏東YA 由蚯蚓文化總經理游智維策畫,展區名稱來自大眾遊玩拍照必備的「YA」手勢,期待翻轉探索屏東的方式。去除景點名稱、地址等標籤,改以「轎子太強不晃會被撞到地上」、「爆量負能量吸收聖地」等幽默的標語,搭配一旁貨架上的圖文、影片或展品,只透露冰山一角,卻勾起民眾的好奇心。 游智維以水文作為屏東景點的規劃路徑,挖掘在地文化,透過當地人的角度表現在地故事與族群特色。整體規劃同樣扣合「超市」主題,以類別區分走道,「故事」即為商品,若對於景點有興趣,需拿起掛勾上的藍色紙卡至「收銀台」刷條碼,才會列印出關於當地的詳細資訊、文化、推薦玩法等,以全新的方式推廣屏東人文自然景觀。 衛星展區 屏東風土吟新生 除了主展區外,本次亦規劃勝利星村、屏東菸葉廠兩大衛星展區,以及屏東美術館、竹田西勢樂智園區等設計熱點,將設計能量推散至屏東各地,更找來方序中、雜學校的蘇仰志與魚肚白設計,以策展方式記錄下屏東的土地、人文與教育:   勝利星村 勝利星村為日治時期所興建的空軍宿舍群,古樸的檜木建築見證歷史興跌,以此為基地,策展人方序中將今年4月文博會時大受好評的屏東館帶回故鄉,重新定名為「屏東事」,展覽沿用文博會時的架構,以「吟、土、風、人」為主軸,卻因地點而多了專屬於屏東的浪漫。方序中提到,文博會中以遊戲的方式構思動線,促使民眾對屏東產生興趣,而此次「屏東事」則降低好奇元素,展品分置於不同空間內,規模縮小,但在整體動線及氛圍上更加輕緩悠閒。   屏東菸葉廠 具80年歷史的屏東菸葉廠具有文化資產價值,此次利用廠內空間規劃「屏東教育設計展──底家哦 tí jia ôh」、「菸葉廠加工機具保存展─下一步,菸起」、「國際青年設計交流展─Design Pumping」等3場具有教育性質的展覽。其中「底家哦 tí jia ôh」邀請雜學校執行長蘇仰志擔任策展人,運用設計呈現「在地教育」的主軸,展覽以奇幻故事包裝,結合天文、海洋與原民文化3項屏東特色,展場規劃如同一本精美的兒童繪本,鼓勵孩子從生活出發,向文化和自然環境學習。 資料及圖片提供」台灣創意中心、朱志康空間規劃、各策展單位 採訪、撰文」林慧慈

  • 「做這麼多年設計,我發現通常成功的設計案,都是在各種意外、巧合及不得已的狀況下創造出來的,越是艱困的條件,越能誕生出最好、最特別的設計。」朱志康如此說道。「超級南」,便是一連串的驚喜與驚嚇集結而成的心血作品。超級南,也是超級難,離開五光十色的大城市,如何使「設計展」走出同溫層,與大眾生活及土地連結,是本次展覽設計首要解決的問題。 「超級南」空間統籌朱志康設計師。 「我們的第一目標是不要只有同溫層來看設計展,要讓大家知道屏東多棒。」  展覽主軸「超級市場」,來自一次策展人聚會時的突發奇想,觥籌交錯間,負責「屏東西」的吳孝儒率先提出構思,一群人興奮地討論著,如何以最貼近生活的超市「顛覆」設計展帶給大眾的印象。然而,「日常」的設計或許才是最困難的部分,每個人都去過超市,但到底是哪些元素構成超市的核心呢? 朱志康嘗試過許多失敗的方案:「貨架」置放於基地廠房之中,看起來如同倉庫般雜亂;「吊旗」無法令人第一時間聯想到超市;小攤位的劃分看起來更像夜市……百思不得解之下,設計團隊決定親身走一趟大賣場,才發現最重要的元素──手推車,而且是行進間的推車。滾輪叩囉叩囉的聲響加上鼎沸人聲,才真正完整了超市的形象。手推車總是放著滿滿喜愛的商品,如同將期待與歡樂也填得滿滿的,這正是朱志康希望帶給觀展者的感受。 此外,「去設計化」亦為一大主軸,朱志康認為,這次的展覽是要以設計的能力向大眾介紹屏東,不該固守典型美學而搶走展覽內容的風采,因此他花費許多時間在推翻自己的設計,試圖打造一種普羅大眾及設計師都能欣賞的美,朱志康形容自己是「自斷手腳」,但自結果看來,這個「沒有設計」的設計展確實成功地打破同溫層,在兩周展期內吸引了425萬的觀展人次,突破了台灣設計展有史以來的紀錄。 「這次經驗讓我發覺,只要有決心想做,老天爺真的會幫你。」 朱志康笑說,一開始完全沒料到屏東縣政府文化處會同意這個方案,畢竟要讓手推車動起來,對文化處而言也是一個巨大的挑戰,所以公部門的全力支持,令朱志康十分感謝:「我說我們時間不夠,縣長便協助將場地工期壓縮將近一半。他們知道他們的目標,也理解我們的想法,這還蠻感動的。」 為了做出手推車裝置,設計團隊找了從北到南大大小小的工廠,但礙於時間及預算,多數的工廠都不願意冒險,萬念俱灰之際,朱志康在友人的介紹下,找到了雙龍園布袋戲團的吳泳興團主,一位興趣是改裝布袋戲戲台的師傅,他所經手的戲台軌道,能承受人站立其上,輸送帶還能前進後退,因此師傅也相當有自信能完成這項「超級南」的任務。 空間統籌朱志康(左)、手推車執行製作吳泳興團主(中)、日光照明設計總監李其霖 (右) 或許是這樣天不怕地不怕的熱血感動了老天,儘管施工期間每天都有意想不到的狀況發生,「雲霄推車」仍如期完工。朱志康分享,當大家覺得這件事「很好玩」,便會有熱忱來克服困難,吳師傅如此,設計亦如此。而另外一位照明設計師的熱忱,也是促使此次設計展成功的關鍵之一。 如何擁有超市的氛圍,但除去超市的雜亂與俗氣,保留優雅美感,是一個巨大難題,朱志康找來李其霖設計師擔任燈光顧問,紙製的燈罩為李設計師學生時期的得意之作,加入進口黃色燈片調整日光燈色彩,造型亦為功能服務,上半部打亮基地天花結構,向下的光源僅露出局部,避免干擾各展區規劃的燈光,中央露出微光的內層則修飾了燈具造型,使展場氛圍在入夜後呈現不同面貌。 「設計就是要在吵吵鬧鬧的過程中,顛覆再顛覆才能前進。」 具有多年國際經驗,朱志康認為,台灣近年來的設計越來越好,在此次的設計展裡,他也看見許多年輕而優秀的設計師,且風格相當多元。他提到,10年前社會上普遍推崇同一種主流設計價值,也因此,設計師很容易被取代,但這2、3年來,朱志康看見某種「台灣味」隱隱然自土地萌芽而出,或許會經歷不斷地顛覆、重來的過程,但若台灣希望像德國、義大利那樣,擁有屬於自己的設計,這種階段性的陣痛便是必須。 朱志康也分享,有越來越多的業主願意在設計上冒險改變,例如他近期參與的台北陶朱隱園豪宅設計案,以及此次的屏東縣政府文化處。台灣的設計能力與環境其實不差,如果遇到願意給予信任及揮發空間的業主,朱志康鼓勵年輕的設計師應該勇敢嘗試、冒險,為設計開創亮點。 資料及圖片提供」台灣創意中心、朱志康空間規劃 攝影」李國民 採訪、撰文」林慧慈

  • We 聯合團隊 × 和平島公園品牌識別系統

    透過圖像拆解組裝,述說隱藏於後的品牌脈絡

    一年一度備受關注的金點設計獎(Golden Pin Design Award)已於日前公布標章得主名單,今年共有64件作品入圍「金點設計獎年度最佳設計獎」,並將於2019年12月5日頒獎典禮揭曉最終得獎結果;而《室內》雜誌作為金點設計獎官方媒體合作夥伴,也將進行一系列標章得主深度報導。本期將介紹由We GRAPHIC DESIGN(維莉圖像工作室)所創造的基隆和平島公園品牌識別系統項目,邀請負責人Willy與讀者聊聊她的創業歷程、以及在實務操作上的觀察想法。   We GRAPHIC DESIGN 「圖像是我們交流的方式」。We GRAPHIC DESIGN相信視覺語言應該是簡單、直接的,也相信視覺可以創造溝通方面的力量!工作室持續採用「設計思考」提供解決方向,世界無論如何快速變化,提供「以人類為中心」的方式應對所有環境變化,透過設計思考驅動概念,創建品牌標識、視覺藝術、導視設計、包裝設計、出版設計和內容創作,持續建立跨界合作執行解決方案;最大的優勢是透過積木概念構建每件專案所對應的人力及收費方案,強化客戶與團隊協調能力,激發共同協作的創造力和執行力,落實設計思考和實作執行的真實融合。 在進行品牌識別系統的規劃時,首先需要深刻了解企業組織架構、精神主旨等細節,充分了解背後的發展歷程與未來目標,才有可能從中找到突破點,設計出令人印象深刻的標誌。因此Willy初接觸委託時,會先提供一份公版文件給客戶填寫,讓彼此初步了解,確定簽約後,會再提供正式文件資料,並陪同客戶撰寫,在過程中清楚且循序漸進地領導問答,剖析客戶內心真正的想法,找出品牌發展的軌跡;Willy說,視覺設計需要吻合品牌的生存模式和競爭概念,才有可能延伸出更多細項發展,如何讓品牌在同性質的領域裡被消費者記住,進而產生影響力,是她覺得品牌識別系統最有魅力的地方。   和平島公園品牌識別系統二三事 以和平島公園一案為例,團隊希望朝「地質公園」的方向前進,期待藉由開放這個往昔為軍事管制區、以及因颱風侵襲而封閉的絕景秘境,活化整座城市的發展,因此在品牌定位上以「觀賞奇岩地景不分晝夜」作為地質公園的核心,並啟發標誌的發想源頭:從和平島這三個中文字中發展出相對應的「晝、夜、島」符碼,宛如永恆不滅的奇幻之美。標誌可組合,也可個別拆解靈活使用,「和」字中的太陽說明日出日落的絕美景觀;「平」字的星光隱喻綻放在星空下美麗的奇岩;「島」字中的島嶼則賦予海浪和島狀意象的連結,象徵大地孕育著豐沛生命力。公園經營團隊圍繞著與自然共存的理念,將解禁的秘境如曾被外國媒體選為全球最美日出之一的豆腐岩,和眾多隱藏版的奇岩怪石、海蝕地形,透過商標設計闡述和平島不分晝夜都很美麗的意蘊,大眾觀看這個視覺即可直覺性地聯想到和平島景象,強化品牌予人的記憶點。   「非常開心能為自己的故鄉基隆盡一份心力,將品牌識別的概念帶進這座港灣老城鎮,並希望藉由金點設計獎的傳播力,吸引更多有才華的人回鄉,活化在地,發展出更具未來和競爭力的城市願景。」爽朗的Willy在採訪時如此說道。和平島公園為OT案,政府投資興建完成後,委由民間機構營運,針對視覺形象部分,公園方在初期徵求許多設計師參與面談,大多數設計師提出所謂CIS概念(企業識別系統,在台灣目前大約僅著重於其中的視覺LOGO),而Willy團隊則提出「品牌識別系統」概念,著重於探討品牌的核心價值,並從中找尋與他人的差異,藉由視覺效果脫穎而出,確保具有高辨識度。表現一個品牌的途徑,不僅止於LOGO,而是透過承諾、品質、服務等多面向組合而成,Willy說她曾提供公園團隊一堂「品牌干我屁事」的課程,以簡報逐頁導出品牌觀念建立的重要性,例如當一個人穿著制服時,其行為舉止會讓外人對公司產生直覺聯想,由此可知真正的品牌價值是有形和無形的加乘,是全體員工必須維護的使命。   除了操刀和平島公園的LOGO設計外,亦針對伴手禮部分進行腦力激盪,她從「如何把和平島公園的地質人文,帶回家!」角度切入,打造出「史詩泡沫劇-仿書精裝岩石手工皂禮盒」,禮盒材質選用日本水漾紙,從400多年前為了爭奪和平島,西班牙給荷蘭的第一封戰帖延伸,揭示和平島從17世紀以來的殖民與軍事基地過往,透過簡述島嶼歷史,重現在地人文故事;而內容物則與基隆在地手工皂餅業者沐澧合作,取公園中頗負盛名的豆腐岩、蜂窩岩、燭心岩的造型,用天然原料手工製作出岩石皂,讓遊客可以將奇岩怪石帶著走,跳脫一般伴手禮的想法,不僅具有和平島公園專屬的代表性,亦兼顧了生活實用性和保存便利性,還原當地時空舞台的理念更讓禮盒榮獲2019年基隆十大伴手禮的肯定。Willy在經手品牌識別系統時會做通盤設想,讓所有周邊商品、指示規範、事務用品都以此為主軸呈現,企圖以文創方式展現基隆獨特的土地美學,持續傳播文化力量並強化地區經濟發展。 設計思考的養成 詢問Willy身為一位品牌識別系統設計師,需要具備的條件有哪些時,她以自身經歷為例,認為「設計思考」的培養非常重要,在每個委託案中,最精華的即是與客戶說明溝通的PPT簡報,簡報由兩部分構成:客戶現況&想到達的目的,兩者之間的鴻溝該如何被串聯,就是設計思考發揮作用的時刻。品牌識別系統就像是武器,明確且容易留在大眾腦海中的計劃才可行,Willy憑著過去十幾年任職於台灣前十大4A廣告代理商創意部門所累積的專業經驗和設計思維,從各領域、角度剖析不同解決方案的可行度與平衡性;執行專案時會採取「積木模式」,因應客戶所需,在每個環節加入不同跨界創作者共同參與,以多元思維詮釋創意想法,簡化意圖並加強品牌精神和圖像的連結,以達成客戶要求。   Willy提到在廣告公司時經常得同時間操作數個案子,蠟燭兩頭燒,如今身分轉換成設計師後,可以按照自身腳步和預定時程盡心完成每項委託,也因為跟客戶關係變得更直接緊密,亦從中獲得許多真摯的友誼。工作上的挑戰接踵而來,享受壓力也是日常一環,她建議有意願踏入此領域的人,要練就隨時偵測自己不足、並迅速補給的能力,也要保持正能量,避免讓工作情緒影響周遭的人;此外,她也分享自己是在39歲才踏上創業之路,鼓勵有志之士不要因為種種外在限制,而阻止內心對於設計的熱情,企盼有更多人才進場,推廣與設計共存的美好。   同場加映 AGAR-AGAR Brand Design We GRAPHIC DESIGN近期亦完成一個基隆傳產品牌的案例。台灣北部海岸的「原生藻類鳳尾石花菜」,從日治時代便以採集式經濟活動延續至今,為讓無形文化的觀念與時俱進,從事水產批發的基隆岑品事業創建了傳統產業活化重生計劃,致力於發掘基隆在地的獨特海洋食材,並以領先技術革新傳統工法,將原本採集後石花菜須經六泡六曬才能熬煮食用的限制,轉化為即拆即食的特產伴手禮,縮短產地與餐桌的距離,創造「在地人情味,以食材旅行」的體驗。品牌設計以「合文創字」作為核心,拆解原生藻類鳳尾石花菜的鳳、尾兩字,再重新組合而成,風格調性則參考早期日本琉球的海女採集歷史文化。       資料及圖片提供」維莉圖像工作室We GRAPHIC DESIGN  採訪」陳映蓁

  • 2019年「遠東建築獎-舊屋改造特別獎」決選實地評勘甫於9月7日至8日落幕,主辦單位遠東集團徐元智先生紀念基金會與評審團兩天走訪了台北、台中、台東等地,實際造訪入圍的5件作品,並與建築師進行簡報和對談。《室內》雜誌獲邀隨行,並在旁聆聽評審會議,最終結果由「池上穀倉藝術館」奪得首獎,「實踐大學B棟建築改造案」獲佳作,「繼光工務所workstation JK」則為評審團特別獎。   遠東建築獎除持續提倡建築的突破與創新外,為關懷建築文化的傳承和活化,並期許藉由老舊建築的新生,倡導本土環境的永續發展,故第三度舉辦遠東建築獎-舊屋改造特別獎。 此次共有5件作品入圍決選名單,分別為:陳冠華「池上穀倉藝術館」、陳宇進與楊家凱「台中文化創意園區R04展示館」、賴人碩與吳建志「繼光工務所workstation JK」、王銘顯「鴻根雅筑」及沈庭增「實踐大學B棟建築改造案」。 此次決選評審團包括召集人暨主席教育部政務次長范巽綠、內政部建築研究所所長王榮進、杜文正設計事務所主持人杜文正、臺北市立美術館館長林平、新北市政府副市長陳純敬、九典聯合建築師事務所主持人張清華、境向聯合建築師事務所主持人蔡元良,而遠東集團董事長徐旭東、以及徐元智先生紀念基金會執行長黃茂德等人亦隨行。   首獎 池上穀倉藝術館:元智大學藝術與設計學系 陳冠華+大直設計 本屆獲得首獎的「池上穀倉藝術館」,2014年由台灣好基金會發起,美學大師蔣勳促成,池上農民梁正賢先生提供老穀倉,並委託陳冠華建築師進行改建。 陳冠華於簡報時表示,已有60年歷史的老穀倉,曾是池上居民耕種收穫的重心,卻因時代和環境轉變而廢棄,現改建成藝術館,其形式及本質應以「池上的生活及美學」為出發點,讓此處成為「聚集」、「整理」、「滾動」、「再生」的文化據點,他率領元智大學團隊長時間於池上深耕,藉由探訪當地的歷史軌跡、日常生活點滴等過程,描繪出穀倉重建的輪廓,再透過「參與式設計」的概念,廣邀在地居民一同參與,激發出更多設計靈感,也加深與社區的黏著度和共鳴。 建築師秉持著「池上的穀倉,大家的藝術館」想法,希望此處不僅可以成為池上居民的休憩之處,也可以提供造訪遊客有別於都市五光十色的華麗感受,整體建物盡量融入鄉野間,保留既有穀倉的木桁架,僅以必要金屬做結構補強,外觀上則以黑色斜瓦屋頂和低矮簷口作為主要意象,呼應池上農舍的樣貌,也隱喻舊屋改造的新舊融合和延續,材料選擇輕質水泥纖維瓦,減輕重量,並加強屋頂的抗震、抗風能力;空間上則新增西向圓窗、西南向角窗開口,強化與池上大街的連結,北向設置玻璃長廊,除作為主要入口外,也是過渡內外的中介場域,並將穀倉的封閉轉換為藝術館之開放性。 考量節能和永續經營,多處開設高天窗,採自然光漫射為展示光源,且引動空氣的自然循環;輕質屋瓦減低結構負荷,且以多層次方式鋪設,達到隔熱、隔音等效果。     佳作 實踐大學B棟建築改造案:沈庭增建築師事務所 / 沈庭增 本次榮獲佳作獎的實踐大學B棟建築改造案,前身為1975年完工的美工大樓,深受現代主義建築思潮影響,有清楚的樑柱系統、水平開窗及挑空的大廳等,經歷多次裝修後,建築體內外部的連結性逐漸被削弱,且失去原有水平性;建築南側的校園空間在這十多年間變成一片開放草原,建物本身卻維持著背向和封閉狀態,阻斷了人與草原及三棵楓香互動的機會。 沈庭增在改造時,規劃出建築物內外連結的新關係,他透過打開牆體、鋪設開放平台等手段,讓空間進行雙向延伸拓展,並增設高度2.5公尺的黑色鋼板簷體及透空金屬網牆,藉由輕盈穿透的構造,讓平台和建築之間彼此延伸,創造新的生活場域。沈庭增提到,改造的過程中所新增的附加物並非想覆蓋舊有建築的輪廓,而是重新思考建物與環境的關係,希望以有層次又柔和的手法,消弭新舊之間差異,帶出對話的可能性,並讓建築重回校園。 評審團特別獎 繼光工務所workstation JK:賴人碩建築師事務所 / 賴人碩 吳建志 「繼光工務所workstation JK」則獲評審團特別獎,基地位在台中市中區,是一個從日治時期便開始發展建設的老社區,隨著時代改變而日益沉寂。建物的殘破對建築團隊來說並非問題,反而是將其改造成適合工作和生活的場所的絕佳機會。 連接外部的1樓,建築師團隊當作社區街道的一部分,室內的磨石鋪面和落地窗也延續這樣的想法,宛若騎樓般完全開放,也被視為連結生活的場所,大量活動可以在此處上演;而2樓則是主要工作區域,空間上不做分隔,以大面積共用桌面的工作方式,讓數個小型事務所的設計者共享,讓交流和討論能自然而然發生,成為彼此學習、協同合作的工作場域。除讓老屋新生外,建築師也希望活化城區,帶來多重空間的當代新體驗,回應社會與建築之間的相互導引,並從中實踐。   入圍決選 鴻根雅筑:王銘顯建築師事務所 / 王銘顯 入圍決選的鴻根雅築因祝融關係,只有牌樓與兩旁紅磚牆保留下來,上五下二的特殊拱圈形式極具保存價值,加上業主對起家厝的情感,建築師遂決定保留舊有牆面及其語彙,能充分感受歷史氛圍。 室內主體興建的新建築物除重視空間機能佈局外,再透過材料接合和構造系統的整合,曲線造型的清水模板表現出嶄新風貌;室內最終由三道曲線構成,其中兩道形成斜屋頂設計,使屋頂呈現漸變模式,第三道則為承重牆,讓垂直或水平面都為曲面形式。在夜間照明上,希望在略顯蕭條的街景中,注入古典又前衛的光環境,在立面拱圈和人字屋簷的投射強調曲線線條,而在內部垂直動線上則輔以層次豐富的光影變化,宛若科幻電影場景。     台中文化創意園區R04展示館:台灣餘弦建築師事務所 / 陳宇進 楊家凱 R04整建計劃是對舊有建築保存及再利用提出了空間重生以及創造都市議題的新視野。建築前身是舊台中酒廠之洗瓶及裝瓶工廠,廠內遺留與國外購買的洗瓶機,在新計劃中,巨大的機器變成園區的公共藝術,建置於地下一樓,連結新舊記憶。 設計概念視展演館為給下一世紀台中人的瓶中船,建築團隊將原本工廠的輕型鋼架屋頂拆除,置換成一個有深度的新架構,企圖轉化瓶中船概念,將屋頂塑造成一個既是瓶、亦是船的新物件;室內空間乘載著大多數R04館的新機能,漂浮在舊建物內,藉此在舊建築內創造出一個相對的外在空間,成為園區開放場域的一部分。   評選過程紀實與結論 本屆「遠東建築獎-舊屋改造特別獎」的評選會議共分三輪不記名投票,「池上穀倉藝術館」於第一輪即獲得最高票,第二輪確定獲得首獎;在第三輪投票中「繼光工務所」以及「實踐大學B棟建築改造案」兩者票數難分軒輊,評審團認為繼光工務所型態特別,兼具人文和社區關懷,但卻較偏離建築設計本質,故給予特別獎,而實踐大學B棟建築改造案則獲佳作。首獎獎金50萬元,佳作與特別獎同為30萬元。   本次決選評審團與主辦單位合影,左起:蔡元良、杜文正、王榮進、范巽綠、徐旭東、林平、張清華、陳純敬及黃茂德。(吳劭璿攝影) 評審之一的北美館館長林平女士於會中提到,她期待在作品中看見過往老屋的歷史時間軌跡,再從老中看到當代新詮釋,不論是透過視覺或在地文化的淵源,建築在當代社會中應當扮演的角色為何?其意義是否能大於建築本身,都是值得探討的問題;蔡元良建築師則說,老屋再生最重要的是了解何為建築既存狀況,改造過程中如何保有未來發展的彈性,是否有「接續過去、展望未來」的觀念,則為評選標準。 綜觀本屆得獎作品,「社會性關懷」為精神主軸,例如池上穀倉藝術館保留在地性,又兼具前瞻性,透過社區和基金會的協力,讓老屋具備永續發展的願景;實踐大學B棟建築改造案則有著謙虛、與舊有建物對話的氣質,在新舊建築連結方面處理得十分細膩,整體利用減法概念呈現,給予新生命卻不抹滅舊有建物的美麗,也希望藉此獎項鼓勵學校考慮舊有建築的未來發展性;繼光工務所1樓開放給社區民眾使用,2樓作為6間事務所的共同辦公空間,與周邊社區緊密串連,讓社會實踐在此處產生可能性,其帶來的全新發展模式值得被推廣。 而評審團召集人暨主席范巽綠女士認為,老屋改造需要具有與「地方創生連結」的要素,以豐厚的改造內涵賦予舊建物新生,期許能藉此翻轉城市風景。 資料及圖片提供」徐元智先生紀念基金會、各建築師事務所 採訪、撰文」陳映蓁

  • 由中強光電文化藝術基金會主辦的「台灣光環境獎」邁入第2屆,於7月截止報名,並於8月公布10件複選入圍作品,再於其中評選出3件作品入圍決選,最終將於11月底舉行頒獎典禮,公布得獎名單。本次決選作品遍布北、中、南,功能面向廣泛,且涵括室內外光環境之營造,《室內》雜誌於頒獎典禮前,專訪3件決選入圍作品照明設計師,分享其設計理念,並談談他們對於台灣光環境現況的看法。     《光間──流動的靜謐 高雄市立美術館展覽空間重塑》 提到美術館,許多人會聯想到的便是黑暗、安靜,而略帶點沉寂的空間,光束聚焦於牆面畫作上,或者自上而下投射雕像,高對比的光與陰影,其實並不利於欣賞藝術整體之美。 高雄市立美術館於2017年轉型行政法人後,期待展覽內容自傳統殿堂型藝術更加拓展,邁向當代性新型態美術館,為滿足展覽內容多元需求,空間的改造勢在必行。自104、105兩間最大的複合式展間始,由禾磊建築提出「光間」概念,並邀請沁弦設計參與照明設計。   林靖祐設計師提到,「光」在展覽空間中扮演相當重要的角色,除了營造整體氛圍外,亦需襯托展覽作品的最佳狀態, 此作以多迴路分段調控的「光膜」系統作為主軸,輔以空間設計,清楚界定不均質的自然日照與可控的人造光,使展品不會受到天候影響並能擁有均勻灑落的頂光。 不同於傳統聚光燈的「黑盒子」展覽型式,柔和的環境光除了提供空間中的基礎光照,更使「人」成為空間中「存在」的一部分,同時也使高美館成為國內公立美術館中首個採用科技光膜系統打造的新型態展覽空間,賦予觀者新的美術館體驗,進而與展覽產生不同互動與情感交流。   除了以天花光膜營造環境光外,亦輔以可單點調控的軌道燈作重點照明,使空間更適於配合各展覽主題及展品差異,且兩者皆可以 無線 wifi 調整不同亮度,方便展覽照明因應內容彈性呈現,並避免因空間尺度過大導致不利施作的問題。 設計師認為,當代的美術館應該提供簡單而純粹的空間,但保留無限可能性。美術館空間的主角為展品及觀眾,空間僅作為舞台,提供各藝術家與策展團隊恣意發揮,他舉例,自展間完成後的展覽,策展人不約而同地選擇將兩展間以一明一暗的方式配置,使展覽內容具有更多變化。 林靖祐分享,良好的光環境並非精雕細琢,而是以人為本,使空間中的人感到舒適,然而目前台灣公共空間普遍有過亮、 眩光、色溫不均等的問題,因此如何喚起大眾對於光環境的敏感度及要求,便成為重要且首要的任務,同時他也期待此次「光間」帶領高美館自殿堂走向融入式展覽體驗空間的改造,能為台灣大型藝術展覽空間光環境提供新的思考。   資料及圖片提供」沁弦國際設計、中強光電文化藝術基金會 攝影」趙宇晨 採訪」林慧慈

  • 由350根孟宗竹及3萬片竹篾編織而成,恢宏的線條起伏比喻台灣中央山脈意象,白日裡因竹編材質而樸素靜雅的竹跡館,在夜間加入燈光輔助後,卻儼然成為金碧輝煌的宮殿。 陳怡彰設計師提到,照明設計不應為空間加入過多註解,而是著重於如何透過「光」呈現空間建築理念,並滿足使用者的需求,以本案為例,即著重於呈現設計者對於建築結構及竹製材質的理解及應用,透過夜間照明吸引民眾親近,並保留未來多元使用的彈性。   《2018台中花博竹跡館》   竹跡館在內部空間、外觀結構及周邊環境3個層面皆有不同考量:內部透過燈具選擇與配光布局,使用3000K的暖白光色,從低位斜打光線強化竹編牆面質感,並避免強烈明暗對比;外觀利用水面上方陰暗處隱藏燈具,僅打亮主結構部分,再藉由內部透出的光源產生「Lantern effect」,配合竹造鏤空設計,營造不同視覺穿透層次;周邊環境則以「和諧共處」為旨,刻意減少外觀照明表現,使展區與公園不因建築強烈光感而變得晦暗,僅利用竹跡館周邊的水池反射倒影,使虛實對話。   除了作為公共裝置,本案亦考量花博期間的容納人數及空間舉辦活動的可能性,為此將照度提高至150到200勒克斯,佈光時亦兼顧垂直面需求。設計師希望竹跡館無論是在花博期間作為博覽會場館,抑或回歸鄰里休憩空間,光環境的營造都能延續空間的表情,利用「光」拉近民眾與空間的距離。   陳怡彰將照明設計師的能力比喻為一把鋒利的刀,依照設計者思維的不同,刀具能傷人亦能成為烹飪美饌的利器,因此作為光環境設計者,除了專業之外,更需要擁有良善的「處世態度」,才能善用能力,為使用者提供良好的光環境。 花博期間滿滿的觀展人潮成為其設計理念最好的證明,閉幕後由民眾主動發起保留竹跡館的行動,也使陳怡彰相當感動,他強調,照明設計並非為使人「看到光」,而是藉由妥善規劃,以光串聯環境、空間與使用者,使空間融入環境之中,並讓使用者感受到空間的美好,最終產生情感連結,將光環境設計的思維融入日常生活。 資料及圖片提供」偶得設計、中強光電文化藝術基金會 攝影」夏新建築攝影工作室/楊士宏 採訪」林慧慈

  • 談起「迪化半日」的案子,與陳宇晃設計師緣分相當深厚,設計者為多年好友許華山建築師,而業主尋覓已久的老屋,便是自己大嫂的老家。 《迪化半日》 本案為迪化街上的茶文化空間,第一進作為商業用途,展示並買賣茶具及陶藝品,經過中央庭院後,第二進則為茶屋空間,能在此休憩飲茶,也會舉辦茶文化相關活動。基地為百年古宅,具有歷史建物價值,第一進建物結構皆需避免更動損壞,同時整體氛圍也需融合於迪化街歷史街區之中。   設計師將此案的設計主軸區分為二,一是情感連結,以光呈現台灣熱情好客的「奉茶」文化,配合長型街屋特性,燈光自前而後越來越暗,希望營造越來越沉靜的氛圍,安定人的心靈;其次則為永續保存的概念,避免更動原先建築,大多選擇活動式櫃體,並活用基地原有的文物,如沙發及石臼等,以微光點亮,訴說空間原有的故事。 考量預算限制,設計師將照明迴路分區,提供業主依照室外光線手動調整燈光,特別的是,設計師規劃在夜間關閉天花照明,僅保留少數光源,使空間整體更加內斂沉穩。而戶外騎樓燈光亦降低亮度,僅打亮材質營造歷史感,使行人視覺能受到店內吸引,進而產生一探究竟的動機。 除了以明暗型塑氛圍外,此作照明的另一重點在於呈現茶具及展示品,將線型LED燈嵌於展示櫃層板下方以隱藏燈具,自上而下的照射則能修飾茶具,陶藝品部分則利用層櫃錯落空間,自旁打間接背景光,以突顯展品質感。   以「恰到好處」為設計準則,不缺乏亦不過於浪費,僅以適量的燈光點亮空間。陳宇晃認為,照明設計中最重要的部分即是「傾聽」,由於案件大多為團體作業,如何傾聽彼此的意見,同時尊重建築與環境,藉由光彰顯空間的故事與涵義,是照明設計師的職責。 他特別提及近期由台電主導的「點亮十三層」計畫,儘管目前台灣多數人對於照明的理解仍不足,但在中強光電基金會等單位的推廣下,越來越多人投入照明設計的領域,也帶動公部門的參與。陳宇晃也希望能透過此案,傳達照明設計的「簡單」,光與人們的生活息息相關,並不需要大尺度的空間或預算,只要找到適合的照明設計師,便能擁有良好的光環境品質。   資料及圖片提供」原碩照明、中強光電文化藝術基金會 攝影」游宏祥攝影工作室 / 吳國豪 採訪」林慧慈

  • 由梁志天設計集團創始人、國際室內建築師/設計師團體聯盟(IFI)主席梁志天發起的第一屆 IFI 全球大獎計劃(IFI Global Awards Program, IFI GAP)於2020年2月26日在杜拜圓滿舉行。IFI GAP 是室內建築/設計領域的全球最高榮譽獎,旨在選出及肯定國際最優秀的設計師及設計作品。   IFI GAP 共設四個獎項:IFI大獎(IFI PRIZE)、IFI同業貢獻大獎(Fellows of IFI)、IFI 設計新聞獎(IFI Design Journalism Award)及IFI 卓越設計大獎(IFI Design Distinction Awards)。(詳細得獎名單請見:https://ifiworld.org/gap/ifi-gap-winners/)   IFI 獎座由國際知名設計公司 Zaha Hadid Design 精心設計,並由頂級意大利天然石材品牌 CITCO 定制。獎座的流線型幾何設計充滿動感,以10款不同的石材來劃分設計類別,並運用同一款石材展示金、銀、銅獎的聯繫,表達合力創作出卓越設計的精神。 本次共收到來自38個國家及地區,近600份參賽作品。其中最高殊榮的IFI大獎由Gensler創辦人Arthur Gensler先生奪得,以表揚他在室內建築/設計領域所作出的傑出貢獻。Arthur Gensler同時也是加州大學伯克利分校和亞利桑那州立大學的客座教授,並獲選美國《室內設計雜誌》(Interior Design Magazine)的名人堂的特許成員。   同期舉行IFI全球會議及IFI全球會員代表大會。在歡迎儀式上,梁志天先生代表IFI與杜拜市簽署IFI 室內設計宣言,旨在推動政府和當地設計行業的聯繫,為雙方的合作提供建議。   梁志天在任主席期間,IFI與不同國家和城市簽署並落實了此宣言,包括日本旭川市、瑞士蘇黎世、上海、廣州、深圳等。至今,全球已有 127 個國家和城市簽署此宣言。   而在IFI第29屆全球會員代表大會上,匯聚了全球近 20 個國家及地區的業界協會代表參與,梁志天為IFI 57年歷史來首位華人主席,今任滿主席職務,正式交棒予 Titi Ogufere女士及新一屆理事會。 圖片及資料提供」梁志天設計集團 編輯」林慧慈

  • 2016年成立的《筑子》,是以台灣原生竹材為料的竹編工作室。創辦人兼工藝師楊筑鈞,取自己名字中與「竹」的相關來為品牌命名,她笑說這個巧合讓她對竹編工藝有種更親近的感覺,輕柔的品牌名稱也有助於拉近與大眾的距離;筑鈞藉由無碳的手工生產方式,賦予逐漸凋零的傳統技藝新生命,並傳遞她對土地的尊重關懷,以及對日常生活的真誠心意,希望將這股力量,感染更多關心環境與工藝的夥伴。   “竹材的處理是減法,編織則是加法。透過竹篾一根一根有條理地加上,以竹編特有的圖樣,編織成器皿的模樣。” 筑子 筑子,以工藝師楊筑鈞自己的名字中與「竹」的相關來命名,成立於2016年,起初作為紀錄投入學習台灣竹編工藝的過程的平台,希望能夠將竹編的技術以圖像、文字的方式分享給大家;並於2017年開始開發相關生活器具。 在還沒開始學習台灣竹藝之前,她從事包袋設計的工作,善於用電腦繪圖,以多元布樣變化做出不同的質感搭配,出於對包袋的喜愛,遂開始學習真皮車縫、手縫,透過手作摸索,開啟了對於材質的好奇心與手作的熱情。但楊筑鈞始終在找尋有沒有什麼材料從生長、取材、到生產都能夠更貼近大自然,直到接觸竹子。 竹子是亞洲原生、取自於山林的植物,生長週期相較於木材短,且可依據不同的製作需求取材不同年齡的竹子。竹藝編織需要透過職人的雙手,耗費很長的時間和精神,從選材、材料處理、手工製作成品,一步一步耐著性子完成。雖然很耗時,產能也不如機器大量製造的快速,但能透過雙手,親自打造著心中理想的生活器物,以這樣的方式傳遞自己的心意與信念。   筑子持續開發兼具現代美學與實用的日常生活用品,目前已有5系列商品,如六角孔菊花邊隔熱墊、杯墊、淺盤、花器、果籃等。挑選台灣在地原生竹,透過處理方法的不同,產生色彩、質感各異的作品,也可根據需求,客製獨特商品。 「竹編,在日本可是被稱為竹細工」,採訪初始,筑鈞便分享到。由此可知,竹編工藝的精細是眾所皆知,但造就這份細膩品質的背後,所需耗費的時間與人力成本,卻是竹編技術在台灣日益式微的原因之一。在踏入竹編的世界前,楊筑鈞是位從事包袋設計的工業設計師,她身處在一個大量「量產」的產業,雖然製造這件事某些方面來說有其必要性,但卻讓她內心燃起一股罪惡感;另外,她也不停的在思考有沒有什麼台灣在地性,且又符合環保的材料可以運用,在某個因緣際會下她接觸到台北工藝中心的竹編課程,學習的過程中她慢下了生活步調,重新檢視自己,並喚醒了幼時對於手作的記憶和溫度。 用天然中藥材作為染劑,雖然耗時,但卻對人體和土地無害。 談到創立品牌的緣由,筑鈞表示當初架設粉絲頁的目的單純就是紀錄與分享自己學習竹編的點點滴滴,爾後開始有些異業合作和商品推出的機會,在多方嘗試下《筑子》開始有了品牌的雛型,她以台灣原生竹材進行編織,以多元的產品、和工藝學習課程來推廣竹編,透過「手藝傳承」、「知識分享」、「工藝設計再進化」等理念,讓經典編織工藝再次回到你我的日常。   竹編的美,是由時間與耐心淬鍊而成 筑鈞說,她希望讓傳統手工藝可以回到現代生活,由於植物編織的在地性強烈,製作出的器皿形狀跟編法,其實背後都有其故事或意涵,因著地區的差異,其代表的生活道具也有所不同,而材料運用也非常有就地取材的特色。每一項成品,都是製作者投注大量心力的結果,她相信自己的真誠心情和手作溫度會透過作品傳遞出去,企盼可以用有著滿滿心意的器皿來跟大眾交流。 竹編花瓣果籃為2019年新品,能夠放在廚房承裝水果、薑、蒜、乾貨等;流線型的自然編紋,也適合擺入植物,作為室內裝飾。 此外,筑鈞平常有在練習馬拉松,雖然這件事看似跟竹編創作八竿子打不著邊,但不論是工藝創作或是馬拉松,兩者都需要花費大量時間、毅力,透過練習馬拉松,她強化了自身的耐心,學會在跑步過程中找尋值得關注的事情,她將這些領悟投射到竹編工作上,督促自己每天都要花時間做一些基本功,與竹材培養感情,讓自己的雙手和身體記得律動,保持對所做之事的熟悉和熱忱。   六角孔編花器亦是新品,運用六角孔立體編織技巧,置入常見的玻璃罐,賦予植物造景新裝。 有鑑於近代居家以簡約俐落風格為大宗,為使其協調的融入現代室內空間,作品造型盡量簡約,並以「老手藝,新工藝」作為產品開發的主軸。至於材料的蒐集與處理事宜,楊筑鈞提到,台灣南投竹山盛產竹料,她亦有合作的廠商會協助配送材料至工作室。各地區生產的竹材質感也有所不同,比方說台灣竹較東南亞竹材有彈性、也較硬,因此整體來說也比進口竹製品耐用;前述所提各式織紋有其意義,例如六角形的結構張力較強,可以用少量竹片隻數作出強度足夠的籃子,適合拿來裝大型/量蔬果;而十字形則屬於紋路密但較不堅固,通常用於裝放細小物品。 筑子日前在華山未來市的創作展「家的記憶」。楊筑鈞將自己對家的記憶投射在作品中,樹蔭搖曳、光影交錯、蝴蝶飛舞,構築起這件大型裝置。 產品所使用的材料種類大致分為「水煮竹」、「煙燻竹」、「染色竹」三種,水煮竹是由台灣桂竹經過水煮除脂處理,顏色會呈現帶有光澤的黃白色,經過水煮除脂的竹材,會排除內部積藏的水分,較不會發霉,容易保存;而煙燻竹則由木材煙燻6至7天,表面帶著天然棕色光澤,並帶有煙燻香氣,具防蛀、驅蟲等特性,至於色彩部分則是用中藥材進行調配染色,透過拿捏多種藥材的比例,長時間熬煮並浸泡,使之達到上色目的,筑鈞表示,操作過程其實有許多不定因素影響著成品,由於成分天然,也不像化學染料,一丟下去即可看見效果,染色步驟雖需耗費大量時間,但卻可以落實她希望對土地良善的精神。 工作坊紀實。希望藉由每次的工作坊活動,讓更多人知曉手作的溫度,更愛惜土地以及那些稍縱即逝的美好。   台灣的竹編在過去是因為生活所需而發展出來,大部分為農用具,故講求耐用度,時至今日則轉變為精緻的民生用品,產品處理上就須更謹慎,也因此技藝精細且品質高,可想而知就必須付出更多人力成本,筑鈞認為這是竹編的優點,也是缺點,在人力高昂的今日,願意投入這個得付出大量時間,但產能卻不如機器的產業的人數比例日益減少;對此,楊筑鈞舉辦多場大大小小的工作坊,希冀透過努力推廣,讓更多人了解竹編的優美和療癒,她說,其實社會上還是有很多重視傳統技藝的人,不論是參與工作坊,或購買產品的民眾,大家事後給予的反饋都很正面,而這些話語對楊筑鈞而言,是非常巨大的成就感,也成為她不斷前進的養分。 細部照。由兩個元件組成蝴蝶意象,隨著微風飄逸,有著令人目不轉睛的魔力。 提及品牌未來規劃,她表示日後想開一間植物編織專門店,內容含括台灣各式耐用且品質優良的素材,如香蕉絲、苧麻等,也想開設長期編織課程,讓教授內容可以更深入且有系統;另外,也想嘗試跟不同類型的空間合作,佈置大型竹編裝置,增進自己使用竹材的靈活度,玩出更進階的成果。筑子甫於7月中下旬時至日本大阪梅田阪急百貨參加Asia Fair 2019快閃店活動,筑鈞十分珍惜每次與人交流的機會,她希望能穩紮穩打地將品牌往前推進,讓世界更多人了解台灣工藝之美,也豐厚自身眼界。 資料及圖片提供」筑子 採訪」陳映蓁

  • 1970年成立的Galleria是韓國最大的高級精品百貨公司品牌,以販售名牌和高級商品為主,領導了韓國的流行時尚趨勢。Galleria的第六家分店選址在首爾南部的光教,是近10年以來品牌開設最大的百貨分店,建築佇立在新城市發展區的中心,周圍被高樓住宅包圍著,「Galleria光教店」希望成為附近居民生活的一個焦點。   2020春季,由OMA(大都會建築事務所)克里斯•范杜恩(Chris van Duijn)設計的「Galleria光教店」正式開幕。建築造型猶如石塊一般,搭配馬塞克石材外立面讓人想起鄰近的水原光教湖公園的自然景色,而在石材體量上開鑿出的公眾步道是為文化體驗而設計。 公眾步道由一連串漸落的平台組成,不僅連接公共人行道至天台花園的動線,同時帶來展覽和表演空間;步道有著像經過雕琢寶石般的多棱玻璃立面,與不透光的石材形成強烈對比,路人可以透過玻璃看到室內的零售和文化活動,同時建築裡的人們則以全新的視角觀賞光教的城市風光,為傳統百貨公司的購物體驗引入創新元素。   韓華Galleria總裁及首席執行官Eun Soo Kim表示:「Galleria光教店透過與世界級建築師OMA的合作,收穫了一座在國內外廣受好評的創新建築。其設計有別於傳統百貨商店形式,採取了通過公共環路將光線傳導至大樓各部位的嶄新模式。Galleria光教店將會是最美的百貨大樓,有望成為代表韓國乃至全球的一座獨特地標,為顧客提供新穎的購物體驗。」   編輯」歐陽青昀 資料及圖片提供」OMA

  • 韓華集團是目前全球第三大光伏設備生產商、韓國排名前十的企業,集團將可再生能源作為未來的發展目標,並將自身定位為全球光伏行業的領導者,其產品和服務主要涉及3個領域:製造建築、金融以及服務休閒。集團總部坐落於首爾清溪川,由UNStudio與外牆設計顧問Arup以及景觀設計師Loos van Vliet共同合作改建,期望營造一個健康、靈活並帶有集成太陽能電池板且可持續發展的辦公大樓,展示韓華集團的品牌價值和企業願景。   就地改建 此次改建以環境為優先考量,不做單純的拆除和新建,而是透過「就地改建」,將施工採用每三層為一個單位的方式,確保員工在整個裝修過程中仍能繼續在大樓中工作,兼顧改建過程中所有相關者的權益。改建範圍包括辦公大樓的外部立面,內部公共空間、大廳、會議室、禮堂、行政區域以及景觀區域等。   響應式外牆與景觀 受自然條件影響以及環境的驅動,UNStudio透過改變外牆面板的位置呈現出多樣化、不規則和錯綜的特性,改善了原有大樓的室內氣流。   將原有外牆的不透明鑲板和單層深色玻璃用透明的隔熱玻璃和鋁框架取代,北面外牆保持通透開放,實現大樓內部的日間照明;南向外牆因會直接面對太陽,所以透過改變窗戶玻璃的角度與設置挑簷形成遮擋陰影,避免陽光直射,光伏電池則被放置在擁有最佳的陽照射量的南/東南外牆的不透明鑲板上。廣場的景觀設計吸引人們從四面八方進入,綠色植栽巧妙的為人們規劃出座位區域,也可以滿足私人休閒以及大規模聚會場所的不同需求。   內部概念 內部大廳延續了室外景觀的概念,運用天然材料和綠色植物為人們營造輕鬆舒適的工作環境。大樓的主題色和木製裝飾巧妙地融為一體,北側和南側入口處的咖啡角為樓內工作人員提供了社交互動場所。為了引入光照,提高了辦公樓大堂的樓高,並透過太陽光線的照射軌跡,為建築外部立面與內部空間形成連為一體的視覺效果。 電梯間內部的設計元素和照明形成了直觀的引導效果,無縫串起所有辦公樓層的公用區域和走廊,同時實現了工作區域和不同類型/大小辦公室的靈活分配概念。封閉的會議空間,則以不同程度的透明玻璃做隔離,滿足隱私卻同時確保會議空間充足的光照。   韓華集團希望不僅為員工提供專業的辦公空間,同時也有社交聚會、休閒場所的規劃。28樓的餐廳,以溫暖的木質色調、天然材料以及綠色植物創造出一個員工可以恢復精神和活力的空間,餐廳以色調區分為多個不同區域,提供不同類型的美食和餐飲服務;私人餐廳則配有深色的木質色調和精細的照明,給人更為親密的感覺。 27樓的行政樓層包含較為正式的會議活動用區域,和非正式的社交聚會用區域;在這裡,規劃了多個具隱私的個性化空間,包括小型會議、大型集會等,實現了在不同配置下開展工作和會議的多種可能性。 編輯」歐陽青昀 圖片及資料提供」UNStudio

  • 徐景亭 勇敢追尋自我

    設計之域 ‧ 女性光點

    徐景亭,一位來自台中東勢的女性,現在是三重工業區巷弄中DHH Studio東海醫院工作室的負責人,很多人無法將「東海醫院」以及「設計工作室」兩者之間譜出什麼關聯,但小時候就想當一位藝術家的她,在家鄉歷經921大地震後,將家庭背景以及她至今努力創作的方向相結合,就成為她創立工作室的緣由。 徐景亭/DHH Studio東海醫院工作室 大學唸的是工業產品設計,在藝術家工作室做過助理,也在產品設計公司待過,後來小孩滿1歲,辭職在家接案,孩子滿2歲後,隻身前往荷蘭進修,出國前以老家的東海醫院作為創作發源地,回國後,在實踐大學當兼任講師,也在三重夫家的工廠的所在地,執行黑色聚落計畫,近年策劃了幾個她自己很喜歡的主題展,期望能一直跟著自己的內心走,和孩子一起成長,並且越來越喜歡自己。 從藝術家到設計師 「長大後想要當什麼?」是許多人兒時書寫過的作文題目,也是大人喜歡問小朋友的問題。徐景亭說自己小時候曾想過要當一位藝術家,雖然在懵懂的年紀對於藝術家的工作內容也不是非常清楚。兒時,母親讓家裡的孩子學習過許多才藝,舉凡鋼琴、畫畫、運動等;當時,家鄉的小鎮來了一對從新竹師範畢業的夫婦教授大家繪畫,從小好動又耐不住性子的徐景亭,在一次繪畫課堂上,發現自己十分專注在畫畫,而且完全沒有離開過座位,甚至被老師點名說:「大家看徐景亭,很認真坐在那邊畫畫。」這讓徐景亭突然驚覺,自己在做藝術創作時是可以如此的有定性。 國中時期的徐景亭。國小開始接觸正式繪畫班的她,持續畫到國中,也熱愛繪畫,曾為報考美術班而諮詢過學校的老師,老師當時只問了她一句:「是你想要還是你媽媽的期望?」這讓往後遇到的每件事情,徐景亭都會先問問自己內心的聲音。   高中就讀復興美工的徐景亭,在進行畢業製作時,發現身邊有的同學天生就是藝術家的體質,能夠不時浮現天馬行空的想法並著實呈現;相對地,她發現自己創作的時候,需要透過有條理的規劃並且有邏輯、概念、甚至是實際的理由去說服自我進行創作,比起其他同學,自己並不完全屬於藝術家的個性;所以報考大學時,留意到工業產品設計系,覺得稀奇有趣,就決定嘗試看看。   徐景亭在學生時期曾經幻想過自己的辦公室樣貌,畢業以後在設計產業也做過許多工作,當時未曾想過日後會成立工作室。 徐景亭的家中共有6位小孩,身為醫生的父親工作繁忙,管教之事多由媽媽負責。排行老四的她,父母對她的期許相對前面幾個姐姐少了許多,小時候會覺得自己在家中被忽略、不被關切,甚至覺得父母偏心;但現在回想,也因為少了父母期望的壓力,所以她可以選擇自己想要發展的方向以及想要做的事情。 對於設計行業的自我摸索 對於設計行業的想像是從高中開始,當時室內設計的授課老師,播放了一部影片,內容分為兩段,前段是大家印象中藝術家的樣貌,空間中有許多凌亂的東西,後半段則透過畫面闡述了一位設計師的邏輯和條理。影片的重點是要告訴大家,藝術家的創意並不是一定要自由奔放,做好一個作品,仍然必須要有規劃,這證實了她對於設計的憧憬,設計是理性與感性的碰撞而生。 起初是為了小孩而辭職,因緣際會下成立了自己的工作室,現在的她可以追隨內心的聲音,選擇自己想做的創作。 徐景亭覺得自己很幸運,一路上家人始終支持她想要做的事情,父母從小給予她的觀念就是:「自己決定的事情,就要自己負責。」所以不管是她轉換工作、投身創作或是成立工作室,母親都只會問他一句:「你有想清楚嗎?想清楚就好。」看似平淡的關心,卻也成為支持她一路走來最大的後盾。無論在求學或是出社會後的工作階段,對於設計產業她仍不斷在摸索,遇到挫折也會低落、心生懷疑,曾有段時間徐景亭認真思考過:如果自己要從事別的行業要做什麼?她認真地寫下關於設計工作的優與缺,去思考自己到底想要做什麼?最後發現,「設計」這件事情依然她唯一擅長且有興趣的。 社會新鮮人時期的徐景亭。畢業後因同學的介紹,進入產品設計公司工作,當時整棟大樓裡大概只有3位女性,而她是產品設計部裡唯一的女性。   徐景亭很早就步入家庭、結婚生子,但她對於自己想要做的事情並沒有被傳統觀念束縛。雖然為了陪伴小孩,徐景亭選擇辭去工作,然而那一年也成為她事業的轉捩點;在參與一次荷蘭的工作坊後,重新燃起她想要到荷蘭讀書的夢想,2007年,在丈夫與家人的支持下,前往荷蘭進修。   維持生計的工作、想接觸新鮮事物而接下的案子、為自己而做的創作,這3件事情從徐景亭畢業後都持續在實現,為此夫妻兩人曾有觀念上的摩擦,徐景亭說:「丈夫是她最大的阻力卻也是助力。」為了說服丈夫,她不斷透過分享、參與和溝通,至今,讓丈夫成為最支持她的人。   2019臺灣文博會工藝中心「茶 3.1415」。徐景亭以茶走入生活為概念,提出「以茶為圓心,工藝為半徑,畫生活為圓周,看見文化的面貌」的展覽。 1999年921大地震的發生,讓身為設計師的徐景亭希望為家鄉有所貢獻,開啟了「東海醫院展覽」的計畫,透過展覽也藉此讓家人了解她的工作。大多數的人都不太會主動與家人分享工作內容,雖然她的個性是,想做的事情就一定要力行,但她會透過讓家人參與,像是拉著丈夫跟她一起擺攤、佈展,將家族回憶的東海醫院改建成裝置展等,讓他們看見自己持續在做的事情與努力。 認清、接受與突破 儘管現代社會開放,但很多既有觀念仍然存在。畢業後在產品設計公司,徐景亭就遇到了薪資不平等的待遇,耿直的個性讓她決定直接與主管溝通,最終也獲得解決;而以往出差外派都不曾有什麼問題,但婚後,她卻不時會被關心幾句出差時間會太久嗎?丈夫同意你出差嗎?等的詢問。徐景亭才發現原來女性性別與已婚身份在職場上,仍是一個無法完全抹滅的標籤,但隨著社會的改變以及她自己成立工作室後,這樣的狀況也慢慢減少。她鼓勵大家,遇到事情不要壓抑著,透過理性、適當的溝通來爭取自己權益,不管最後有沒有成功,至少努力過。 徐景亭覺得每一次閱讀都能從書中獲取新的想法,或是喜歡的句子來激勵自己的生活。 一路走來徐景亭都忠實地做自己,人生的每一個階段都有幫助她還有促使她前進的動力,談到崇拜的典範,學生時期很憧憬實踐大學的建築系老師安郁茜,不僅聰明、有氣質,講話還很有氣勢;她還想起荷蘭Design Academy Eindhoven學校的Lidewij Edelkoort校長,每一場演講都是座無虛席,她的個人魅力是旁人學不來的,同時讓她意識到發掘自我特質的重要性;還有荷蘭設計師Atelier NL,他們創作的過程,會追根究底的去探索原料、尋找它背後的脈絡,這與她現在追求研究、探索的創作理念不謀而合。 給自己的紀念禮物是特殊的戒指。徐景亭說她比較少會買禮物送自己,有時候會收藏特殊戒指,另一個最喜歡的事大概就是換新電腦吧! 最後徐景亭從自己的經驗總結出這樣的結論:「認清自己、接受自己、突破自己。」也是她送給同樣努力生活、實踐自我的女孩的鼓勵;每一個人都有優缺點,在看清自己的本質後,要學習接受自己的好與壞,不要原地踏步,這樣才能進一步去突破社會對於女性與自我所設立的框架。 資料及圖片提供」DHH Studio東海醫院工作室 採訪」歐陽青昀

  • 羅尤呈,現任開物設計的營運總監,在採訪初始笑著表示她從小就是個「人生無大志」的人,從來沒想過會踏上設計這條路,成長至今的眾多歷程,都彷彿冥冥之中 有著指引般,引領她成為現在的自己;再加上凡事投入、專注以對且樂在工作的個性,讓她經手的空間作品豐厚、純粹又別具性格。此次邀請羅尤呈總監來與我們聊聊有關自我實踐、生活、工作的過程與趣事。 開物設計 / 羅尤呈 設計師羅尤呈自小與媽媽及3位姐姐5人住在10坪大的套房直到小學三年級,雖然套房窄小但裡頭五臟俱全,幼時的居住空間深深影響了她日後對於生活與空間的不同體悟;加上中學就開始多元化的打工經驗,例如咖啡廳、牙醫助理、產品市調員、設計助理…等等,這些經歷都擴張了她在生活與創業的思考上的觀點。現在的她有著多重身份,除了創業當老闆外,也已是兩個孩子的媽媽,經營公司以及和家人相處的時光,都是她珍藏且愉悅的部份。 開物設計作品-金棕時寓。羅尤呈細膩勾勒出業主鮮明的個人性格,並融合復古感與現代感兼具的美學輪廓,讓住宅空間更具靈魂風采。 自由的探索環境 羅尤呈總監提到,她成長於單親家庭,媽媽為拉拔4個孩子,一天做兩份工作,非常忙碌,因此她從小十分自由,不太會被干涉,回想過往,曾爬到屋頂上、水塔內,也常去鐵軌邊玩耍,現在想來雖然危險,但卻都是很棒的回憶,也在無形間造就她樂於探索與嘗試的性格。她笑稱自己是個無大志的人,沒訂立任何目標,國小時老師要大家寫下自己的志向,她都看同學寫什麼就跟著寫,也曾閃過成為家庭主婦的念頭;羅媽媽不太會給小孩設定框限,因此在填高中志願時,誤打誤撞進入滬江高中就讀室內設計科系,也在就學期間發現自己對於室內設計有極大的興趣,學習過程開心,並且能夠專注於製圖。學生時期打下了深厚基礎,再加上對設計的喜愛,讓她持續從事設計工作至今,她認為一個工作要走得長遠,自己一定要發自內心的喜歡,這樣才有辦法一直往這個方向前進。因為太愛這份工作了,她笑說自己完全沒想過退休這回事,只要懂得拿捏「做」與「休」的平衡,且體力許可的話,7、80歲也還想繼續做下去。   學生時期的羅尤呈,發現自己對室內設計領域有著極大興趣。因為家庭因素,造就她獨立、不依賴他人的性格,也在課餘時打工,一方面分擔家計,一方面也增進自己的歷練。 家庭背景雖然會深刻影響著一個人的發展,但成長成怎樣的人,還是要取決於自己的思想,羅尤呈表示,媽媽在某次責罵她時,曾說過:「我就負責到妳18歲,18歲以後都是妳自己的事。」她謹記著這句話,練就自行解決事情的能力,也懂得為自己負責。而現在自己身為母親,她最希望能帶給孩子們寬廣多元的思考能力,適時與孩子們分享所遇之事以及心情轉折,鼓勵他們不要侷限任何發展的可能,並勇敢追尋。 專注致志,是最重要的 羅尤呈總監自述是一位較為實際、務實的人,對事情不做過多幻想,可能跟成長背景有關,她有很大一部分的心力放在認真賺錢上,在求學階段也接觸過形形色色的各式工作,得到不同的歷練和眼界,其中「市場調查員」是最有趣的一份工作。市調員會先收到服務客戶、設定問題等資料,但若照著僵化的問題詢問,有極大的機率會被受訪者拒絕,如何讓對方在接起電話的幾秒鐘內,產生興趣,進而完成市調,極具挑戰性;羅尤呈從中養成注意溝通者回話細節的能力,也更能聽出話語中的情緒,受用良多。 社會新鮮人時期。熱愛設計工作的她,總是一投入就忘了時間,晚上11、12點下班是家常便飯的事,但她甘之如飴。 她很慶幸能進入自己最喜愛的設計行業,因此她更為投入其中,盡可能把所有託付做到最好,也因為一心一意的傾注心力,讓她放下許多庸人自擾的情緒或擔憂;她透露,現在遇到的年輕設計師,大多著眼於未來,卻忽略了當下該專注,或該確實完成的事,稍微本末倒置,其實當你把每件事都做好後,未來就能握有更多選擇權。談及學生時期與成為專職設計師的差異,羅尤呈認為學生時期的作品,終究是「作業」的一環,缺少了力量,但現在經手的案子,撇除個人美醜的主觀認知,每個都是她跟業主密切互動溝通後,全心、且一步一步完成的成果,格外感動,也十分有成就感。 近期工作照。身為兩個孩子的媽媽,她身兼母親和老闆的角色,盡力在兩者間取得平衡。她認為不論幾歲,都要保持自己的魅力,並在喜愛的領域或事物上持續精進與發光。 之所以選擇創業,她說是順其自然發展而成,身為經營者,在做決策時需要通盤考量,也須時時補足不足之處,最為困難的部分則是如何化解彼此想法上分歧,並找出可行的解決方法;「執著的好是堅持,執著不好是固執」,她告訴自己要適時放開心胸聆聽他人的話語,並從中擷取值得參考的建議。成為老闆後,多了許多接觸設計新鮮人的機會,她發現近年來台灣教育大多鼓勵學生勇於表達自我,說出想法,但在「傾聽」與「實踐」方面卻鮮少著墨,導致他們不太容易聽進別人的意見,甚或是無法放下內心既有的成見;有鑑於此,她在面對新同事時,會先傾聽對方的想法,從中理解他的個性,再採取適合的方式帶領,語言若未恰當使用,則會變隔閡,羅尤呈嘗試降低說教的比例,改以互動模式跟同事們相處,共事起來也更為順暢。 精彩,不需由他人定義 身為設計師與經營者,又身兼著母親的角色,詢問羅尤呈是否有覺得「女性」身分帶給她的束縛或侷限,針對此點她倒是十分豁然的表示:「說沒有是假的,但有到無法負荷嗎?好像也還好。如果將這些不友善的眼光或行為放大的話,我覺得反而把自己格局做小了;不論如何,我都秉持做自己就好的原則,只需對自己的內心負責,不需太過他人眼光。」不過,就現實面來說,因為女性的生理構造,若有結婚生子等計劃,的確會碰到比男性更大的時間壓力,不過她認為這是天生的差異,該講求的應是「思考上的平等」,只要有專業,自然有辦法跟其他人平等對談。 當碰到挫折時,羅尤呈是位盡量不抱怨的人,她習慣先分類自身遭遇的困難是哪一類型,再藉由閱讀來爬梳與釐清思路,從中找到問題的癥結,並內化成自己的養分;例如,她最近在閱讀《千利休:無言的前衛》一書,作者從自身判斷和立場出發,並非用世俗的眼光來詮釋千利休,這種新的思想觀點讓她在對自己產生懷疑時,就會翻一翻書,勉勵自己不需太過在意別人意見,或想得到他人肯定。 書籍是羅尤呈的精神糧食。她會針對自己面臨的狀況,選擇閱讀的種類,企圖從文字中得到心靈的安定,再全心面對眼前的難題。  提及心中的女性典範,羅尤呈說:「我媽媽是位很了不起的女性,或許不認識她的人會認為她就是一般的平凡女性,但我覺得她不論是思想或行為都很前衛,她理解自己在做什麼,也為自己的選擇負責與付出,她一人養大4個小孩,雖然辛苦,但她不會給我們任何人生方向的設限,並教導我們無論成為怎樣的人,都是值得欣賞的。」此外,她提到出社會後,她清楚了解自己很喜歡工作、喜歡在替客戶服務的感受,但也清楚自己期待與小孩、家人建立親密的互動關係,所以她很努力地兩者兼顧,「專注」依舊是她的不二法門,不去想兩頭燒的狀況有多辛苦,而是應該專心於眼前之事,並將快樂和成就放大,最終辛苦會過去,而幸福會留下。 對羅尤呈來說,近年的里程碑則為去年開始學鋼琴。幼時有位家境優渥的好友曾彈鋼琴給她聽,她一直記得這種悸動,但卻沒時間接觸,去年終於開始上課;她不期許自己的琴藝能多精湛,純粹作為興趣的培養,在閒暇時也多了種休閒娛樂。  最後,她希望每個女孩都可以不揮霍青春,忠於自我,不論幾歲都要保持著自己的魅力,並不間斷地接受新思想、茁壯內心,「活得久不如活得精彩,所謂的『精彩』,不需由別人認定,而是不愧於心,並為自己感到驕傲!」羅尤呈如是說。 資料及圖片提供」開物設計 採訪」陳映蓁

  • 王菱檥 向舒適圈外的世界勇往直前

    設計之域 ‧ 女性光點

    王菱檥小時便展現出對於設計的興趣,大學就讀室內設計學系,曾至巴黎與紐約求學,對於時尚、珠寶設計、純藝術、人體素描等領域亦有接觸,多樣化的興趣與求學經驗,回頭滋養了她對於室內設計的想法。與丈夫共同創立柏成設計,作品範圍廣泛,近年來更致力於公共策展、公共空間等,實踐「設計為大眾服務」的理想。 柏成設計 / 王菱檥 Nora Wang 柏成設計 JC Architecture 設計總監,在 2015 年發起 Present OUT Scholarship 旅遊獎學金,透過出國旅遊和歸國分享,培養台灣下一代的設計人才。 擔任中原大學室內設計系兼任講師,2019 年, 其作品「Living Lab 生活實驗所」榮獲 WAF/INSIDE 世界室內設計節年度大獎。   一磚一瓦興建起的夢想 王菱檥對於建築與室內設計的憧憬,來自於小時家中興建房屋的記憶。在動工之前,父親邀請一名畫家好友為新家預先描繪了一幅想象藍圖,只是孩子的王菱檥對於房子從平面圖樣,一磚一瓦地從土地中長出的過程相當著迷。受到兒時回憶的影響,王菱檥對於建築最初的印象便是砌磚、泥作等建造工程,是在求學過程中,接觸到不同領域的藝術呈現,才完整了建築的樣貌,王菱檥舉例,高中時參與校刊藝文社,藉由文學與美學去了解建築,她才知道羅馬、希臘時期的建築與當時的神話、文學息息相關。隨著逐步接觸建築與設計背後龐大的知識,模糊的夢想亦漸漸清晰。   父母對於藝術的培養,也使王菱檥對於設計充滿興趣,除了學畫,當時母親有購買日本建築雜誌,這在那個年代取得相當不易,母親對於家居布置的興趣,耳濡目染之中也啟發了自己對於室內設計的觀點。而開明的家庭教育,亦使王菱檥的設計師之路免去許多波折,大學聯考時,王菱檥只填了3個志願,都是關於建築、設計類的科系,連同後續赴海外研讀相關科系,家人也都相當支持。回憶起至今的生涯,王菱檥笑說自己很少為人生作具體規劃,通常是實踐「活在當下」的主張,遇到什麼樣的機緣,便順其自然的走上某條道路,最終看見自己也想像不到的奇異風景。   2006至2007年左右,當時王菱檥於紐約求學,研讀珠寶設計相關學位。 不留遺憾的設計  大學時期前往法國交換的過程,對於王菱檥的設計生涯產生了深遠的影響,形容自己「像一張白紙突然開始有了顏色」。法國人對於「生活」的堅持,令她印象深刻,即便是一般大眾,都有一些不可妥協的要求與儀式,例如最基本的早餐,法國人一定要吃剛出爐的可頌搭配咖啡,才能開始一天的行程,這樣的態度也影響了王菱檥對於生活的看法,她認為,營造生活美學十分重要的一點即為「不怕麻煩」,許多室內的角落是需要使一點力去營造出氛圍與自我空間,如此,空間亦會回饋居住者某種形而上的力量。 此外,法國求學生涯也令「獨立思考」成為王菱檥心中十分重要的課題,她提到,自己小時候其實是很喜歡質疑、辯證的,然而在升學主義教育的壓抑下,「獨立思考」並不被鼓勵,但在法國的課堂中,她感受到法國人的自在與自信,對於生活擁有自我的看法。也因此,柏成設計在前些年發起OUT Scholarship 旅遊獎學金計畫,鼓勵設計學生走出舒適圈,去體會不同的生活,理解他人的需求,進而創作出更貼合使用者的設計。   2009年前後回台,與丈夫邱柏文共同創立「柏成設計」。 回到台灣,王菱檥與丈夫邱柏文創立了「柏成設計」,在台灣毫無執業經驗的倆人經歷了許多摸索的過程,無固定合作的工班及附委託、也不熟悉合約報價該怎麼寫,靠著尋求朋友的協助、自行摸索,看一些關於公司經營的書籍,才慢慢建立起現在的制度。柏成設計的創業如同倒吃甘蔗,一開始由於公司無基礎,業主較難完全給予信任,但實踐出一些成果之後,業主自然而然容易相信設計師所提出的願景,也願意被說服。 王菱檥分享,無論是新生或者資深的設計師,都會遇到沒有拿到案子,或是跟業主磨合等種種問題,而她克服的方式便是「不留遺憾」,她舉例,曾經執行過一個案子,由於場地因素,必須將大理石桌切割運送至現場再合併,但當時她對於那一條痕跡耿耿於懷,不希望業主每天回到家時面對一張不完整的餐桌,左思右想了各種運送方式都失敗,最終她發現問題需要回歸以設計解決,設計應該有彈性,便主動提出重新設計餐桌。為了不使某個微小的錯誤成為心裡的疙瘩,王菱檥會設法將所有事情做到最好,如果真的窮盡所能但仍失敗,挫折也會因此能接受、放下。  至今柏成設計基礎已相當穩固,除了於建築、室內設計領域有所斬獲外,更多方接觸不同領域,如公眾空間設計、策展等。 母親之於女性 身為在職場上發光發熱的女性,王菱檥最崇拜的模範卻是自己的奶奶,一位非常傳統且典型的台灣家庭主婦,結婚後即在家相夫教子。但長大之後,王菱檥才發現原來看起來平凡的奶奶,在她心中如此特別,而她也一直在向奶奶看齊。「我在她身上看到人性的本質,就是這麼的恬靜」,王菱檥表示奶奶是她遇過最不會隨意評論他者的人,儘管已經91歲了,還是願意去理解現在世代的價值觀,並且保持相當開放、隨緣的態度,她不在意兒孫是否有所成就,只關心他們的身體健康,受到奶奶的影響,自己的父母、親戚也都具有相同的價值觀。   詢問到女性身分在室內設計領域上的困難,王菱檥認為大部分會發生於工地,旁人可能會傾向覺得女性無法處理工程,然而這點近幾年來正逐步改善,同時女性有一個很大的優勢即為「善於溝通」,設計領域正是需要積極地與他人接觸、溝通,因此不需要特別強調女性的弱勢,而是在團隊中發揮自身所長,共同完成目標。 柏成設計員工合照,柏成設計自創業的艱辛到今日累積眾多成就,一群優秀且有緣相聚的員工,便是王菱檥心中最好的禮物。 然而如果選擇走入家庭,那麼女性在職場上遇到的最大挑戰即為「母親」的身分,由於生理構造,女性可能會因為孕期、產期等,需要暫時離開職場,並且在心理層面上,會跟孩子比較有連結。自身也為3個孩子的母親,王菱檥十分擅長於切換公私生活的狀態,在創業初期她便會跟先生約法三章,回到家就不能再討論工作,將時間保留從事自己的興趣、放鬆休息,成為母親後亦然,工作時專注於職責,切換成母親的角色時則盡心陪伴孩子。   王菱檥認為,現今年輕女性設計師所遇到的困境與男性差異不大,目前在大學兼任講師,王菱檥接觸許多設計領域的學生,她觀察到了世代之間的差異,在她20歲時,對於世界充滿了幻想,但今日可能因為網路資訊的發達,學生們能夠接觸到的訊息太多又太透明,導致他們反而因此茫然無措。王菱檥建議,有時應當傾聽自己的聲音,摒除外界資訊,選定一條自己想走的道路並勇往直前,只要踏出那一步,沒有什麼是不可能的。 家中花園,出身南部鄉村,王菱檥的成長過程是被植物環繞的,在婚禮也使用蔬果作為代表,象徵凡人在這特殊的一天成為主角,植物對王菱檥而言具有重要意義。 資料及圖片提供」柏成設計 採訪」林慧慈

  • 由OMA管理合夥人大衛 ‧ 希艾萊特(David Giaontten)、專案建築師馮達煒帶領設計﹑Potato Head委託的 Potato Head Studios,已於峇里島水明漾(Seminyak)開幕,這是OMA首個同時為旅客和當地社區量身設計的酒店設計案,其地面空間向大眾開放,歡迎不同人士使用,既是酒店舉行文化節目的場所,也是當地居民的日常活動空間。   峇里島的渡假酒店,往往由旅客獨享,OMA在此作挑戰渡假酒店為旅客專屬的概念,打開空間面向一般大眾。建築師大衛 ‧ 希艾萊特表示:「峇里島的文化精髓,在於不同文化之間的互動。」Potato Head Studios除了提供私人酒店房間和設施,更同時創造公共空間,使來自不同地方的人們能於此聚集、彼此互動。   全案設計主軸以印尼的文化脈絡為依歸,利用開放平台與環境接壤,酒店多處使用混凝土質感的牆壁,由本地工匠巧製,走廊的立面設計則受峇里島傳統占卦曆「蒂卡」(Tika)啟發。   Potato Head Studios的建築為一個由基座柱子抬升起來的環形結構,裡面是私人酒店房間及其他設施,包括展覽空間及可以觀賞日落的酒吧。抬升的結構騰出地面間作為「開放平台」,直接通往海灘,而此空間充滿可能性,是節慶、文化活動及日常活動的場所,讓大眾共同體驗峇里島的當代文化。酒店屋頂作為向大眾開放的雕塑公園,設有一條公共走廊連接酒店餐廳、泳池及水療設施,並通往雕塑公園。    Potato Head創辦人Ronald Akili表示,他們的目標是為酒店業帶來一個嶄新的營運模式,而非改變行業本身。「假如我們能夠將人們聚在一起,享受好時光,並為他們帶來意想不到的體驗,他們便會受到啟發。」他稱讚OMA的設計完美地傳達了集團的意念:「創造一種嶄新的文化機構,糅合公共與私人空間、旅客與當地居民、未來願景與傳統手藝。」 資料與圖片提供」OMA 攝影」Kevin Mak 編輯」林慧慈

  • 2020年,全球因疫情緣故,讓人們的生活和日常習慣帶來巨大的變化。「書寫」是許多人尋求自我表達的一種方式,它不僅是創造力的載體,同時也是極具意義且可相互聯繫的個人化方式。   萬寶龍繼5月中發起「#ToThoseOutside」活動,將北美地區精品專賣店的窗戶變成留言板,透過書寫的力量表達對抗疫英雄們的感謝;作為一個讚揚書寫與創造力的品牌,萬寶龍推出#InspireWriting全球活動,邀請人們以各種形式的書寫來表達自我。   萬寶龍邀請全球Mark Makers展開並推廣其對於所有#InspireWriting主題的詮釋,以期能啟發更多人的效法,並分享在Instagram上;萬寶龍將從中挑選出幾件最能啟迪人心的書寫作品,藉由日常書寫啟發人心,改變世界。   書寫愛好者可以參與一項由萬寶龍Mark Makers與具影響力人士所發起的日常書寫挑戰,參與的每個人都能以自己原創、具啟發性且富創造力的方式為這個世界留下隻字片語。   此外,在疫情受創嚴重的義大利近來日漸解封,萬寶龍選在米蘭Corso Garibaldi商業中心,利用大型戶外看板上的文字代替圖像撫慰人心,文字擷取自義大利歌曲La Collina Dei Ciliegi中的歌詞「Ci allontaniamo e poi ci ritroviamo piu’ vicini」,意味著疫情雖然將你我隔離,但抗疫過程卻讓你我的心更團結,帶給復甦中的城市一股持續向前力量!   資料及圖片提供」萬寶龍  編輯」歐陽青昀

  • 賴志盛「接近」 俯瞰北美館風光

    北美館藝想迴廊 全新年度計畫

    台北市立美術館發表全新年度計畫「接近 Closer」由藝術家賴志盛操刀製作,於 2020 年 6 月 25 日起正式開放。邀請觀眾親臨想像的「池畔」巡遊,倚欄佇足高懸的棧道,以往下眺望的視點,俯覽北美館挑高大廳的一池光景。   賴志盛 1971 年生於臺北,曾為 1990 年代是觀念藝術團體「國家氧」的成員之一,至今具有多次重要國際參展經歷,曾受邀參與 2016 年愛知三年展、2015 年里昂雙年展與 2012 年倫敦海沃美術館等大型展覽。獨特的創作語彙圍繞在人造場所、環境與人之間的關係,賴志盛擅長創造帶有場域屬性的非典型日常現實,以極簡的手法介入空間改造,提供觀者關注周遭環境,以及敏銳探索微觀感知經驗之機會。   接近 Closer 此次空間計畫名為「接近 Closer」,賴志盛以「繞樑,接近光與風一些」的概念介入空間,將北美館大廳視為一個池子,沿著 3 樓迴廊的邊緣延伸製作高低不一的平台。靈感來自鳥禽於高處築巢,在特殊的位置打造生存空間;又或是教堂在樑柱或高牆上搭建通道,通往懸在高空的小空間,成為講道或祈福之所,提供人們精神的慰藉。而賴志盛的平台,則提供俯視大廳空間、也是光與風來源的視野;促使觀眾產生踮腳或跨越的動作,進而對這原本存在但卻長期不被注意的空間,產生嶄新的感受。   賴志盛以其在英國倫敦海沃美術館「無形,不可見的藝術」聯展中展出的「原寸素描」為基礎,然而在此並非以素描勾勒線條,而是進一步由觀眾接近橫樑或繞過柱子等移動的方式取代鉛筆,行走出建築空間的線性輪廓,以隱性的方式反向強調出建築本身,呈現藝術家獨樹一格的翻轉思考模式。   藝想迴廊是位於北美館 3 樓獨特的空間,開放流動的場域特性有別於正式展間的白盒子空間,北美館館長林平指出:「藝想迴廊是一個為了觀眾而存在的空間,探討建築、空間、與人之間不同語言巧妙的相聚,提供民眾參觀美術館時沉澱、互動與交流的場所。觀眾在此不只與藝術相遇,也與自己相遇。」賴志盛的「接近」是一個具有挑戰性的計畫,聚焦於空間的存在性,並企圖重新喚醒觀眾探索周遭環境的能力。   展覽資訊 日期」2020 年 6 月 25 日至 2021 年 6 月 6 日 地點」台北市立美術館 3 樓藝想迴廊(台北市中山北路三段181號) 展期中相關活動資訊,請至 台北市立美術館官網 查詢。​ 資料與圖片提供」台北市立美術館 編輯」林慧慈

  • 「365°」尤傑尼歐 超現實攝影展

    167座巨型燈箱 沉浸式攝影光廊

    西班牙藝術鬼才尤傑尼歐(Eugenio Recuenco)耗時 8 年時間,在一個長 2.5 公尺X寬 3 公尺,手工搭建的小房間裡,創作出 365 幅攝影巨作,並以日期命名為「365°」系列。 風格採超現實主義美學,以獨特陰鬱的色調呈現,議題涵蓋社會事件、哲學、歷史、娛樂等,也向經典藝術致敬。「365°」系列不僅是尤傑尼歐最富盛名的作品之一,更在時尚攝影界捲起奇幻美學巨浪,今年夏天將由聯合數位文創引進台灣,在台北華山文創園區打造奇幻攝影光廊,是暑假最具時尚感的影像藝術展。 西班牙鬼才攝影師 尤傑尼歐接受過馬德里康普頓斯大學古典繪畫藝術訓練奠基,善用乖張詭譎的奇幻美學,將滿幅故事濃縮在一張影像創作上,讓視覺穿透媒材,形塑磅礡的光影史詩,揉合藝術與時尚,展現精緻的敘事影像。 他獨特優異的創作能力,不僅讓他成為 VOGUE、GQ 等時尚雜誌御用攝影師,更為時尚品牌 Diesel、Nina Ricci、YSL等時尚品牌拍攝廣告,是時尚圈炙手可熱的鬼才攝影師,多次榮獲廣告最高榮譽坎城金獅獎-最佳攝影獎殊榮,同時在繪畫、藝術以及影視領域獲得成就,作品收入於倫敦 Somerset House、柏林 CWC Gallery 等世界美術館、藝廊中,是西班牙超現實攝影美學的代表人物。 超現實攝影藝術家尤傑尼歐 沉浸式攝影光廊 尤傑尼歐「365°」系列攝影作品,共與 120 位模特兒、300 位專業造型團隊合作,在手工佈景、美術、服裝、光影呈現等,都有極高的藝術層次展現。此次展覽精選近 170 件作品,透過長寬約 1.3 公尺的大型燈箱呈現,錯落堆砌而成震撼人心的牆面,打造光影長廊,完整呈現畫面的立體與深度,也讓消費者可以細細品味攝影師透過影像傳達的每個細節。 展覽以尤傑尼歐「創作無設限」的核心,現場打造 10 間特色攝影棚,1 : 1 還原尤傑尼歐的專屬超現實空間,將攝影鬼才腦海中的奇幻宇宙真實還原,每個人都可以走入作品中,在有空間內揮灑無限創意,一秒拍出時尚封面照。 攝影作品照 主辦單位聯合數位文創表示:「於國外展示時,亦有不少創意美妝或時尚、藝術工作者,會特意在造型上做特殊妝扮,在展場拍攝另類的奇幻照片,讓民眾可以參與影像創作,突破空間的限制,自由拍出屬於自己的時尚大片」。 本次展出作品刻意不詳盡闡述創作,為作品保留民眾自由詮釋的空間,無法來台的尤傑尼歐特意為展場錄製了概念影音,他表示作品中呈現的監禁隔離樣貌,正巧呼應目前全球疫情氛圍,期待民眾能觀賞作品之餘,也可以想像當事件過去,用未來的角度觀看現況的心情,並且也能看見更美好的寓意。 展覽現場照「奇幻攝影棚」 展覽資訊 日期」2020 年 6 月 24 日至 9 月 13 日 地點」華山 1914 文化創意園區東 2C 館(台北市八德路一段1號) 資料及圖片提供」聯合數位文創 編輯」林慧慈

  • 北美館 X-site 《膜》創造奇幻感官體驗

    何理互動設計 以科技媒材打造多重真實

    〈2020 X-site《膜》─ 多重真實〉6月13日起於台北市立美術館戶外廣場展出,本次展覽作品《膜》為第 7 屆北美館 X-site 計畫首獎得主「何理互動設計」所創作,創作概念以「人的感知」作為出發,讓觀者移動於環繞交疊的空間中,產生出空間的認知錯覺。 該作品以此挑戰大眾對於公共空間的預期和想像,並回應本屆X-site「多重真實」(X-Reality)的徵件命題:探索真實的過程需要持續的交互參照。 而除了日間觀賞體驗外,每週六自 18:30 起還有搭配燈光照明的夜間體驗,將為觀者帶來全新的空間理解與奇幻感官經驗。 探索旅程 顛覆觀者的感官認知 《膜》( Through the membrane )是一個多層次環繞裝置,由 67 片偏光片所組成,直徑 14 公尺、高 2.9 公尺,獨立於美術館的戶外場景,它無法被立即認知地存在著,誘使人必須入內走動、探索之後,才能理解其為何物。展覽現場更提供偏光片借用,讓觀眾在眼前把玩實驗;大廳禮品店另有販售偏光眼鏡,當觀者戴上它遊歷《膜》時,彷彿被賦予了特殊能力,得以窺探《膜》分子般的微觀世界,搖晃走入其空間維度,感受也將更為放大。   空間是一種透過感知形成的經驗,人們藉由感官去觀察、感受空間中的光影,進而定義出空間樣貌。而《膜》卻是藉由偏光片(Polarizer)的特性,改變光線在空間中的穿透方式,更因《膜》多層次的環形設計,阻隔了開放空間與裝置體,強化了內外觀看的參照,讓觀者穿梭在層層包覆的裝置體內,逃脫了傳統建築空間的限制以及人類既定的感官經驗。 觀者在「穿膜」的過程中,雖身處在環繞邊界,卻彷如遁入迷宮。空間不斷變動,邊界時而顯現,時而消失,「何謂真實」也成為探索過程中的反覆探問,而全新的感受將隨之內化轉為身體經驗,進而對空間有新的認識與想像。   設計╳藝術╳科技的跨界共創 以實體裝置跳脫想像 何理互動設計(WHYIXD)作為台灣少數的跨領域裝置創作團隊,擅長光影與機械動力創作,2011 年由葉彥伯、魏子菁、莊杰霖三人所共同設立,在「共創」(Co-Creation)的概念下,吸引來自藝術、設計、建築、工程、機械、資訊等多元領域的成員陸續加入。何理團隊在創立初期即展露頭角,2013 年曾為《劉德華 ALways 世界巡迴演唱會》量身打造大型舞台裝置,為亞洲首次將大型升降設備運用於演唱會。 何理互動設計團隊照。 何理作品最大特色來自團隊成員的共同創作,整合彼此的多元觀點與視角,藉由一次次的新媒材實驗及探索,合力完成獨特的實體裝置,讓每一次創作都充滿驚喜。何理創作範圍廣闊,涵蓋藝術節、燈節等藝術與觀光節慶活動,也有來自公共藝術創作或是企業委託的商業空間創作及演唱會特效燈光設計等。如 2018 年於交通大學首次發表的《觀月計畫 #define Moon_ 》,以具實驗性的創意手法呈現月亮圓缺身影,將無法捕捉的天文現象化為真實上演的奇景,該作品於 2019 年為 798 藝術園區永久典藏。 藝術發光 科技媒材創新的100種可能 偏光片的特性是可以將各種不同方向的光源,過濾成為單一方向的光。《膜》以偏光片作為創作主要媒材,讓觀者在「穿膜」的過程中,光線隨著偏光片的特質達成不同程度的穿透,在《膜》裡面產生許多看似實體的邊界,以及存在和不存在的曖昧空間。   偏光片是光電材料的一種,從產業應用而言,偏光片是 LCD 液晶產業的關鍵零組件,被廣泛應用於電視、平板電腦、智慧型手機及筆記型電腦等產品上。本次展覽作品《膜》的創作媒材由台灣偏光片大廠—誠美材料科技股份有限公司提供,當科技媒材遇上藝術創作,何理團隊藉由實驗及探索的雙重精神,巧妙地運用偏光特性,使其幻化為開啟群眾全新感受的媒介,也藉由此次「科技╳藝術」的跨界應用,讓科技媒材跳脫既定的使用框架,挖掘更多科技藝術的創新可能。   《膜》是何理歷年創作中唯一的靜態作品,也是第一件臨時建築裝置,雖然沒有以往的電子控制,但還是屬於以電子媒材製作的新媒體藝術裝置,進化之處在於如何把電子材料運用至建築尺度,在高精度與大尺度之間尋找出絕妙的平衡點。對何理而言,本次《膜》創作的狀態就是一個再參照現實的過程,從可能的假設到現實的驗證,修改再修改,目的是為讓觀者透過「移動」、「擺頭」等微妙的動態,來感知身體與裝置之間的變化,而藝術的發生就在那改變的瞬間。   展覽資訊 日期」2020 年 6 月 13日至 8 月 9 日 地點」台北市立美術館戶外廣場(台北市中山北路三段 181 號) 資料及圖片提供」台北市立美術館   編輯」林慧慈

  • 台中「縫隙」特展 想像紙的無限可能

    台中市纖維工藝博物館 X FENKO 鳳嬌催化室

    台中市纖維工藝博物館推出全新概念的【APERTURE 縫隙——紙的無限想像】特展,與鑽研紙藝深厚的 FENKO 鳳嬌催化室合作,連結工藝、科技、文化、藝術、建築等領域創意人才,以當代語彙翻轉博物館策展學,期待突破大眾對於「紙」的既定印象,並共同想像紙藝未來。   纖維工藝博物館為台中首座市立博物館,亦為全國第一座以纖維為主軸的博物館,自開館以來每年選擇一個重要的纖維原料策畫特展,今年更與FENKO 鳳嬌催化室攜手,期待跳脫傳統展覽框架,同時兼顧與地方民眾溝通、教育。 微觀縫隙 此次展覽以「縫隙」命題,暗示著纖維之間的「縫隙」,能夠包容氣流、光影,以及一切微觀世界裡的細小分子,也是容許各種可能性萌發的空間所在,因縫隙而有變化新生的可能。展場區分為「Embryo | 胚胎」、「Childhood |童年」、「Adulthood | 成熟」三大區塊,將紙張的不同階段與人類的生命經驗交織呼應,以藝術手法重新詮釋。   甫入場的「Embryo | 胚胎」區、以藝術裝置「紙纖林影」回歸紙張生成前的纖維原貌、觸發生命初始的細膩五感經驗;「Childhood | 童年」區則以揉皺紙感形塑時空隧道,引觀眾回顧流轉千年的紙藝之美,不僅擺放古今許多與人們生活息息相關的紙製品,更邀請來自美國麻省理工學院MIT Media Lab的聲音藝術術家紀柏豪,為特展量身打造了結合紙材與聲音的互動裝置,讓觀眾親身體驗質材共振,觸發個人關於紙的聲響記憶。 藝術術家紀柏豪之作品,結合紙材與聲音的互動裝置。 顛覆與新生 「Adulthood | 成熟」則展演當代紙材的多元角色,並期待顛覆大眾對於紙的認知,過往被視為脆弱的紙材,竟也能成為文化保存的重要利器。展場全區懸掛墨黑透光機能紙材,營造神聖的儀式感,並使用無酸紙材包裹、保護樹火紀念紙博物館提供的各式紙類珍藏,包含魏晉時代的紙文物、乾隆皇帝御用紙,乃至近代台灣傳統紙童玩等等文物。   展覽動線末尾則以當代藝術家王鼎曄的作品作結,催生大眾對於紙材的想像,巨大環形燈具氤氳出未來與超現實感,使用鳳嬌催化室研發,可久浸而不腐的「紙紗」,打造具有詩意的藝術裝置,讓紙在水中自由舞動。   策展單位鳳嬌催化室表示,展覽並不試圖定義、介紹「紙」,而是藉由喚起大眾對於紙的記憶,在萬物數位化的時代,共同想像紙的未來。自縫隙裡所窺見的世界,不存在過去、現在、未來,解構時間與文明之框架,令紙張這項既古老又創新的素材,得以繼續與時代前行,開展變換無限可能。   藝術家王鼎曄作品「紙裳」 展覽資訊 日期」2020 年 7 月 1 日至 11 月 1 日 地點」台中市纖維工藝博物館(台中市勝利二路1號)   資料及圖片提供」FENKO 鳳嬌催化室 編輯」林慧慈

  • 不只是圖書館 新空間亮相

    松菸澡堂變成圖書館 打造五感閱讀體驗

    由台灣設計研究院營運的「不只是圖書館Not Just Library」,歷經多個月的搬遷與修繕,已於7月1日正式對外開館。新空間進駐松菸北側澡堂,由屢獲國內外大獎柏成設計、太研設計操刀,地理位置更加深入老菸廠,神秘澡堂半世紀以來將首度亮相,延續「不只是」的跨域概念,除了閱讀書籍,更聚合設計相關的展覽、講座、實驗等,以「泡書」為號召邀請讀者沉浸閱讀、發散思考,容納各種多元的可能。   書澡堂 實驗性閱讀場域   此次空間改造由柏成設計團隊與景觀設計師吳書原共同打造,以書籍、氣味、植物與陽光構築實驗性的書澡堂,戶外花園則成為沉澱心靈的文化場所。 空間一分為三,「BOOK BATH 泡書區」延伸古蹟原先的澡堂意象,打造環書圍繞的下沉式閱讀區域,成為浸泡知識的書池,不同於以往圖書館的大張桌面,以書籍堆砌排列成的階梯式座位,更能輕鬆享受閱讀與交流,中島則作為書籍擺放、展品呈現的延展式平台。 「BATHHOUSE 澡堂區」可說是空間的一大亮點,留存日治時期的通風天井、花磚、窗紋等歷史痕跡,弧形老式窗戶灑落的陽光與戶外植物相互照映,位居中央的半圓形澡池,成為容納各種想法與思維存在的容器,未來將透過各路策展思維,匯集書籍、設計、體驗的多元可能。   帶本書去戶外 「BREATH 戶外花園」成為不只是圖書館深呼吸的新空間!原為松菸澡堂對外的天井,地底下的熱水配管從鍋爐房加熱輸送至此,如今搖身一變為成為想法呼吸、心靈放鬆的戶外閱讀區,與書籍和清新植物為伍,讓人心曠神怡。   2020年度新票券 不只是圖書館每年皆以年度票券為載體拋出議題與思考,作為溝通與發聲的媒介,今年度由洋蔥設計操刀,回應新空間的浸泡概念,帶領讀者行為復刻、沉浸書海,展開書後卡計畫,票券延伸為來自16位不同領域創作者的推薦人書單,接下來也將陸續揭曉各種意想不到的神祕跨界推薦人。   不只是圖書館Not Just Library 營業時間:週二至週日10:00-18:00(週一及國定假日休館) 地址:台北市信義區光復南路133號(松菸口) 票價:全票80元、學生票60元、月票500元 資料及圖片提供」台灣設計研究院 編輯」陳映蓁

  • 《山扉夜坐》:「抱琴開野室,攜酒對情人。林塘花月下,別似一家春。」—王勃   CROX闊合設計以茶葉為靈感,建造出了一方野室。自然界的茶葉每一片都是獨一無二,經由水的沖泡後卻組合成了另一種味道,CROX闊合設計認為就如同不同自然型態的單元構建,如同行草地勾勒組合出動態空間,也形成了不同使用功能的家具。   將方桌放置在野室正中,更能代表中國人喝茶的精神與習慣—方桌是重要的生活元素、是思考或交談時離不開的物件,同時也表達對四面八方來客的歡迎。 資料及圖片提供」CROX闊合設計 編輯」歐陽青昀

  • SOS!粗獷主義建築展

    百件國內外案例研究 拯救混凝土之獸

    《SOS拯救混凝土之獸!粗獷主義建築展》由忠泰美術館與德國建築博物館(DAM)共同籌劃,以德國 2017年展開的同名展覽為基礎,是首度對1950至1970年代全球粗獷主義建築進行調查,並提出搶救保存倡議的國際展覽。本次台北作為亞洲首展,由原策展人 Oliver Elser 與實踐大學建築設計系主任王俊雄老師共同擔任策展人。   粗獷主義(Brutalism),源自法文術語「béton brut」,亦即清水模,最初興起於1950年代的英國建築界,建築大師柯比意(Le Corbusier)即是此種建築風格的先驅之一,而後在全球化的影響下,作品竄生於世界各地。其狂放未經修飾的外觀及裸露的結構體,是粗獷主義建築極富表現力的風格特徵,亦是屬於二戰後百廢待興,社會動盪不安與實驗精神興起的體現。 波士頓市政廳-歷史照片 © Bill Lebovic 1981   展覽含括全球13個區域及5項主題,自歐美、亞洲至非洲各地都能看見粗獷主義混凝土之獸的身影,它們融合了各地的風土民情,將粗獷主義在地化,發展出形狀各異的姿態。本次展場中,除了以大型模型展出全球精選案例外,同時也會以24座水泥模型、3座3D列印模型、明信片等呈現更多粗獷主義的樣貌。展場設計中更首次使用不同顏色的路徑線條,讓觀眾探索案例之間的關聯性。 2 樓展區以全球 13 個地區、5 項主題用線索展開探問 © 忠泰美術館 粗獷主義在台灣 忠泰美術館為深化在地的視野與論述,新增 6 件台灣在地粗獷主義建築案例研究。包含陳仁和建築師於1960年代設計的高雄市私立三信家商波浪大樓,分別以1:20與1:50的兩種模型尺度呈現波浪型結構全貌與設計細節。其他案例還包含:新北市私立天主教聖心女子高級中學、原中央研究院美國研究中心、台北醫學大學、公東高工聖堂大樓、高雄市文化中心。 粗獷主義亞洲首展,特別規劃台灣展區 © 忠泰美術館    台灣案例的研究成果,不僅體現出台灣建築文化與全球的扣連,亦反映台灣戰後社會的真實寫照。展覽主視覺採用從三信家商畢業紀念冊裡發掘到的歷史照片,紀錄了剛竣工的波浪大樓與校園師生,畫面所蘊含的時代象徵,具體呈現了建築與人、社會、時代之間不可切割的關係,更呼應展覽聚焦於建築與人之間關係的本衷。   策展人王俊雄也強調:「台灣粗獷主義發展於1960年代左右,本展是一個讓我們學習如何對於全球性文化現象,進行重新定位、反思以及理解的機會。粗獷主義除了給我們帶來了焦慮和困擾之外,也給我們帶來機會和未來。」   三信家商波浪大樓-畢業紀念冊歷史照片 © 國立台灣博物館 SOS!粗獷主義建築保存 然而,歷經時代更迭,粗獷主義建築在當今社會,常被譏為醜陋或過時的技術,或者由於年久失修、維護不易而面臨被拆除的危機。原策展人 Oliver Elser在2015年時便發起「SOS Brutalism」運動,並藉由本展於歐洲巡迴喚起大眾對此時代的建築的關注,展開搶救倡議運動。   伯明罕公共圖書館-現況 © Jason Hood 2016 Oliver Elser在開幕時影片表示:「粗獷主義的興起,幾乎是所有國家重啟的時間點,那是一個充滿實驗性的時代,無論建築成功與否,都不應持續摧毀這些建築,我們應該探討保存建築遺產的方法,將新生命帶入舊混凝土中,思考未來。」   而瀕危的混凝土巨獸亦存在台灣,如原中央研究院美國研究中心,由於用途更改,原先建築核心的階梯式禮堂目前僅作為書庫;高雄三信家商波浪大樓與聖心女中也因維護不易,需要大眾多加關心。 原中央研究院美國研究中心-歷史照片© 國立臺灣博物館 除了實體保存,策展人亦希望將粗獷主義建築背後的歷史與社會脈絡介紹予下一代,藉由忠泰美術館自 2019 年開始籌辦「建築教育工作坊」,展開跨時一年多的校際合作,與中原大學、中國科技大學、淡江大學、實踐大學、銘傳大學、台北科技大學等 6 所大學建築設計系近 70 位師生攜手合作,製造 6 件巨大模型呼應主題「混凝土之獸」的魄力,不僅讓全球性的視野內容更添完整,更透過實踐與交流,建構一個提供更多的世代交流的平台,並持續累積思考未來設計、城市建築規劃的智庫資源。   三信家商波浪大樓-展場大模型 © 忠泰美術館 展覽資訊 日期」2020 年 7 月4日至 11 月1 日 地點」忠泰美術館(台北市市民大道三段178號) 詳情請洽展覽官網|http://jam.jutfoundation.org.tw/exhibition/2260 資料及圖片提供」忠泰美術館 編輯」林慧慈

  • 2020 TID Award複審結果揭曉

    TID Award 台灣室內設計大獎

    2020年第13屆台灣室內設計大獎(Taiwan Interior Design Award, TID Award)競賽,從今年1月1日開始徵件,經過一連串審慎的評選過程,於7月1日公佈複審得獎名單,而眾所期待的TID Award金獎得主,將預計在兩個月後的頒獎典禮上揭曉。 此次TID Award在理事長趙璽及評審主席龔書章的帶領之下,由執行長林彥穎率領TID執行委員會,由杜文正、何以立、黃湘娟評選居住空間類;林友寒、胡朝聖、楊岸評選展覽空間類;黃惠美、姚政仲、杜祖業評選商業空間類,共9位評審,對投稿作品進行審視,最終選出90多件的TID Award得獎作品。 居住空間類評審:林彥穎、何以立、杜文正、黃湘娟、龔書章、趙璽 商業空間類評審:趙璽、姚政仲、黃惠美、杜祖業、龔書章 展覽空間類評審:林彥穎、林友寒、龔書章、楊岸、胡朝聖、趙璽   隨著空間設計專業與社會的緊密結合,每年的TID Award獎項主軸皆在呼應當代社會發展的脈絡與人文關係。今年TID Award強調作品的觀點和設計原創性,並同時回應當代社會的景況,評審將空間設計的永續觀點、綠色材料、創新技術、全齡關懷、空間色彩、社區公共與其他具有當代精神議題的觀點納入評審討論;住宅空間以追尋居住本質作為主軸,商業與辦公空間鼓勵創新與符合新時代的材料選用,而展覽空間與公共空間則關注社會性與在地化。 評選過程 以發現多元新觀點的角度,希望可以傳達TID Award一直以來鼓勵室內設計產業積極參與並推動社會群體之間的互動與責任,秉持實驗的精神並期望成為空間設計跨領域的先例。   每年TID Award的投稿件數皆不斷增長,同時也廣泛地收到來自兩岸三地的投稿作品,呈現出作品的多樣化以及多元性,從今年的評比方向「觀點」與「設計原創性」藉以感知社會的脈動,展現TID Award的精神與期許。TID金獎、新銳獎、評審特別獎以及TID年度大獎等將於頒獎典禮上揭曉,請與我們共同期待。(以上時間如有異動,請依據TID Award 及CSID官網公佈為準。) 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」中華民國室內設計協會 CSID

  • Bottega Veneta 隱市之店

    上海恆隆廣場快閃店

    當其他品牌都在全方位吸引消費者注意力的時刻,Bottega Veneta 卻反其道而行之,向大眾展示一座反射周圍環境的「隱身」裝置。 Bottega Veneta 於 2020 年 7 月 1 日至 7 月 19 日在上海市中心的恆隆廣場推出全新概念快閃店—隱市之店(The Invisible Store)。 顛覆一貫認知,以一種奪目的形式呈現出有形與無形之間的張力。無需過多 logo 裝飾自己,Bottega Veneta 所彰顯的是敏銳與自信的品牌價值觀。 隱市之店超脫了物理限制的概念,彰顯出 Bottega Veneta 的品牌真諦:自我、感性、愉悅。 不同於高調、博人眼球的品牌宣傳,在恆隆廣場印滿品牌標識的櫥窗和商場中庭琳琅滿目的奢侈品 logo 的反射下,隱市之店讓人駐足觀望的立面幾乎完全「隱身」。   隱市之店占地超過 30 坪,內部的反光表面利用光線與空間營造出獨特的錯覺效果,展示包括男女裝成衣、手袋、小皮具、鞋履、珠寶首飾以及眼鏡在內的 2020 早秋系列精品。 資料及圖片提供」Bottega Veneta 編輯」林慧慈

  • P&T 柏林選茶 x 分子藥局:有機茶特展

    What’s in your cup ? 這批比較純

    由瑪黑家居獨家代理,來自德國的 Paper&Tea 柏林選茶(P&T),與有最美藥局之譽的台中分子藥局,合作策劃 「P&T Teaology :What's in your cup ?  這批比較純 有機茶特展」,以 Teaology 為主題,透過五感巡遊,以視覺畫面、故事、觸摸、嗅聞茶香和品飲茶品,將世界最原始的茶風貌和有機茶的檢驗準則,帶進我們的日常生活中。在後疫情時代,我們都需要純一點的,幫我們延長生活中的戰鬥力!  Paper and Tea 發跡於德國柏林,由一生都在喝茶、被歐洲媒體稱為「茶大師」的 Jens De Gruyter 創立,在經營茶事業的叔叔影響下, Jens 自小就是個茶的狂熱者,更透過旅行,踏遍多個擁有悠久茶歷史的亞洲國家。 ​在一步一行的味蕾旅行中,行經日本京都、南非開普敦、喜馬拉雅山、肯亞、斯里蘭卡、巴拉圭等地,透過各地最原始最美麗的茶葉採集,摘取下茶飲的迷人優雅之處。更在 P&T 將獨特的茶文化結合藝術外觀,以充滿視覺衝擊的感官印象,延續每一款茶令人驚豔的個性風韻。   以紙為界 邀請觀者茶的感知世界 拆解品牌名稱 Paper & Tea ,即為「紙」&「茶」,這兩者不僅皆源自千年前的中國,亦是推演人類文明發展重要的媒介,策展特別選用大量紙材作為觀展介面,並選擇與分子藥局合作,有別於一般藥局冷硬制式的刻板印象,呼應以感性美學為訴求的空間設計,展覽特別以文藏館的設計寓意氛圍呈現,在分子藥局 2 樓規劃主題展區。 茶色幻燈片 展區以「純」為概念,「Teaology」為軸心,透過輕鬆的文字輔助說明,與體驗式互動佈展巧思,鼓勵觀展者自在隨性地探索每一個角落,引領感官進入茶理性和感性並存的感知世界。   走進分子藥局,沿著旋轉樓梯上至 2 樓,展區分為「品牌介紹:純有機」、「包裝設計:茶的故事」、「純草本、純滋味 」和「茶的分子方程式」4 個區域,從每年台灣人均茶飲飲用量和進口茶葉現況、世界有機認證準則,介紹到世界潮流的調和茶及草本茶。從「 觀 」茶的理性面,與我們一起舒展五感、慢慢沈浸於茶的感性面。 分子藥局 2 樓主題展區空間 四大展區介紹 ▸品牌介紹、純有機 由品牌logo設計為靈感始源,利用摺紙和鑲嵌設計,打造出純白的結構紙磚牆面,透過牆面上的圖文,逐一陳述 P&T 柏林選茶創辦人親自走訪世界各地莊園小農的茶旅故事。 另一側,長條掛軸則分享 P&T 在有機製茶的歷程,掛軸前一落落宛如檔案櫃的紙盒,內部分別收藏著茶葉樣貌與茶色的幻燈片,觀展者可以親自開箱檢視 P&T 通過歐盟和台灣兩地有機認證,對茶最嚴格的檢驗和品質要求。 ▸茶的故事:包裝設計 相較前一個主題展區的簡約,此區則展現 P&T 源自柏林自由、個性的設計血液,繽紛的立體紙磚堆砌成的彩牆,是來自茶罐上的包裝用色, P&T 調製每一款茶的背後,都有一個想像故事,以對某一段文化來表達敬意 ; 而茶罐設計融入柏林藝術靈魂與玩味態度,以幾何與光影為靈感,搭配復古插畫與色彩,描繪出每款茶葉的風格故事,在此,你可以翻讀、沈浸在茶的故事中。 ▸純滋味、純草本 方格層架上展示了 20 多款 P&T 的調和茶與草本茶,層架由上而下,分別展示每一款茶的包裝和其茶葉樣貌,向下,則配置相對應的茶盤,茶盤上承載了每款茶的調配、靈感故事、風味特徵,並展示盛裝茶葉的透明玻璃皿,你可以自由抽取茶盤、讀取與嗅聞茶香,發掘最合你的「味」的茶款。最後,各式現代沖茶和飲茶器具的陳列,鼓勵大家以最愜意的方式喝好茶。此外,你會發現,層架擺放的裝飾紙箱上,還貼著遠自柏林飄洋過海來的郵遞資訊,為展覽增添趣味。   ▸ 茶的分子方程式 製茶是理性的學問,但浸泡出感性茶飲情緒。撫緩情緒的茶氨酸,與提振精神的咖啡因,看似對立的兩種物質,在一杯茶中又能完美協調共存,讓我們以科學佐證、直覺感知輔助,解構茶的分子結構並透過茶色記憶瓶,說明茶何以令人如此著迷、上癮。 展覽資訊  P&T 柏林選茶  Teaology : What’s in your cup ? 這批比較純  有機茶特展 時間」即日起至 2021 年 1 月 6日 (三) 地點」Molecure Pharmacy 分子藥局(台中市西屯區惠來路二段236-1號)   資料及圖片提供」P&T 柏林選茶 編輯」林慧慈

  • UNStudio 建築事務所創辦人 Ben van Berkel 為義大利著名家居品牌 Alessi 設計了一個新的兒童系列座椅和餐具。新系列兒童用品包含一個有趣的多功能座椅 「Doraff」,一套拋光的鋼制餐具,一套具有可持續性的、防摔的、樹脂與竹子合成的餐具套裝。   Ben van Berkel 說到:「設計是幫助孩子在安全玩樂的同時探索世界的理想工具。當為兒童構思產品時,是與成人不同的,會有更有趣的想法開始浮現在腦海裡。你會開始用孩子的思維來展開設計構想,思考孩子如何感知物體、形狀、紋理和色彩?產品該如何激發孩子的想像力?或者該如何改進設計以激發遊戲的樂趣,鼓勵孩子的學習力和創造力?」   Doraff Doraff是一種新型的遊戲傢俱,它將狗狗和長頸鹿的形狀融合在一起,成為專為兒童打造的一個多功能物品。Doraff 既可以是桌子、椅子、躺椅,又可以是能幫助孩子拿到高處物品的助手,同時還可以在遊戲中激發想像力。孩子們可以想像他們在騎著長頸鹿或與狗狗一起玩耍,亦或者輕鬆翻轉輕巧的座椅,使用大小不同的表面來玩遊戲、讀書、吃飯或只是爬上去。堅固的Doraff有多種顏色可供選擇,它是100%可回收的熱塑性樹脂材料做成的椅子,家具和玩具的綜合體,兼具設計感,可在各種位置和空間使用。 Ben van Berkel 如此形容:「我一直很喜歡孩子們感知和探索周圍世界的趣味;他們如何使他們的想像力超越理性的思維界限,如何使這種想像力從邏輯上得到解放,如何使最富有創造力和最奇妙的非理性思維和觀念得以實現。這都是無數好奇心的使然,當他們試圖瞭解他們的想像力在哪裡結束時,就是他們的『成人世界』開始之時。」   Giro 兒童系列 Giro 兒童系列包括兒童不銹鋼刀叉和餐具套裝。刀叉餐具的設計構想源於之前Ben van Berkel為Alessi設計的Giro餐具系列,為兒童設計的新不銹鋼刀叉餐具則可讓兒童模仿成人使用與大人相同的餐具,同時還幫助他們正確學習如何使用、握持和平衡餐具。手柄採用拋光鋼製成,設計得易於握持,同時還考慮到平衡左右手兒童的使用。   Tableware 餐具 防摔的Giro 兒童系列餐具使用明亮和對比鮮明的色彩,可以立刻吸引孩子的注意力。設計上採用兒童產品如碟子、碗和杯子中通常使用的原色,顏色有珊瑚紅、天藍色、甜桃橙、薄荷綠,兒童可以隨意組合,或聲稱某種顏色是自己的最愛。 柔和的曲線和寬闊的邊緣易於兒童抓握,而可拆卸的防滑橡膠圈則可以將餐具固定在任何表面上,避免兒童進餐時的混亂。 Giro 兒童系列餐具不含雙酚A,由安全樹脂和竹子混合製成,是一種高度環保,可在任何場合安全且使用的兒童餐具。 資料及圖片提供」UNStudio  編輯」林慧慈

  • 2020台灣設計展主題公布:Check in新竹「人來風」

    首度登陸新竹 串聯城市及設計

    台灣進入疫情解封時代,旅遊及娛樂漸漸復甦,為滿足民眾「悶不住」的心情,於 7 月 31 日記者會上由經濟部王美花部長、新竹市政府林智堅市長共同宣告,今年台灣設計展將首次登陸新竹,以「Check in 新竹-人來風」為主題,集結總策展人劉真蓉、總顧問龔書章及 9 個在不同領域嶄露頭角的策展團隊,共 25 名優秀設計師,邀請民眾於連假期間一同到訪新竹,體驗設計如何轉化城市及在地人文。   2020 年台灣設計展「Check in 新竹-人來風」主視覺,由卵形設計工作葉忠宜操刀。 是設計展,也是城市展 本次將展覽編織入新竹城市紋理,藉由2公里長的軸線,串聯起具有歷史風情的護城河、東城門等舊城區,並跨越新竹火車前後站,進入包含新竹公園、動物園、孔廟、體育館等的休閒生活區。龔書章老師表示,這次的展覽是一個設計展,同時也是一個城市展,期待藉由本展將設計、創意美學帶進市民生活,創造城市真正的生活及公共空間的整合概念,企圖將設計放進城市脈絡中,讓設計導入城市,讓城市重新回應公共生活。 總策展顧問-交通大學龔書章教授。  總策展人劉真蓉甫完成在桃園「大溪大禧」的熱鬧祭典,並擁有廣受好評的 2019 文博會經驗,相當熟稔如何策展地方文化。她提到本次以「Check in 新竹」為主軸,亦希望城市「Check in」民眾心中,因此展覽多處將結合行動載具,展現新竹高科技的一面。參觀者能感覺到文化、歷史、設計、科技的衝撞,本展將是一個城市策展,展場不只在室內場館,而是將整座城市化作展演場,展現其在地文化、產業及特色。   總策展人-衍序規劃設計劉真蓉總監。 台灣設計展從過去的工商業產業展覽型態,轉型到生活體驗型態,將生硬的產業內容以生活化的形式呈現,透過設計思考、大眾互動參與模式,啟發民眾對科技、社會、生活模式改變的省思。   為城市種下種子 此次展覽包含科技產業、循環設計、生活產業等議題:在「科技產業」方面,新竹是台灣高科技重鎮,半導體、光電、LED 等產業都扮演舉足輕重的角色,展覽藉科技產品微小化,呈現生活的大改變;在「循環經濟」方面,新竹得天獨厚擁有矽砂、石灰等原料,在日治時代已發展玻璃工業,展覽將藉由玻璃裝置、資源回收利用技術,傳達給消費者及製造者永續循環的理念。在「生活產業」方面,新竹有多家百年老店創新再生,新竹人有自己的生活品味,故藉由展覽,呈現新竹好吃、好玩等不同的風貌。 春水堂與春池玻璃所合作的春池珍珠杯,將於設計展展出。   2020 台灣設計展除了串聯地理景點外,更希望藉由展覽串聯與新竹相關的年輕設計師,成為各場館策展人,有在地出生、也有在新竹執業、創立事務所者,劉真蓉表示,每年的台灣設計展都希望能夠改變城市,不僅是展覽期間,更希望能夠留下種子,於是今年便邀請許多優秀在地青年,藉他們的角度思考並呈現新竹。 鞏書章亦提到,本次展覽將從「人」的角度敘述新竹產業及設計,不再單純呈現產品,希望藉此拉近一般大眾與設計,以及新竹高科技、循環經濟等較生硬題材的距離,設計師的角色便是思考如何「說故事」,希望藉由在地年輕人共創城市。本次「Check in 新竹-人來風」展期自 10 月 1 日至 10 月 11 日,期待透過設計轉化新竹,加值新竹產業能量,並邀請民眾前往參觀,感受新竹的特色風情和城市設計的魅力。   各參展單位與經濟部王美花部長及新竹市林智堅市長合影。 展覽資訊 日期」2020 年 10 月 1 日至 10 月 11 日 地點」新竹公園、轉運站和護城河舊城區   資料及圖片提供」台灣設計研究院 撰文」林慧慈  

  • 陳連武 珍惜緣分 保持初心

    成名之路 - 給下個世代的建議書

    陳連武畢業自建築系,從事室內設計是源自家宅的室內設計投稿發表,因而在服役期間,就接到了人生第一個案子,自此走上了室內設計之路。創業後,他認知到現實與想像最大的不同,是必須花費心力讓業主了解空間關係、動線等的重要性,且當時主流做法都是以工程總額去商談,市場尚未理解設計價值,曾一度難過與意外。 陳連武 投入設計工作25年 創業25年 陳連武設計師出生藝術世家,因為對中華文化的熱愛培養出扎實的文化底蘊,加上深厚的建築背景、歐美新潮設計的養成,是國際極少數能同时囊括全球四大設計獎(德國iF設計獎、德國red dot紅點設計大獎、日本G-mark Good Design Award、美國 IDEA傑出工業設計獎)的台灣知名室內設計師。 經驗說   Q:社群時代,是否改變了您與團隊、業主的溝通的方式? A:從個人工作室到公司團隊本來就有很大的差異,團隊所需要的開銷更大,但相對的服務也更多元完整,最主要的影響不是溝通媒介的轉變所帶來的,而是因為現實面的壓力。為了爭取業務,我們需要借助媒體之力,除了以往的平面、電子、電視媒體外,也開始嘗試接觸其他曝光管道,像是經營粉專、部落格等,讓新客戶認識我們。而我不是很善於跟享受社交的人,所以平時不太有所謂平衡的問題,甚至也很少參加工會活動,跟廣告媒體並不親近,大多時間都是屬於自己的,主要是想把經費跟社交能量保留給客戶,也相對讓我需要做的社交減少,專注於設計。   Q:十年前室內設計師與媒體的合作方式與現今最大的不同? A:剛入行時我就很期待自己的作品能在《室內》曝光,但我也是在發表到第三個作品時才順利進到《室內》,在當時紙本媒體只有大師作品才會收錄,能登上就與有榮焉。現在的媒體樣態多元,不再只看精緻品質,變成注重方便取得性、觸及率跟黏著度。以前合作方式單純就是投稿,免費邀稿的雜誌也不少,現在這樣的媒體變少了,反而設計師是投錢行銷自己,投資在曝光度高、流量大的媒體,形成一種善於行銷就能獲得青睞的氛圍,跟以前媒體那種精心揀選作品的取向有很大差異,我們能做的大概是謹慎選擇曝光的照片,精選投稿媒體。   Q:在注重行銷的年代,您希望建立的個人形象與公司品牌形象? A:有知名度在與客戶溝通上當然能有一定的幫助,因為名氣換個角度說其實也是一種對專業的肯定,在與客戶對談時就是一個正向的紀錄以及形象。相反的有時候高知名度,反而使設計本身變成名氣的附庸,可能會迷思在注重名氣的經營,而設計能力的精進反而就被限制了,變得不去傾聽、不去了解其他設計的好,可能變成有點自負,也會太過於在乎他人評價而忽略自我沈澱跟精進內在。我認為,當作品達到一定的水準,足以傳達自身理念,也受到一定比例的客戶肯定時,再做行銷才有效益。我喜歡的個人形象不是明星式的,希望是能透過自己經驗跟所學,給人幫助或啟示,就像我們公司「城市」這個名字,任何地方都有城市,每個時期有不同的樣貌,而每座城市都有不同的樣子,就跟設計師一樣,永遠都有不一樣的人在設計界發光發熱。城市也是一種眾人聚集的聚落,所以我也期許公司成為能讓相同理念的設計人聚集、努力的地方。也因如此,我們始終以客戶為中心,努力去傾聽不同的聲音,為客戶打造他們真心喜愛、最好的風貌,而不會特意去標榜設計師個人形象。   1999年以前,尚未搬至民生社區時所拍攝的照片,後方陳設著曾發表作品的期刊。 受邀至南京開設室內設計課程,指導小組完成指定設計發想練習。 工作照,在公司的陽台借助自然光挑選毛球色。 建議書 Q:受雇與創業所面臨的壓力有何不同? A:我沒有受雇的經驗,創業後,我也努力去體會員工的心境,希望能成為一個好的雇主。創業這件事,如果是自己一個人創業只要養得起自己就可以,但當規模擴大成10人團隊時,公司責任就不一樣。公司越大,需要肩負的責任越大,對於員工現在的需求、未來的發展、甚至啟發都有一定的責任,甚至走到了一定規模還有連帶的社會責任;我想,領導者最重要的心態就是要學習負起責任。   Q:您認為一個室內設計公司想在產業裡健康發展,需具備的條件? A:我認為公司的定位非常重要,了解自己定位、強項是什麼,要往哪裡發展、想創造的設計環境、設計教育甚至是所攝取閱聽的資料範圍都涵括在內,領導人一旦清楚定位了,就不會三心二意想要去涉足不熟悉的市場,或不自量力的冒然前行。適時的回顧自己的初衷,也不要偏離初心,就不會越離越遠。   Q:關於知名度與形象經營,請給年輕一代的設計師一些勉勵或建議。 A:我想要引用賈伯斯的名言:「stay hungry stay foolish(求知若飢,虛心若愚)。」其實形象、知名度都是外來的,只要好好努力的做自己相信或擅長的事,在這個領域深耕、虛心求教,跟形形色色的業主、廠商、甚至是競爭對手或是員工同儕交流學習,一定能在專業的路上變得更好。形象跟知名度不是靠行銷經營自封,而是別人給予的肯定。   Q:想對年輕時的自己說點什麼? A:最近我有一個很深的想法,我覺得室內設計師最重要的任務就是穿針引線,一部分是讓將家託付給我們的屋主,能透過我們的設計獲得更多幸福、強化他們的快樂;再來就是人跟人之間的關係,太多案例是我們在不同時期、不同管道相逢的客戶,他們彼此其實都認識,透過我把彼此的關係加深串連。我想對年輕時的自己說:你的工作是穿針引線,要珍惜緣分,讓所有線不斷掉,這樣才能越串越長,能有更大的驚喜也不一定,不要輕易的剪斷任何線。 資料及圖片提供」城市室內裝修設計有限公司  編輯」歐陽青昀

  • 趙璽 腳踏實地才能名副其實

    成名之路 - 給下個世代的建議書

    趙璽的父母從事影視行業,從小悠遊在各式場景中,所以對室內設計並不陌生,他認為環境的形塑不能否定對美感的影響,所以從小建構生活美學至關重要。剛開始從事室內設計時,他認為這是一個自由且具挑戰性的工作;獨當一面之後,才從中領會到設計工作除了天馬行空的想像,設計靈感與業主之間的溝通與執行等,如何滿足人們對空間的需求遠比想像中來得困難許多。     趙璽 投入設計工作29年 創業19年 1991年開始從事建築及室內設計業,經歷建築師事務所、室內設計工作室,2002年於台北、上海工作及成立台北大紘、上海上勻室內裝修設計有限公司至今,同時也參與設計研究院許多公共設計顧問及系所演講、評審及評圖。以建築的訓練及雕塑的美學觀運用於室內設計,除了著重室內與室外的自然關連外,認為空間之間的配置與人之生活概念也是設計的精神所在,對於空間造型的秩序及美感有獨特的見解。 經驗說   Q:社群時代,是否改變了您與團隊、業主的溝通的方式? A:以前簡單樸實的時代,溝通是當面、現場與即時的;數十年社群的變化,溝通同樣是即時、現場的,但卻可以遠距。有時候覺得沒有表情的文字是冷的,我仍然喜歡面對面的感受、表情、反應等,都可能成為當下設計或思考的轉折。我一直不喜社交也不善經營形象,但在不同時空條件工作環境下,又必須強迫自己去學習;而我非常善於獨處,有時一個熱鬧應酬或激烈溝通過後,反而可以讓我在結束之後立即進入沈澱時空,也許放空,也許反思,其實無需取捨,設計其實就是生活「交流、沈澱」也都是一種思考的過程與感受。   Q:十年前室內設計師與媒體的合作方式與現今最大的不同? A:30年前室內設計專業媒體不多,《室內》也就在當時CSID催生下,展現當代對室內的專業與引領地位,設計同業莫不以自家作品刊登在《室內》為傲,也成為當時室內設計參考的工具書,幫助許多業主對設計想法的參考。其實我對媒體並沒有持續接觸,早期媒體會主動搜尋具啟發性、時代性優秀的好作品,現今媒體較多元化,平面、影音、數位網路……等不同曝光方式,很多媒體公司也有收費包裝行銷的旗下設計師,對於案量快速穩定成長的確有幫助。   Q:當今數位攝影與數位平台興盛,在選擇合作對象時,您會如何確保自身權益? A:現在很多數位影音平台行銷各種商品,設計也在網路時代有了更快速的傳播方式,但也衍生出不同的權益糾紛,例如:平台拍攝行銷影片,當雙方結束合作關係後,影片製作的智財權或使用權歸屬?亦或平台仍然使用已結束合作的知名設計師作品繼續獲取關注,卻將可能的客源轉介至其他旗下設計師,對於著作人格權的侵犯?如何在雙方簽訂合約時,約定行為上保護自己?這會是新型態行銷中不可或缺的考量。   Q:在注重行銷的年代,您希望建立的個人形象與公司品牌形象? A:「水能載舟亦能覆舟」這句話是年輕設計師在急於成名前必要的思考。知名度的提升代表對於專業及社會責任有更高的標準,也對於業界有一定程度的影響力,想要成為知名人士,自我要求的標準及專業實力絕對是首要,雖說現今台灣設計產業入行不難,但設計師的專業與技能養成是一個必經且不易的過程;設計師本身就等於「商譽與名聲」,建立品牌的同時檢視每個階段的自己,是否扎實的擁有專業能力讓自己能名副其實。我推薦大家看許舜英的著作《我不是一本型錄》,其中提到:「最失敗的專業人,只有專業的素養而沒有自己的素養,沒有自己的敏感度是最可怕的一件事。」如何讓自己的專業有更多的內涵,一個好的設計者一定要保持清醒、不盲目、認真觀察、懂取捨以及再創造自己的生存空間。 1994年,受雇於建築師事務所,第一個執行案為某建設公司董事長天母自宅。 2002年左右,合夥成立工作室,第一個主導案件是友人南港小型自宅。 工作照,除自身業務外,開始投入公共服務領域,應CSID龔書章理事長之邀擔任協會秘書長,回饋且幫助業界發展。   建議書   Q:受雇與創業所面臨的壓力有何不同? A:受雇時常羨慕老闆時間自由、收入很高,當時就希望有一天也要自立門戶。但當老闆後觀察到,如果是個人工作室,雖然一人飽全家飽,但沒有奧援、沒人商量,如果經驗不足就難以突破;若是有規模的公司,除了業務、開銷、管理等,業主的抱怨、員工的心境都必須照顧到,通常到夜深人靜時才能深入思考設計。我認為無論受雇、創業,專業實力與充實資源才是不敗的法則,獨當一面代表將面對更多的專業責任與職業道德,執行身為領導者,每個人對於你的期待就會有所不同,除了設計創意還有完美的執行成果。   Q:您認為一個室內設計公司想在產業裡健康發展,需具備的條件? A:就像美國實業家洛克斐勒在房產界留下的名言:「Location、Location、Location!」他的核心價值不是來自於價格,而是「未來的潛力」。「專業」是產業發展的首要條件,決定未來發展的關鍵,設計接觸的層面很廣,我認為從業者必須先真正培養出自我要求的本質與專業,是引領業界健康發展的重要條件。   Q:關於知名度與形象經營,請給年輕一代的設計師一些勉勵或建議。 A:品牌定位關係著商業行為的決策,自我品牌的創造及核心價值的建立是長久經營的關鍵,記得常思考如何讓自己的創意富有競爭性?如何讓自己的理念合乎社會期待?如何讓自己的專業產生價值並與形象相得益彰。   Q:想對年輕時的自己說點什麼? A:自己年輕時有許多貴人提攜,在成長中多有協助,至今感激萬分。當時的自己有滿腔熱血,但缺乏思考沈澱,希望當時的自己能再多深入多探索,勿躁進、勿妄言,也期勉現在的我,仍然能秉持對設計與生活的期待與初衷,繼續學習、向前邁進。 資料及圖片提供」大紘室內裝修設計有限公司  編輯」歐陽青昀

  • 方信原 持續精進 莫忘設計本質

    成名之路 - 給下個世代的建議書

    方信原一直以來都對美的事物懷抱著浪漫情懷,喜愛畫圖的他原先想當美術老師,爾後發覺設計行業也脫離不了畫圖,可以追求自己的理念和想法,故踏入了設計的世界。他認為成為一位設計師,是上帝賦予他的天賦,能感性的做美感判斷,也能理性執行精準的工程事項。   方信原 投入設計工作25年 創業17年 2003年創立瑋奕設計。畢業於國立藝術專科學校及中原大學室內設計系研究所碩士,曾任職於大元聯合建築暨設計事務所及李肇勳室內設計顧問有限公司,目前於中原大學室內設計系擔任講師。常透過對城市旅遊的方式,進行城市人文的觀察及研究,事務所致力於將低度設計運用於各項規劃,探討人們在低度的空間裡,各層面所產生的影響。作品多次登上國內外知名媒體,並獲得多項國際大獎。設計上持續以現代主義、宋代美學及侘寂文化為架構而成的低度設計為主軸,將文化、藝術、環保等相關元素,整合運用於生活及空間的設計中。 經驗說 Q:您認為在「成名」這條道路上,應該用什麼心態面對? A:我們去試想過去前輩們的成名之路,其實都是艱辛一步一腳印走出來的,當時的媒體也還沒如此發達,縱使現在媒體發展蓬勃,我覺得做設計的本質不能變,媒體其實只是一個工具,但有趣的是,現在很多設計師都本末倒置,反而將經營媒體形象和包裝視為首要,期望先吸引業主或外界目光,然後才開始探討自己的作品與內涵,當重視媒體形象的這群人掌握了話題趨勢的時候,整個設計環境和走向就會偏離正軌,這是我目前觀察到大環境崩壞最主要的原因。近期我開始在學校教書,發現年輕學子沒辦法分辨設計這條道路上何為重要之事,學生們探討的重點是行銷,而非設計基礎或自身能量儲存,當大多數人只想運用行銷快速累積自己的名氣時,這絕對不是很好的方向。 Q:您對於現今「室內設計媒體」的觀察? A:我認為現今媒體大多現實且商業化,除了少數獨善其身的平台,會願意花心思去挖掘真正有內涵、故事的作品外,收費平台則優先剖析設計師的投資價值。曾經有幾個媒體與我接洽過,他們完全不了解我的設計精髓和意涵,純粹前來說明銷售配套,說穿了,若與其合作,我就是一顆任人利用的棋子,毫無自主性可言,但這並非我所追求的方向。我不是要批判媒體的商業行為,商業模式完全沒問題,但是需要拿捏好道德的界線,也需負起一定程度的社會責任,我個人覺得在設計師還需鍛鍊的階段時,透過付費方式大量行銷,膨脹自己的地位,反而容易忘記外面世界是殘酷且不斷前進的,若因陶醉於外在名聲,導致自己停止學習,日後所承受的衝擊是十分巨大的。   Q:請談談您希望建立的個人形象與公司品牌形象。 A:在我開始從事設計行業時,對外的管道通常只能靠平面媒體,例如紙本雜誌等,網路那時根本不盛行,如何建立形象這件事,其實困擾著我,應該說我一直在思考自己的定位是什麼。過去我跟媒體關係蠻淡薄的,主要原因是我沒有足夠的預算登廣告或做付費報導,再來就是早期我的案子可能不夠優秀,也曾聽過一些尖銳的批評,這對剛創業的我來說,是頗大的打擊,導致我和媒體們長期沒有太多互動;真正對媒體有認知是公司開始參與TID Award競賽後漸漸得到外界的關注,這也才了解原來行銷對工作有十分大的助益,遂開始經營公司的品牌形象,但跟現在許多新興設計師相比,我在媒體運用這塊還是非常貧乏的,我甚至還在摸索該如何有系統地去行銷,這可能也跟我較與世無爭的個性有關,我永遠將作品的質感和特色放在首位。   Q:在行銷與設計本質上,您如何拿捏兩者之間的平衡? A:其實還是回歸到,設計師認為是行銷優先,還是作品優先?對我而言,作品一直都是最重要的,在挑選曝光平台時,我會著手於媒體的專業性和內涵,這樣的媒體通常都具指標性意義,所以更需要重視自身作品的質量。一個設計公司若想求案量,行銷佔比需放極大,若追求質量,則該注意作品精緻度,主事者想把公司帶到什麼境界,會影響對行銷的依賴性;但我還是認為,過度行銷膨脹,會使人忘記當初想成為設計師的那份單純、美好的初衷。  25歲踏入設計世界至今,方信原秉持著自己的初心,真誠面對每個案子,也不忘抽出時間各地旅遊,豐厚眼界,並從中得到設計靈感。 工作照。身為主事者,方信原期許自己能為員工打下扎實的基礎,並提供更多歷練和思考的機會。  熱愛藝術的他,常在作品中放上親手製作的藝術品,讓空間更具靈魂丰采。 建議書 Q:受雇與創業所面臨的壓力有何不同? A:受雇者面臨的壓力大多來自工作成績的好壞,舉例來說,我在大元聯合建築暨設計事務所工作時,最擔心的就是設計做不好,進入李肇勳室內設計顧問有限公司後,開始學習經營層面的眉角;創業之後面臨的是更為多重的壓力,除了營業額外,我也不停思考自己可以帶給員工什麼,讓他們在工作的過程裡能有所學習,不要走我走過的冤枉路,也有更好的環境可以自由發揮,這是我對自己的期許,雖然小我,但我在乎的是人與人之間的相處,既然有緣份可以一起工作,我希望能提供他們薪水之外的回饋和幫忙。   Q:若想創業獨當一面,首先要建立的心態? A:從受雇者變創業者,得不斷從錯誤、挫敗當中學習跟調整。為何要創業?應該都是為了掙脫束縛,我相信創業者都是辛苦的,所以更該去思索如何將職場環境變得正向,進而影響後繼者。我當初也是覺得自己熱愛自由才決定自立門戶,但其實成為老闆後,有很多經營層面、客群維繫等瑣事需面對,生活並沒有外界想像的這麼自由,不過心靈上倒是蠻豐足的。   Q:關於知名度與形象經營,請給年輕一代的設計師一些勉勵或建議。 A:行銷還是得做,但不要太過沉迷。畢竟我們的設計師身分中有個「師」字,師字輩某種程度來說有一份社會責任,出社會後,人人都想追求一片天,甚至成為名人,這無可厚非,但我希望新生代設計師與年輕學子們永遠不要忘了自己肩上的責任。至於如何運用行銷,每個人見解不同,我建議大家把自己的專業根基打得更扎實,因為那才是行銷的利器,要走得長遠的唯一方法,不是行銷的配套,而是你本業的內涵。 資料及圖片提供」瑋奕設計 採訪」陳映蓁

  • 楊竣淞 真誠表現出自己的模樣

    成名之路 - 給下個世代的建議書

    尚未成為設計師前,楊竣淞對這個行業的想像十分浪漫,心中的幻想是穿著很有品味、家中擺飾很時尚、拿著鋼筆畫草圖很氣派、能開著跑車去海邊兜風、能輕易成為媒體寵兒等等,但真正踏入這行後,深刻體會到巨大的差異,忙碌到根本很難有自己的時間,所以時常穿著邋遢的出現在公司,甚至在辦公室內通宵熬夜,桌上凌亂找不到東西、目前沒跑車、家中只是剛好舒適而已,完全與時尚沾不上邊…..這一切都顛覆了他對設計師的想像。   楊竣淞 投入設計工作20年 創業13年 開物設計總監,嘗試運用多元符號來形塑設計的獨特性,藉此突破單一手法的市場慣性設計,以創意商空結合經營模式,協助業主創造更具價值和競爭力的空間;住宅方面則以精緻調性作為導向,獲得多項國際設計大獎的殊榮,近年來更嘗試家具設計範疇,企圖為公司帶來強而有力的設計基礎與價值。 經驗說 Q:回憶剛入行時,您於「室內設計媒體」的印象?當時室內設計師與媒體的合作方式與現今最大的不同? A:我剛入行時網路尚未興起,所接觸的室內設計媒體也都很單純,大多都具有理想性與批判性,不同媒體會有自己對美的見解,因此在那個時代,能被發表的作品與設計師皆會讓人有種高度與深度合一的感受,在翻閱雜誌的過程,也讓我期許自己必須成為一個具有思考想法的人,能夠藉由作品反映社會、文化、潮流,並保有自由的觀點,包容卻勇於批判。過往媒體利用機制選擇優良的作品,雖然不免帶點主觀意識,但因為各家媒體觀點不同,也無形推動了整個設計圈的蓬勃;平心而論,現在維持初心立場的媒體並非沒有,但卻出現了大量「廣告型媒體」,讓設計公司付費發表作品,老實說我並不喜歡這樣的模式,但在現今的行銷模式下,我的公司也不免俗地參與其中,縱然我覺得媒體的價值不該建立在沒有品質的數量戰之上,卻也不得不承認,在這個廣告至上的社會氛圍下,必須迎合市場機制。   Q:當今兩岸三地數位攝影與數位平台興盛,在選擇合作對象時,您會如何確保自身權益? A:老實說,這件事目前還很模糊,因為曝光的需求,讓身為設計師的我們有時必須採取退讓原則,但以我個人而言,我們越來越不傾向付費曝光,而是轉成更願意與有明確態度和立場的媒體合作,不過前提是,我們經手的作品得保有一定的品質。   Q:在注重行銷的年代,「知名度」對於一位設計師最大的助益,以及最大的牽絆? A:現代社會中,知名度分為兩種,一種較偏商業導向,以案件的銜接作為主軸,將曝光與利益最大化,此類知名度會順應潮流趨勢而不斷變化;另外一種則是作品深度與高度,這類知名度通常存在於專業領域,帶有前瞻性和指標價值,但卻不一定能轉化為商業利益。對我而言,知名度更像是一種鞭策,它讓我警惕對於設計的要求與認知,這不單單是為了利益,而是擔心若停止進步,會無法背負自己所建立的論述價值,若可兼具作品深度、潮流及自身知名度,這大概是每位設計師都企盼的事,我自己也一直朝此目標努力發展。   Q:如何維持設計職業的續航力? A:我認為「知識力」、「連結力」、「實驗力」是3個維持職業續航力的關鍵。見識可以幫助設計師靈活運用腦袋中的資源,欲透過設計傳遞理念或表達看法時,對知識的引用、反證、轉化就格外重要;人與人之間的連結關係也是設計裡重要的一環,案件的來源和執行的順暢,並不單靠設計功力就可達成,所有的基礎其實都奠基在人脈關係的好壞;這幾年的設計有種既視感,彼此間的相似程度很高,網路上可輕易搜尋到許多性質雷同的風格,我覺得最大的問題在於,設計師們缺乏對設計風格的實驗性,為服務、解決不同業主的問題,本來就不可能一個手法走到底,因此對概念、材料運用、細節等處皆需完整細膩的推敲,才能成就案件的獨特性。 社會新鮮人時期。在踏入設計行業之前,楊竣淞對設計師有著浪漫的想像,然而面臨的現實卻與想像完全不同。 創業時期,楊竣淞與合夥人羅尤呈合照。楊竣淞認為默默做好份內的事、真誠付出,是不可缺少的態度。 近期工作照。開物設計以靈活的文化符碼,營造空間的價值與深度。 建議書 Q:受雇與創業所面臨的壓力有何不同? A:受雇的壓力在於如何做完交辦事項,創業的壓力在於如何完成待辦事項;做完不見得是完成,但完成卻又是一件幾乎不可能的事。若想獨當一面,我覺得需具備長期堅持的決心,不要認為付出就絕對會有收穫,但是為了收穫,必須真誠付出,並將每個案子都當成作品來看待,而非交差了事,不要眼高手低,不要瞧不起任何你以為微小的人事物,最重要的是,勤於練習絕對勝過揮霍才華。   Q:設計師累積知名度的過程裡,較常面對的誘惑與挑戰是什麼? A:最容易有的錯覺,就是以為有曝光就會有名氣,因此積極出現在各類型公眾場合刷存在感,但其實保持每一個案件的設計品質才是最該專注的事;知名度的提升又分兩種,其一為大量投入金錢行銷,其二則是風評與高度,你可以思考自己喜好哪種模式,就我個人而言我選擇後者。有了名氣後,還是要時時提醒自己不要忘記努力向前進,保持年輕好學的心態,真誠地看待身邊的人事物,我常藉由閱讀《小王子》來勉勵自己。   Q:關於知名度與形象經營,請給年輕一代的設計師一些勉勵或建議。 A:我個人認為建構形象最好的方式就是「真誠表現出自己的樣子」,面對缺點要盡力修正,時時警惕自身言行舉止,因為你所表現出的行為都有可能被他人默默看在眼裡,當你腳踏實地做事,有了良好的品質與風評,自然就會有越來越多人肯定你。知名度有時是種運跟命,這麼多年來,我認識太多有才華的人,但能真正被看見的其實屈指可數,所以從「心」認識自己、認同自己、善待他人,其實就是最好的方式。 資料及圖片提供」開物設計 編輯」陳映蓁

  • 何宗憲 熱愛生活 創造價值

    成名之路-給下個世代的建議書

    何宗憲回想起小時候最接近設計的一刻,是中學時曾經向新加坡《聯合早報》投稿一篇單格漫畫,並且幸運地被選上了,「那一刻我覺得生命中好像有那麼一件值得我驕傲的事情」。他分享,這種將已有想法分享給別人的喜悅,可能正是為他往後的設計生涯鋪路的首石。   何宗憲 投入設計工作23年,創業19年 建築及室內設計師,PAL設計事務所設計總監。生於台灣,長於新加坡。畢業於香港大學(建築碩士)及新加坡大學(建築學士) 。獲日本雜誌Studio Voice 選為亞洲創作VIP之一和香港傳藝選為「香港十大傑出設計師」。同時擔任香港室內設計協會會長及香港專業教育學院課程顧問,透過教學和演講參與設計活動,積極推動設計工業的發展。   經驗說 Q:淺談您的設計之路? A:許多設計師都以「獨當一面」為職涯目標,我也不例外。回首過去,我將自己設計之路分成三個階段。第一階段,是我成為一名受雇的建築師,我追求的是能自己獨立設計一棟建築的機會。當時的我非常開心,因為能自主創作,我便覺得自己已經獨當一面了。第二階段,在我成立工作室之時,我有更多控制的能耐,並擁有員工、同伴幫我一起實現自己的想法,那時我又感覺自己應該達成了「獨當一面」。不過在客戶面前,我仍是非常渺小,必須聽命於現實。 第三階段,亦即是現階段,當我累積一定的經驗、客戶群和資源,可以完成自己的想法,我仍躊躇自己是否已是「獨當一面」的設計師?老實說,現在我還是得背負業主的盼望和追求,以及整個團隊的希望、責任和負擔。其實「獨當一面」是一個很傻的想法,重點應該擺在當下不同的人生經歷中,境遇隨著身邊不同條件變化,設計師會時刻面對新的煩惱。不論時代如何變遷,唯一不變的就是對自己理念的實現。   社會新鮮人時期,剛成為受聘的建築師,追求能自主創作的機會。 Q: 回顧設計之路,最印象深刻並影響深厚的一段經歷? A:影響我最深的可算是美國加州一個精品酒店的案子。當初我期待能「一炮而紅」,可是涉入之後才發現其中許多絆礙,案子進行過程中受到許多的煎熬,包括文化上的差異等。當受到他人對我的能力作出質疑,我就更努力去證明自己的價值,成為個人的真正考驗。案子最終為我帶來了不少的喝采,對我個人來說是一個里程碑,令我更認識自己的修養和能力。每位設計師都應好好體會每個刻骨銘心的經歷,最珍貴的不是別人怎麼看你,而且你真心了解設計而令你綻發光芒。   創立自己的工作室,擁有更大的能力,卻也受限於現實。 Q:設計工作如何維持能量與續航力? A:一名設計師的續航力主要由3項重要的能量決定,分別是熱愛生活、實踐力和正能量:室內設計的意義,便是讓人們生活得更幸福,追求設計上的極致從來不是我主要的目的,就像早期我畫的漫畫一樣,只希望令人會心微笑。設計是用不同的方法和形式去詮釋生活,所以我喜歡嘗試多方面的設計,從住宅到餐飲、教育、醫療等等,主要不是為了展現自己設計的能耐,而是我希望尋找更多的機會,更細膩的觀察生活,並從中學習生活的點滴,學習如何更投入、更用心地生活。 這不是單方面的體驗,而是互相彌補的過程。設計能激發人們對生活的熱情,包括我自己!我常常提到的人生格言「設計的意義應以生活所感去做設計,用設計所得去過生活」。熱愛生活,絕對是成為設計師的一個重要能量。至於實踐的能力,就是不能光說不練,必須自己動手。能夠把自己的想法直接地實踐是一項重要的能力,需要勇氣和冒險精神。設計師只要肯做就有希望、就有結果,不用害怕失敗,因為從中你肯定能更上一層樓。 最後則是正能量,不單單影響設計師本身,它也能散發影響身邊所有的人。正能量並不是一直把持著樂觀,而是要敢於做夢,抱著正面的思想,下決心去追求它,縱使有些過程和結果會削弱你的意志和想法,這股正能量可以把你向前推。 現今,累積了一定的經驗、客戶群和資源,除了背負業主的盼望外,更需負擔整個團隊的責任。 建議書 Q:若想創業獨當一面,首先要建立的心態? A:早期設計師的心態可能是追求一個身份定位,努力爬到最高的位置。可是經歷人生各種階段後,我深刻體會到愛因斯坦所說過的一句話:「不要努力成為一個成功者,要努力成為一個有價值的人。」我想追求的不是當個「主事者」,不是想成為操控一切的獨裁者,因那個位置往往需要貶低自己的價值。每個人都可以在自己的生命裡扮演重要的角色,不論是公司裡受僱的職員,或是創業當老闆,只要讓自己的存在充滿意義,那便是一種自己創造的價值,對設計師而言才是最重要的。   Q:資訊快速且重視行銷的年代,設計師如何堅持自我初衷? A:早期媒體的形式,像是我以前在報館投稿的感覺,一個年輕設計師將作品交給編輯,好的作品會被接納,不好的直接被拒絕,設計師只需努力把自己的東西做好,十分單純。直到現今,人們開始看到各種新的媒體形式,我們在網絡世界裡的確需要適應,但媒體的特質沒有太大的改變。要是沒有真正的實力和內涵的話,形象包裝還是會穿幫。無論是行銷方式,抑或是個人形象的做法,都是回到「品」這個字-設計師的品質、品味和品德。要是沒有人品,整個形象將會崩潰,特別是在這個資訊氾濫的時代,任何投機取巧再也難以隱瞞真相。 對何宗憲而言,設計的初衷,來自將己有想法分享給別人的喜悅。   Q:請給年輕一代的設計師勉勵或建議? A:對設計師來說,許多過程都會隨著經歷和生活體驗而成長,你不必別人告訴自己路要怎麼走,只需要用心尋找答案,對採取的方向和方針、對或錯,你將會有非常深的體會,那正是磨練和吸收的過程。總括來說,我想引用美國作家馬克.吐溫(Mark Twain)的名言作為建議:「人一生中最重要的兩個日子,一是出生之日,二是理解為何而生的那天。(The two most important days in your life are the days you are born and the day you find out why.) 」。   資料及圖片提供」PAL Design  編輯」林慧慈

  • 劉榮祿 堅持理念 鮮明形象

    成名之路-給下個世代的建議書

    畢業於台北藝術大學,劉榮祿在成為室內設計師前,一直從事裝置藝術、多媒材運用等相關創作,將藝術及理念體現於空間之中,當時他對於室內設計的想像有些類似於藝術,認為一位優秀的設計師可以將想法自建築延伸至室內、景觀,掌控整體空間的氛圍。但現實並沒有想像中容易,在從業生涯中,有許多挑戰等待設計師克服,他舉例,諸如行銷方面如何找到適合的業主,如何控管工程品質以達到設計理想……在完成設計的目標之前,更需要想辦法跨越種種眼前面對的現實。   劉榮祿 投入設計工作22年,創業19年 跨界建築/室內設計師及藝術家。將美學和藝術落實在設計中,藉由故事的交織,營造值得品味的空間。作品連續多年榮獲世界指標性獎項如德國German Design Award、iF、紅點大獎、英國Andrew Martin等,被譽為「空間敘事詩人」。現任詠義設計股份有限公司執行董事、台灣室內設計專技協會理事長。   經驗書 Q:社群時代,是否改變了您與團隊的溝通方式? A:社群時代拉近了人與人之間的距離,讓工作變得更為便捷,但也更為複雜。特別是大公司十分明顯,我們公司在台灣、杭州、紐約、溫哥華等地都有分公司,因為社群媒體興盛,可以在多個地方同時進行溝通與匯報,這是社群時代提供我們最大的改變及助力。同時主事者的能力也需要提升,必須能在一個點對多個地方做及時溝通,這樣的工作模式突破以往界線,是過去所無法想像的。   Q:「社交經營」與保留「沉澱空間」之間,您如何平衡? A:在有限的時間裡,通常很難去兼顧「社交經營」與「沉澱空間」的分配,尤其「社交經營」對設計公司而言非常重要,只能慢慢耕耘且無法犧牲。這件事情曾經是我從業以來的困境,我花費許多時間在想辦法做釐清與梳理,不過現在因為公司在分層管理上有比較成熟的進步,「沉澱空間」漸漸不需要花費太多時間,讓我能去完成「社交經營」的這個部分,來平衡這兩個時間的分配。 台北藝術大學,對於藝術及空間充滿憧憬。   Q:室內設計師與媒體的合作方式的改變? A:20幾年前我剛入行的時候,大部分媒體還是以市場與大眾導向為原則,缺少批判的能力,非主流的設計風格較難引起媒體關注。但隨著時代及科技的演變,這10年來室內設計師的主動性漸漸不同,尤其近幾年「自媒體」變得非常強大,當代年輕人運用自媒體的能力越來越熟稔,許多設計公司都開始經營這一塊,使媒體和設計師在合作的方式上有了巨大且複雜的轉變。如我們公司便會在合作初始即審慎評估邀約的平台在業界的評價,以及共同發表的設計師是否為我們也認可的對象;在合作的過程中,我們也會非常清晰地釐清彼此間的互動方式,將作品與理念以準確的互惠方式發展。   Q:在注重行銷的年代,您如何經營「知名度」及「品牌形象」? A:知名度對一位設計師是相當重要的,尤其在對岸,知名度對我有許多助益,舉凡業務的發展、更大的設計舞台等等,但它也會造成拘絆,例如我在台灣的知名度反而容易使業主卻步,這是我們所始料未及的。   經營設計公司的一開始就必須經營品牌形象,建立流程與方式,整個過程都要積極參與,內容包含CIS的建立、個人形的管理等等,在每個階段都有不同的作法,其中最重要的還是作品輸出的形象完整與特殊性,我比較注重在公司與作品形象給予他人的觀感。但近年來我個人除了設計層面的形象,也希望建立對社會事物付出方面的重視,促使我接任台灣室內設計專計協會理事長一職,希望能在社會服務層面盡一份心力,提升設計師在公眾形象的地位。  現場工作照,劉榮祿早期從事裝置藝術、多媒材運用等創作,將藝術及理念體現於空間之中。   建議書 Q:設計師創業所需要具備的心態與能力? A:受雇者主要壓力來自專業能力,可能多少還包含生活上的各種壓力;而創業者需要面臨的壓力則較為多元,像是公司運營的壓力、人事、業務上的壓力以及盈虧等等,這所有的壓力都會迎面而來。設計師想創業,除了需要具備設計能力之外,還必須對所有事情全權負責,以及對「負責」這件事情有一定的覺悟。   其次,除了基本設計專業以及源源不絕的創造力外,創業者更需要具備強大的洞察力,時刻觀察並自省,這將關乎設計師如何分析、思考項目的進行與佈局;設計師也應具備不斷學習的精神,才能跟隨時代變化的腳步,並掌握市場脈動。 創業初期,劉榮祿在此時便注意到品牌形象重要性,並積極經營。   Q:關於知名度與形象經營,請予年輕一代的設計師一些勉勵或建議。 所謂的品牌經營不是一蹴可幾的事情,它需要時間的累積,它需要不忘初衷、不忘理想,並永遠保持思考,去理解自己要什麼,所想表達的又是什麼,去規劃如何達成這些事情,我也想告訴年輕的設計師,永遠不要為自己設限,永遠保持超越自己的理念。   interior:回顧剛創業時的自己,您會給予哪些建言? 我會告訴過去的自己,對於未來要保持憧憬,仍然要繼續堅持自己的理念,當然我也會告訴自己要把格局放的更大,未來永遠等著我們去體驗、去克服各種艱難,去享受這些過程,這些所有的經歷與起伏,將會成為我們生命美好的詩篇。  近年來除了設計層面的形象,劉榮祿也對社會事務付出重視,並接任台灣室內設計專技協會理事長一職。 資料及圖片提供」詠義設計股份有限公司 編輯」林慧慈

  • 各類獎項對於藝術創作者來說都是一種肯定與讚賞。紅點設計大獎是德國北萊茵威斯伐倫邦設計中心自1950年代建立的一產品選拔機制,是全球高知名度且備受注目的設計大獎之一,涵括了3項設計競賽,分別為「紅點產品設計大獎」、「紅點品牌暨傳達設計大獎」,以及「紅點設計概念大獎」。   2020紅點品牌暨傳達設計大獎 ( Red Dot Award: Brands & Communication Design ) 的結果在今年8月中揭曉,其中台灣榮獲6件紅點最佳設計獎(Best of the Best)以及158件紅點獎!今年,紅點品牌暨傳達設計獎一共收到6,992件項目作品,在評審的討論之下,最終選出7件紅點至尊獎、55件紅點最佳設計獎、854件紅點獎、1件年度最佳品牌以及1件新銳設計獎。因應新冠疫情,紅點品牌暨傳達設計獎首次改為線上評選,邀請24位國際評審共同參與。   台灣獲6件最佳設計獎 台灣的6件紅點最佳設計獎由職業組的一隱照明設計顧問與業主台電的「點亮十三層」燈光裝置、Tape That Collective與瘋設計的「聚膠行動 #tapeArt」展覽設計、橘子關懷基金會與格式設計策展的「去你的南極 Go! Go! South Pole」展覽設計,以及合風蒼飛設計公司為「兆兆茶苑」設計的品牌茶零售空間。 一隱照明設計顧問與業主台電的 「點亮十三層」 Tape That Collective與瘋設計的「聚膠行動 #tapeArt」展覽設計 橘子關懷基金會與格式設計策展的「去你的南極 Go! Go! South Pole」展覽設計 合風蒼飛設計公司為「兆兆茶苑」設計的品牌茶零售空間 新秀組的朝陽科大孫苡瑄與莊昱婕書本設計「把你送去龍發堂(LONG FAR TEMPLE)」,以及Chung Hsu Lin為智慧機器視覺系統商所羅門設計的「AccuPick」使用者介面所獲得。其中職業組的得獎作品將角逐今年10月份才會公佈的單一作品最高榮譽-紅點至尊獎。 朝陽科大孫苡瑄與莊昱婕書本設計「把你送去龍發堂(LONG FAR TEMPLE)」 Chung Hsu Lin為智慧機器視覺系統商所羅門設計的「AccuPick」使用者介面   紅點獎部分,包含「IKEA快閃旅店」、「2019LOVE高雄追光季」、「2020台北燈節 - Mouse light fun」、「2020台灣燈會里山禾樂燈區」、「世界同行.台灣耀飛-2019 國慶總統府光雕展演」、「川流電湧Just Flow 2019-台灣電力文化資產特展」、「TAIPOWER D/S ONE 電幻一號所」,以及「高雄國家體育館」指示系統設計等,今年台灣的作品在「空間傳達組」中表現亮眼,也讓國際看到台灣在策展與空間體驗設計的發展實力。   評審之一的The PressRoom出版與設計顧問公司的創辦人與創意總監鍾瑞玲表示:「放眼全球各獎項的評選過程,我可以肯定地說,紅點設計獎擁有最強的文化底蘊來評估作品。多年來,紅點的國際評審們已成為這個品牌大家庭的一部分,我們完全擁護紅點的價值觀和原則,使我們能夠做出周到而富有同理心的決定。這種強烈的聯繫感意味著我們無論是現場或者是線上評選產品,都沒有區別, 因為掌握的價值觀和原則皆適用。今年就如同往年,我們公平的評估,擔任紅點的守門員,始終是我們的職責,以確保最佳參賽者獲選。」   大會表示,2020年的所有獲獎品牌和傳達設計作品將會在10月起於紅點官方網站進行線上展覽(https://www.red-dot.org),邀請大家能夠共同關注與參與。 資料及圖片提供」reddot design award 編輯」歐陽青昀

  • 由招商蛇口集團委託OMA設計的太子廣場,於2020年8月28日在中國深圳盛大開幕,本案由大衛 ‧ 希艾萊特(David Giaontten)和包科爾(Bauke Albada)帶領設計,並與當地的華森設計公司合作。 太子廣場是一座由裙房和塔樓組成的辦公商業綜合體,項目坐落於蛇口南山通往深圳灣的重要景觀走廊上。大樓由4節長條形量體組合而成,呼應都市裡不同尺度的建築,而大樓同時擁有多個空中平台,為租戶和大眾提供理想的觀景位置,能夠眺望深圳的自然環境。 OMA管理合夥人–建築師大衛 ‧ 希艾萊特表示:「蛇口的群山與大海、改革開放初期發展出來的工業廠房,以及近年的摩天大樓,塑造出充滿活力的都市環境。太子廣場是與這個都市互動的建築,3個空中平台是重要的設計元素,不僅提供公共空間,讓每個人都可以透過景觀走廊,欣賞當地的自然環境,同時,空中平台將本來龐大的建築物分拆開來,與周邊不同尺度的建築物產生對話。」 建築樓高200公尺,大樓立面由OMA與奧雅納聯合設計,提供約18,150坪的辦公空間。立面的凹槽,以及特別加大寬度的玻璃,連結使用者與山水風光。空中平台向租戶和大眾開放,其立面是六角形圖案,附和山與海浪的形態,將空中平台從大樓突顯出來。 OMA 項目建築師包科爾表示:「在深圳都市裡,沒有其他地方比這裡更鄰近山巒與大海,同時有著景觀走廊與眾多公共空間。太子廣場的設計充分利用了這些元素。」 大樓基座是約12,100坪的商場—匯港(二期)購物中心,項目充分利用長形基地,最大限度地增加零售臨街面積。商場立面中一個顯眼的門戶,是景觀走廊的通道,有著與大樓空中平台相類的立面設計。商場通透的立面與空中花園,讓海上世界的商業和休閒活動空間得以延伸。 資料及圖片提供」OMA 攝影」Seth Powers 編輯」林慧慈

  • 新型冠狀病毒病疫情持續影響全球商業活動,網上採購是幫助業界繼續拓展市場的商貿方案。香港貿發局首個「夏季採購匯 | 網上展」已於7月圓滿結束並取得佳績,因此計劃於11月16日至27日再度舉辦「秋季採購匯丨網上展」(ASWO)。 香港貿發局副總裁周啟良表示:「疫情反覆帶來巨大挑戰,中小企業轉攻網上推廣和營運,已成為經商的『新常態』。考慮到買賣雙方無法進行實質接觸,因而影響交易成效,我們大力推動網上配對,致力於促成更多商貿交流和交易的機會。」 展開一場網路採購與交流之旅 「秋季採購匯丨網上展」(ASWO)以 「互聯新世界  跨越新常態」為主題,再次提供一站式的網上採購平台,讓買家和供應商在疫情下繼續發掘更多跨行業商機,包括電子、燈飾、戶外照明、環保、鐘表、眼鏡、玩具、嬰兒用品、文具、家庭用品、禮品及贈品等。 在香港貿發局遍佈全球50個辦事處和龐大數據庫的支援下,ASWO展覽團隊為與會者提供卓越的客戶服務、預先安排優質商貿配對及揭示最新行業趨勢和動態;此外,ASWO亦會繼續運用AI智能商貿配對平台「商對易」(Click2Match), 為買家和供應商提供備有會議安排、實時聊天、全天候視像會議及電子名片互換等功能的網上自助服務。詳請與登記請洽:https://bit.ly/3jRhvjf 資料及圖片提供」香港貿發局 編輯」陳映蓁

  • 2020年IES照明設計大獎於8月底公布最終得獎名單,受到新冠疫情影響,北美照明年會暨頒獎典禮改為線上舉行。本次共2項特別提名獎(Special Citation),分別頒予邁阿密「Night Garden」熱帶植物園區,以表彰其在互動技術上的運用,以及佛羅里達一處健康福利中心,讚揚其以照明設計增益建築的表現;卓越獎(Award of Excellence)則頒予舊金山國際機場停車場、芝加哥聯合車站大廳修復案、希臘Euphoria Retreat SPA中心、新加坡樟宜機場新地標「星耀樟宜」,以及中國四川郎酒莊園的「金樽堡」、曲阜孔廟等照明設計案。 最大獎項傑出獎(Award of Distinction)得主為克羅埃西亞「GTC  MATRIX」辦公大樓、英國諾里奇教堂,以及本次最為特殊,拿下一座控制創新卓越獎及一座室外照明設計傑出獎的華盛頓河濱公園燈光地標(Riverfront Park Pavilion)。優秀獎(Awards of Merit)名單則有 200 多件,其中國際類別約 80 件,而台灣共有4件作品入圍,分別為月河燈光設計「衛武營」、日光照明設計「大魚的祝福」、一隱照明設計「點亮十三層」及原碩照明設計「總統府」。   衛武營國家藝術文化中心 燈光設計」月河燈光設計有限公司 / 林大為、林佩縈、鄭玫君、劉家銘、劉懷君、葉佳銘、劉艾玲 建築師」Mecanoo architecten bv.、羅興華建築師事務所 攝影」采石廣告攝影有限公司、里約廣告攝影工作室 座落在南台灣熱帶性氣候的高雄,全年日照強度高且時間長,如何以照明降低視覺對比,讓人們由戶外明亮進入半開放暗空間的過程,能夠視覺安全且舒適,是此燈光設計最大的挑戰。設計師表示,建築留設了許多天井,期待將日光帶入榕樹廣場的暗區,然而檢討及計算後,發現天井無法提供足夠採光至平面層,反而容易造成直接日照的眩光及視覺對比。因此,照明需結合建築細部及美學整合,在白天達到眩光平衡,成為光的劇場。 設計師將黑色燈具安裝於天井內凹槽,降低視覺干擾,以符合建築語彙。光線在天井內多次反射後進入廣場,搭配上照的地崁燈突顯曲面結構,亦可平衡隧道般的空間視覺對比。另外裝設直徑3.5m 的訂製吊燈,圓環狀設計呼應整體造型,除照明功能外,更可藉由側邊的動態環形LED及上照部分的顏色變化,呼應表演大廳內色彩,亦具有引導功能,可藉戲劇性燈光變化提醒參觀者演出即將開始。設計師表示,期待以直接、間接的混合照明系統,及充滿未來感的訂製吊燈,共同創造出滿足「都會大客廳」的光環境。 大魚的祝福 燈光設計」日光照明設計有限公司 / 李其霖、林科宇 藝術家」楊士毅 攝影」柯壽發 本案位於台南市安平區漁人碼頭灣區,主體為一座長 23 米寬 11 米高度 11.6 米的大型金屬結構鯨魚雕塑,將我們腳下的土地比喻為巨大的鯨魚,包容及守護著多元的台灣,也提醒人們應該彼此善待,減少對立。設計團隊藉由細膩的光線變化描述對於大魚、人及土地的關懷與溫暖,亦呼應藝術品的創作精神。 照明設計的第一步先整理周圍光環境,園區布置過多景觀照明,不利於藝術品表現,設計師透過金屬遮光罩減少其 70 %的眩光,使燈光更加友善及舒適。藝術品旁則裝設功能性照明,保障行進安全,同時也界定建築內部的透視延伸感。進入藝術品內部,於上方網狀結構安裝 LED 3.5w 投射燈作為動線指示照明,從不同尺度觀看亦可與天空星點相互輝映,並透過DMX裝置的控制,將鯨魚心臟的脈動與觀者的呼吸連結。照明設計也以「包容」為核心,希望藉此作達到與環境共生的目的,並喚醒大眾珍惜現在所擁有的一切美好。 點亮十三層 燈光設計」一隱照明設計有限公司 / 周鍊、朱文英、劉炳毅 攝影」趙宇晨 「十三層遺址」為1933年所興建的水湳洞選煉廠,今外觀如同荒廢的龐貝古城,見證昔日輝煌的礦產事業。本案期望藉由「光」賦予十三層遺址歷史文化全新的夜間感受,並且敘說大自然母親的包容力。設計師表示,環境、文化與人的關係正是本案核心,夜間的光要與自然和諧共存,正如莊子所言:「天地有大美而不言」。 為使照明融入整體環境中且完整呈現遺址質感,無論是色溫或亮度都經過嚴格測試與計算。最終選定以 2100 K低色溫的光漸層地刷亮選礦場遺構的外結構面,且輔以琥珀色光作為煉礦場遺構的內部透光照明,以比擬在精煉銅過程中使用火的景況。整體視覺亮度規劃呈現出地貌「層」的特色,且達到與周圍村落親近的適宜亮度值。設計師提到,歷史空間的活化不應限於商業活動進駐,本案創下首次以「遠觀型」公共藝術推動文資活化,吸引人們駐足遠方觀看欣賞十三層遺址的夜間壯闊美感,帶動在地的觀光發展,並透過光延續場域的人文精神,喚醒人們對歷史的了解,透過光活化整體區域的文化藝術性。 總統府 燈光設計」原碩照明設計有限公司 / 陳宇晃、黃暖晰、廖喬芝、沈志洪、楊偉斌、沈佩瑩 攝影」鄭錦銘 設計師提到,設計之初,凱達格蘭大道另一側的景福門剛完成照明工程,在亮度及顏色的表現上都優於總統府原有外觀照明,加上路燈過亮眩光、只顧車行不顧人行等照明問題,在夜晚有著失衡的亮度關係。有鑑於此,照明設計的出發點,除了符合總統府需有的典雅氣度外,更需與周遭環境協調。設計團隊自人眼能感受舒適的亮度層級開始推算,制定出總統府、景福門與凱道之間合理的亮度比重,再透過周圍適度的減光,重新建立照明主從關係。 如今,總統府以柔和光色揭開夜的序幕,自遠處便可遙望中央塔樓如同月光灑落般的自然光感;近看,廊道透光帶出建築的景深,外牆序列的紅磚複柱、圓拱窗及羅馬柱式等燈光演繹,層層推疊至銅瓦屋簷,使其華麗的建築特色格外突顯。此外,燈光也隨著大地的作息調整亮度,讓整體光感更加細膩呈現。 設計師期待,藉由燈光的改變,賦予總統府以嶄新面貌,跳脫過往嚴肅印象,以溫暖的光傳遞正面的力量。 資料及圖片提供」月河燈光設計有限公司、日光照明設計有限公司、一隱照明設計有限公司、原碩照明設計有限公司   編輯」林慧慈  

  • 水晶殿堂的指標精品聖路易(Saint-Louis)推出了Comète系列展,作品以法國孚日省森林的星空為靈感,當地被譽為「小西伯利亞」,夜晚步入美麗的森林深處,仰望可見暗藍夜空裡滿布星辰,工匠以此為靈感孕育出全新作品Comète系列,將星辰刻劃於剔透水晶之中,一如它饒富詩意的命名「慧星」。   工藝、透亮、完美與藝術性向來是聖路易(Saint-Louis)水晶作品的鮮明標誌,自1767年,法王路易十四批准在16世紀Müntzthal玻璃工坊的原址上建造一家玻璃廠,並授予莊嚴高貴的名稱:Saint-Louis皇家玻璃廠,歷代以來,品牌不斷與各界藝術家激盪火花,謹慎研思精作,以獨特色彩、優美造型、紛繁多變的切割技藝,為每件品項蘊含獨特故事性與收藏價值。 Comète系列除了沿襲品牌精製傳統,更以全新手法詮釋聖路易(Saint-Louis)流傳百年的經典工藝。首先,由熱工坊的吹玻大師吹製出器皿造型;接著,冷工坊的切割藝匠依據器物外型與色澤發揮想像力,在雙層彩色水晶中劃出清晰的恆星運行軌跡與點點繁星,每件均是藝匠依當下靈感構思畫面,件件獨一無二,自成神祕星象,別具意趣。   本次展出,除了讓人一窺聖路易(Saint-Louis)工匠創作的宇宙綺想,也演示品牌水晶製品如燈具、餐具、家飾運用於生活的實物演示,讓收藏級水晶家飾也能當作生活實用物,成為日常裡閃耀的風景。聖路易(Saint-Louis)Comète巡迴展即日至2020年10月5日於全台巡迴展出。   聖路易(Saint-Louis)Comète巡迴展: 愛馬仕遠東SOGO百貨復興館精品專門店:2020年9月4日-9月9日 愛馬仕高雄漢神百貨精品專門店:2020年9月12日-9月16日 愛馬仕新光三越台南新天地精品專門店:2020年9月19日-9月24日 愛馬仕台中大遠百(Top City)精品專門店:2020年9月26日至10月5日 資料及圖片提供」聖路易(Saint-Louis) 採訪」室內雜誌編輯部

  • 2020第三屆台灣光環境獎於9月16日公布本次複選入圍名單,本屆特別開放作品年份限制,只要位於台灣、並向大眾開放的公共設施、環境、空間照明設計作品皆可參賽,主辦單位中強光電文化藝術基金會表示,今年參賽作品報名十分踴躍,涵蓋都市、景觀、建築、室內設計、展覽、藝術等不同類型。較以往不同的是,生態環境關懷,及以光為媒介的藝術創作作品,在今年投件數中大幅提升,突顯在環境與藝術領域的討論中,光環境議題逐漸受到關注與重視。本屆評審團就「設計概念」、「環境功能」、「永續發展」、「創意表現」等4項評分標準,選出入圍複選的20件光環境作品。決選名單將於10月公告。   編按:為閱讀順暢,以下將20件作品簡單區分為藝術創作、自然環境、戶外照明、室內照明等4類。 實際入圍名單以光環境獎官網為準。   藝術創作 《當下光影鐘》/ 姜樂靜建築師事務所 光影鐘運用台中國家歌劇院特色,嵌入天頂洞穴,將創作與建築融為一體。創作者姜樂靜指出,她擷取書法藝術家董陽孜「無聲的樂章」部分文字線條,以金屬材質雷射切割製成圓形文字鏤空裝置。中間再以燈光投影,會讓文字線條投影在曲牆上,且結合時鐘概念,設定圓形裝置一分鐘旋轉一圈,完成結合書法與時鐘的「光影鐘」。   《 2020 台灣燈會:與生俱來 里山禾樂 》/ 定泳文創有限公司 由一群建築師、策展人、藝術家以一個策劃團隊的概念,創作者用自身生命經驗,閱讀自山脈到樹林的台灣脈絡;在台灣與日本等策展團隊跨域、跨世代與居民的協作下,以原生木系材料實驗自然生態材料的可能,同時結合農業再生,一反過去大量統一製造燈品的展示模式,能夠完全在活動結束後,將燈組拆裝回歸社區以及回歸大地的,另一種地景美學「新台灣燈會」。 《「台中市精密機械科技創新園區二期標準廠房新建工程」公共藝術設計案》/ 達達創意股份有限公司   位於精密路與精科東路交會口的服務中心,其充滿科技語彙的建築樣式,似如一艘人造衛星漂浮大肚山上。而三處大型的出入口,充滿動能的建構了一處絕對的正三角形中央空間,彼此之間相互串流,這是一個有趣有能量的動線規劃,鑒於此《幾何的漫遊》將分別以不同的三個幾何基本形態,三角形、正方形、圓形、正方形設置於三處出入口的大牆上。簡潔的黑色線條,企圖將數理的基本抽象思維形象化。 《LIGHTWELL 空間裝置藝術計劃》/ 高德亮 建築原型為一座4層樓高並擁有內部天井的建物,為目前中山區碩果僅存的老厝建築型式。在此計劃中,藝術家希望以一座結合光線跟空間上下動線有關的作品作為介入手段,除了以此回應獨特的空間形式與地區屬性特質以外,同時點亮屬於每位到訪者獨有的個人感官經驗與空間記憶。   自然環境 《司馬庫斯無藍害部落》/ 清華大學周卓煇教授團隊 現代電力照明中大多富含強烈的藍光,產生藍害,威脅著生態系統與暗夜,周卓煇教授團隊開發之類燭光OLED,可有效避免藍光帶來的危害。團隊將類燭光 OLED 裝設於新竹縣的司馬庫斯部落,將其打造為世界第一無藍害照明示範部落;以山林中的朽木作為媒材製作出無藍害的景觀路燈;透過燈罩的使用,避免光線照向天空而造成夜空污染。 《台北植物園:減光護生・都市綠洲計畫》/ 行政院農業委員會林業試驗所 台北植物園開放時間從清晨到夜深,全年無休,年遊客量近200萬。對植物來說,過度光照打亂生理時鐘,且燈源引來的大量趨光昆蟲,不但增加園丁清洗燈具的工作負擔,蟲屍甚至造成電線走火。為了維持生態保育與都會民眾需求的平衡點,台北植物園提出「減光護生」的低光害照明構想。除了取法國際案例,也自行研發設計、施工製作LED投射矮燈,打造出符合在地的夜間照明方案。   戶外照明 《新新公園新建工程》/ 環藝工程顧問有限公司 新新公園為台北市第一座以濕地為主題設置的大型公園,藉由地景營造之手法,讓公園除了生態景觀,還能兼顧民眾在自然中活動的機會。濕地花園、落雨松林區、挺水植物特區等,藉由多樣性水岸與植栽的特性關係,營造分區多樣色的溼地環境,藉由地形形塑,創造高低起伏空間,加上原生喬木之配置模擬台北市郊山,讓大人小孩皆可以自由地在林下空間穿梭及體驗遊憩體能設施。 《觀.哲思之道公共藝術》/ 葛菲雅奇視像空間設計有限公司 以「觀。哲思之道」作為創作命題,團隊希望為中正大學校園設置一創新公共藝術思維作品,以大面積地景手法向下切入讓師生體驗新視野同時也是一座靜座思考空間,透過藝術創作與草地的結合,往下挖掘的構造,提供了作品不一樣的風貌,也創造出身體與校園空間合一的感受。作品串連校內公共藝術作品場域並向校園中央軸帶延伸,形成一綠地及師生的休閒場域,增進公共藝術氛圍。 《汀甫圳周邊環境及汀甫圳通學步道與交通大學(博愛校區)周邊環境景觀改善工程》/ 環藝工程顧問有限公司 汀甫圳原現況部分路段為居民占用,造成路徑不連續且現有民房自行架設簡易通橋跨越汀甫圳,亦有於圳上加蓋違建、圳旁私設菜園,本計畫著力與民眾溝通,耗時費力突破現況,以圳路兩邊的可能性空間,兼顧城市生活的白夜節奏,結合了交大部分校園邊界的閒置綠地,共同成就了一條可行可憩、友善鄰里的全日綠蔭美徑。 《新北市立黃金博物館燈光視覺意象改善計畫》/ 新北市立黃金博物館 新北市立黃金博物館,是國內第一座生態型博物館,以園區內日式建築與山城環境為其特色,因此公共空間場域中,運用色溫與顏色交織光影層次與歷史斑駁感,展現過往黃金山城美景,而日式建築則以光源角度勾勒出建築面與線的輪廓,讓來往民眾能停駐片刻欣賞夜晚光源下的建築體。   《河樂廣場》/ 立恆燈光設計有限公司 由首獎荷蘭MVRDV、台灣都市里人規劃設計有限公司、李麗如建築師事務所建築團隊共同規劃,並邀請立恆燈光設計公司參與,將商場設計為下凹式露天水景廣場,重新連結城市與自然水岸,並保留原有結構作為歷史回憶。曾經的中國城,被規劃為台南最大親水廣場,以潟湖及自然都市的概念,做為改造中國城及海安路的主軸。 《跳舞的「埕」》/ 屏東演藝廳 屏東演藝廳除提供實用而有效的表演空間外,主要演出場地為音樂廳與實驗劇場,位於左右兩組充滿律動的入口架構內,從俯視角度看宛如兩架在競奏的鋼琴,建築兩側豎立的柱體,可因陽光不同角度產生不同光影效果,亦能減少日曬。以傳統台灣三合院的概念,將建築物以較低矮的量體打散配置,也圍塑出中間的「埕」(戶外廣場)。 《心靈的母親》/ 微槓桿有限公司 心靈嚮往,目光所及,燈光顯現出莊嚴神聖,信眾從牌樓依序前進,燈光詮釋下遠遠看得到廟貌矗立在眼前,一路的辛勞瞬時得到完全紓解,在燈光的視覺引導下來到廟埕,進入三川殿,叩首拜殿,神龕內媽祖的臉龐,燈光詮釋神韻,慈悲的媽祖對著信眾一抹微笑。   《大溪普濟路廊道光環境藝術設計》/ 桃園市大溪木藝生態博物館   本案將光影中的大溪普濟路廊道之美延續到夜間,讓燈光成為大溪區的夜間導覽員,細細地訴說出磚牆屋瓦中的故事,以及街角巷弄間的生活點滴。藉由「光」,作為歷史與現代的串聯,讓人們對大溪區的人文底蘊有更深的體會。並以關懷的態度出發,尊重在地動植物的生物特性,運用細心規劃的燈光布局及層級,塑造人文與自然共享、共存的友善光環境。   《總統府》/ 原碩照明設計有限公司 傍晚時分,總統府背後的夕陽為這座百年紅磚建築泛起一片光暈,外牆燈光也伴隨著彩霞緩緩點亮,塔樓內透出的琥珀光色與天光相互輝映,描繪總統府一天中最美的時候。透過光,讓民眾有機會重新認識總統府,並被它的細節震撼;透過光,溫暖並舒緩人們的情緒,帶來心靈上的安定感。總統府的光就像城市中的避風港,如同燈塔般的存在照亮,永遠的指引著方向。   室內照明 《不只是圖書館》/ 柏成設計有限公司、太研規劃設計顧問有限公司 沿著廊道,間接的光暈向上延伸,迎面書香撲鼻,放下室外的紛擾,享受一場心靈上的沐浴,知識的狂歡。以降板澡堂為意象,堆砌排列的樺木夾板書櫃,挑選一本書,向下沉入,夾板中透出溫柔的亮光,陪伴著人們猶如「泡書」一般,沈浸在無形的思想。這裡,聚合著不只是圖書館的初衷,無限的可能性,可以是音樂會、講座、伸展台,將原始澡堂共享的概念,轉化以實驗性的語彙展現。   《翰墨空間—故宮書畫賞析》/ 國立故宮博物院 「翰墨空間-故宮書畫賞析」為故宮南院開館迄今的首次中國書畫專題展,透過院藏歷代書畫,系統性地介紹繪畫與書法的發展脈絡,讓喜愛書畫的中南部民眾,不必舟車勞頓至臺北外雙溪,就能欣賞到歷代傳世名蹟。因古典書畫多屬紙、絹類材質,相對脆弱,因此展件均以展出三個月為原則,每檔全面更換展件。除滿足通史性介紹的前提下,隨著主題側重的不同,也提供觀眾多樣的觀賞視野。 《嘉義市立美術館增改建工程》/ 嘉義市立美術館 嘉義市立美術館是一個與歷史建物共構再利用的設計案,基地建於1936 (昭和11)年,為三層樓之鋼筋混凝土建築,由時任臺灣總督府專賣局技師的梅澤捨次郎設計,是古典建築風格蛻變為現代主義建築風格歷史見證。在市府主導之下, 2014年選定本建築為嘉義市立美術館預定地,並於2020年完工開館。 《銀之竜_華顏號【茶器物】》/ 方尹萍空間設計有限公司 位於台北市青田街7巷五號的銀之竜_華顏號 [茶器物] 銀壺旗艦店,將淵遠流程的茶文化融入現代生活為目標,打造一處可預約導覽與學習傳統銀匠師精神、製作流程、工藝技法、製作工具、成果成品等等知識的博物館式旗艦店。在透過硬體材質(木與鋁板),融合抽象的文化與光的媒介下,傳遞[茶、器、物]的精神,以及透過茶與銀器來推廣永續生態的觀念。 《新時代的圖書館,翻轉城市意象》/ 高雄市立圖書館 高雄市立圖書館總館以大樹下的常民文化「樹中有館,館中有樹」為概念發想,在建築設計上採用獨特的「鋼構懸吊式建築」,搭配整棟的玻璃帷幕外觀設計,最大量導入自然採光讓室內空間更為明亮、視覺更為通透。夜間燈光的透射下,全棟建築透過玻璃帷幕及景觀照明等硬體設計的結合,四個端角的燈箱造型與多變光色的燈光特效,點綴出都市中的文創建築特色。 資料及圖片提供」中強光電文化藝術基金會 編輯」林慧慈

  • 試著將不同形式與物料完美結合是Pascale Mussard女士於2010年創立愛馬仕petit h工坊,以及品牌創意總監Godefroy de Virieu先生的共同理念。petit h的作品主要是以愛馬仕其他部門閒置的材料作為素材,在工匠、藝術家與設計師的巧思下,即興演繹出千百種面貌,因此件件都是限量精作,也由於需根據物料特質而構思,所以沒有特定範本,常在創作團隊的腦力激盪下得出驚喜火花。   petit h精緻有趣的手作精品現正於愛馬仕BELLAVITA旗艦店展出,展覽場景設計靈感取自petit h工坊的創作理念,傳達以材料為優先考量的創作精神,隨處可見令人會心一笑的有趣創作。自BELLAVITA中庭、櫥窗至展場可見軌道與滾動的彈珠是主要元素,貫穿各種物料與場景,意喻著各種材料在設計巧思下不斷發展蛻變,輕巧而不失童趣。   此次台北站展出多件與精緻有趣的家居精品,像是採用水磨石製成並鑲嵌著愛馬仕金屬零件和珍珠母貝鈕扣製成的茶几;以皮革縫製的馬術競賽跳杆所創作的長凳;特別為台北展創作的母子版台灣黑熊懶骨頭;山羊摺紙造型的皮革吧檯;以中式餐桌為靈感的轉盤式地球皮革圓桌;多用途的鋁合金小公牛皮邊桌;品牌經典鎖頭裝飾的壁鏡;鱷魚皮陶瓷信箱;皮革拼接馬鞍造型單人椅,件件均是以品牌經典物料再思考的創作,是家用品也是收藏品,細節豐富且饒富創意。   愛馬仕petit h巡迴展 地點」愛馬仕BELLAVITA旗艦店 日期」2020年10月16日至11月1日   資料及圖片提供」愛馬仕Hermes 編輯」RL  

  • 2020 TID Award 金獎揭曉

    TID Award 系列報導

    2020 年第 13 屆台灣室內設計大獎(Taiwan Interior Design Award, TID Award)競賽在 9 月 25 日舉行頒獎典禮。今年因應新冠疫情,TID Award 將頒獎典禮改為線上直播方式進行,由 TID Award 執行長林彥穎與 Oli 擔 任主持人,揭曉各項金獎、新銳奬、評審團特別獎及年度大獎的得獎名單。 典禮開始前,CSID 理事長趙璽與繽紛設計創辦人江欣宜進行一場設計對 談,透過兩位設計師的觀點,探討東、西方設計發展的差別、新世代的崛 起以及後疫情時代的發展等,開啟了典禮的序幕。 頒獎典禮透過直播方式,並及時與得獎者進行連線受訪,讓觀眾以及設 計師都十分緊張又興奮。2020 年 TID Award 的評選重點,著重在美學、 創新實驗以及貼近生活這三個層面,CSID 理事長趙璽提及,從作品當中 看到設計師透過設計,讓人與空間進行了一場對話。典禮後半段,邀請 TID 評審團主席龔書章與 K+spacing 設計總監金禹岑進行設計觀點的對談, 兩位分享自身的觀察與經驗,不僅看到產業與環境的變化,同時也影響著 TID Award 的轉變。 從 2020 年的入圍以及得獎名單可以看出此次作品的多元性,值得一提 的是,今年新銳設計師的比例也較以往高出許多,突顯出設計產業的新時 代與力量。第 13 屆 TID Award 台灣室內設計大獎完美落幕,請與我們共 同期待下一屆 TID Award 會帶來更多精彩優秀的作品。(得獎名單請依據 TID Award 及 CSID 官網公佈為準。) 金獎 .謐境 南京雲行空間建築設計有限公司 潘天雲 .樹屋之間 合風蒼飛設計工作室 張育睿 .光影白立方 查設計有限公司 查皓淳 .期望的家 梁築設計事務所 徐梁 .兆兆茶苑 合風蒼飛設計工作室 張育睿 光即陰影 深圳市大森設計有限公司 李京澤 .長沙銀興萬影匯國際影城 壹正企劃有限公司 羅靈傑 龍慧祺 .湖泊下閱讀 水相設計有限公司 李智翔 .月廬 大羽營造 馮羽 .紙屋簷 本埠建築 蔡嘉豪 .台電電幻 1 號所 卡爾吉特國際股份有限公司 許詩盈 新銳設計師獎 .境域.鏡遇 湘禾國際設計有限公司 周奕伶 .運動靜止下的動態延伸 深圳市大森設計有限公司 李京澤 TID 評審特別獎 .都市願景館 陳漢儒建築師事務所 陳漢儒 .Comma Lab 柏成設計 邱柏文 王菱檥 TID 年度大獎 .窩流餘燼 EMBERS 曲木吧台空間 曲墨建築師事務所 郭恩愷 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」中華民國室內設計協會 CSID

  • Good Design Award是日本自1957年開始,為了解決市場上設計盜用、仿冒的問題,因而訂定的「好設計商品」準則,同時舉辦的獎項。2020 Good Design Award從4月2日開始接受申請後,主辦單位共收到4769件申請作品,最終選出1395個獎項;於10月初開始陸續公佈獎項結果,並在10月30日透過線上直播揭曉2020 Good Design Award各獎項的完整名單。   Good Design Award是國際重要的產品設計獎項,也是日本唯一針對整體設計品質進行公開評鑑的獎項,Good Design Award透過五大理念:人性、真實、創造、魅力以及倫理,去參透每個作品的面向。2020 Good Design Award的主題為「共鳴(交感)」,希望在設計中考慮到他人、社會、環境等面向,並對它們的需求做出回應。今年也特別舉辦了「GOOD DESIGN SHOW 2020」的線上活動,透過評審與獲獎者的對談,希望與大眾分享設計、評選的過程與觀點。 年度大獎(Grand Award):WOTA CORP.「WOTA BOX」   2020年的年度大獎(Grand Award)由日本WOTA CORP.公司的「WOTA BOX」獲得,「WOTA BOX」是一創新的自來水循環利用系統,不僅可以應對災難的發生、發展新的基礎設施,更希望能改變人與水、環境之間的關係;而金獎(Gold Award)一共評選出20個,評審一致認為這些作品不僅都試圖為解決社會問題而努力,未來也具有發展的潛力,給予金獎作品高度評價;其中台灣有兩個項目獲得金獎,分別為台灣設計研究院的「學美.美學—校園美感設計實踐計畫」以及O’right歐萊德「源木牙膏」。評審認為,「學美.美學—校園美感設計實踐計畫」藉由教師與學生的共同參與,不僅翻轉教育,還涵蓋至美學和設計等多重領域,是一綜合性的教育項目;而「源木牙膏」從企業精神、產品包裝到使用成分等,皆落實了友善環境,並保有品質與設計美感,十分不容易。 台灣設計研究院「學美.美學—校園美感設計實踐計畫」臺南市新東國小 台灣設計研究院「學美.美學—校園美感設計實踐計畫」花蓮縣明禮國小 O’right歐萊德「源木牙膏」   2020 Good Design Award的Grand Award、Gold Award、Good Focus Award以及Best 100等得獎名單都已經公佈於官網https://www.g-mark.org,讓我們一同恭喜獲獎者,也期待下一屆的Good Design Award會有更多優秀作品。 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」公益財團法人 日本デザイン振興會(JDP)、台灣設計研究院

  • 一年一度備受關注的金點設計獎(Golden Pin Design Award)已於日前公布標章得主名單,今年共有83件作品入圍「金點設計獎年度最佳設計獎」,並預計於12月的頒獎典禮揭曉最終得獎結果;而《室內》雜誌作為金點設計獎官方媒體合作夥伴,也將帶來連續三期的標章得主深度報導。本期將介紹以「台北捷運旅遊票:隨時台北」、「2020兩廳院夏日爵士派對」兩項專案入圍年度最佳設計獎的「白輻射影像」(Whitelight Motion),邀請共同創辦人洪鈺堂(Rex)與我們分享有趣的創作過程,以及他對設計的觀察與切入點。 白輻射影像 / 洪鈺堂Rex 影像導演、白輻射影像創意總監,擅長創意策略、動態影像與新媒體策劃,嘗試延伸設計與社會參與的觸角。曾獲德國紅點傳達設計獎、香港DFA亞洲最具影響力設計獎(Design for Asia Awards)、金點設計獎、台北設計獎…等獎項肯定。 專案範疇涵蓋品牌形象規劃、典禮影像包裝、數位廣告及互動影像裝置。服務客戶包括:OPPO、國家兩廳院、Nike、Asus、Firefox、KKBOX、Google Play、Disney Taiwan、台北故宮、上海震旦博物館等。曾任台灣文博會典禮影像導演、台北世大運開幕式儀典影像導演、金曲27典禮影像製作統籌、台北燈節視覺統籌。持續與業界交流,曾任台北白晝之夜Nuit Blanche Taipei參展藝術家、深圳設計周設計現場Design Now講者、TEDxNTHU講者、金點概念設計獎評委、台灣國際學生創意設計大賽(TISDC)評審;學界參與包括台科大工商業設計系畢業製作指導、實踐大學媒體傳達設計系、D-School臺大創新設計學院、台藝大多媒體研究所、台師大設計學系…等多所設計院校專題主講、工作坊及授課。 「白輻射影像」,是由洪鈺堂(Rex)與任芯瑩(Ren)兩位高中好友於2015年共同創立,Rex主要負責視覺設計的案子,而Ren則操刀空間設計相關專案,雖說兩人的專業截然不同,但無論是什麼領域的委託案,他們都會從「人」的角度切入,在與客戶合作的過程中,白輻射扮演著類似「顧問」的角色,品牌精神一向是他們十分重視的一環,所創作出的圖像,不論平面或動畫,其實都是在傳達品牌的精神與形象,希望讓過目者留下深刻印象。輻射,是種肉眼看不見的能量,兩位創辦人希望公司在面對每個專案時,都能有源源不絕的能量,且作品風格亦能如流光般,多元且閃耀;「光」也是能量的一種,影像藉由光線傳遞,光線與空間也有著密不可分的關係,藉此將公司的服務項目相結合;而白色,是一種包含光譜中所有顏色光的顏色,隱喻著創作畫面的多彩。   夠了解,才能為品牌量身打造適合的形象 Rex認為,跟客戶合作其實很像交朋友,因應個性差異,會有不同的相處模式,同樣地,做識別視覺時,也需針對不同的品牌量身打造合適的形象,需站在品牌角度進行思考,了解合作定位、品牌痛點等,才有辦法精準地找到設計的切入點。Rex不諱言地表示,「溝通」是前期非常重要的一環,十分考驗設計公司理不理解客戶的運作和需求,設計其實是到很後期才會出現的環節;理解品牌後,該如何製作出令人眼睛為之一亮的視覺,則需視團隊如何將「感覺」具體化,設計者自己要有感覺,才能傳染給觀看者;另外,「故事」的編排也是視覺設計的關鍵。人都喜歡聽故事,與客戶提案時,若於創意面輔佐故事脈絡,較容易引起對方共鳴跟認同,後期的設計階段也能有較大發揮空間,Rex笑說,他們與客戶談判的籌碼就是創意,如何透過構思將腦海中的劇情或畫面呈現在眾人眼前,是他和團隊覺得最有趣的部分,他認為設計可以為社會帶來更多想像,也能提醒自己不要忘了事情最單純的本質與出發點。   談及維持設計熱情和靈感的方式,Rex表示,工作上所得到的成就感,是驅使他持續在設計圈耕耘的原因,成就感不只來自於所完成的專案是否得獎或報酬豐厚,而是在於每次與不同領域的客戶合作時,都能更拓展自己的眼界,「玩」出不同的風格和概念,白輻射影像發展出非常多元的作品模式,團隊不畫地自限,期許轉換過程中能擦出一些新的火花,也藉此保持心境的活躍。至於靈感部分,Rex則認為若出現沒靈感的狀況,代表還不夠了解問題的癥結點,可將脈絡重新爬梳一次,找到切入點,而日常生活中則因為公司接觸的創作語言繁多,有許多接觸跨領域的機會,讓他得以不斷接受新知識的洗禮,並從中挖掘可發展的視覺面向。Rex另外分享,他的興趣廣泛,十分喜愛看舞台劇、散文、聽後搖滾曲風的音樂,這些嗜好對於畫面建構和鋪陳的能力有很大幫助,因此他也建議設計者,應該多打開自己的感官,相信會有助於設計感覺的發展。   入圍2020金點設計獎年度最佳設計獎作品   2020兩廳院夏日爵士派對 2020年兩廳院夏日爵士派對主視覺。希望藉由視覺設計,讓夏天與爵士派對產生連結,創造觀眾新的夏天記憶。 台灣最高藝文中心-國家兩廳院,長期致力於推動藝術生活化,每年夏天吸引萬人參與的「兩廳院夏日爵士派對」,今年已來到第18屆,提供消費者大師級演奏者的服務,也會舉辦一場免費的戶外音樂會,營造大型夏日派對之氛圍。白輻射影像從去年開始被委託製作活動的視覺統籌,團隊思考如何透過視覺,從既有樂迷向外延伸,開發全新族群加入這項盛會,由於兩廳院夏日爵士派對的目標受眾已十分明確,Rex便從「傳播定位」剖析觀者藉由平面視覺,會留下什麼印象,又或者能和活動產生何種關聯。與爵士樂相關的視覺拼貼已太常被使用,白輻射團隊一改過往以樂手肖像作為形象的手法,改從爵士樂的精神著手,他們發現爵士是與人有高度連結的曲風,也非常強調即興,樂手們彷彿以音符在聊天,不過初接觸爵士樂的人,或許會覺得吵雜,因此2019年時白輻射的創意視角便以「play it loud」為發想,首次嘗試運用明亮色彩和平面式的插畫風格,將樂手和觀眾化為自在隨興的角色,企圖傳遞音樂既即興又生活化的一面。 2019年兩廳院夏日爵士派對主視覺。 而2020年的主視覺整體色彩較去年溫潤,也更有系統的透過視覺設計,建立活動品牌的識別度,給觀眾的不再只是夏天的爵士樂,而是對夏天的生活想像。以「Life is Jazz, Play it Now」為概念,運用粗獷隨興的版畫風格,勾勒出爵士人演奏的即興情境,主視覺標題如旋律般在畫面流動,字母既是被吹奏出的音符,也是被彈奏的樂器,加上隨節奏拋出的夏日元素,充滿律動感地在畫面各處落腳,為專業音樂品牌注入節慶氣息,描繪出此刻即生活、生活即爵士的精神。 台北捷運旅遊票:隨時台北 以「隨時台北Taipei Anytime」為概念,用票卡作為旅行相見的第一張名片,也作為旅行結束的紀念。 「我們希望來台北的每一個旅人,都能片下一段台北的美好時光,帶回家鄉。」時間感,是到異地旅行時最有感的部分,旅行中,時間有限、時間流逝,時間的長度決定旅途的面貌,時間的變化帶來不同的風景。由於捷運票卡主要是提供遊客或平常不居住於台北的民眾使用,Rex認為,旅遊票其實代表這個城市予人的第一印象,也是第一個跟旅客產生交集的物件,可說是屬於「台北的名片」。 白輻射團隊運用時間構成不同的台北面貌作為票面視覺,體現城市的多重面向。 白輻射影像以「隨時台北Taipei Anytime」為意象,象徵著旅客感受城市的不同深度:24小時,把握時間走訪城市,捕捉台北獨特的建物形貌;48小時,有時間看見完整的日升日落,從城郊回望,看見城市與土地的關係;72小時,不只有時間看見台北的白天黑夜,更有時間看見同樣時間、地點下,台北不同的樣貌。在不同時間長度的票卡設計上,運用時間構成各式的台北面貌作為票面視覺,讓遊客在旅行結束時,願意將這張票卡帶回家中做紀念。 從感受力到想像力 綜觀在設計業界闖盪的歷程,Rex表示,近年來台灣的設計案或創作案其實越來越注重所謂的「概念」,再從中延伸出後續結果,並非僅在意「看懂」,而是已逐漸進入一個有想像力的階段,會願意針對一個新視覺進行討論,雖然難免會有正反聲音,但他認為這是良好的互動,代表大家皆有各自的解讀和想法,甚至會去探討該如何將美感注入日常生活中,培養大眾對美學的鑑賞力。   最後,針對有意走向視覺設計這條道路的設計新秀們,Rex認為「定義問題」與「換位思考」的本事非常重要,這樣才能讓設計發揮加乘的功效,「同理心」也是期許年輕學子需多學習的能力,新秀們擁有許多新的設計語言與工具的優勢,但透過設計作為溝通的語言時,必須打開感官、站在截然不同的角度思考,才有可能做出既能滿足客戶期待,又帶有高度創作含量的作品。他也鼓勵設計者多看看設計圈外的事情,多探索自身與其他行業之間的關聯、找到設計師適合的位置,不要只將自己定義為設計工具的操作者,放開胸懷、練習感受力,多觀察周遭人事物與社會脈動,或許設計的切入點與靈感就存在於身邊。 資料及圖片提供」白輻射影像 採訪」陳映蓁

  • 提到「新竹」,產生的聯想大抵不離「科學園區」、「工程師」、「大風」等詞彙,然而,2020 年台灣設計展移師新竹,便是要讓大眾跳脫過往既定印象,透過設計重新認識這座既古老又年輕的城市。本屆以「Check in 新竹–人來風」為主題,由曾規劃過 2019 台灣文博會的衍序規劃設計劉真蓉擔任總策展人,邀集 9 個策展團隊、超過 25 位台灣優秀設計師,期待藉由設計打開城市,帶領人們探訪新竹的過去與今生。 設計展首次跨出單一主場館,以兩公里長的城市步行廊道橫跨新竹火車站,串連起新竹公園及舊城兩大展區,總計 11 個展館,以及大大小小的展演、市集活動,在這 11 天的展期間帶動了新竹的活力,更讓大眾驚艷到,原來新竹早已脫胎為一座「設計之城」。本次《室內》雜誌除了記錄展覽現場,更採訪到總策展人劉真蓉,及「超連結Hyper_Link」的策展人曾令理,藉由設計師的介紹,一探本次大受好評的台灣設計展精華。   重要看點 新竹公園 Terminal Park 想像城市未來的終端機 以「終端機」為名,基地新竹公園內包含了市立體育館、動物園、孔廟、Livehouse、玻璃工藝博物館等空間,並布置 6 大展覽,主軸涵蓋新竹的科技、產業與文化,呈現出對於城市的未來想像,將新竹人習以為常的生活場域改造為具有科技感、體驗式的展覽空間。 體育館入口外觀。攝影」林慧慈​ 城市終端機 作為本次台灣設計展主場館,衍序規劃設計邀請新媒體藝術團隊「叁式」共同策劃,「城市終端機」如同故事的序章,帶領人們走入有一點綺想、非日常數位敘事之中。策展人劉真蓉提到,這次基地為體育館,空間規劃上打破新竹市立體育館的既有結構,以登入數位世界為概念,建立出七大場景,以全環境的體感空間,翻轉了體育館觀眾僅能於外圍向內觀看的觀念的概念,藉由動線的改造賦予體育館展覽動能。 從入口通道的光城門開始,「城市終端機」用大家熟悉的新竹記憶打開數位旅行的開端,帶領眾人穿越新竹的日常生活,從整理近 25 年來台灣對接世界的科技大事紀、以數據重新探究城市的真實樣貌,有如進入數據後台,見識到城市裡大眾不知道的奧秘。此外,更在較暗的空間中置入許多亮點,如電波隧道、新竹獸心臟、數據森林等,藉由科幻的視覺重點讓人們留下強烈印象。「城市應該是所有市民共同創造的」,劉真蓉將城市的治理比擬為終端機,讓大眾理解在數據的世界裡,民眾可以共創城市並與時俱進的推進,就像每個人思維的延伸,用巨獸的角度突破現有框架,大膽想像理想城市的樣貌。 城市終端機展覽全景。圖片提供」衍序規劃設計 攝影」李易暹   超連結 「超連結 Hyper_Link」由偶然設計曾令理與 youtuber 「志祺七七」所領軍的簡訊設計攜手策劃,主題及內容十分貼近網路時代,空間手法的呈現卻如同一部科技寓言。基地「風 Livehouse」前身為近 60 年歷史的空軍禮堂,白色的鋼樑結構為其最大的特色與限制,在原為統一平面的空間中劃分出 4 個展區。主要展區 B 展間運用基地原有的強烈對稱性,搭配淨白、漂浮的燈板形塑教堂一般的神聖感,10 位分享者則成為殿堂中的雕像,或如科技宗教的引路人,並特意規劃展桌及半身錄影的方式,呈現出近似在家中桌面看 youtuber 的實體距離感受。曾令理提到,空間中同時有 10 部影片播放,彼此微微嘈雜影響,就像網路世界也是如此地「眾聲喧嘩」,希望民眾能接近分享者,專心傾聽他們所要表達的內容。 仔細觀察會發現,B 展間愈後端的桌面愈高,而燈板卻漸漸向下降,曾令理解釋,此種手法是希望呈現出現代科技講求「壓縮」,零件及檔案越來越小,而在兩端鏡牆反射出的虛擬世界裡卻可以被無限放大,回應科技放大個人的核心精神。4個展區各自具有不同機能,以燈光與顏色劃分,A展間以紅色為主,具有動態性體驗; B展間為白色,象徵明亮、神聖;C展間則以黑色及藍色,代表靜謐的場域;最後D展間選擇實驗室的黃光,將實體物件密集陳列,呈現科技生活背後的原來如此。曾令理減去一般展覽中的過渡型空間,使整體觀展節奏明快,一如名稱「超連結」,一鍵抵達另一處。 B區「無所不在」邀請 8 位知名youtuber及 2 位產業界意見領袖,分享科技如何影響自己的生活。圖片提供」偶然設計 攝影」汪德範   ○循環設計展 由方序中及春池玻璃的吳庭安共同策展,美感及深度兼具的展覽,在展期間時常大排長龍 。展覽空間區分為三大主軸:黑色展間為「提問」,從生活的六大面向切入,探討剩食浪費、生態失衡、過度消費等問題,並提出「循環設計或許是其中一帖解方」。展間中包含一座由 1300 支廢棄酒瓶堆疊而成的巨大圓柱,跟隨著呼吸的頻率明滅,耳機中則播放著回收玻璃的聲響,透過視覺與聽覺的刺激,促使人們面對環境的破壞。 走經灰色的長廊,期待人們開始「思考」,長廊中懸掛著結合科技機械的玻璃,創造彷彿自然的風吹動風鈴的景象,亦如同思緒開始流動。最終抵達白色的展間,策展人定名為「行動」,介紹 6 種在新竹實現、以循環思維為主的產業,綠色的玻璃珠池正是循環設計的產物之一,白色球體頭罩內播放著新竹音樂人黃子軒所主持的聲音循環電台,採訪在地循環設計實踐者。最終會看到 3 隻玻璃圓柱,寫著「我願意一起行動/我想挖掘更多答案/我看見問題與挑戰」,邀請觀眾利用入場時測量體溫後給予的粉色防疫貼紙,選擇下一步的行動,同時也避免了一次浪費,實踐循環設計的命題。 白色展間為「行動」。圖片提供」究方社+W春池計畫 攝影」Kris Kang 美感電域 孔廟廣場前的純白箱型展覽是由台灣電力公司主辦、水越設計規劃的「美感電域」,2019 年首度於台北信義區展出並受到熱烈討論,此次與設計展共同展出,以街頭處處可見的變電箱作為主角,從「電」與「美學」的角度切入,將靜態的變電箱以多元且豐富的方式呈現,展區分為四大塊:「電區」、「美區」、「城市中的變電箱」、「P=IV藝術裝置」等,透過淺顯易懂並引發興趣的方式科普電力知識,探討在地街道美學議題。 美感電域以「電」與「美」為主軸。圖片提供」衍序規劃設計 世界最美的教科書展 擇址同樣具有教育意義的新竹孔廟內,由都市酵母策畫,曾於台北、台東、台南三地展出,透過展出台灣及日本兩地教科書,呈現兩地在教育策略及實踐上的不同之處。日本展區呈現其小學至高中的教科書、落實教育的防災計畫等,台灣展區更展出了自清代、日治及民間出版社審定本等 3 個時代的教科書變遷,自書籍探討台灣的教育史及思維。雖定名為「世界最美的教科書展」,卻不是在選「美」,而是期望透過教育思維的創新,培養下一代更美好的世界觀。 世界最美的教科書展,展出日本小學至高中教科書。攝影」歐陽青昀   有種 新竹 「有種 新竹」則位於新竹動物園 gift shop 內,由新竹在地團隊「黑生起司」打造,集結了 30 組各具特色的品牌、美食、物產與人物,藉由 6 大分區呈現出新竹人的新舊共融、多元且具創造力的生活風格。展覽以生活物件展示新竹在地「有種」的個性,設有新/舊生活擂台賽、9種新竹人的打包生活等,期待告訴觀展者「你的生活風格『有種』選擇」。  有種新竹展出新竹特色與創意美食。圖片」台灣設計研究院   城市步行廊道 Public Line 穿梭時空的兩公里 一條約兩公里長的廊道,串連起新竹公園至舊城區護城河的所有場館,並橫跨了新竹車站,劉真蓉介紹,這條廊道正是將設計展與城市串聯的關鍵之一,藉由穿梭於城市街道內,不論是新竹市民或者外地遊客,能夠更直觀地感受到新竹市的樣貌與改變,同時,新竹市政府的大力支持亦協助此次動線上的順暢,提供所有步行者友善的空間。而在廊道的中心點-新竹轉運站內更設有衍序團隊規劃的另一展覽「Mind the Gap! 大車站進行式」,與在地團隊「見域工作室」合作,蒐集各個時代的地圖,並邀請插畫家廖國成繪製超現實的新竹地圖,民眾可以堆疊出理想中的城市樣貌。 而談到展期間超過50場的展演活動,劉真蓉表示初期構想來自她自己的愛好,表演藝術如同活棋,可於城市的各個角落上演,而此次更有多檔節目是為新竹量身打造,如「山與海-巨人來了」及「街道上凡人不會看到的風景」等,藉由兩公里的步行軸線,帶領大家跨越鐵道,從街道的臨時性鋪面到廣場、公園等,量身訂製的藝術表演,使日常風景具有幻想力,讓城市充滿想像的魔力。  戶外展演活動:山與海–巨人來了。圖片提供」星合有限公司 攝影」李建霖 舊城區 Living Museum 年輕的百年古城 新竹建城於 1711 年,是台灣最早建城的城市,遠早於台北,更誕生了「開台進士」鄭用錫,自古文風鼎盛,並具有許多古蹟與歷史建築,包含新竹市政府所在的新竹州廳、東城門、新竹火車站皆為國定古蹟。舊城區展覽由新竹在地工作團隊鴻梅文創統籌,串連公私部門一口氣打開「新竹州圖書館」、「新竹市美術館」、「大同 108 再生基地」、「新州屋」、「影像博物館(有樂戲院)」等 5 個承載新竹人生活記憶的老建築,其中圖書館、新州屋、大同 108 等皆為首次對外開放。 劉真蓉分享,舊城區的策劃反而是展覽中最複雜的部分,需要與公私部門不斷溝通,除了初期呈現外,更需考量展覽後如何經營,劉真蓉說明:「當策劃一個城市型的展覽會時,就要想到未來會為城市留下什麼,也同時培養未來可以在地經營的團隊,如這次也傾盡全力的鴻海文創,思考永續性或找到好的文化營運模式,讓故事可以一直延續下去。」 新竹州圖書館「重啟・未來閱讀」。圖片提供」台灣設計研究院   下篇:2020台灣設計展 策展人Q&A 資料及圖片提供」台灣設計研究院、衍序規劃設計、偶然設計 採訪」林慧慈

  • 提到「新竹」,產生的聯想大抵不離「科學園區」、「工程師」、「大風」等詞彙,然而,2020 年台灣設計展移師新竹,便是要讓大眾跳脫過往既定印象,透過設計重新認識這座既古老又年輕的城市。本屆以「Check in 新竹–人來風」為主題,由曾規劃過 2019 台灣文博會的衍序規劃設計劉真蓉擔任總策展人,邀集 9 個策展團隊、超過 25 位台灣優秀設計師,期待藉由設計打開城市,帶領人們探訪新竹的過去與今生。 設計展首次跨出單一主場館,以兩公里長的城市步行廊道橫跨新竹火車站,串連起新竹公園及舊城兩大展區,總計 11 個展館,以及大大小小的展演、市集活動,在這 11 天的展期間帶動了新竹的活力,更讓大眾驚艷到,原來新竹早已脫胎為一座「設計之城」。本次《室內》雜誌除了記錄展覽現場,更採訪到總策展人劉真蓉,及「超連結Hyper_Link」的策展人曾令理,藉由設計師的介紹,一探本次大受好評的台灣設計展精華。   策展人Q&A 劉真蓉:作一個說出地方故事的平台 Q 本次策展靈感發想? 一開始做城市的盤點與定位時,「科技」就是第一個提出的重點,其實科技對我來說是很困難的,這個名詞太過於專業,也很難簡單的陳述,但是科技已經融於新竹的 DNA 之中,評估過後決定自科技與城市/人的關係著手。另一個面向就比較有趣,我也是實地到訪新竹後,才發現自己過往對於新竹的理解十分片面,她是個有 300 年歷史的城市,文化底蘊十分深厚,同時,新竹的老文化也跟其他城市不同,由於生活圈小、年輕人口多,舊城區較少人口外移的現象,生活感仍十分強烈。 「科技」與「老城市」構成了本次設計展的兩大重點,我們想像新竹是一個代表台灣的終端機城市,所以衍生了「終端機公園」;「生活博物館」則希望民眾可以在舊城區看到新竹更有人情味的生活面貌。並且兩個展區十分恰巧地跨越了鐵道,鐵道也是新竹一個很有意思的地方,當時為了發展而建,但在百年後卻成為城市的界線劃分新舊城區。而這些場館連接起來,我們就定名為「兩公里的城市廊道」,其實這是取最短路徑,實際上包含場館大約3公里,但說出來人們就會覺得太遠了、不願意走,不過實際走完,多數民眾都十分喜歡,甚至有許多新竹人也是第一次這樣步行探索自己的城市。 「生活後台數據庫」,以6個符碼象徵著食衣住行育樂的生活面向。圖片提供」衍序規劃設計 攝影」李易暹   Q 設計展對於新竹人的意義? 設計展一直以來都有一個標語「設計改變生活」,而化成實際目標,我希望能夠讓新竹的民眾更認識自己、認識城市,並將設計展的感動延續下去。例如這次設計展,有一個很重要的目標是與新竹在地的事務所合作,例如負責舊城區的鴻梅文創、或者是與我們合作大車站計畫的見域工作室,兩者對於在地十分具有熱情與動力,在設計展閉幕後,能夠持續為地方做事,而此次的設計展便能夠提供他們策劃、營運管理上的經驗傳承。 更重要的是讓新竹人知道自己的故事,並以此驕傲。我記得有次在戶外論壇活動時,有兩個竹中學生跟我分享,他們一直覺得新竹是一個「沒有人在乎」的城市,但在這次設計展後,他們第一次知道「原來新竹也可以這樣」,這些事物一直在他們的生活中,卻從來沒被看見,他們第一次以身為新竹人而驕傲,我覺得這是設計展背後更重要的事,這種精神也會持續留在新竹人心中,讓大家以自己的生活為傲,並因此回頭挖掘自己的文化。 大同108再生基地「竹塹練工房」。圖片提供」衍序規劃設計   Q 地方策展的精神? 我並沒有主觀地認為「地方策展應該要如何」,事實上,我們的作品樣貌型態都有很大的差異,並沒有一個清晰、制式化的形象。衍序規劃設計一直在追尋台灣每一片土地的故事,2019文博會是在講台灣的故事,呈現百年文化的縮影,地方的文化、個性,這也是我們賦予自身的使命,每個地方都有鮮明的人、事、物及故事,他們只是尚未經過整理與傳承,我們希望作為一個平台,去蒐集、連結眾人,讓在地的人去說出在地的故事,而我們僅是以自己的經驗編輯、呈現,對外讓故事被看到,對內讓在地人理解創新,呈現出文化的當代樣貌,我覺得我們最重要的工作是「傳承」,或許沒有實體的紀錄或收穫,卻能留下無形價值。   Q 如何橫跨建築與展覽領域? 雖然衍序團隊是自空間、建築起家,但我們並不僅專注於純建築,相反地,我們的團隊都很喜歡「開放城市」的觀念。在我們剛開始執業時,這在台灣是一個比較新的概念,需要綜合研究能力,而建築教育其實一直訓練學生去研究、思考,使我們相較其他策展公司更具有策劃這種展覽的能力。剛好台灣近幾年越來越重視本土,講求地方自明性,這些在地的公私部門會期待你給出一個「處方簽」,但因為沒有過往經驗,大家也無法想像可以怎麼做,衍序常常是第一個嘗試的團隊,唯有成功之後,人們才會開始理解。我常跟建築、空間設計的學生建議,盡量讓想像更加「跳脫」,不是人人都要當蓋房子的建築師,台灣的建築教育包含了許多邏輯思考訓練,可以嘗試以建築的思維去做更多整合性的規劃。   走進新竹終端機。圖片提供」衍序規劃設計 攝影」李易暹     曾令理:科技賦予我們發言的權利 Q 如何打造老少咸宜的展覽? 我們希望每一個人進入展館。都能感受到樂趣,如 A、C 展間都是體驗性比較高的空間,B 展間或許對於長輩來說比較難懂,他不認識這些 youtuber 是誰,我們就在 A 展間安排了一個巧思,在體驗完設施後,會簡單地分類、配對一個 B 展間的人物,引導觀眾產生好奇。我曾經看到一家人來看展,孩子會向父母介紹這些 youtuber 是誰,而父母會跟孩子講解 D 展間的物品是什麼,雙方互相都能了解自己不知道的領域,這也是我們在 D 展間省去解釋性文字的原因,期待觀眾能因此產生對話,同時也考量觀展人潮,大家不會有太多時間閱讀說明。 這次的展覽跟許多年輕世代合作,他們也不希望展間裡有太多長篇敘述,使展覽能有別於博物館,根據世代接收訊息的習慣調整,我想這是這個時代的特色之一;另一個特色便是「拍照點」的安排,以前我自己聽到也會覺得有一點膚淺,但人們如何紀錄下這件事是重要的,因為手機攝影的普及,不只年輕人,很多長輩也會希望能保留難得的一次出遊回憶,設計應該回應這個世代的需求。 D 展間以大量近 20 年來的科技文物呈現出龐大的科技產業鏈。圖片提供」偶然設計 攝影」汪德範   Q 展覽機能面需求? 在規劃展覽空間時,除了主要展區外,也有許多隱藏的空間需要注意,例如志工休息室、儲藏間、臨時動線等,「超連結」裡就有 3 個藏起來的辦公室及 3 個不同的臨時動線。另外像無障礙空間的規劃,我們所有的走道都有保留 1.8 米到兩米的走道,讓輪椅使用者可以輕鬆穿梭,互動式裝置高度也都有考量,另外設立較矮的操作機台給輪椅使用者與孩童。同時,考量到設計展需要消化的大量人潮,我們也有刻意保留空間的餘裕,空景的時候或許會有一點空白,也曾經有長官反應需不需要增加展品,但我們希望能給觀眾較為舒適的觀展氣氛與安全性,設計時便想像同時 100 人存在空間中的狀況,能加速消化人流也是這次空間設計較為不同的考量之一。   Q 科技對於您的意義? 我感受最深的,是科技賦予我們發言的權利,網路、WI-FI、手機的發明,讓人們更容易接觸到外面的世界,享有接收與分享資訊的自由。因為從小就在網路時代下成長,我們會看到一個人因為一句話獲得認同,而被瘋狂分享、被採訪,會開始覺得「我的觀點是重要的」,進而影響年輕人也越來越願意討論公共議題、甚而從事政治工作,因為他們覺得自己的聲音是有力量的。我們也希望把這件事情放入展覽之中,因此在A展區把人們的影像投影放大,讓參觀者親身體認到「科技使我更容易被看見」,B 展間的youtuber其實也是同一個概念,以前要錄節目,你需要經過電視台、大量工作人員、各種訊號的關卡,但現在隨時拿起手機,你就可以直播訴說你想講的事情,或者觀看別人的影片,這是經過眾人的努力,推動科技進步才能享有的景象。 A區「放大連結」將觀眾的臉龐鋪上科技刺青,並即時投影放大至牆面,象徵科技賦予人們「被看到」的權利。圖片提供」圖片提供」偶然設計 攝影」汪德範   Q 身為新竹人,如何看待此次設計展? 我2018年從國外回來,就感受到了新竹的改變,現在大家看到乾淨美麗的公園及廣場,以前都是又臭又髒,根本沒有人想要靠近。我覺得在設計展裡,設計只是很小的一個部分,更重要的是透過這個活動讓市民走出他的舒適圈,我有很多朋友,根本不知道新竹公園,也很少走進舊城區,他們可能就在竹科上班,下班就回家、周末去別的縣市玩,因此也不知道新竹已經有所不同了。但近幾年來市政府一直在推動,包含東門市場、圓環、隆恩圳的改善,帶動周邊街道、新店家的進駐等,這次的設計展將新竹近幾年來的轉變一次呈現在市民眼前,利用新竹獸讓大家發現。對於新竹人而言,榮譽感起來了,大家有感受到新竹形象的轉變,是一座在前進中的城市,而設計展讓大家,不管是市民或者外地人,越來越多人看見,城市就會進步得更快。 「check in point」,為斑馬線添入設計。照片提供」彡苗空間實驗  攝影」丰宇影像 資料及圖片提供」台灣設計研究院、衍序規劃設計、偶然設計 採訪」林慧慈

  • 2020 年第 13 屆台灣室內設計大獎(Taiwan Interior Design Award, TID Award)競賽在 9 月 25 日舉行線上頒獎典禮。從今 年 1 月開始徵件的 TID Award,在 7 月 1 日公佈複審得獎名單,延續去年開創的不分類形式,端看作品設計成果做評選,希 望讓許多優秀的作品被看見。  TID Award 台灣室內設計大獎,從創辦以來為台灣以及亞洲的室內設計領域帶來新氣象。今年因應新冠疫情,TID Award 將頒獎典禮改為線上直播方式進行,雖然得獎者不能親臨現場,仍可透過即時連線,與觀眾分享得獎的喜悅。 本期《室內》介紹本屆 TID Award 台灣室內設計大獎的年度大獎、金獎、新銳設計師獎以及評審特別獎作品,邀請得獎者 分享得獎感言,作為創作心得的重要回顧。(名單請依據 TID Award 及 CSID 官網公佈為準。)   年度大獎  窩流餘燼|EMBERS 曲木吧台空間 曲墨建築師事務所 / 郭恩愷  「窩流餘燼」用雙條紅銅箍起64棵柳杉實木作為吧台空間中島,體現木業製材、堆材乾燥工序的樣貌,作為提供餐廳酒水工作站使用機能,在其內部藏著專業冰櫃、水槽設備及餐具收納等實用工業機能,並在現場以燒杉碳化工法加強耐潮目的。透過蒸氣彎曲樹吧台的工藝呈現,將餐廚機能共築於餐廳核心空間,提升國產材另一生命面貌與體現林木業於工業的永續價值。  得獎感言:無比榮幸地感謝 TID 評審青睞,將 TID Award 最高榮譽獎座—年度大獎頒給了 最小入圍作品尺度的我們。EMBERS 不只是餐廳,「窩流餘燼|EMBERS 曲木吧台空間」是我們從心認識台灣土地開始,我們從林業、木業、各行各業職人精神走起。感謝森林教我的事,感受樹、感謝樹、用手思考建築。  TID評審特別獎  當代集會場-都市願景館 陳漢儒建築師事務所+衍序規劃設計顧問有限公司 / 陳漢儒、劉真蓉、 Alessandro Martinelli  建築採用台灣常見的溫室材料與構築方式,以臨時性易拆建的結構系統讓建築對環境的衝擊降到最低。環形中空的建築型態讓人可以從各個方向穿越,藉由建築材料將空間的內與外、私密與公共相互重疊、包圍、模糊,使得建築完全融入桃園的城市景觀及空間之中,也為政治性的建築空間提供了另一種的可能性。  得獎感言:選舉是民主必經的過程,競選總部卻常常成為專屬於特定族群的造勢空間。感謝這次有機會重新思考競選總部的機能,都市願景 館透過三個開放的入口,連接街道、公園與溪畔,結合活動展演,創造與大眾共同想像城市願景的基地。 Comma Lab 柏成設計有限公司 / 邱柏文、王菱檥、鄭筑嘉 新北市政府 Comma Lab,是一個打破傳統辦公模式,突破限制與框架的開放場域。將台灣傳統的「辦桌文化」精神帶入空間中,使用者可以將帶有不同弧度的圓桌拆解應用,利用鍍鋅鐵板移動空間,紗質簾幕保留隱蔽性,並減少展板一次性材料的浪費,期待創造一個友善環境,將新北市政府與市民之間的情感連結在一起。  得獎感言:For the government to challenge the design and the willingness to open up for experiments is a major step. All the credits must go to them. For designers, there is a huge opportunity in this sector, however, we must approach it with heartfulness, openness, positivity. If we do that, Taiwan can and will be seen through design. (對於政府而言,挑戰設計並願意嘗試實驗是很重要的一步,所有的功勞必須歸功於他們。對於設計師而言,這是個巨大的機會,我們須以誠懇、開放和積極的態度來面對。在與政府的持續合作下,台灣的設計能量將被世界看到。)  新銳設計師獎  木九十概念店 深圳市大森設計有限公司 / 李京澤 作為「木九十」在廣州的首家概念店,摒棄時下傳統零售的 刻板思維,試圖創造一個在情緒上去引發共性的商業空間。在空間中,將產品與裝置中的元素相結合,停轉的「機芯齒輪」是空間的記憶點,向人們輸出品牌的故事、情節以及商業零售的發展面向。  得獎感言:DAS Lab 嘗試用當代語言解讀品牌內核裡「造型」與「匠心」的沉澱物質,是對「恆久」的一種隱喻。木九十概念店的設計是 希望將產品與裝置中的元素相結合,向人們輸出品牌的故事情節以及商業零售的又一發展面向。在此感謝業主的委託和信任,感謝評委會的對我們團隊肯定和鼓勵。 境域・鏡遇 湘禾國際設計有限公司 / 周奕伶  「百年品牌 + 百年老屋」是設計師最初始的概念發想,從天花板封存於壓克力的種子燈開始,至茁壯成長為大量運用於空間中的木材,乃至於 1 樓凝聚視覺焦點,將長達 5 米的台灣杉木一分為二,打造獨一無二的相機展示平台,象徵著企業精神的同時,也緊扣著用時間醞釀空間與品牌的主軸。  得獎感言:謝謝評審團隊的肯定;業 主元佑集團的信任、工程團隊澄瑭工事的全力以赴、設計圈好友們的經驗分享以及家人們一直以來的支持,才能完成這個作品。經歷了一連串設計大革命,不斷在思考,怎麼把更多精神層面的意義融入在空間中、怎麼讓設計與使用者產生互動、怎麼在保有舊建築框架下與新生命產生連結、怎 麼透過設計呈現出更深層的品牌形象 ......。過程中的層層關卡,是挑戰也是風景,每一刻都特別珍惜。獲獎是肯定也是責任,未來會繼續努力, 謝謝大家。  金獎  月廬 深圳市大羽營造空間設計有限公司 / 馮羽  「月廬」的立面形狀源自客家圍屋的月沼,任何人想進入「月廬」只能低頭進入,不管你是誰,不低頭不會有入口,低下頭四周便都是入口。設計師希望喚起時代共同的鄉愁—請低下你的頭,請有謙卑之心,做個謙虛之人;透過朦朧的屋頂,能想起些月裡的故鄉,能喚起些那失去的、源自本來的鄉愁。  得獎感言 :「月廬」 所探索的是當下這個極度自信時代裡的謙虛謙卑問題,是讓每一個高昂、有著自信眼神的人們想起「低頭」這件事。 因為進入「月廬」只有「低頭」,是用建築的形式讓人們低下頭。「低頭」看破,「低頭」有路,因為我們的當下很缺失這一切。感謝台灣 TID 用心讀懂了我所講的一切,感謝TID給了我這個最高獎,馮羽倍感榮幸。我將再次向前,為探索現代的中國人文美學鞠躬盡瘁。我愛台灣,再次感謝! 台電電幻 1號所 卡爾吉特國際股份有限公司 / 許詩盈  台電電幻 1 號所以「電」為底蘊,以 「電流」代表運作,最終以「電能」 象徵影響力。延伸電力的相關概念及知識,透過美感與設計,打造出讓民眾得以親近與走入的全新場域,並加入maker共創公共參與模式,打造教育、 科技、藝術、人文的共同平台。以地方創生及社區設計轉化空間功能,強化民 眾對台電的綠色永續印象,並建立觀眾 能源自造的永續思維。  得獎感言:「D/SONE電幻1號所」以品牌創新角度,導入數位科技、藝術、maker,整合跨領域團隊技術與創意,建構一座「非典型」綠能教育體驗館。策展設計過程,感謝業主台電對創意工作者的包容與信任,顧問以及所有團隊夥伴的專業投入,開幕至今並獲得大眾的歡迎與讚譽, 讓此項目獲致業主、設計師、參觀者三贏的成果。感謝 TID 評審委員的肯定,對於不斷挑戰自我、創新設計的我們而言,是最大的鼓勵!謝謝! 長沙銀興萬影匯國際影城 壹正企劃有限公司 / 羅靈傑、龍慧祺  此項目是將電影的不同表現形式拆分後,再通過設計呈現於影院空間中。採用傳統擴音器作為設計主題,將傳統擴音器的喇叭口造型拆分並再創造,融入到整個影院的大堂、影廳、衛生間、走道的空間之中,座椅、燈具、牆身造型也有異曲 同工之妙,既結合整體空間,也把握住細節的呈現。  得獎感言:今年兩個項目獲得 TID Award,其中位於長沙的專案更是獲得第 13 屆 TID 金獎。雖然受到疫情影響,頒獎改為直播形式, 但是緊張和興奮的情緒如同在現場一樣感同身受。我們會不斷挑戰和突破設計邊界,希望大家喜歡我們的設計。 兆兆茶苑 合風蒼飛設計工作室 / 張育睿 考量到這座茶苑的設立初心,將烘茶空 間設計在1樓,讓來客在街上行經時便能聞到淡淡茶香,入門後親眼見到師傅焙茶與製茶的過程;並以「陋室」的概念為整體氛圍定調。希望能夠帶給使用者不只是視覺上的美學,也期盼能在這個空間中經驗到味覺、觸覺、視覺、嗅覺的美好體驗。  得獎感言:「兆兆茶苑」是探討台灣茶文化在老屋中如何體現的設計案,在這個充滿實驗性的場域內我們以「陋室」為主題作為提味,希望呈現一個在地的茶空間,非常謝謝TID評審給我們肯定。 大樂之野・中衛精品民宿 深圳市大森設計有限公司 / 李京澤  大樂之野位於黃河岸旁,一共規劃了 15 間客房,沒有統一的房型,透過試驗不同的模型、尺度和材質重新審視人與自然的關係。建築基本遵循當地民居風貌,將室內活動的更多可能性延伸至戶外。室內空間的設計中充分地考慮了光的作用,構築出光與場所的精神性,激發出人們強烈的情感共鳴。  得獎感言:「大樂之野・中衛精品民宿」不僅是一個地標性的建築,我們希望將建築隱匿於自然,在每個不同的環境中挖掘空間性格、飾演不同的模型去重新審視人與自然的關係。在此感謝業主的選擇與堅持,也十分感謝評委會的認可,這對我們 DAS Lab 團隊是最大的鼓勵。 光影白立方 查設計有限公司 / 查皓淳 此案件在老舊社區中以通透的身姿融入街區,以沖孔鋁板與實心混凝土兩種材料和裝飾性的功能性設計,將其形塑為簡約純粹的精神殿堂休憩之所。巧妙的鏤空、懸吊設計與天窗,配上幾何量體的家具,讓光影自室內穿透至樓層之間;2 樓廚房做為一日的活動核心與聚會場所,更能滿足多元年輕家庭活動的功能配置。  得獎感言:感謝大會、評審的肯定。查設計 ChArchiLab 是一間很年輕的公司,很榮幸可以在第一個案子就獲得TID金獎的殊榮,希望未來我們可以保持初心,以簡單、精緻的風格,以及ChArchiLab之中的Lab,在室內、建築相關案件中,持續以研發、研究、實驗的精神,改善人 們的生活,透過空間和環境的建立,找到與生活的答案。 紙屋簷 本埠設計 | 蔡嘉豪建築師事務所 / 蔡嘉豪 「紙屋簷」是關於教育部美感教育計畫成果展的空間創作。 紙張作為日常生活中創作美最普遍及接觸使用的材料,是美學教育的初始,不同的紙依自身重量、質感、張力與透光度、硬度等展現相異的特質,紙在拉扶之間產生自然且輕巧的垂度,也在拉開帷幕之間產生空間,以此材料作為空間創作的出發,作為展覽主角,並可在活動後拆卸回收回歸學校教育使用。  得獎感言:「紙屋簷」獲獎是對於教育部美感教育團隊以及我們設計團隊的一大鼓舞,相信美可以更生活的進入教育中,讓每個人感受到,也感謝過程中每個相信我們、鼓舞我們的朋友,讓這個略具實驗性與挑戰的設計可以完美呈現,我們會繼續努力,為我們的環境創造美好。 期望的家 梁築設計事務所 / 徐梁 本案是關於家的改造空間,依照建築式思維,整合室內相互穿插 的界面,帶來多維度的空間層次;人與空間的關係,得以在自由與平衡中達至共生。自然光是業主們最期望的,如果能讓陽光在室內進行變化和流動,讓陽光能夠停留或對話在多個空間,對他們來說是奢侈的,設計師將這奢侈的光給予業主,成全這份特別的溫暖和期待。  得獎感言:非常感謝TID主辦方,雖是線上頒獎典禮,也沒有及時連線成功,當我們重播頒獎典禮時依然是非常激動,期待著那刻的到來,34 歲那年首次參與 TID 就給予了我們金獎和新銳的肯定,如今再次獲得肯定,也是給予了我和團隊所付出努力的肯定,更是我們堅持好設計的榮耀,感謝我的團隊、甲方以及所有為此項目付出的朋友們,我曾經說過一生只走一條路,一生只做一件事,就是設計。 湖泊下閱讀 水相設計有限公司 / 李智翔 預期未來社區應用的藍圖,從1樓入口開始建立串連在地記憶的地景。過往村鎮生活總以老樹為集會核心,而茶又是老廈門的文化主軸及精髓。摒棄了矯飾與刺激感官的色彩,回歸溫潤、自然質樸的材質,並維持純粹的質地與觸感。以直覺性的線條架構空間,撇除過份具體的功能框架,希望以設計能尋回圍繞著樹相聚、閒話家常的群體凝聚引力。  得獎感言:感謝評審的肯定,這是一個試著回到過去的案子,喚起人們對老廈門的記憶,所有的行為都是從一個大樹開始,在湖泊下閱讀、嬉戲、品茗,連繫著三代情感的社區中心,賦予社區一處獨立於喧囂的靜謐之所。 樹屋之間-盒裡盒外 合風蒼飛設計工作室 / 張育睿  取自森林的樹屋概念,將每個居室視為單一的建築。除了自然有機的居住形式、打破既有空間模式與生活互動方式之外,希望「有趣」能夠成為這個案子另一個核心概念,在兼具空間詩意與質感下,讓能夠在生活的過程中確切地感受到空間的趣味,在經驗到不同的生活同時能會心一笑。  得獎感言:樹屋一案是我們觀察、仿效自然所呈現出的居住空間,運用懸吊系統及豐富有趣的動線,希望創造另一種居住可能性與不曾想像過的陪伴方式,非常謝謝評審對我們住宅實驗的肯定。 謐境 南京雲行空間建築設計有限公司 / 潘天雲 佈局保留居住需求,將原有三個臥室保留其一,其他改為衣帽 間、冥想室。原有次衛拆除,擴大餐廳空間,騰空出門廳區域,增加空間過渡,客餐廳相合,目光所及一覽無遺。空間照明僅保留四處頂燈,其他均採用間接照明;客廳頂面弧度錯落了燈光,傾斜而下,光源逐一分散,配以地燈、燭光,輝映木質牆體的空靈。  得獎感言:感謝 TID,TID 獎一直是長久以來的願望,作為一個新的起點,是鼓勵也是壓力;感謝團隊的支持,我們將一直通過建築的思維方式去思考空間關係,在空間設計中探索和實踐,賦予場所新的物質與精神的感受,道阻且長,仍需努力! 再啟程之前 回顧與祝福 趙璽 / CSID 理事長  恭喜 2020 年第 13 屆 TID Award 台灣室內設計大獎所有得獎者,感謝所有評審團成員的辛勞,受到新冠疫情(COVID-19)影響,今年採用線上頒獎典禮,寫下全亞洲在線觀看逾 40 萬人的新紀錄,創造頒獎典禮另一種不同的模式。  今年共計 35 類、810 件報名,94 件得獎者當中不乏非常亮眼的作品,經過評審團主席龔書章老師等 15 位國內外資深評審數輪的激烈討論而產生。TID Award 一直試圖用台灣的眼光看待亞洲設計的新企圖,用台灣觀點探討設計新方向,「如何找到生活新型態的再現」、「如何讓設計對環境、社會引起共鳴」、「如何幫助材料、技法再革新」、「如何找到屬於文化與在地的思維」、「如何用設計與國際對話」將會是室內設計專業被賦予更多的使命。  本屆在延續 2019 年金獎不分類的原則下,看到比起以往更多元的作品受到評審青睞。今年更大的亮點在於設計師大幅年輕化,新銳獎爭取更加激烈。我們觀察到,新銳作品大小並不是關鍵,而是積極展現成熟與內斂的氣度及自信,是今年 35 歲以下年輕設計師的共同特色。評審團特別獎是臨時公共設施以及政府部門的開放空間,希望藉此喚起公部門與社會性設計的重視,在未來讓美學與服 務深入生活,從公部門開始引領改變。眾所矚目去年新設的 TID Award 年度大獎,主要探尋是設計在走出風格外,如何帶領材料、機 能、工藝等更多串連與整合,以達到作品整體的極致性,評審團一致的決議證明作品規模不是重點,而是重在內涵能否看到回應時代 中的目標與意義。  2020 年的大環境令人憂慮,在後疫情時代,室內設計師如何以專業思考空間與使用者之間的關係是未來的探討重點,人與人的社交距離將重新定義空間與心靈的關係,讓設計繼續向前思索未來更多的可能,協助人們不安的心情回歸平靜與和諧。我們期望,每一 屆 TID Award 都能給予每位設計工作者一個不同的思考與態度,讓參賽作為一種自我反思,審視自己在這一段時間所努力思考與完成的工作是否能得到平行時代中的認同與肯定,藉以提升自身視野並探尋自己下一步的未來。再次恭喜獲獎者,期待下一屆更精彩的作 品。 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」中華民國室內設計協會 CSID、本屆獲獎各大事務所

  • 由國際照明設計大師周鍊擔任評審團主席,第三屆台灣光環境獎將於 12 月 11 日舉行頒獎典禮,揭曉最終獲獎作品。自 5 月起,經歷漫長的徵件、評選過程,主辦單位中強光電文化藝術基金會表示,今年報名情況踴躍,類型涵蓋都市、景觀、建築、室內、展示、藝術等不同領域,評審團就設計概念、環境功能、永續發展、創意表現等 4 項評分標準,於 9 月下旬公布 20 件複選入圍名單,並於 10 月底公布最終 7 組決選入圍作品,包含歷史建築、自然景觀及藝術作品等,將一同角逐最終獎項。 《室內》至今已連續 3 年深度採訪報導台灣光環境獎,本期亦將在頒獎典禮揭幕前搶先為讀者介紹本次入圍的 7 件精彩作品,並邀請主要設計者分享感言。儘管 2020 年許多活動皆受到疫情影響,本屆光環境獎仍如期於年底舉行,猶如點亮一盞希望的燈,透過傳散並獎勵「最美的光」,為陰霾遍布的一年畫下光明的句點。   決選作品介紹 大溪歷史光廊道 本案位於大溪老街西南側,沿普濟路規劃,經過蔣公行館、公會堂、武德殿等等歷史建築,團隊以光作為連結歷史及現代的串聯,利用建築臨街面呈現的歷史感及舊木材溫潤質地,並突顯老樹剪影,期待使觀光客停留至夜晚,也為鄰近居民提供夜間休憩空間。本案以完善的燈光規劃,提升視覺層次,並尊重在地的人及動植物生活習慣,細心規劃燈光布局及層級,塑造人文與自然共享、共存的友善環境。 整體規劃自宏觀視角出發,用全區分析的概念,研究大溪的文化、人文、歷史背景,以及區域視覺焦點、建築特質等,提出照明的重點,再以不同層級的光串聯起一個漫遊博物館的廊道。並期待藉由已完成的建築照明,引發居民對友善光環境的認同,在尚未整理的歷史建築,或者居民自有的老宅,都能以相同的思維及態度對待,將大溪的夜間塑造為具有歷史溫度的光環境。照片提供」大溪木藝博物館   月河燈光設計有限公司 / 鄭玫君 林佩縈 劉家銘 首先感謝大溪木藝博物館,對夜間光環境的重視,讓我們可以參與大溪區域的光環境計畫,認識及體驗到大溪美好的人文歷史環境。面對如此豐富的文化歷史資源,我們希望從更宏觀的角度來建構整體光環境的藍圖。先有整體計畫與分析,再得到概念及願景。更藉由示範區域,從壹號館、公會堂、蔣公行館及武德殿的周邊景觀執行細部設計,並豐富夜間視覺意象。使居民感到驕傲舒適,潛移默化進而認同良好光環境的重要性,並深植居民心中。 期望將來,會有更多優秀的燈光設計及施工團隊參與,一起在高度的共識下,讓大溪再度文雅的發光、發亮。很榮幸可以入圍2020台灣光環境獎的決選名單,並感謝中強光電文化藝術基金會,用「光」將大家串聯,成為光的伙伴。   LIGHTWELL空間藝術裝置 「Lightwell」是一間展覽空間暨選物店,基地坐落於台北市中山站周遭。是現在少見保留有天井的四層樓老屋,藝術裝置即倚著天井而造,自2樓延伸至天頂,借用了天井引入的日光,使光線成為色彩的一部分,夜間則啟動動力燈光裝置,呈現更戲劇性的變化。作品定名「光區」,透過輕盈的光學壓克力材質與炫彩鍍膜,讓觀者在行走於不同樓層的時候,能看見因不同光線反射、折射出的獨特色彩。 藝術家高德亮說明,作品企圖討論兩個面向:第一為建築本身,業主十分難得地保存了完整的建築格局與少見的天井,樓梯也具有50多年的歷史,吸引他去思考、嘗試串聯光線、空間及人移動的行為;其次則為感官體驗,在網拍盛行的年代,實體商店如何吸引客人至店面消費?高德亮提到,實體消費的「經驗」應是最無可取代的,因此藉由本作時刻不同的變化,期待能吸引客人多次來訪。   藝術家高德亮 本次入圍「2020台灣光環境獎」實在萬分意外,從未想像過首次與商業空間合作的結晶能夠入圍這獎項。很高興能透過藝術創作者的觀點與切入為大家帶來有趣的作品與體驗,也感受到入圍作品的多元開放,不同意義層面的「光」都有被好好的審視。 本次入圍作品各具特色,我們的作品規模雖然不大,但同時也因此讓業主、空間設計、藝術家三方的意見交換更為緊密,並試圖透過「光」去觸動網購無法取代的實體購物體驗,同時讓訪客能夠透過觀賞作品的過程中找到自身與這座建築的關連,乃至於更強烈的意識到自己的身體感官與存在。在合作過程中,最難能可貴的是三方之間的互相溝通與配合,並對彼此的專業能夠充分的理解與信任。讓我們能夠在光、建築、藝術作品之間找到最理想的呈現方式,進而更聚焦、更精準的把創作核心傳遞到觀眾身上。   河樂廣場 台南河樂廣場前身為商場「中國城」,後因道路工程而沒落,成為都市治安死角,在 2015 年台南市政府以競圖方式交由荷蘭 MVRDV、都市里人規劃設計有限公司、李麗如建築師事務所重新規劃為親水廣場,也保留部分建築結構,打造新舊並存的都市景點。照明設計部分以減法原則,將燈光整理為點、線、面,以輕巧手法處理本案相當繁複的新舊建築細節。 主建築師要求希望照亮遺構十字交叉的節點,以強調出塊體的巨大感,三頭投射高燈使用與遺構相同的 6 瓦 20 度角燈頭,區域性照亮樓梯出入口,強調出「面積」。另外扶手部分也結合燈光,溫柔地描繪出河樂廣場基地的邊界線,並於水面高程退縮線設置香菇狀矮燈,強調人造潟湖的有機曲線,對比基地方正的邊界,也透過不同色溫營造感受及氛圍的差異。圖片提供」Daria Scagliola   立恆燈光設計有限公司 / 洪立涵 自 2015 年12月舉辦府城軸帶競圖,一直到2020年3月整個計畫案執行完成,將中國城改造案正式對外開放,命名為河樂廣場。5年,對於燈光設計業來說,是漫長的。 河樂廣場本身是一個以「減法」為概念的設計,當占地約 3000 坪的大樓被夷為平地,被進一步設計成下沉式的親水廣場,照明便自然而然的,順著「都市潟湖」、「節能減光」的設計概念走,並使用水中太陽能磚的安全配置,作為本案點、線、面的布局。 如果,建築是小說的文本,燈光就是為這個文本寫一首詩。感謝中強光電與評審們,肯定這個以減法做照明的潟湖親水公園。   司馬庫斯無藍害部落 攝影」趙宇晨 司馬庫斯位於新竹尖石鄉,有「上帝的部落」的美譽,也是全台最後一個通電的部落,但在電燈進入部落後,卻發現大量昆蟲死亡的情況,衝擊了當地的生態。由清大周卓煇教授團隊於2012年發表的類燭光OLED燈,可有效避免藍光帶來的危害,不僅對於人體有許多助益,更能維護自然環境。 周教授與部落牧師認識多年,他表示,在與司馬庫斯部落推廣類燭光OLED燈時有一件事情令他印象深刻,無論周教授提出多少對於人體的好處,族人都沒有同意使用,他們最在意的反而是「燈光是否會傷害昆蟲、傷害生態」,令他十分感動。因此自2015年開始陸續在部落裝設近百盞的類燭光OLED路燈,更使用當地的朽木為媒材製作類虎頭峰巢造型的燈罩,讓燈具融於當地景觀之中。在夜晚點亮時,柔美的類燭光有如夕陽餘暉,成為一條夕陽小路,打造「與萬物共生」的夜間環境。   清華大學周卓煇教授團隊 / 周卓煇 「司馬庫斯無藍害部落」入圍,是一件令人非常高興的事;雖然身處高海拔地區,司馬庫斯卻是擁有高全球能見度的部落;她吸引人的地方有,保留最完好的泰雅語言、文化,捍衛最完好的林木、生態;這一次,族人終於成功引進正在改寫人類12000年照明史、無藍害、無空污的燭光OLED照明;美麗的夜空,再次耀眼呈現;夜間的生態,再次回到原有的豐富。 清華大學OLED照明團隊,也想藉此邀請大眾到司馬庫斯看看,看夕陽餘暉的燭光灑落在地面時給人的感動。「捍衛森林」,是司馬庫斯族人獻給台灣最珍貴的禮物;不變的是,這次他們要用全方位友善的燭光OLED,來保護生態、保護夜空。來到司馬庫斯,走在夕陽小路的燭光路燈下,低頭可以看見「夕陽餘暉」,抬頭可以仰望「銀河星際」。會讓你倍加驚奇的是,未曾開過的「暗視覺」竟然打開了;除了肩頸鬆舒、眼壓消逝之外,人們開始看見暗黑下才有的美,聽見寂靜時的呢喃。來吧!山上的空氣,是你愛的,再加上一口山水的甘甜,你或許會說:「夫復何求!」   汀甫圳通學巷 汀甫圳位於新竹市中心偏南方,是新竹兩大主要灌溉水系之一,全長約15公里,本案新竹市政府委託整理的部分為交大博愛校區的校界,因為圍牆而產生校園死角,同時周遭亦有居民加蓋違建、私設菜園等狀況,原先為任何人都不待見的「後門大水溝」。設計團隊希望扭轉環境給予居民的印象,因其平行學府路,途經交通大學、新竹高中、東園國小等7座不同的大學、高中小學,團隊在「溝通 」上花費許多心力,不僅說服交大拆除此段圍牆,也協調民眾自拆違建,最終打造一條學子能安心步行的「通學巷」。 環境部分亦調整步道配置,透過香草植栽,加設誘蝶誘鳥的生態綠帶,並拆除原先的水泥欄杆,使用目前所見較為簡潔的矮燈柱設計,形塑了有寧靜夜晚氛圍的步道,另外高燈柱的部分則刻有「交通大學」字樣,取代原有的校界圍牆。設計師提到,本案所使用的燈具十分簡單,但以欄杆跟界線的概念塑造了一整條線性的燈光,並使用暖色燈光,提供鄰近居民夜晚悠閒散步的綠徑。 環藝工程顧問有限公司 / 潘一如 汀甫圳平行學府路,臨交大博愛校區段,原是校園邊際死角及住宅後巷排水溝的都市開發剩餘空間,沿線小學、中學、大學計有7所學校,在以落實安全步行、創造通學巷弄的公益前提下,所有參與規劃設計施工的、在地久居、久用的民眾、學校來往通勤的師生,經過了數以百計的溝通協調遊說,終於一致認同了,拆除私用,共創公共步行的理想巷弄。24小時的步行安全與賞心悅目,是開放空間的夢想實踐。 夜晚的悠情生活巷弄,一直是都市空間裡不可能的任務,有幸克服了交大、竹中圍牆的邊際限制,納入了校園空間,讓量身設計的燈光,成了校界兼開放空間的照明,光線灑在花木扶疏的樹影與群蝶飛舞之間,成了鄰里夜晚生活的溫馨園地,更成了夜行人美好安心的步行經驗,光與希望劃成了等號!獲得認同,真心喜悅!   心靈的母親-新港媽祖 攝影」趙宇晨 嘉義新港奉天宮為百年古蹟,也是每年的大甲媽祖遶境的終點,每年會有上百萬的信眾來此處參拜,在信眾心目中具有崇高地位。設計團隊微槓桿有限公司以創新研發的「微型光學無段變焦投光燈」獲得廟方青睞,燈光刻意加強廟宇與周邊環境的對比,讓每年遶境的民眾在遠方即可見到建築氣勢輝煌的門面。 燈光自外圍投射,聚焦於中央的金字招牌,不破壞古蹟建築的美感,亦不造成周遭眩光;進入廟內,燈光照明將廟宇雕梁畫棟的細節依照層次清楚地呈現。另外最主要的媽祖神尊部分亦經過機密的光學計算,微型機具可以巧妙地隱身在不起眼的角落,讓神龕玻璃不會反光,垂簾下也不會出現陰影,清楚地照亮信眾心中的女神,呈現出媽祖如母親般的慈祥面容。   微槓桿有限公司 / 蔡弘翊 年少曾經歷過一次重大車禍,在鬼門關前走一回,也迎來漫長的照護與復健之路,父親曾說:「孩子是父母一輩子的事」,我才深切體會雙親無怨無悔付出的愛,是那麼無私與偉大!此後,我便潛心跟隨父親身邊學習,勤以所學開發「無線遙控探照燈」,並獲得經濟部「創新技術研究獎」,感恩上天與父母給予我的肯定! 透過為南藝大教授訂製古物修護照明的機緣,我意外地跨入廟宇照明領域,並與媽祖結緣,希望以畢生所學,為廟宇文化奉獻一己之力。媽祖是心靈的母親,當眾生徬徨無助時,慈悲的媽祖猶如母親般,在黑暗中點亮一盞明燈和希望!受到神明眷顧垂憐的我,用燈光詮釋上天與父母的疼惜,沒有花俏絢麗,巧用微型燈具的「無段變焦光學科技」,真誠呈現心靈母親的光輝。   總統府 總統府作為政治中心與精神象徵,具有多層次的意義,然而原先的照明經過時間變遷,已不符合現代節能及維修的需求,又2019年恰逢總統府落成100年,因而產生此次照明美化更新的機緣。設計首先需要整理周遭道路光源,積極與各部門溝通、協調,從人眼舒適的亮度推算,制定以總統府為首,景福門與凱道次之的照明主從關係。   此外,本案運用燈光智能系統,使得照明會自動隨天色及時段的變化而更改場景,依照每天落日時間的不同,在天色暗下前10分鐘提早點亮建築。陳宇晃設計師表示,設計的初衷希望以總統府的光表現國家的意義,像在一片漆黑的大海中看見燈塔一般,令人感受到安心與溫暖。希望夜晚的總統府能表現不同於白日莊嚴神聖的面貌,更加柔和、傾聽,因此選擇溫暖的光色,拉近總統府與人民的距離,另外在深夜仍保留中央塔樓的微光,使其如同精神指標般,陪伴人民直至天明。 原碩照明設計有限公司 / 陳宇晃 本案對我來說是難得可貴的機會,因為總統府的地標性,讓民眾可以透過光,了解並重新認識總統府、也可細細品味「光與我們」之間的關係。2020年發生了很多事情,從年初的總統大選到新冠肺炎的疫情,我們希望總統府的光,能傳遞正面且溫暖的力量,帶給大眾安定感且能撫慰人心。 猶記年初的選舉前夕,兩派政黨分別集會在凱道上,雖是不同的顏色與立場,但唯一不變的是靜靜點著光的總統府,這個畫面實在讓我感動。因為只有這塊土地特有的民主精神,才能容納不同的聲音;只有我們深厚的民主涵養,才能以謙卑的光與民眾對話。 資料及圖片提供」中強光電文化藝術基金會、各入圍單位 撰文」林慧慈

  • 2020年金點設計獎將於12月11日假壹電視大樓舉行頒獎典禮,於此之前,執行單位台灣設計研究院甫於11月下旬先行舉辦2020金點設計展,邀請新銳策展團隊「山陽山陰」操刀,首度獨立命題,以「ZONE」一詞作為展覽主軸,營造令人沉浸、忘我的嶄新觀展體驗,企圖激盪出更多觀點火花。本期金點設計獎系列報導,《室內》雜誌邀請「山陽山陰」共同創辦人陳婕寧(Janet)分享本次規劃展覽的想法,以及她所期望創造的展場氛圍與想像;另外,更邀請台灣設計研究院張基義院長,來與讀者剖析他對金點設計獎及台灣設計力的願景。 山陽山陰+莊皓 「策展作為前往未知世界的途徑,設計扮演觀點的催化劑,在探究與前進的同時創造價值。」由陳婕寧(Janet)與張哲惟(Kobe)共同創立,為自由策展工作者所組成之團隊,分別擁有專案管理、策展企劃、視覺設計、空間設計的能力,現階段不限縮案件類型,相對致力於在過程中的環節進行擾動,進而提出新的觀點,對應在不同的主動式企劃及委任案件中,採取策略聯盟的形式,保留個體本身對外合作交流,持續回饋觸發內在動能,讓團隊隨時保持在靈活變通及富有創造力的狀態。近期執行專案:C-HUB成大創意基地文化內容顧問、2020華文朗讀節—為新日常而讀」展場空間設計及主視覺設計、「2020金點設計展—ZONE」展覽策劃執行等。圖左到右依序為張哲惟、陳婕寧、莊皓。 陳婕寧於採訪之初即表示:「策展本身其實是生活某一部分的延伸。」對她而言,她喜愛觀察生活中的每項事物,即便看似沒有關聯,但依舊可以從細微之處找出連結性,正如同此次金點設計展主題「ZONE」,是她集結來自運動、心理、社會脈動等面向的探查,並藉由策展方式,具像化地呈現於你我眼前。今年年初,她在因緣際會下接觸了攀岩和抱石運動,在與同好交流的過程,讓她聯想到做設計時,那種面對熱愛事物而全神貫注,進而忘記時間流逝的專注感,是大家共有的經驗,身為一位策展工作者,婕寧喜愛探索並研究新事物,她好奇於這種專注的現象是否有原理可解釋,遂嘗試接觸心理學方面的書籍,理解到這其實是一種稱為「ZONE」的特殊心理狀態,在心理學中稱為「心流區」,進入心流區的人,會呈現出忘我的狀態,時間、空間的限制儼然已不存在;除此之外,ZONE在物理上亦有區域的意思。 陳婕寧解釋道,之所以想藉展覽提出這個主題,主要是因為今年適逢疫情盛行,在這個需要拉開距離以保安全的情況下,我們由高度集體化的社會,回到了自己的原點-家,從群體轉為個體狀態,更需要真誠的面對自己,十分適合思考接下來的計畫或該做的事情;因此,希望藉由ZONE這個內含著精神極度專注之意的字詞,來提醒大眾回想自己多久沒有專心專注的只做一件事,或是凝視一項物品?在資訊爆炸的現代,如何回歸單一事物,重新看待它,或是提出新觀點,也是婕寧想要利用策展讓觀者反思的一環。   關於展區規劃細節 策展,對陳婕寧而言,是前往未知的其中一種途徑,而設計則是隱藏於途徑中的催化劑,它催化了大家對觀點的想法,並在每個碰撞探尋的過程中,創造出意義,串聯各個面向,描繪出對議題的深厚論述和畫面。曾有位前輩提及,策展人某種程度也需具備「預知未來的能力」,初期溝通時所有的藍圖都只是一個想像和模擬,如何透過經驗,將心中的感受精準地呈現出來,是陳婕寧覺得展覽最有趣和吸引人的地方;此外,整合力和設計溝通能力更是不可缺少的武器,需在客戶端和設計端之間找到平衡,再將大量的論述資訊消化後,轉譯成適切、方便觀者閱讀的空間和視覺狀態。山陽山陰非常重視展覽的現場性,有鑑於基地既有條件,過往在台灣設計館所參觀的展覽多屬於格狀空間,陳婕寧笑說他們是破壞性創新的團隊,如何在現有的模組化場域內,提供觀者全新的感受,是團隊在空間規劃上切入的重點。   展場入口設置大面積的白色光板作為介面,再藉動線轉折引領觀者前往較暗展區,順著亮到暗的變化,實際經歷瞳孔縮放的感受。 由於在專注狀態時瞳孔會放大,策展團隊將此概念延伸進03館的室內空間,為求使觀者體會ZONE的無我情境以及瞳孔的縮放,入口處架設一面亮度充足,甚至稍微刺眼的光板,而拐個彎則進入相對昏暗的環境,實際體會瞳孔的轉變,重返專注與凝視的觀展狀態。03館主要展示產品與空間設計類的作品,展品依著尺寸分門別類地進行擺放,跳脫「選品」模式,將參賽類別中的細項規劃於12個利用木作隔成的獨立小展間,藉此回應ZONE,提供觀者了解設計師在單一領域追求卓越的過程;此外,作品皆是依據實際的內容及使用方式去呈現展示手法,例如踏墊置於較低的視角,吊燈則回歸該有的懸吊方式,透過不同高度的開口框景,帶出些微的身體律動,就算是靜態展示,也能形塑一股非日常的身心感受,而投射於展品上方的聚焦光源則有助於觀者靜下心凝視眼前物品。 03展區主要展示產品及空間設計類作品。光源偏暗,僅於展品上方投射聚焦燈光,企圖營造專注凝視的氛圍。 04館展示傳達和整合設計類作品,多為文宣品,希望讓觀者可以更清楚的感受設計者透過選紙、加工等欲傳達的概念意涵。陳婕寧提到,之所以將作品完全平放於桌面,而不以懸吊方式進行展示的原因在於,當我們想仔細閱讀時,一定會想以一個稍微蹲踞、俯瞰的姿態觀看,而非走馬看花的走過彷彿裝飾般的懸掛品;此次更請參展的設計團隊補件,將衍生出的周邊商品、視覺相關一併納入展覽內容,提供更為完整的設計脈絡。   04展館為傳達與整合設計類作品的文宣品,視覺和相關延伸作品一目了然。 主視覺部分則由山陽山陰團隊的策略夥伴莊皓操刀,為符合ZONE的主題概念,視覺語彙上延伸了瞳孔縮張的意象,再運用發展設計的點、線、面等基礎元素予以轉化,並藉由亮到暗、從匯聚到擴展的視覺表現,象徵自精神核心重新蓄能發揮創造力的過程;主視覺與空間佈局的色系則以在心理學能帶來沉穩內斂、安定心神的藍色調為主,無形中說明了策展團隊對本展的氛圍定調。如同陳婕寧所言,她認為觀展是一個很綿延的整合式體驗,力求於每個環節中給予緊扣主軸的連結,再透過觀者自身的咀嚼與消化,編寫出屬於自己的觀點。 藍色在心理學具有安定、內斂的感受,策展團隊透過色彩規劃,形塑令人沉浸的觀展體驗。 關於策展團隊 「山陽山陰」這個名詞,講述的是光線和山脈之間的物理關係,其定義源自於客觀的自然現象,無論在中文或日文漢字中,皆是同字同義;陽與陰兩個字,看似獨立卻又相互依存。陳婕寧表示,每每看到團隊名稱,都能提醒自己時刻檢視事情的一體兩面,並盡可能兼顧所有面向,同時不忘與外界進行交流,而金點設計獎就是台灣很棒的交流平台,不論是作品、或設計者之間的切磋,都有機會激發出新的可能性,也能從中辨析社會議題以及脈動的發展走向。 除了設計委任的專案外,山陽山陰團隊亦不定期舉辦從自身出發的自發性企劃,如同日本21_21 DESIGN SIGHT為喚起人們對日常生活的觀察,遂運用十分新穎的手法,將眾多擁有綿長累積的企劃,轉譯成各種形式的展覽和作品,拉近與民眾的距離,並使其有機會深刻烙印於人們的心中,陳婕寧也期待台灣能發展出更為成熟的展覽進程,讓各個行業辛苦累積的成果,都有機會被看見。 2020金點設計展 日期」2020年11月24日至2021年2月28日 地點」松山文創園區台灣設計館03、04展區 資料及圖片提供」山陽山陰、台灣設計研究院 採訪」陳映蓁

  • 專訪台灣設計研究院 張基義院長

    金點設計獎系列報導

    「設計」正以前所未有的速度影響全球,它在國家經濟、文化、社會當中所扮演的角色重要性與日俱增,因此政府於2020年成立國家級設計研究院「財團法人台灣設計研究院」(Taiwan Design Research Institute, TDRI),運用「設計力」整合政府跨部會的資源,期許設計成為重要的施政價值和發展策略,並持續引領產業和社會永續發展,增進國民生活價值。作為設計界的領航者,《室內》雜誌特別專訪台灣設計研究院張基義院長,請他分享對台灣設計發展的觀察和願景。 張基義:培養設計的「跨域人才」,是未來發展的主軸 Q 台灣設計研究院的前身為台灣創意設計中心,兩者最大的差別? 台創時期主要是在培養設計專業人才,以及推廣輔導設計相關活動,較偏向價值的實踐。升格成台灣設計研究院後,則專注於執行設計政策、社會服務和公共服務等面向,需積極向下打底,做設計生活美學教育、導入五感體驗等,最重要的是,培養「設計跨域人才」,無論是公部門或民間企業,都希望可以透過設計,創造價值,我自己也期許設研院可以成為跨領域者聚集的平台,而非僅是專業者的交流平台。 張基義院長參與台灣設計研究院舉辦的活動之側拍。 Q 今年金點設計獎執行期間適逢疫情盛行,在收件、評選上是否有進行方針調整?而疫情又為全世界的設計圈帶來什麼影響? 2020年對全世界來說都是很特別的一年,人類可說是沒碰過這麼大規模的疫情,完全打亂了全球各方面的佈局。金點設計獎是一個由台灣出發,面向全球的獎項,每年都會邀請國際知名的設計師一同加入評審行列,由於疫情關係,今年大師們無法親臨現場實際參與評選,但藉由線上視訊的方式,他們不僅全程參加,也有更多時間與國內的評審們互動討論;我們也擴大了今年的國際深度,過往僅決選時才有國際評審的加入,今年則於初選及複選皆有。我個人觀察到,雖然疫情使人們無法自在地飛行或跨越邊境,但透過網路模式,反而使國際連結更為即時和直接,以我自身為例,我有幸擔任世界設計組織(WDO)的理監事,往年都是一季開一次理監事會議,現在則改為每個月線上開會,大家互動的機率更為頻繁;另外,因為發生了無法預期的病毒肆虐,全球的設計開始大量關注人類共同面對的議題,如社會、醫療、永續設計等,也開始進行改變系統、跨領域、跨世代共創與合作等事項,疫情是個大挑戰,但或許也帶來了些許助力。   Q 在防疫、醫療設計方面,您覺得台灣可發展的優勢有哪些? 大家都覺得台灣很小,台灣確實小,但也因為小,只要有一個好的觀念,就很容易結合設計和製造,做跨界合作,這份彈性反而是未來面對國際的優勢。就像這次疫情期間,台灣在醫療數位管控有良好的發揮,口罩也能快速即時的配發給大眾;在經濟部與衛福部合作之下,設研院也於輔大醫院策劃了智慧防疫病房,設計力的整合,讓民眾看到跨單位合作的契機。 台灣設計研究院所策劃的智慧防疫病房。 Q 請談談台灣設計研究院的角色定位。 設計不是單一面向,應該是跨領域的整合,設計力的導入,可以帶動國家創新,創造品牌的軟實力,而設研院在推動設計力的過程中,很重要的環節就是要「打開同溫層」。我們把整體設計力分成金字塔的三個部分,一般常見的設計專業、產業輔導等多屬於中間階段,除此之外,設研院更計畫由教育和生活面切入,著重於面向大眾的基礎打底,架構更扎實的基盤,提升設計、美學的觀念;如何將設計力引入金字塔頂端的公部門決策階層及民間企業高層,亦是設研院的關注的焦點,現在有許多地方政府開始重視城市設計,我覺得這是好現象,在民間,由於台灣中小企業居多,在產業快速變動的現實下,應該形成聯盟,再佐以設計創新的可能,藉此與國際競爭。這些都是設研院的任務和定位。   「公共消防設備再設計」是由設研院、內政部消防署等單位共創合作,針對「公用滅火器」和「室內消防栓箱」提出兼具安全、便利、美感的消防設備示範。 Q 在數位行銷的年代,如何拉近設計與民眾的距離?又該如何將美感教育向下紮根? 教育部和設研院都有持續在推動美感教育,不管是課程、教科書,或是空間等,希望提供學子有別於傳統的教育設計環境,另一方面,各種展覽的推廣如台灣文博會、台灣設計展等,皆已跳脫商展交易的模式,而是由台灣的文化論述、地方品牌、地方城市治理等方面,進行統整後的呈現。因為疫情,大家開始反思生活的意義,也更願意去追尋心中理想的生活畫面,如何提供更有品質和高端的五感體驗,設計是不可或缺的驅動關鍵,所有產品都需要經過設計,才有可能更貼近日常。至於如何透過數位模式拉近與民眾的距離,設研院將設計作為一種溝通方式,除舉辦實體展覽外,我們更全力發展線上形式,例如社群媒體的規劃,或我自己也在台北電台開了一個叫「設計台灣」的podcast,分享台灣豐沛的設計能量和人才,這些受眾都不是設計師們,而是一般民眾。我期許設研院可以成為台灣設計內容的產出者,並透過各種載體推廣和鏈結。   「北花線公運美學計畫」是設研院在公共服務領域推動的一項示範計畫。改造11輛新車,從車體外觀、資訊設計、車體內裝優化等項目著手,顛覆民眾對公共運輸的刻板印象。 Q 您對於未來台灣設計的願景與期待。 「設計改變台灣,世界看見台灣」,這句話雖然像是呼口號,但是我的衷心期盼。這十幾年來,大家逐漸理解設計不單只是造型和美學,而是應該可以改變流程及策略,我對於設研院的領導方針也很清楚,就是希望能夠藉由導入設計力,帶動產業、企業、社會的創新;從今年的金點設計獎中也可以觀察到,全球的設計者面對各式挑戰,皆嘗試利用設計回應問題、解決問題,企圖建構新的生態性,也創造一片新藍海。 資料及圖片提供」台灣設計研究院 採訪」陳映蓁

  • 郭恩愷:期望能與森林樹木為伍,是我一輩子的志業

    2020金點設計獎年度最佳設計獎「窩流餘燼|EMBERS曲木吧台空間」

    2020年金點設計獎頒獎典禮已於日前正式落幕,以「2020」為主題,象徵突如其來的疫情為全世界帶來諸多衝擊和挑戰,卻也讓人們跳脫現狀,重新思考生活的意義,探尋更永續的未來發展路徑。典禮中更揭曉了24件「金點設計獎年度最佳設計獎」得主,其中「曲墨建築師事務所」的作品「窩流餘燼|EMBERS曲木吧台空間」不僅榮獲金點設計獎年度最佳設計獎殊榮,亦為第13屆台灣室內設計大獎(TID Award)年度大獎之得主,本期《室內》雜誌特別專訪曲墨建築師事務所的設計實作總監郭恩愷,邀請他暢談接觸木結構的點滴,以及樹木給予他的啟發與感動。 郭恩愷 英國建築聯盟學院碩士 AA School, UK(Architectural Association School of Architecture)Master of Architecture Design+Make 森林木人|Forest-Tect. / 主持人 淡江大學建築系|森林木十人 / 兼任講師 曲墨建築師事務所 / 木構總監   從林業到木業、木業到建築產業,研習木構設計與實作。以「樹」作為自然建築材料,永續資源利用,善加併用傳統與實驗創新思維,獨創一套蒸氣彎曲木構造系統,實踐具結構性的大型曲木構件,並達到環保無害環境的創新木建構工法。   獲獎紀錄: 2020金點設計獎|空間設計類《年度最佳設計獎》、2020 iF Design Award | Top-Class 2020、2020 TID 台灣室內設計大獎|商業空間類《TID年度大獎》、2019台北國際設計獎-公共空間類|評審團推薦獎、2018澳洲DRIVEN x DESIGN / NOW Awards國際銀獎、2017英國WA Wood Awards - Finalist、2017英國TTJ Timber InnovationAward - Thesis Finalist 郭恩愷於英國AA Hooke Park森林校區研究以彎曲整棵樹作為建築木構件單元。 談起與森林樹木結緣的起因,郭恩愷表示,從中原大學建築系畢業後,他陸續於台灣以及上海的建築師事務所工作了一段時間,期間萌生想出國深造的念頭,申請了多間世界排名前段班的學校,但在最後關頭卻總是敗在英文這關。在上海工作時,似乎也逐漸淡忘自己想出國念書的想法,直到某個週末早晨,他偶然看到一張木頭被架在機器上,準備製成材料的照片,熱愛動手做的郭恩愷,被這張由木板、機器、雙手所構成的畫面深深吸引,於是便去了解照片的出處,發現是建築聯盟學院(Architectural Association School of Architecture,簡稱AA School)在英國Hooke Park的森林校區,這是個以研究木構造為基底的「Design & Make」設計與實作研究所,需要住在森林16個月,可親手操作樹木並構建建築語彙。因為這個畫面,燃起了他想去AA School就讀的慾望,於是便毅然決然裸辭上海薪資優渥的工作,回台準備雅思,這段過程很煎熬,孤獨地苦讀一年半的英文,經歷了13次考試後,終於達到AA School所需的入學成績,郭恩愷說,十分感謝堅持下去的自己,讓他得以帶著激動的情緒和堅強的意志力前往AA School進修建築碩士,因而開啟了他與森林樹木密不可分的情誼。   從森林中獲得的養分 進入AA Hooke Park森林校區,並在那生活的500個日子,是郭恩愷身心靈最無敵珍貴及無價的美麗養分,誠如他所說:「那片森林教我的事是,感受樹、感謝樹、用手思考建築。」在英國時,他專注於研究「蒸氣曲木」,這是一種透過蒸氣高溫軟化木頭,再經由形塑手法改變木頭形態的技法,常運用於小型家具、運動用品等,郭恩愷思考的是,蒸氣曲木有沒有可能突破尺度問題,以建築尺度的方式呈現?有鑑於森林校區是一個自給自足、永續循環的校園,學校有自己的人工森林,為了讓底層生態鏈健康發展,森林需要定期疏伐,以利陽光照射入林內,而疏伐下來的樹木,則成為學生的實驗材料。學生在畢業前需要利用樹木實際蓋出一棟留在校園內的設施,郭恩愷與組員活用自身所研習的曲木技術,為原本置於戶外承受風吹日曬雨淋的製材機搭建了棚子,表達對機具的感謝之情。 利用所學的蒸氣曲木技術為製材機搭建棚子。(攝影」Valerie Bennett) 2017年,郭恩愷從AA School畢業並返回台灣,與大學志同道合的同學黃昱豪建築師共組事務所,曲墨之「曲」,取自郭恩愷對蒸氣曲木的專業;曲墨之「墨」,則代表黃昱豪對於筆墨書畫建築之專精,兩人的首要目標即為當年北美館所舉辦的「X-site計畫」競圖,因著郭恩愷在英國與森林所建立的深厚情緣,他們希望可以透過取材於台灣的森林木,讓更多人認識台灣的林木業。 郭恩愷回憶道,2017年不僅對他而言是個很驚奇的年份,更是台灣國產材的發展元年,他很幸運的在剛回國之際,參與林務局所舉辦森林見學活動,前往台灣的森林參觀了解,在這場活動中,他認識了事業上的貴人-正昌製材廠的梁國興先生(小梁老闆),正昌製材廠跟林務局租國有地造林,砍伐下來的經濟國產林木則送進製材廠加工成材料,是台灣唯一一家林業與木業共存的民間單位。郭恩愷主動向小梁老闆攀談,分享自己在英國的所學,以及希望利用國產材製造曲木建築的想望;小梁老闆也驚訝於木材所產生的多變可能性,便慷慨的贊助他4棵森林木-柳杉,這對當時才剛學成歸國、經濟條件不甚充裕的郭恩愷而言,是非常及時且龐大的支持,也開啟了他跟台灣森林木的緣分。  2017年學成回國後,參加林務局的森林見學活動,開啟了與台灣林木業的緣分。 雖然當年的X-site計畫未能奪得最終大獎,但初試啼聲的郭恩愷,也逐漸嶄露頭角,進而接到第一個委託案:中興工廠re_Gartory的公共街道家具與裝置;同時,也前往淡江大學建築系任教,他致力於牽起產、官、學的連結,在林務局和正昌製材廠的支援下,成立「森林木十人」團隊,帶領10位大四學生進駐東眼山國家森林遊樂區半個月,實際認識台灣林木業,並以柳杉疏伐木為材料,為山林「繁殖」出新的木構建築。 在台灣的首個委託案「在城市街角彎了兩棵森林樹,請進、請坐」。「樹繞凳」 與「樹繞桌」的空間裝置,賦予過路人一份更美好的街景風貌。 「取之於森林,用之於森林」是郭恩愷的初衷,「脊森」與「浮森」即為首屆團隊所誕生的兩個作品:脊森是被林相圍繞的涼亭,而浮森則為觀景樹台,能深入了解造林歷史,郭恩愷說,團隊製作的木構建築有其社會責任,需對遊客的安全負責,很感謝學生願意與他一同為台灣的山林盡棉薄之力,共創木構建築更多的發展性;這兩個作品完成的同時,正好是林務局一年一度於東眼山舉辦的「回森林家」市集盛會,邀請賓客於森林中享用餐敘,郭恩愷於會中認識了郭庭瑋(Wes)主廚,也就是「窩流餘燼|EMBERS曲木吧台空間」的業主。森林,給予了他一連串的際遇,冥冥之中為他指引發展方向,也拉起了與他人之間的連結關係,而這些關係,亦持續擴散中;如同他剛完成的南港瓶蓋工廠新作,業主也是因為偶然到訪EMBERS餐廳用餐,親眼見證窩流餘燼予人的張力和情緒,遂邀請郭恩愷加入創作團隊。 2019年森林木十人所完成的作品「脊森」,位於海拔980公尺的登山自導式步道的路徑上,為登山客構築一座亭下休憩喘息空間,感受與這片森林同步呼吸的動與靜。  2019年森林木十人的另一件作品「浮森」,浮空夾在森林4棵柳杉上的觀景樹廊,提供遊客登上廊台居高遠眺瞭望。 台灣林木業面臨之困境與突破 「先天條件的困難」,是台灣林木業遇到的最大難題。這些經濟林需要較寒冷的氣候環境才有利於生長,在緯度較高的其他國家,經濟林在平地上就可種植,當需要疏伐時,也只需設定好數值,再利用怪手即可伐木、也能直接進行剝樹皮的動作;反觀台灣,則需要中高海拔的環境才有辦法種植經濟林,也因為地勢關係,無法倚賴怪手伐木,只能靠伐木師傅冒著生命危險人工疏伐,一個禮拜的產量可能僅相當於國外一小時的成果,也因此,台灣在林木業上的人力資源和成本耗損高,而導致雖然國土有一半被森林所覆蓋,國產材價格卻遠高於國外進口材。 另外,由於過往的禁伐歷史,許多人不清楚台灣山林分為天然林與經濟林,前者需要保護,後者則需定期播種和收割,才能使生態循環更為正向;而環保意識抬頭後,伐樹似乎與破壞環境劃上等號,造成台灣在推動國產材這部分窒礙難行,直到2017年林務局才開始改革林業,也因起步較晚,我們缺乏國產材在破壞性、耐受性等方面的參考數據,技術上也尚待有系統的成熟發展。不過,郭恩愷表示,近年來越來越多產、官、學投入林木業,開始研究材料數據,甚至也有年輕新血加入伐木師傅的行列,這都是台灣山林的一大助力。  EMBERS不僅是一間餐廳,對郭恩愷而言,是一段從台灣山脈的柳杉開始的故事。 窩流餘燼|EMBERS曲木吧台空間 郭恩愷與EMBERS主廚Wes結識於東眼山,了解他習慣利用整棵樹木操作結構性語彙,而Wes是位講求風土文化的料理人,他們對土地皆有著深厚的情感。郭恩愷認為,他以自身對針葉樹、製材的了解出發,再進行解構、再構築等動作,賦予它全新面貌與生命,就如同料理般,透過廚師對食材的認知和巧思,為饕客端出一道道令人驚奇又色香味俱全的菜色;視覺性和結構性是他在製作蒸氣曲木時特別重視的一環,窩流餘燼的奪目形態,使其成功躍入眾人眼中,彷如巢體的外觀,勾勒出人類築巢而聚的畫面,動態線性則宛若主廚烹飪時一氣呵成的流暢動作。     將整棵杉樹解構成直徑3公尺弧的蒸氣曲木構件。                  彎曲木構件以順流方向編成樹巢,並從空中流洩而下。 在製作窩流餘燼這個作品時,他親自至五峰鄉的林班挑選森林木,整棵樹木進行剖切後,再將每個樹條一一編號、蒸氣彎曲、處理表面,送到工地現場再逐一解構與拼裝;一棵樹需在森林裡成長25年至30年,才能變成供人使用的材料,因此,他抱持著物盡其用、不浪費的心情,將柳杉全幹使用,雖然被砍伐下來的樹木看似結束了生命,但透過雙手,郭恩愷在不同地方重新給予其全新的生命表情,他近乎偏執的在與樹木交流,有幸獲得TID Award年度大獎和金點設計獎年度最佳設計獎這兩項殊榮,對他而言是很大的肯定,也讓他更堅信,不論作品尺度的大小,只要用心,都有機會被看到。 蒸氣柳杉扇尾吊燈細節。 南港瓶蓋工廠-I棟Maker Space 郭恩愷剛完成位於南港瓶蓋工廠的作品,是他新成立的工作室《森林木人》的初試啼聲,親自用雙手全面利用台灣國產材「柳杉」,打造「Maker Space職人手創空間」,在這有歷史建築身分的酒瓶蓋工廠內,呈現林業、木業、maker職人產業的多面向。1樓入口大廳空間是作為接待和展示的複合區域,透過一棵森林木的開木儀式,成為入口意象;服務台是由柳杉末梢段整齊堆疊而成的檯面,兩座展示吊檯,則是柳杉主幹的製材切割而成;空間裡由柳杉製成的家具皆裝有大小不同的輪子,方便未來活動上的使用彈性,且未使用任何一支釘槍釘子,取而代之的是螺栓、螺絲固定與橘色繫緊帶紮綑實木,讓每件家具在未來能輕易拆解成實木原本的樣子,良善循環再利用的可能。 郭恩愷於近期完成的最新專案:南港瓶蓋工廠-I棟Maker Space。透過入口一棵森林木的開木儀式,呈現台灣林、木業、木作職人的共生關係。 找到永不放棄的志向並持續投入 針對日後欲嘗試的挑戰,郭恩愷提到,由於目前所完成的案子都屬於小尺度作品,緊接著下一個挑戰的案子,將有機會把台灣的國產材運用於建築語彙,但不論是什麼規模的委託案,他都期許自己能盡心盡力地將台灣林木業與產業端結合;也因為他既是設計者(Designer),也是施作者(Maker),透過雙手,他思考木建築更多的發展可能,並於近期成立「森林木人」工作室,時刻提醒自己永不忘記與樹木為伍的初衷。最後,郭恩愷感性的說,執業過程所面臨的挑戰對他來說都不是辛苦,因為他做的是自己很執著且著迷的事情,也想鼓勵年輕設計者,「世界很大、台灣很小,但當你有滿滿熱誠專注做一件事,台灣能量可以很大」,當你找到願意一輩子義務反顧投入的事情,是種幸福。知名導演侯孝賢獲頒金馬獎終身成就獎時所言:「感動別人前先感動自己」,就如同郭恩愷的所作所為,他將山林帶給他的悸動注入全心全意完成的作品中,藉由自己的雙手,與大家述說屬於森林的精彩故事。 郭恩愷帶領淡江建築系學生組隊「森林木十人」,前往新竹縣橫山鄉的正昌製材廠產業見學,與小老闆梁國興先生合影。 資料及圖片提供」郭恩愷、台灣設計研究院 採訪」陳映蓁

  • 2020 年台灣光環境獎頒獎典禮於 12 月 11 日在雲門劇場圓滿落幕,由總統府、Lightwell、大溪歷史光廊道、河樂廣場等 4 件作品獲得評審團肯定,評審團特別獎則頒予司馬庫斯無藍害部落。《室內》雜誌特別於典禮後邀請主辦單位中強光電文化藝術基金會董事長姚政仲與評審官政能老師、吳瑪悧老師,一同分享他們對於每件作品的看法,以及對於台灣光環境的深入觀察。   姚政仲(內文簡稱姚) 曾任奧地利 195711 建築研究室合夥設計師 1991 年擔任實踐大學創立室內空間設計系系主任 1999 年創立太一設計,在住宅與商業空間設計以現代洗練美學樹立特色,同時亦善於規劃各類文化藝術空間,並策劃多項國際設計展。   官政能(內文簡稱官) 現任實踐大學榮譽講座教授 紐約 Pratt Institute 工業設計碩士畢業 曾任實踐大學副校長、德國科隆應用科技大學國際設計學院、德國福茲堡應用科技大學客座教授   吳瑪悧(內文簡稱吳) 現任國立高雄師範大學跨領域藝術研究所副教授 德國杜賽道夫國立藝術學院雕塑系大師生 2018台北雙年展『後自然—美術館做為一個生態系統』共同策展人 2016 第十九屆國家文藝獎得主 2013策劃『樹梅坑溪環境藝術行動』獲得第11屆台新藝術獎 Q:請談談本次得獎作品,各有何優勢能脫穎而出? 總統府 官:總統府的設計,我想「突破限制」與「改變認知」是兩大重點,總統府是歷史建築,也是十分重要的政治中心,人車進出都必須經過重重關卡,已有的燈光、管線位置也無法更動;「認知」則是在大眾的心裡「總統府就是總統府」,感覺不好親近,也沒有人會去更動它。從這兩個角度出發,設計師需要呈現出總統府的態度,經過數位技術的配合,讓光線的樣貌配合天候改變,在入夜後會漸漸暗下來,呈現出不同的表情,傳達總統府「存在」的安定感。 我覺得最好的呈現,應該是與周遭環境相互作用,呈現莊嚴及溫馨的面貌。此外,總統府作為博愛特區的中心,周遭有許多公共機關,也期待以總統府作為示範點,連帶周遭的其他機構效法,形成群起的效應。我們非常佩服原碩照明在這麼長的時間裡,克服了燈具、位置的限制,他們需要不停測試、從不同角度觀察,才能呈現出最好的面貌,並照顧到建築本身,以及其對天候、對人、對建築及其歷史都有呼應,呈現出總統府所期待的表情。 總統府。攝影」鄭錦銘 Lightwell 吳:Lightwell 是一個特別的作品,跟總統府恰好有些對比,是一個商業空間中的藝術作品,採用折射的方式,讓光線照在材質上呈現出不同的色彩,單就手法而言跟其他商業空間就產生差異,十分精彩。而空間本身也令人讚嘆,建築在光線跟景的塑造上簡潔俐落,透過天井引入日光,再透過與藝術家高德亮的合作,創造出空間中較有表現性的主軸。而除了日光的運用外,藝術家也具有巧思,利用軌道使人造光源移動,進而展現出折射後的色彩效果,不管是建築師、藝術家或業主,對於整體空間環境的營造都十分重視,使 Lightwell 展現出與其他商業空間案例不同的面貌,或許是受到劇場出身的業主影響,空間擁有很豐富的表情以及故事性。   官:Lightwell 本身就是一個故事,這是業主的阿嬤留給他的房子,天井也是自早期就存在那邊的,名字「Lightwell」意指光的天井,轉換成動詞也可以藉指「點亮得好」,業主在用這個新的名字去回應老房子、尊重老房子。其中業主跟藝術家都是初次嘗試,空間中充滿探索、實驗性,如同一塊畫布、雕塑的作品,這個裝置不只運用人造燈光,更將日光視為主要材料,運用日光的移動折射出不同的曼妙色彩。它作為選物店暨藝術展覽空間,建築師在空間裡設置了很多框景,每個框裡所見的景象就如同一幅畫一樣,跟以往所見的商業空間案例不同,設定出了層次與變化,藝術展覽跟空間也互相呼應,令每個參觀者都有不同的感受及體驗。 LIGHTWELL空間「棲夢幻室」展覽照。圖片提供」LIGHTWELL   大溪歷史光廊道 吳:通常我們看到歷史建築的照明,往往是著重在建築本身,但大溪歷史光廊道比較特別,它更注重整體環境、人們在夜間如何走向建築,因此連公園、環境也一起改善,我覺得這個是很重要的,因為光環境獎所探討的是整體的環境,而非僅關注照明。   官:我們現場去看大溪歷史光廊道的時候,它跟舊有的路燈只有一線之隔,對設計團隊來說,他們需要努力嘗試與附近居民溝通,並不停證明自己的論點。在討論、施作的日子裡,團隊會對地方產生感受,他們甚至告訴我,雖然他們沒有權力去更換路燈,但仍不停思考「假如這樣會更好」。最後作品呈現出來變成一個具體的實踐、對照,喚醒居民開始「看到」並注重夜間的光,而非習以為常的熾亮,設計師也告訴我們,在作品完成後,有些附近的居民就漸漸在意了,自己著手改善自己家的燈光。 大溪歷史「光」廊道。 圖片提供」大溪木藝生態博物館 河樂廣場 吳:建築師將具有歷史的中國城拆掉後打造出親水休閒空間,保留部分舊有建築創造出地下廊道,使得空間兼具開放及私密性,也因為空間處理層次相當豐富,光如何對應就相對重要,必須與建築師一同思考空間感,以及對方所欲創造的屬性。本案在光的設計上為空間賦予應有的溫度與照度,蘑菇狀的燈具也吻合公園的概念,同時依照空間屬性調整,如半隱密空間較暗、開放空間則較亮,形成一種良好的對話關係。可以看到很多青少年很慵懶地躺臥在那裏聊天、聚會,我覺得是因為光所塑造出的溫馨氛圍,使得它成為一個令人容易親近的空間。   官:河樂廣場是 5 個得獎案例中唯一把水作為元素運用的作品,水連接了各個空間,因為燈光的照映,水面會呈現另一個風景、另一種表情,以光處理水,使得本案呈現出特殊的氛圍。   吳:河樂廣場的水量並不多,只是一層淺淺的水面,但對光來說卻能增添另一種面貌,透過與水互相輝映、增加亮度,塑造一種比較柔軟的感覺,柔化硬質鋪面與大型水泥遺構的冰冷。 河樂廣場。圖片提供」MVRDV 及都市里人   Q:為何將「司馬庫斯無藍害部落」列為評審團特別獎? 官:司馬庫斯是評審團一致且毫無疑慮地通過,如果形容得比較抒情,司馬庫斯就像一首詩一樣,族人們寧可在黑暗中等待適合的光,也不願接受刺眼的現代電燈,除了保存生態、避免對動植物、昆蟲造成危害之外,更是屬於族人的文化記憶,從最終的結果,我們可以感受到司馬庫斯部落的信念;有趣的是,他們所等待的那個「適合的光」卻是清大實驗室裡非常科學的產物,而這個燈也不是為了司馬庫斯而研發,但緣分卻可以讓等待與被期待相遇。給予評審團特別獎代表了我們共同的尊敬,司馬庫斯不是一個案子、不是非完成不可,他的燈具也不是專業人員所設計,是多方面共同努力的結果,是在黑暗中等待所書寫出來的一首詩,你看或不看它都在那裡。   吳:我非常同意剛剛官老師所說的,司馬庫斯的案子拉出了一個高度,我們所謂的「環境再詮釋」,一方面是人的感官,我們怎麼去感受空間的舒適度,另一個就是生物多樣性,因為在一個環境裡並不只有人,還有各種生命,都生活在那個場域裡。司馬庫斯讓我們看到環境並不全然以人類為中心思考,尊重同樣生活在這個環境裡的萬物,如何找到平衡與可能性,是這個案子最讓人感動的部分。   官:有些人會將司馬庫斯與去年得到評審團特別獎的「合歡山國際暗空公園」比較,但其實二者在意義上不太一樣,暗空公園具有一個國際標準,人們再去追求符合這個標準,但司馬庫斯是自生命、文化的角度,甚至也不是為了獲獎而製作,兩者的獲獎都是純粹偶然。 司馬庫斯無藍害部落。攝影」趙宇晨   Q:「現場決選」為光環境的一大特色,對於評審有何幫助? 姚:評審老師對於每一件作品觀察的角度、方式,以及作品在空間環境上的屬性、性質不見得一樣,所以老師們在評選作品時,他比較的不只是單一的視野、角度,不是單純地比較哪裡做得好或不好,而是更全面、整體的。不見得每一件得獎作品都是完美的,也不是沒有得獎的作品就是全然的不好,大家都有各自的優點,也或多或少有一些進步的空間,或者受到環境、各種因素的限制。評審站在相對客觀、整體的角度,他會感受到每一件作品所要傳達的光環境,表達的完整性,或是想要傳達的特質,我覺得這是評審在最後能去綜合評選最重要的原因。   官:到現場的好處在於對話,設計師要展現的、整體內在的部分,在一般照片中看不出來。同時現場參觀可以讓業主、設計師充分展現設計過程中所考量到的細節,讓我們更加了解、並有評審的依據。姚老師說沒有哪一件作品是完美的,但也因此這會變成一項功課,大家會去思考、去感受,每個地方都有自己的身分與脈絡。 我們會看每一個案例的特殊性,像剛剛提到的 Lightwell 是你要走進去才會看到,而總統府是走不進去的,大溪則是當場館休息後,另一個光的作品才會出來,所以每一件作品,大家一開始很容易覺得「這不可能」,會給予自己認知的限制,但這幾件得獎作品正好開啟了不一樣的想像。與其說我們是評審,我覺得我們更像在挖掘這些團隊如何突破限制,並探討他們所遇到的困難,這才是真正值得給大眾參考之處。   吳:我們談的是環境,環境是一個很微妙的詞,他是各種感官的組合,這個東西很難純粹以一個平面的照片去評審,你必須親身到那樣的環境中用身體去感受,你所喜愛、覺得舒服之處。同時我們跟環境的關係是一個互動式的,不同的角度、天氣都會影響到你對於一個環境的認知,所以我覺得唯有評審到現場,感受光的照明如何去塑造不一樣的空間,藉由親身的體驗才能夠評斷。   姚:這也是光環境獎一個很重要的特質,從頒發的獎項就可以看出,我們會頒給業主、環境設計團隊、照明設計團隊,競賽是從光的角度來看環境。光環境獎是比賽中的比賽,每一件參賽的作品都可以在它原先屬性的比賽中脫穎而出,它才可能是一個好的環境,再加上良好的光,來參加光環境獎。 近年來投稿的作品越來越多、範圍越來越廣,每一個項目、每個類型都有它表現的特質與方式,我們原先設定、想像的光環境評選,也會隨著評審看作品的方式而調整。我想對參賽者來說,都是希望能夠把自己看到的那個「光的可能」透過作品傳達給評審,身為主辦單位,我們很高興可以看到每一件參賽作品的特殊之處。剛剛討論的 5 件作品是截然不同的環境作品,評審必須回到現場,去看每一件作品在有光與無光之間所呈現的面貌,這對評審團是非常重要的,它不是一般的評選工作,而是設計中的設計、比賽中的比賽。 Q:您所觀察到近年光環境作品的特色? 姚:今年可以看見很多公共藝術作品利用到許多現代燈具,創新及創意都十分出色,變成城市中的一處亮點,卻無法照顧到周遭環境;另外今年也有許多展演空間投稿比賽,但往往在評選前便會被拆除,非常可惜。這不一定是藝術家、設計師的責任,可能原先標案即無規劃到環境,也可能礙於預算限制,我們希望呼籲政府及主辦單位在規劃之初,就考慮如何將短期展演的作品變成整體城市光環境的一部分,讓它可以變成示範,這是有可能做到的,有時只在業主一念之間的差異。我們常會看到投稿作品的規劃區域、建築燈光十分完善,但外面街道上的路燈、招牌燈光等卻從未整理,只要有跨部門的單位願意整合,就能顯現出完全不同的街區。   吳:近年光的演變還有一個潮流是「奇觀化」,節慶時各種活動都喜歡使用五顏六色的照明,養成了一般民眾對於光的想像與期待越來越重口味,我覺得這是雙向的,官方一直在餵養大眾這樣子華麗、繽紛的光,大眾也回應了自己的喜好與期待,但事實上我們應該反向,光環境在做的就是一個反向的工作,促使人們重新去反省什麼樣的光與環境才是好的。   官:擔任光環境獎的評審,我自己也獲益良多,在夕陽落下後,黑暗中要重新點亮的過程是科學也是藝術,並帶有一絲人文關懷。人類的眼睛其實能夠感知到非常微小的光亮,但隨著時代演變,我們開始追求更亮、更久的燈光,現代的照明往往都在爭相喧嘩,就像噪音一樣,但對於噪音我們有標準可管,卻沒想到過亮的光害對於人體、環境都會造成傷害。光環境獎希望從公共性的光開始,培養民眾認識良善的光,當觀念開始深植於心,私人建築、室內空間等也會漸漸減少不必要的燈。     Q:台灣光環境獎的下一步? 姚:台灣光環境獎的評選方式與標準大致底定,評審團之間對於台灣光環境所應呈現的面貌已經有了共通的視野與想法,本屆把作品完工年份限制取消是希望鼓勵完工已久的案子,有機會針對光的部分改善、展現新的樣貌,如同總統府的設計案,儘管已屹立百年,我們一樣歡迎它參加比賽。光環境獎在參賽標準上並沒有那麼嚴格,最重要的還是作品如何呈現提升光環境的品質,並不受時間、種類等限制拘泥,跟一般設計獎項比較不同。 此外,我們並不是希望以光去改變或者強調環境。而是找到每個環境裡「該有」的光,因此光環境不會隨著潮流而有所不同,對我們而言,在每年的參賽作品中,我們都是在發現不同的光,並且光如何與作品、環境產生關係與連結,當然,我們十分樂見往後來參賽構築在前幾屆得獎作品的優點上再去發展出屬於自己的光環境面貌。   下一步基金會希望推動城市對於光環境有一個整體的願景,為密集且緊湊的都市生活在晚間點亮一盞比較平靜柔和的光,我們開始嘗試與文化部文化資產局合作,透過我們對於城市光環境的願景與營造,梳理建築與城市、文化、歷史、生活的關係,整理出城市中重要的歷史建築,提供其與周遭環境應用的規劃準則,並藉此引導街道及區域整體的光環境,作為城市發展光環境願景的基礎。 對我而言,雖然台灣光環境獎才第三屆,我們受到的關注與公部門的期待遠超預期,表示大眾其實是在乎光環境美學的,但他可能不曉得方法,或是無法推動上級與其他部門共同合作,我們希望光環境獎的影響力能成為他們的助力,光環境的塑造需要各單位、各部門整合規劃。此外,我們十分感謝各地方政府部門的支持,經常在得到光環境獎肯定後在官方上對外積極推廣、發布得獎的訊息,例如去年的高雄市立美術館、今年得獎的大溪歷史光廊道,都可以看到主管機關對於光環境的參與及重視,我覺得對光環境而言是很好的未來。 資料及圖片提供」中強光電文化藝術基金會、各得獎單位 人物攝影」鄒昌銘 採訪」林慧慈

  • 2020 亞太區室內設計大獎(APIDA)從今年 6 月開始徵件,在歷經 2 個多月的評選與討論後,於 12 月 23 日舉行線上頒獎典禮,公佈獲獎名單,表揚和鼓勵傑出的室內設計作品以及設計師。 由香港室內設計協會(HKIDA)主辦的亞太區室內設計大獎(APIDA)今年邁入第 28 屆,創立終旨在表揚傑出的室內設計作品和設計師,同時希望提高業界的專業水準和操守,自舉辦以來就備受認可,是著名的室內設計大獎之一,獎項分為 12 個類別,每個類別會選出金、銀、銅和優秀獎。評審團集國內外的室內設計大師組成,今年的評選準則共有四項,分別是原創性、功能性、空間計劃性以及美觀性。 香港室內設計協會會長何宗憲表示:「很榮幸亞太區室內設計大獎能再次提高亞太室內設計的專業水準,我們將繼續不懈地推動室內設計流行發展與趨勢。」   今年一共收到 700 多件的投稿作品,包括來自香港、中國、台灣、日本、新加坡、馬來西亞、印尼、美國等地區,最後選出 70 件得獎作品。其中台灣設計師在小型居住空間類別中表現亮眼,金獎由禾睿設計「軸引時光」、銀獎為掘覺空間設計「層疊」、優項獎由向度設計「頭。層/之間」拿下;水相設計的「凝結的時光展」、「湖泊下閱讀」分別獲得休閒及娛樂空間的金獎以及公共機構空間的銀獎;樹屋室內裝修設計有限公司的「野放」獲得小型工作空間的優秀獎;而學生作品的銀獎由國立台灣科技大學陳建勳、金子容的「佛學塔」,銅獎由國立台灣科技大學林正耀的「Shell Plaza」獲得。   2020 年因新冠疫情,世界有了很大的改變。在頒獎典禮的開頭,大會邀請今年的評審們拍攝了一段影片,希望大家能共度難關、也給予年輕設計師一些建議與鼓勵。影片的最後用梵谷名言勉勵大家"If I cease searching, then, woe is me, I am lost. That is how I look at it - keep going, keep going come what may."(如果我停止搜索,那麼,我將是不幸的,我迷失了,這就是我的看法—繼續前進,繼續前進,一切可能發生。)(完整得獎名單請參考亞太區室內設計大獎網站)   亞太區室內設計大獎 金獎名單 最佳香港作品大獎、購物空間金獎 K11 Musea/新世界發展有限公司 K11 MUSEA 坐落在前身為藍煙囪貨倉碼頭的舊址,設計重心在紀念其獨特歷史價值及文化交匯點的地位,並秉持孕育本地藝術及文化發展的宗旨。   用餐空間金獎 Nana's Green Tea Eias Okinawa Toyosaki/KAMITOPEN Co., Ltd. 品牌希望藉由抹茶向世界介紹新的日本的形式,因此空間以現代茶室風格取代日式,透過現代手法詮釋,使人能享受日本傳統的茶文化。   酒店空間金獎 金普頓大安酒店/如恩設計研究室 如何將一棟居居宅改建為酒店,是主要挑戰。酒店被概念化為一庇護所空間,希望成為城市的靜修處,提供旅客一個可以短暫撤退、可以沈思的內向空間。   設施及展覽空間金獎 阿那亞藝術中心/如恩設計研究室 阿那亞十分重視精神生活。因此,藝術中心不僅要成為居民的公共場所,又必須是展覽空間。建築外觀從附近海洋的季節性變化中汲取​​靈感,試圖顛覆藝術與公共空間的概念。   休閒及娛樂空間金獎 凝結的時光展/水相設計有限公司 跳脫年歲久遠的老藥櫃背景,沒有陳年藥材的古老氣味,人們可藉空間、飲食、SPA共塑當代五感文化,回頭體驗中醫內外養生的傾古之道。   居住空間金獎 謐境/雲行空間建築設計 導演、獨居、信仰、物欲極低、精神需求極高,多重身份與需求,讓空間創意劃分逐漸明朗,配合空間調性,看似微弱,實則是內心篤定的精神探求。   公共機構空間金獎 閱時光/廣州共生形態工程設計有限公司 將閱讀中心與接待中心相融合,兼顧以「書」為核心的消費動線和以「購房」為核心的體驗動線,形成功能分區與相互導流。   樣板空間金獎 黑曜石嶼墅/尚諾柏納空間策劃聯合事務所 為突顯其無與倫比的體量,深度挖掘居住者的生活追求及品位所在,借黑曜石的質感展現空間的尺度和穩重,為居住者打造高端酒店、會所式度假湖居。 寂/廣州共生形態工程設計有限公司 日光半斜,透過半透的樟子紙灑下,木材自然的清香,被光影催化,彌漫其中,仿佛所有潛在的懷舊、懷鄉、回歸自然的情緒,都得到了補償。   工作空間金獎 西鴿酒莊/成都相上文象建築裝飾工程設計有限公司 整個酒莊的設計大開大合,並以「可持續性」為導向,運用賀蘭山石形成內部景觀、可回收蟲蝕柚木製成門與天花板結構,回應著延綿起伏的賀蘭山形態。   小型居住空間金獎 軸引時光/禾睿設計 方、圓、光線組構成一個幾何的用餐場域,生活的軸線由此處展開,各個元素的結合產生了人與人之間輕鬆交流的愜意空間。   小型工作空金獎 MGY Base/teamSTAR MGY BASE 是服裝品牌的工作室,建築外觀吸引著人們的注意力。因應新冠疫情,使設計團隊深思辦公空間的意義是什麼?而這座工作室就是其中一種答案。   學生設計金獎 重建溝通—巴別塔/黃曉彬 - 廣州美術學院 在大型城市建築中引入城市公共空間,並將其作為建築的核心使用場景來營造,激勵和引導城市公共活動,希望能以空間治癒人心,減少隔閡增加溝通。 資料及圖片提供」香港室內設計協會 HKIDA  編輯」歐陽青昀

  • 誠品畫廊自 2010 年與藝術家陳道明開始合作,分別在 2012、2015 以及 2017 年皆舉辦過陳道明的個展,睽違三年的時間,誠品畫廊再次於 2020 年 12 月 25 日至 2021 年 1 月 23 日舉行「抽象藝術的先鋒者—陳道明個展」。陳道明是東方畫會的創辦人之一,一生致力於藝術創作,更被蕭勤肯定為台灣第一位抽象派畫家,此次展覽以陳道明最廣為人知的晚期作品作為開端,一共挑選 21 幅 2000 年後的創作作為系列個展的起點。 誠品畫廊表示,此系列個展預計共會有三次的展覽,希望帶領觀眾回溯藝術家的創作生命,第一個展覽將從終點往回走,透過不同階段創作的展示,讓觀眾認識藝術家的創作歷程。《室內》特別專訪誠品畫廊總監趙琍女士以及陳道明的兒子設計師陳連武帶看展覽亮點,暢談陳道明的藝術精神如何落實於空間美學。 陳連武 城市室內裝修有限公司設計總監 出生藝術世家,父親為東方畫會創始人之一陳道明先生。畢業於台北淡江大學建築系,並以第一名的成績保送研究所。後赴美國紐約一年進修經歷,養成其獨樹一格的設計風貌。為得獎經歷涵括全球四大設計獎(德國 iF 設計獎、德國 red dot 紅點設計大獎、日本 G-mark Good Design Award、美國 IDEA 傑出工業設計獎)的台灣室內設計師。  趙琍 誠品畫廊執行總監 於1980年代投入畫廊業,在累積逾40年之專業經歷期間,致力經營華人現、當代藝術之優秀創作者,並以卓越前瞻的眼光發掘和推廣海內外傑出華人藝術家,包括蔡國強、徐冰、劉小東、展望、蘇旺伸、林明弘、黃海昌、謝素梅,以及年輕藝術家如陸亮、賴志盛、林彥瑋等,均具備豐富的國際展覽經歷並為其建立了廣泛的收藏族群。   與藝術家的緣分 誠品畫廊與陳道明的合作其實源於兒子陳連武的積極促成,陳連武認為父親的畫作應該被更多人看見,在多次拜訪誠品畫廊總監趙琍女士後,誠品也成為唯一代理陳道明作品的畫廊。在2012 年舉辦的第一次個展中,陳道明曾和兒子說:「我的畫作有一種回到家的感覺。」這句話讓陳連武至今仍印象深刻,覺得身為兒子的他為父親作了一件對的事情。 陳道明在 2017 年離開人世,此次的展覽不同於以往,不是與藝術家本人接洽,而是透過他的兒子陳連武聯繫,陳連武說:「與誠品多年的合作中,他看到誠品對藝術家的尊重,不會以商業角度侷限藝術創作。」所以對於展覽的規劃安排他十分信任總監趙琍,在導覽的過程中,他也再次感受到誠品的用心,不管是畫作的選擇、順序與動線的安排、場地的設計到畫作的擺設等,也讓他再次透過不一樣的角度重新細細品味父親的畫作。   展覽的梳理 陳道明的作品大多都是無題,而展覽的第一幅作品選擇了少數有命題的畫作〈土地公 土地婆〉。總監趙琍表示,這幅畫作與其他 20 幅畫作除了相異之外,更存在一種矛盾感,也是唯一一個有人在內的具象代表,同時畫作的名稱意外的讓人覺得有種安定的感覺,所以初期討論時就決定將其作為入口的首幅展示,作為開端同時引導觀眾的動線。而展覽的壓軸作品〈201631〉更是展覽的一大亮點,因為畫廊空間不像一般的美術館,樓高、尺度都較微侷限,為了讓畫作之間不互相影響,所以有些畫作需要單獨擺放,〈201631〉就是如此。 〈201631〉是陳道明生命階段倒數的創作作品,從畫作中可以看到其對自我內在追尋與探討所寫下的結語,自幼學習水墨畫、油畫、到後期西方抽象繪畫,作品表現出陳道明一生的創作能量,具有十足的視覺張力,所以規劃在展覽最後的空間中,同時跳脫畫廊白盒子的概念,為〈201631〉量身打造展示間, 背景透過與作品相呼應的綠,並在前方擺放了一張長椅,讓人們轉折進入空間、心境沉澱後,與畫作做進一步的交流、對話。   而陳連武身為室內設計師,向來積極落實空間藝術化,不同於大多設計師,陳連武在進入設計階段前就會先挑選好畫作,許多業主也因為他的推薦而首次踏入畫廊。因成長背景的養成,陳連武深受父親的影響,對於藝術品的認知更為嚴謹、尊重,他認為,藝術品不該作為空間的附屬品,不該被當成裝飾、擺飾品,不能有著隨時要替換的想法,所以在他的案子中看不到吊畫軌道以及吊掛線的設置,他強調,設計師對於藝術品價值的定義,會進而影響設計的高度,所以當決定擺放的畫作後,才會開始討論牆面的顏色、材質,畫作前方的擺設以及動線等,均不能影響藝術品本身。 總監趙琍也十分認同陳連武的設計觀念,她談到,裝修設計會隨時代的演變過時,且可以持續更換,但藝術品卻是永恆的,藉由藝術品去延伸空間設計,可以讓藝術品更有意義。陳連武更進一步指出,燈光也是藝術品與空間重要的橋樑,透過均勻照明打量主體,再以局部重點光突顯,避免燈飾形成的陰影影響畫作,讓畫作如同在畫廊展示般,在室內空間中成為和諧且亮眼的存在。   觀眾常為陳道明在色彩和技巧間的掌控度感到懾服,沈溺在其韻味之中。但對陳道明而言,他的重點在於創作的過程,他曾說:「作品的意義是心靈意識活動的一種記錄,原則上是抽象的,我在表達內在生命意象的過程中,盡量不受任何干擾,以求達到沒有結論又有結論的境界,美的醜的,本身即是獨立完整的生命,我只不過用我的語言把感覺訴諸畫面而已。」這也是陳道明在創作晚期一直堅持的理念。2020「抽象藝術的先鋒者—陳道明個展」透過誠品畫廊的重新梳理,將帶領觀眾再次品味藝術家陳道明的創作能量。   展覽資訊 抽象藝術的先鋒者——陳道明個展 日期」2020 年 12 月 25 日至 2021 年 1 月 23 日 地點」誠品畫廊|台北市信義區菸廠路 88 號 B1(誠品生活松菸店) 開放時間」週二至週六 11:00-19:00(週日、週一休館) 資料及圖片提供」誠品畫廊  採訪」歐陽青昀

  • 校園美感再進化 五大類別打造美學教育環境

    學美‧美學—校園美感設計實踐計畫

    由教育部發起、台灣設計研究院所執行的「學美‧美學—校園美感設計實踐計畫」,自 2020 年起,已經完成 9 間的校園改造。2021 年更是挑戰 25 所學校的美感變身的工程。1 月 12 日在松山文創園區舉行至今 3 階段的成果分享會,由教育部蔡清華次長親自主持,邀請參與計畫 25 所學校的校長、設計團隊總監現身說法,分享設計專業進入校園進行改造以來,在校園內所掀起的熱門議題及實際行動。今年「學美‧美學」計畫改造共分為 5 大類別:   特色教室 改造班級或各科專業教學教室。以嘉義市嘉北國小為例,管樂隊一直都是學校引以為傲的特色,校內卻缺乏適合表演和練習的場地。改造團隊設計出全國第一個多達4種變換模組的管樂教室:教學、團練、表演、獨奏。有了適合練習和初次登台表演的地方後,期待嘉北國小未來能培育出下一個國際級音樂家! 改造前 改造後   機能收納 創造更靈活的魔術空間。如花蓮縣東華大學附設小的教室,缺乏收納個人物品和教具空間,改造前的教室顯得十分擁擠狹小。設計團隊進場後,為每個學生打造專屬的書包櫃,並在整面的黑板牆後面導入隱藏式的教具收納櫃;另外打造伸縮的教師桌,讓老師可以個別指導學生作業,除了解決空間不足與收納的問題外,也讓有限的空間作最大的利用。 改造前 改造後   指標及空間翻轉 改善原有校舍設計不良的問題。國立宜蘭特殊教育學校希望去除川堂原本沉重暗淡的形象,營造美感及溫暖的意象。改造團隊進場後,簡化了空間訊息,將剛硬的線條改成圓角,同時把花崗岩立面及鐵窗去除,改以混沙白漆覆蓋牆面增加層次與活潑感,最後掛上特教師生共同創作的彩繪,展現宜特孩子突破身體的禁錮、如同在天空自由翱翔般的創意。 改造前 改造後   閒置空間再造 解決因學生人數減少或因教學環境變遷、建築或空間出現的閒置問題。以台南市西港國中為例,視聽教室閒置已久,改造團隊以白色為基調,搭配淺色的木質元素把教室改造成明亮舒服的閱讀,並打開其中一面牆,讓孩子在看書的同時,也能親近矗立在外面 50 多年的老榕樹。 改造前 改造後   生態學習 讓孩子親近自然、師法自然。桃園市平鎮幼兒園的改造,翻轉原有的罐頭遊具,以客家族群居住生活的代表「丘陵」為發想,校門入口廣場,重新規劃入園動線,擴大孩子戶外活動的範圍,結合客家丘陵地景,活用自然素材,把戶外區域重新打造成可動可靜的空間,啟發幼兒在戶外與自然植栽一起活動,感受陽光、快樂、活力與美感的新天地。 改造前 改造後 台灣設計研究院表示,「學美.美學」計畫是透過導入設計思維以驅動教育革新。環境的改造只是手段,真正的改造則是改變師生行為、生活習慣及教學模式。讓下一代透過環境的改變看到一個經過設計思考而產生轉變與充滿美感的環境,讓「美感從教育紮根」能夠被更落實在台灣的教育中。   資料及圖片提供」台灣設計研究院 編輯」林慧慈

  • 臺南市立圖書館新總館開幕

    文化新地標 打開閱讀新時代

    眾所期待的臺南市立圖書館新總館已於日前正式開幕啟用,由張瑪龍陳玉霖聯合建築師事務所與荷蘭Mecanoo建築師事務共同設計,共歷時3年多,跳脫以往圖書館給人的既定印象,新總館內部有許多特色空間,例如刺激幼兒學習的五感探索區,及各式各樣符合最新圖書館發展趨勢的空間,以期滿足各年齡層的需求。   新總館外觀。 結合在地風土 市圖新總館建築工程由荷蘭建築師的國際團隊與臺灣的張瑪龍建築師團隊共同合作;所有經費皆由市府獨力負擔、推動興建,整體規劃具有前瞻性、統合性、研究性。倒立階梯式外觀創造出遮陰空間,立面的格柵圖騰,靈感來自台南老屋窗花,讓圖書館與在地文化歷史產生連結,一入館,挑高的大廳懸吊著英國藝術家保羅.考克斯基(Paul Cocksedge)創作的「陣風(Gust of Wind)」,像是凝結了書頁隨風騰飛的瞬間,傳達思想的自由,和紙本閱讀的快樂。 1樓大廳。  大廳公共藝術:英國藝術家保羅.考克斯基(Paul Cocksedge)創作的「陣風(Gust of Wind)」。 新總館可滿足未來30年市民閱讀、知識學習及資訊檢索需求,可容納百萬冊館藏,依分齡分眾設置兒童、青少年、樂齡等專區,並有提供視障朋友使用,多達500多冊的雙視書;值得一提的是,4樓典藏1萬6千多件日治時期的書籍,另設有台南資料中心,對讀者來說絕對是值得挖掘的知識寶庫。另提供多項全國首創的服務,如規模最大的24小時取還書區、4樓的創客空間提供皮雕、數位割字機等設備,鼓勵年輕人自造風潮,更設有獨立書店「烏邦圖」,為首座館內設有書店的圖書館。 4樓「烏邦圖書店」。 而新總館不只滿溢書香,更是一座美術館跟博物館,館內豐富多樣的公共藝術、藝文展覽,是充實心靈、放鬆休憩的最佳場域。開館首檔特展與國立故宮博物院合作,推出「藝起冒險–一場始於十七世紀的數位旅程」特展,運用擴增實境(AR)、虛擬實境(VR)、沉浸式劇場等數位科技,呈現冒險主題。亦規劃「臺南名人堂」常設展,運用光雕投影、浮空投影、手繪動畫等多媒體互動裝置,讓200多位前人貢獻台南的歷史資產,跨越時空,躍然於眼前。還有,各個空間有在地藝術家的創作,走著走著不經意間就會和藝術相遇。 6樓藝廊。 B1兒童區。   資料提圖片提供」臺南市立圖書館 編輯」陳映蓁

  • 人生一定會擁有幾顆印章,你可曾想過印章背後的歷史脈絡,或者是它所代表的意義?來台28年的DDG美商方策顧問有限公司執行總監史孟康(Mark Stocker,以下簡稱Mark)大學時主修經濟,並因興趣而選搭亞洲文化藝術課程,畢業後因緣際會來到台灣工作並定居,提供眾多台灣品牌行銷方面的專業,協助其立足於國際;另一方面,也不忘自身熱愛東方文化的初心,遂成立「款(Kuan)」,將印章結合與現代美感和設計品味,卻依舊保有文化精神,期盼印章可受到更多尊重和欣賞。本期人物專訪邀請Mark來分享創立品牌的契機,以及想傳達的意涵。 史孟康(Mark Stocker) 來自美國的史孟康,就讀加州大學洛杉磯分校(UCLA)時修習了東亞地區研究,開始對亞洲文化產生興趣,其中尤對中國藝術情有獨鍾,曾蒐集鼻煙壺等多種中國代表藝術品。畢業後赴台灣居住將近30年,擔任美商方策顧問(DDG)執行總監,曾為大中華區上百家企業打造具有國際競爭力的品牌,有「品牌顧問專家」的封號。2018年他和陳明珠共同創立東方設計精品「款」,期望將篆字入銅印之歷史軌跡繼續流傳,帶給大眾嶄新不凡的用印體驗。 台灣設計品牌「款」解構常見的印章,將傳統的文化精神以現代美學詮釋,賦予印章更進一步的價值。 Mark在高中時期跟隨父母搬至香港,並就讀國際學校,期間陸續造訪了台灣和中國大陸,人生的第一顆印章也是於中國西安所購買,他笑說當時還沒有中文名字,印章上刻的是音譯的「馬克」,做工和質感也頗粗糙,但十分具紀念意義;爾後,返回美國就讀大學時,因自身興趣驅使,在主修經濟之餘,亦選修了關於亞洲文化藝術的課程,並於畢業後來到台灣工作,創立DDG,利用西方視角和經濟專業協助台灣品牌的策略發展與行銷,也不間斷地培養自己對品牌的認知跟了解;5年前,公司承接了台灣最具代表性的金點設計獎(Golden Pin)的公關事務和相關策略操作,著重華人設計概念的金點設計獎,觸動了Mark內心的「亞洲魂」,便開始關注台灣極具意義的事物。 他發現,印章對台灣人來說應該是很重要的物件,舉凡銀行開戶、創業、購屋等都需使用到,但台灣的印章店不論是外觀或是內部,大多老舊雜亂,而藉由電腦刻印的成品,雖然快速便利,但卻僵化制式,感受不到它的生命力,這令Mark深覺可惜,他認為印章是代表個人的一種象徵,其背後更有著悠長深厚的歷史發展脈絡,應該重新定位它的價值和美感,遂決定創立一個以印藝為主軸的品牌。   利用高磁效能使握柄(上款)和印紐(下款)得以拆解,分離式設計相當創新,也帶來更便利的使用經驗。 重塑對「印」的認知 人類最早的文字銅璽印來自殷商時期的殷商三璽,距今已有3000多年的歷史。銅璽印蓬勃發展源至春秋戰國時期,當時人們在腰際配戴銅璽印,「印」在當時代表了一個人的信譽和身份,古語云:「印如人」正為此意,從古至今「印」也是兼具實用和美學的東方微型藝術。Mark深入爬梳關於印章的歷史,期望將華人特有的用印文化,透過當代的簡約美學設計作為載體傳承延續。 品牌命名為「款」,乃自於「落款」,即「留下印記」之意,過去文人雅士於創作和收藏品中,皆能找到落款的個人印跡,代表著個人身份品味與藝術涵養,另外,現代詞彙中,「款」字具有多重意思,提款中的款,代表錢財、款式的款,代表式樣;因此Mark認為這個名稱既能說明印章的功用和涵義,也於無形間表述品牌欲推出多種樣式的企圖心。   印紐採用黃銅,比起傳統印章的木頭、石材的使用壽命更為長久,質感也更大器。 款目前有個人章與公司章兩種商品,個人章的外觀融合黃銅與不鏽鋼的大器雋永,以及宋朝花器的「開片技法」,跳脫市面常見的長條印章形式,將形體拆分為「上款」(握柄)和「下款」(印紐),並分「方款」和「圓款」兩種造型。歷經多時研發,導入高磁效能吸附,讓上下兩個部分得以分離,一個握柄可搭配多種印紐,能針對不同場合隨心替換使用的印章,不僅是相當具創新的突破,也增加了使用上的便利。 甫於去年推出的公司章則結合「方圓」意象,上下是方形,中間為圓形,符合人體工學容易握取,特別之處在於這是顆「雙面印」,將「大小章」的概念合而為一,再度顛覆傳統印章的設計思維,設計靈感來自中國西魏的一代名將獨孤信所持的「多面體煤精組印」,身為朝廷重用的官員,他隨身攜帶這只共有26面的璽印經手各式公文書信,激發了品牌製作雙面印的想法。Mark補充說道,款所推出的商品,所有的設計概念皆有史實依循,字體亦有別於傳統印章的電腦字,彙整漢字入印,團隊針對篆體進行深入的考究,目前統整出十多種具明確風格和特色的篆體,供消費者選刻,每一款字形皆有其文化和歷史淵源,並由專屬藝術家手繪訂製,程序嚴謹,每個成品皆獨一無二。   下款的文字提供多種篆體字,品牌梳理歷代篆書的發展,歸類出十多種具風格特色的字形,呈現用印文化的脈絡。消費者選定喜愛之字體後,會由專屬藝術家手繪訂製。 品牌發展的建議 Mark提到,「款」這個品牌旨在表述印章所富含的深厚底蘊,他希望可以傳遞一個訊息給台灣人,就是我們擁有許多有意義的東西,應該要更加被重視,要對華人設計與台灣文化抱持著驕傲感,並尊重生活周遭所有的事物,也期望透過保有過往精神卻又創新的印章,提點出設計創作的美好。 身為專業的品牌顧問,Mark認為發展品牌最重要的是「對於議題的深化了解」,只有深入挖掘,才有可能把話題變成專業,並從中找到與他人的差異性,若僅一味追求潮流,其實風險較大,無論如何,創新和差異才是長久發展的最佳方式;由於品牌創立需耗費許多時間,他建議創業者需調整好心態,除了設定好最終的「成功」目標,中途的「小成就」更是不可或缺的環節,這些經驗會引領你不放棄地持續向前走,並使這段過程蛻變成甜美的果實。Mark也期許「款」可以不間斷研究、研發的步伐,創造更多異業合作的機會,讓印藝文化更深入你我的日常生活。 去年新推出的「公司章」,將大小章概念合而為一,外型融合方、圓線條,亦符合人體工學,蓋章時容易施力。 資料及圖片提供」款(Kuan) 採訪」陳映蓁

  • 隨著科技日新月異,在熙熙攘攘的大城市中,高樓大廈比比皆是。雖絢爛奪目,卻使我們淡忘鳥語花香,忘記靜下心聆聽自然的耳語。繼神奈川工科大學KAIT工坊,石上純也再度操刀,利用KAIT工坊東側毗鄰校園的一角,設計一座多功能的KAIT廣場(KAIT Plaza),不但落實與自然共存的理念,同時兼顧建築的實用性,新穎的建築結構不僅令人嘆為觀止,同時也為建築設計掀開新序幕。   室內的地平線 在既有的框架中去蕪存菁找出突破點,開創出新道路,是石上純也的設計理念。由於神奈川工科大學校園內部多有高樓環繞,阻擋住原有的自然風光,於是設計團隊透過巧思使用不同於傳統建築的設計模式,使KAIT廣場的結構並非往上建設,而是向地下延伸。   透過壓低屋頂高度以保留周邊建築的窗景。 KAIT廣場,佔地面積為129,335.04平方公尺,建築面積為4,109.78平方公尺,延床面積為1,376.42平方公尺。設計初期,設計團隊從KAIT工坊內部看出去的景色為出發點,運用寬廣的占地,嵌入一座低於地平面約2公尺深的建築,不但能顧及KAIT工坊的窗外景色,也同時創造出與地形融為一體的新天地。 考量到地面廣度以及周邊建築的窗景,設計團隊盡量將廣場建築的天花板壓低,地面則採用弧狀設計,使屋頂與底面的交接恍若天空與地面相連。人們在建築中宛如置身在地平線,將所有自然景色盡收眼底。 KAIT廣場位於神奈川工科大學校園,佔地面積為129,335.04平方公尺,建築面積為4,109.78平方公尺,延床面積為1,376.42平方公尺。    半露天廣場 乍看KAIT廣場內部空曠遼闊,卻蘊含豐富多變的自然風光和純粹真摯的情感。廣場的鐵皮屋頂採用半露天設計,共設有59個不規則排列的方形大開口引入日光。低矮的天花板不只能避免陽光直射,光線也僅會照亮每個開口區塊,利用自然的光與影為建築內部交織出簡約之美。 屋頂施工過程。   廣場融合了科學技術與自然元素,試圖拉近人們與環境之間的距離。為了打造出室內設計與室外環境融合的新空間,屋頂上的方形開口並未裝設玻璃,因此即使身處室內,也能感受環境的雨水輕打,微風吹拂。靜謐廣場彷彿世外桃源,無論風雨陰晴、四季遞嬗,人們在廣場內部亦有如同身在戶外的體驗,盡情徜徉在大自然的懷抱中。而屋頂的半開放式設計不單照亮空間,更在視覺上增加風景的延展性,在半露天型式裡保留一半環境特質、一半建築要素,使室內呈現「室外」的既視感。 科技與自然並存 相較於由多根鋼柱支撐而起的KAIT工坊,KAIT廣場內部以毫無梁柱結構而備受矚目。無柱結構工法在原有的地理限制下取得平衡點,創造出宛若地下丘陵般綿延無際的寬廣場域。廣場的建築比例、材料及技術皆為土木工程,巨大的鋼筋混泥土地樑基礎上設置了83跟樁子和54根地錨,能承受來自各方的載荷,並滿足各式型態及特殊使用功能的要求,為建築設計帶來靈活性。由於建築的尺度巨大,最大跨度為90公尺左右。 隨著季節變換,鐵皮屋頂的高度因熱漲冷縮,會有大約30公分的高低差距,有如一座會呼吸的建築。無梁柱設計也提升了廣場自由運用可能,讓寬敞明亮的無障礙空間,提供校園作為多功能用途的共享場域,學生們平時不僅能在廣場中自在地休息、小憩、談天;雨天時,體育生們亦能進行短跑練習,想在廣場舉行任何活動或展覽也不成問題。 利用自然的光與影為建築內部交織出簡約之美。   廣場地面呈現丘陵般的斜面,可供人隨意坐臥靠躺,取代座椅功能,減去擺放家具的必要性。地面材質則使用鋪裝車道的透水性瀝青,地面可瞬間吸收落下的雨水並使其流入土壤中,令地面維持乾爽的狀態,減少雨水接觸到肌膚的不適感。 當人坐在廣場內部,可以感受到身體與建築直接的緊密連結並與周遭環境合而為一,接受微風吹拂,仰望雲層及陽光變化;觀察光影交替,享受雨水拍打;欣賞雪花靜落,感覺似是抽離,卻又身在其中。在喧囂的大城市中,這裡宛若新世界充滿自然的氣息,為繁忙的人們打造能夠放慢腳步和療癒心靈的空間,站在地平線觀賞萬物變化,捕捉打動人心的美好時刻。 屋頂設置共59個大方格,營造室內外流通的洞口,同時照明廣場內部。   石上純也在KAIT廣場作品,以獨特的空間結構能滿足各種需求,比起人們「使用」空間的方式,他更希望能將設計核心著重於人們「身在」廣場中的感受。KAIT廣場不單是可善加利用的多功能空間,在這裡度過的每分每秒,所有切身體會到的感受才是此建築帶來最珍貴的寶藏。   設計師簡介 石上純也建築事務所創辦人/石上純也 畢業於東京藝術大學建築系,曾任職於SANAA建築事務所,並於2004年成立石上純也建築事務所。主要作品為《Vijversburg遊客中心》、《水庭》,《神奈川工科大學KAIT工房》為其建築代表作。2019年獲邀設計蛇形藝廊夏季展亭。2018年於巴黎卡地亞當代藝術基金會展出「Freeing Architecture - 自由建築」,並於隔年巡展至上海當代藝術博物館。曾榮獲日本建築協會獎、第12屆威尼斯建築雙年展金獅獎、每日設計獎等多項獎項肯定。 圖片提供與版權」石上純也建築設計事務所 撰文」紀奕安  

  • 哲學屋咖啡廳(哲学屋カフェ)隱身在日本四國香川縣中的巷弄內,建築前身為 50 年前的銀行遺跡,如今化身為隱藏魔法的人文咖啡廳。店內富含能挖掘人們內心想法的深層魔力,創辦人 Ayano Sugihara 懷著年少時對於哲學的熱愛和期許,在家人支持及親友建議下,成立一家結合哲學探討、骨董和雜貨等元素的多元咖啡廳,而店名就取自核心理念,命名為「哲學屋」。 哲學屋咖啡廳創辦人 Ayano Sugihara 懷著夢想與理想成立一家結合哲學、骨董和雜物等元素的特色咖啡廳。 逆境中的曙光 起初,Ayano Sugihara 並沒有任何經營店面的概念。基於本身的嗜好為欣賞室內設計相關的圖片,也喜歡將自己的房間布置得賞心悅目,開始夢想打造一個屬於自己的小天地。店內最初販售骨董和室內裝飾,但由於這些物品價值較高,在郊區的銷售業績並不理想。 再加上室內面積寬闊,建築共有三個樓層,室內面積為 60 坪,還有一間能容納 20 張塌塌米的金庫。單憑販售骨董和室內裝飾選物難以填滿空間,使得店面顯得空曠冷清。 店面前身為 50 年前的銀行遺址,建築共有三層樓,室內面積為 60 坪,還有一間能容納 20 張塌塌米的金庫。Sugihara 在顧客建議下,利用木板將室內裝修成咖啡廳的格局。 因初期資金不足,Sugihara 選址在房屋租金較低的香川縣。店面位置雖不起眼,且環境安靜清幽不適合招徠人流。不過這些地域上的不足反而讓人恍若置身在世界的邊界,在 Sugihara 眼中,這裡是再適合不過的開店據點。在這些劣勢條件下,他依然保持積極樂觀的態度。 一些來訪的顧客平時會帶來甜點和蔬菜給 Sugihara,在這裡輕鬆的談天說地,逐漸培養出忠實客群,這些邂逅交流成為他將店面轉型為咖啡廳的契機,在逆境中找到一線曙光,開創出新商機,獨特的風格氛圍,鮮明了這座咖啡廳與眾不同的個性。 裝修後的成果。 咖啡與哲學 走進哲學屋咖啡廳,仿如進入一間小型藝術博物館,Sugihara 參考珍藏閣(Cabinet of Curiosities)的擺設模式,在室內陳設各式藝術作品、書籍、骨董和精緻擺飾等收藏,使室內呈現文藝復興時期的復古感。利用占地寬廣的優勢,除了使用木板牆將室內格局集中,劃分出各空間的用途;同時在各個位置擺設各種大小不一的木製書櫃、壁櫥和桌椅,增加視覺上的豐富性。看似隨意錯落的布置不單增添店面的趣味性,也帶來舒適愜意的文藝氣息。 室內設計參考博物館前身_珍藏閣(Cabinet of Curiosities)的擺設模式,在各個空間擺放各式書籍、骨董和藝術作品等擺飾,以增加視覺上的豐富性。 其中有間小房間特別保留原有龜裂斑黃的牆面,房內僅擺放一張簡約的靠背木椅、一盞光線昏黃的落地立燈和幾本散落的書本,人們可在這個獨立空間內閱讀或表演。 其中一間空房僅簡單擺設一盞昏黃的落地燈、一張靠背木椅和散亂的書籍;牆壁也保留原有的風貌。顧客可以在此閱讀或表演。 吧檯的部分則設置長形木桌,並在桌上加裝一塊等長的木板以隔開廚房內外的活動空間。延續店內的古典風格,吧檯上加裝的木板不只開了幾個方形開口,每個開口外圍皆裝設歐式復古式畫框。如此一來,廚房與吧檯形成半開放式空間,提高工作效率的同時,也營造出景物如畫布般的美感。   店如其名,哲學屋咖啡廳不僅提供茶點,店內亦不定期舉辦各式哲學討論活動,包括:哲學對話、哲學讀書會、兒童哲學,以及讀書和對話會;每回討論的主題多元。現在 Sugihara 大約每兩週會有一次應要求在公共場合舉辦哲學對話。在與顧客互動的過程中,他深切感受到對方內心渴望挖掘更深層的事物,並深藏智慧及好奇心。 吧檯的部分設置一張長形木桌,並在桌上加裝一面木板。木板上設了幾個方形開口,形成半開放式空間,平衡與顧客的互動距離。設計巧思新穎獨特,同時具有實用性。 Sugihara 喜歡以觀察者的角度來觀察每位客人,聆聽他們有趣的想法及對話,採納他們實用的建議和提案。透過與顧客的思想交流,不但能發掘出對話中隱藏的價值,從中萃取精華,也使得店面不斷進步改變;同時能讓雙方敞開心胸,來場深度的心靈之旅。 每個開口外圍皆裝設歐式古典畫框,營造優雅復古的氣息。  此外,咖啡和茶是店內不可或缺的調和劑。配合店名,販售飲品的名稱別有深意。例如:白天的對話(Daytime Dialektike),是透明且消失得一乾二淨,一款帶有苦味卻口感滑順的咖啡,如同一閃即逝的思緒,雖無法捉摸卻留下深層的韻味。 另外,有款名為碧雅翠絲(Beatrice)的肉桂水果茶,靈感取自義大利詩人但丁愛上的女孩—碧雅翠絲,在歐洲史詩《神曲》裡可看見她的身影。店內還有許多特色且富有意義的茶點。對 Sugihara 來說,哲學與茶點在店中扮演的角色都同樣重要且缺一不可。 店內的咖啡及茶點配合店名哲學屋,名稱各有特色。 忠於初心 在新冠疫情持續延燒下,哲學屋也免不了受到波及。2020 年黃金週期間日本政府宣布餐飲業需暫停營業;同時香川縣因民眾染疫,大眾減少了外出聚會,許多當地咖啡廳也因此停止營運。幸運的是,香川縣府告訴 Sugihara 可以繼續營業,只要哲學屋開始販售酒精,便能將營業時間改至晚上七點。 於是 Sugihara 開始停止發文至 SNS 上的店面,轉而全心投入經營實體店。雖然有許多人無法理解他的選擇,店裡有時一天也只有 5 個客人來訪,不過跳脫常人的思考框架,堅信自己的理念並持續執行,才正是「哲學屋」的精神,也突顯了它在在低迷環境裡的意義:忠實地作為撫慰心靈、重視交流的港灣。 Sugihara 希望哲學屋能成為顧客思想交流,也能盡情展現自我的共享空間。  未來難以預測,但並不代表我們只能被動接受紛至沓來的機會和挑戰。在環境考驗下,哲學屋咖啡廳的店主 Sugihara 依然未忘初衷,一步步從小地方開始實踐夢想,也集結來自各方的創意,一點一點地拼湊出大家理想中的咖啡廳,例如:裝潢店內廁所;改裝店裡一面牆作為大型書櫃;策劃出能讓顧客在店內舉行個人展的場地。Sugihara 希望,哲學屋不只是普通的消費場所,而是能夠與人產生連結,大家也可以盡情表達想法的共享空間。   Ayano Sugihara 哲學屋咖啡廳創辦人 大學主修哲學系,從青少年時期就對哲學抱有極大興趣。秉持初衷及信念,2016 年開設哲學屋咖啡廳,希望能提供給志同道合的人們一個在共同討論哲學、分享哲理的同時,也可品茶小憩的多元場所。 圖片提供與版權」哲學屋咖啡廳 撰文」紀奕安

  • 胡朝聖:反觀自照,是我想提出的反思

    殘山剩水—我們的城市失敗了嗎?

    作為一座引領大眾探索城市、思考如何邁向未來的美術館,忠泰美術館在這個全球疫情蔓延的當下,推出最新當代藝術展《殘山剩水—我們的城市失敗了嗎?》(Broken Landscapes: Have Our Cities Failed?),由胡氏藝術執行長-胡朝聖擔任策展人,邀請台灣、德國、韓國、加拿大及日本等國,包括石孟鑫、吳燦政、何孟娟、安德列亞.格爾斯基(Andreas Gursky)、徐道獲(Suh Do-Ho)、袁廣鳴、陳界仁、張立人、賈茜茹、廖建忠、利安.摩根(Liam Morgan)、豬股亞希(Aki Inomata)共12位藝術家,從五個子題回應疫情時代下,因國際地緣政治、經濟對抗、族群衝突、氣候變遷下的城市樣態。《室內》雜誌亦專訪胡朝聖老師,與讀者分享他的策展概念,以及想藉由展覽傳遞的訊息。 胡朝聖 輔仁大學大眾傳播系廣播電視組畢業,1998年於紐約流行設計學院(Fashion Institute of Technology)獲藝術管理碩士。曾任富邦藝術基金會策展人、台灣視覺藝術協會理事長、臺灣藝術大學兼任講師,現為忠泰建築文化藝術基金會榮譽董事、台灣視覺藝術協會顧問、台北市政府市政顧問、VT Artsalon非常廟藝文空間共同創辦人、双方藝廊策展人、胡氏藝術公司執行長,以及2018、2019年臺北白晝之夜藝術總監。 在2007年至2008年間,胡朝聖策劃了一檔名為「魔幻山水」的展覽,擷取中國明朝末年國祚衰退混亂時,藝術家利用創作體現對國家的關懷與憂心的精神,他們以山水畫的方式描繪出對烏托邦世界的想像,但畫中卻內含了諸多光怪陸離的現象;胡朝聖以此展對應台灣當時的山水畫走向,已非古代大山大景,而是有些許魔幻氛圍,除傳統水墨外,更延伸出油畫、針筆、粉彩等媒材。 2012年,他又策劃了「虛山幻水」一展,以科技藝術結合建築空間為主軸,強調山水畫的虛擬性和精神性,胡朝聖思考到,若山水是古代文人與知識分子對理想生活情境的投射,那他作為一位專業策展人,又該如何看待自己所生活的城市和土地?「城市」作為政治、經濟和文化的相遇之所,是一個多重的敘述之地,在彰顯主流價值的同時,卻也同樣壓抑著其他相異群體的都市體驗和生活現實,尤其在全球化資本主義的浪潮下,城市必須不斷被開發,進行利益價值的交換,導致我們的山水土地變得殘破不堪,因此,「殘山剩水」一展的雛形遂於他內心成形。 位在美術館1樓的張立人《戰鬥之城第一部:臺灣之光(模型)》。展出的模型僅為實際成品的1/9。©忠泰美術館 2020年,忠泰美術館邀請胡朝聖策劃一檔城市相關的展覽,他認為當代藝術探討的即是如何回應世界的環境,近期最直接且劇烈的現況,就是COVID-19新冠疫情,這段期間許多城市基本上都失能了,病毒讓大都市面臨封城、失業、人類大量死亡的困境,彷彿是一座一座的孤島。人類的予取予求,讓地球資源和其他物種面臨生存挑戰,掌權者或所謂的「上流人士」握有政治、經濟等資源,其一舉一動牽動著每個城市的發展,也深刻影響著人權和文化,有鑑於此,胡朝聖分別從「消失以及不可見的存在」、「破壞與重生的極致風景」、「囚禁所和寄生之處」、「他者戰場」、「明日預言的應許之地」等5個子題探討人與城市的未來可能性,透過藝術家的現地製作裝置、情境互動設計、錄像與攝影紀錄創作等多元詮釋,藉由提問打破現代性進程裡的樂觀主義,思考城市在這個高速發展的時代中所面臨的複雜處境。    石孟鑫的現地創作。他在城市角落尋找廢棄、邊陲的物件,試圖讓這些城市中的碎片成為此次作品的主體。©忠泰美術館 從現實裡反思 在「消失以及不可見的存在」中,藝術家吳燦政的《漫遊者004》透過記錄台灣的環境聲,召喚城市記憶的日常聲景,利用梯廳場域擴大觀者視聽體驗;而石孟鑫的作品《T》則巧妙運用館內樓梯下方的傾斜壁面,以熟悉的工業化現成物,測量樓梯下方畸零且壓迫的空間,呈現城市中的可見與不可見。建設與破壞被視為一體兩面的關係,都市景觀如同影像般快速幻化,「破壞與重生的極致風景」特別邀請到3件第一次在台灣亮相的國外藝術家作品,被譽為宏觀敘述者的德國攝影藝術家Andreas Gursky鏡頭下的《東京》和記錄英國羅賓漢花園社區都更前最後景象的韓國藝術家徐道獲的《羅賓漢花園,伍爾莫爾街,倫敦E14 0HG》,在在說明著在全球化與都市化下,城市空間必須不斷被破壞及重生的命運;加拿大藝術家Liam Morgan的《紀念碑》以未經許可的游擊快閃式紅色燈光,投射在曼谷曾代表權力奢華的廢棄大樓,突顯出資本與權力共謀下的時代證據。 忠泰美術館2樓展間(畫面中左為徐道獲、右為豬股亞希作品)。©忠泰美術館 而廖建忠為本展量身訂做的《離群物》與《3/2》,則是透過擬真手法,打造出美術館2樓展場通往3樓虛空的樓梯等偽日常物件,暗喻失能建物為城市帶來的傷疤,胡朝聖表示,他個人十分喜愛廖建忠的創作,藝術家擅以唯妙唯肖的裝置作品,點出隱於背後的巨大問題,例如《離群物》是以高密度泡棉製作的仿真電線與分享器,暗示著城市景致被切分得肚破腸流的一面,十分貼近空間調性和展覽主軸。藝術就像是精華液,將許多值得探討的話題濃縮並解構,再以視覺的方式呈現出來,觀看時或許無法馬上與作品產生連結,但只要深入了解後,就能和作品敲擊出更多火花,如同滾雪球般,讓深層的議題被釋放而出,造就更多的討論機會。  廖建忠作品《3/2》透過擬真手法打造一座通往上層的階梯,愈往上空間愈顯狹窄,隱喻失能建築對城市帶來的影響。©忠泰美術館 戰爭、環境變遷所引發的流離,為這個世界製造了更多弱勢階級與衍生而出的居住問題,城市亦有可能成為囚禁之所,「囚禁所和寄生之處」的子題中,日本藝術家豬股亞希《為何不給寄居蟹一個避風港呢?》系列作品以不同的城市樣貌替寄居蟹訂製透明之殼,隱喻著被迫流離失所的移民和難民問題;何孟娟的《魏斯貝絲計畫》闡述有關居住正義的課題,以影像紀錄紐約魏斯貝絲藝術家公寓裡的人事物來回應,展場中設置輪椅,邀請觀眾體驗中老年藝術家的視角。 利安.摩根的《紀念碑》。現被稱為鬼塔的沙吞獨特大樓(Sathorn Unique),曾是泰國的豪華象徵,藝術家藉由此失敗的奇景,思量權力失速的本質和謬誤。©忠泰美術館 「他者戰場」中則探討資本劃分的城市逐漸成為階級的競技場,陳界仁的《中空之地》試圖讓觀者反思人們在權力、監控宰制下的生存狀態;張立人的《戰鬥之城第一部:臺灣之光》以虛構的動畫和模型城市,演繹社會追求成功與優越的欲望投射,展現具台灣視野與特殊性的微型政治學。最後,「明日預言的應許之地」說明著人類經歷種種天災人禍後,必須重新適應新的空間密度、距離感受、人際關係等,賈茜茹的《物品命名計畫》透過提取日常物件,與觀眾交換影像和名字,將現成物件轉換為另一種展示方式;袁廣鳴的《日常演習》以俯瞰的空拍鏡頭拍攝台北萬安演習當日空無一人的城市街頭,暗示著戰爭威脅的日常化,企圖使觀眾省思人類與城市的未來,到底有哪些可能性。   德國攝影藝術家Andreas Gursky透過不斷搭乘從東京出發的列車,捕捉快速經過的城市景象。©忠泰美術館 在迷宮裡找尋自身解答 胡朝聖表示,策展是一個滾動式的行為,策展人都有一本「神秘本子」,記載許多靈感、或是可合作的對象。展覽前期他欲邀請的藝術家其實多達二三十位,但在過程中必須不停的聚焦濃縮,來回思考如何在有限的空間佈局中,使展覽面向更為多元豐富,針對本次展品安排與動線規劃,他解釋道,希望為觀者創造一種「殘破的迷宮感」,這種殘破並非指作品跟展場雜亂無章,而是企圖打破既定的身體感,讓大家穿梭於內外之景之餘,也能觸發對未來生活的思考和想像。   談及理想中的城市樣貌,胡朝聖笑說他喜愛擁有況味的老城鎮勝過高樓大廈,甚至希望可以減少馬路比例,放寬行人活動的空間,擁有完善的大眾交通系統,且大量種植樹木,讓人類跟自然環境可以和諧共生,生活盡量簡單,降低物質消費的欲望,這是他心中渴望的烏托邦。每個人心中都有期待的美好社會,胡朝聖透過這次的展覽,用創造力和藝術性表述目前世界遭遇的困境,城市的成敗與否,反映著人類文明的未來可能,這全端看我們的所作所為,也因此,若大家願意反觀自照,從自身做起,相信我們的城市會從殘山剩水走向青山碧水,成為更適宜居住的環境。 殘山剩水—我們的城市失敗了嗎? 日期」即日起至2021年4月18日 地點」忠泰美術館(台北市大安區市民大道三段178號) 資料及圖片提供」忠泰美術館、參展藝術家 採訪」陳映蓁

  • 臺南市立圖書館總館落成啟用

    融合在地文化意象 打造閱讀新堡壘

    眾所期待的臺南市立圖書館新總館已於日前正式開幕啟用,由張瑪龍陳玉霖聯合建築師事務所與荷蘭mecanoo建築師事務共同設計,共歷時3年多設計興建,跳脫以往圖書館給人的既定印象,新總館內部有許多特色空間,例如刺激幼兒學習的五感探索區,及各式各樣符合最新圖書館發展趨勢的空間,以期滿足各年齡層的需求。   臺南市立圖書館總館基地位於永康砲校舊址,金色格柵的外觀轉譯自台南老屋窗花的圖騰,讓建物融入城市的在地意象。©Yu-Chen Chao   作為台灣最古老的城市,臺南深受多樣文化的影響,城市裡可見17世紀大航海時代及明朝漢文化的遺址,也可見20世紀初日本文化落腳的痕跡。大小廟宇在臺南隨處可見,其中最為著名的是興建於17世紀的孔廟,其有著懸挑的屋頂和裝飾華美的天花。臺南市立圖書館總館在設計方面借鑑當地的歷史和文化,整體設計展現出地方風土和熱帶氣候特色,同時,也廣納城市的文化遺產、現代藝術、音樂、電影等資源,蒐羅超過100萬本書籍,其中更包含日治時期遺留的16,000本古籍。 建築的倒階梯狀量體以圓柱支撐著懸樑,豎向格柵可過濾光線,阻隔熱能,達到遮陰效果。©Yu-Chen Chao 穿梭竹林間 本案設計的一大亮點為逐層退縮的倒階梯狀量體,纖細的圓柱依比例一分為四,支撐著懸樑,創造宛如穿梭現代竹林間的情境,屋頂層由雕有花型圖案的垂直鋁格柵環繞,令人聯想起舊城區的裝飾窗花,而豎向格柵可過濾光線,有效降低室內溫度;獨特的外觀在夜間也能從遠處清晰辨認,階梯式的建築量體為內外訪客提供了庇護,確保室內外過渡性空間的舒適性;位於懸挑下方的四個下沉中庭為戶外空間,可舉辦各式活動,移目而上,特殊的天花造型引人注目,香檳色鋁料面板帶有線狀淺浮雕,為立面提供額外的裝飾效果,在結構系統的部分,理性的結構為圖書館創造最大的靈活性,為未來的使用保留彈性變動的空間。    室內的挑高中庭展示著Paul Cocksedge的裝置藝術作品。多選用木質裝修材,營造溫潤感受。©Ethan Lee 藝術與書籍 走入室內即可見多層挑高的中庭展示著英國藝術家團隊保羅.考克斯基(Paul Cocksedge)的創作-「陣風(Gust of Wind)」,本作品凍結了書頁被風吹靜止的一瞬間,象徵著思想的自由和閱讀的喜悅;館內隨處可見的藝術作品,除觀賞外,更是可以觸摸、遊戲的互動裝置藝術。位於入口右側的紅色造型樓梯貫穿整棟建築,色彩擷取臺南城市意象,可說是視覺上的一大亮點,若隱若現於木格柵之間,亦為建築增添一抹活力。寬敞的1樓空間主要選用木質裝修材,打造出溫暖又極具穿透性的空間感受,進入大廳後,首先接觸到的是新書區與接待櫃台,後方是如同市民客廳的報章雜誌閱覽區;新總圖配有現代圖書館的最新技術,民眾可利用觸碰螢幕進行館藏搜尋,亦可透過設於各樓層的自助服務站自行借書;兒童圖書館則架設充滿想像力的造型書架,此區位於遮陽天花下方的下沉中庭,適合孩童於戶外玩耍。   樓梯的紅色擷取自建築團隊對臺南的城市觀察,十分具氣勢,也為空間增加層次。©Ethan Lee 上到2樓,首先來到視聽區,此區設有可供觀賞電影的座位和小包廂,近鄰的是結合休憩lounge的青少年區,3樓開始則為一般書庫。圖書館致力於文化遺產的收藏與展示,因此4樓規劃有「臺南名人堂」、「日文舊籍書庫」及「臺南作家作品區」,並有四處戶外屋頂花園跟3個多用途空間,可作教室、工坊與咖啡廳之用;頂層則為劇場、講堂和行政空間,使用者能透過垂直格柵看到美麗的城市天際線。除上述空間外,其餘機能亦包含藝廊、創客空間、盲文圖書館等,將閱讀活動進一步延伸,使此處成為新的城市知識寶盒。 圖書館一隅。共蒐羅超過100萬本書籍,成為市民的閱讀新堡壘。©Ethan Lee 設計手繪圖。 臺南市立圖書館總館 設計」2016年至2017年 興建」2017年至2020年(2021年1月啟用) 業主」臺南市政府文化局 建築師」mecanoo 建築師事務所、張瑪龍陳玉霖聯合建築師事務所 結構技師」築遠工程顧問有限公司 機電空調技師」弘電工程顧問股份有限公司 指標系統」Path & Landforms 營造廠」互助營造股份有限公司、興泰水電工程有限公司 資料及圖片提供」mecanoo建築師事務所、張瑪龍陳玉霖聯合建築師事務所 編輯」陳映蓁

  • 麻布十番地處日本東京都中心,北鄰六本木,東毗東麻布,往東面瞧便能看見東京鐵塔。其交通位置方便,搭乘東京地鐵南北線或都營地下鐵大江戶線皆可以到達麻布十番車站;再加上鄰近澀谷、品川、新宿、銀座和東京等人氣車站,徒步走至六本木也只需要 15 分鐘的路程,而成為日本高級住宅區之一。 建築內部設有一台電梯。 此外,周遭不僅聚集多國大使館、時尚商店和各式美食,並擁有懷舊街區「麻布十番商店街」。其地理位置和環境上的優勢,以及熱鬧中保有在地風情和悠閒氣息的獨特風光,深受觀光客喜歡。而 MAXPLAN AZABU 10 租賃大廈就坐落於麻布十番車站前的一隅,由隈研吾建築都市設計事務所設計。     展現市區繁華與活力 麻布十番原為溼地,而非我們所知的繁華街區。透過河川整治及填海造田,才逐漸發展為現在的繁盛景象。因位於日本企業聚集地,且鄰近青山和赤坂等商業地區,麻布十番車站附近的住宅在東京地區房價相對較高,也較為搶手。它享譽高級住宅街的盛名,卻仍然保有下町富有人情味的一面,周遭街區也設有多家物價較為親民的超市,因此選在這個黃金地段建設租賃大廈再適合不過。   MAXPLAN AZABU 10 為租賃大廈,坐落於一之橋的交叉口處,離麻布十番車只有1分鐘的路程,擁有交通和生活上的便利性。 MAXPLAN AZABU 10 為一棟九層樓高的建築,內部設有一台電梯。建築總面積為 942.26 平方公尺;1 樓面積為 21.42 坪;4 至 8 樓的面積皆為 27.52 坪;9 樓的面積則為 17.93 坪。每層樓根據坪數大小的不同,租賃價格亦有所差異。目前大廈1樓為沙拉專賣店;2樓為共同工作空間;3樓為出租會議室;5樓為洗衣店;其他樓層則正在招租中。隨著各種產業的進駐,也使大廈本身展現地區的昌盛和活力,傲然地佇立於一之橋的交叉口處。   現代與傳統融合 建築外觀的部分,設計團隊細心選用能與城市融為一體的水泥為主要建材,除基層一側的外牆為木板材質外,外觀主要為高壓蒸氣養護輕質氣泡混凝土磚(Autoclaved Lightweight Concrete panels)以呈現建築立面的豐富樣貌。 9樓設有敞開式陽台,可以俯瞰城市街景。 高壓蒸氣養護輕質氣泡混凝土簡稱 ALC 白磚,主原料為矽砂,其材質相較於紅磚來得環保,它俱備許多優點,例如:其質地輕盈,可大幅降低建築結構體的負荷;白磚內部含有氣孔結構,可提升水密性和防火性;另外,其施工簡易且快速,而有助於節省成本,目前廣泛運用至現代建築設計中,並流行於歐美地區。 隈研吾設計團隊應用日本傳統木造工法 — 大和鋪設法,將 ALC 白磚拼貼在建築外牆上,讓傳統建築工法有了當代表情,成為街角亮眼的標記。 僅有大樓基層一側鋪設木板,並附有 MAXPLAN AZABU 10 的大樓招牌。 大和鋪設法的特點在於,將同等寬度的直立木板以彼此間隔一塊木板的方式交互重疊鋪設,呈現具有規則的凹凸表面,一般用於木造建築圍牆設計,不僅可以促進室內通風,亦能維護住宅內部隱私。 設計團隊轉換思維,將傳統實木材質替換為 ALC 白磚,白磚裁切為多條等寬的長型磚塊,並鋪設於建築外觀,使得原本看似單一平板的白牆,顯得生動活潑且具有流動感,此一創新外觀設計,除了營造建築美感,也能避免陽光直接照射進室內,令空間達到舒適光照與節能效果,兼顧了實用性及藝術性。   每塊 ALC 白磚皆切砌成等寬長條狀,凹凸的表面和波浪狀的造型,使建築外觀看起來生動活潑且具有躍動感。 感受城市躍動 新穎獨特的建築外觀位在繁華熱鬧的馬路交叉口,豐富的立體層次彷彿躍動的白琴鍵,隨時譜出城市中的進行曲,它引人注目卻也因低斂色彩毫無違和感。「理想的建築是不會讓人感覺到它的存在,只會感覺到大自然。」是隈研吾的設計理念。 MAXPLAN AZABU 10 再次闡述了建築不僅是建築,而是能滿足並體貼住戶需求,且讓人感到舒適自在的細膩考量。整體外觀展現出清新自然的節奏,讓居民在繁忙的交通中能暫緩腳步,享受這幕別致街景;欣賞熙熙攘攘的人群;聆聽呼嘯而過的車聲;眺望五光十色的城市夜景,盡情感受城市的繁華昌盛。 MAXPLAN AZABU 10 總共有九層樓,建築總面積為 942.26 平方公尺。   設計師簡介   隈研吾 隈研吾建築都市設計事務所創辦人 1990年成立隈研吾建築都市設計事務所。畢業於東京大學工學部建築系,並於近期擔任東京大學教授及榮譽教授。至紐約市哥倫比亞大學擔任訪問學者後,便於東京創辦事務所。 隈研吾建築都市設計事務所的建築設計作品遍布20多個國家並享譽盛名,曾榮獲日本建築學會獎、自然精神木建築獎(芬蘭)和國際石材建築獎(義大利)等多項獎項肯定。   圖片提供與版權」隈研吾建築都市設計事務所 撰文」紀奕安

  • 你是否還記得麥當勞餐點內,經典的紅色包裝盒上帶著滿滿微笑的熟悉身影呢?香港的梁志天設計集團(SLD)首度與全球知名連鎖快餐店麥當勞合作,攜手打造麥當勞CUBE旗艦店,將這份溫暖微笑嫁接至空間裡。整體設計以快樂兒童餐(Happy Meal)為靈感,將包裝盒的造型與童年的快樂回憶融於店面風格。期望讓顧客在店內用餐時,回溯到兒時迫不及待打開包裝、取出餐點及玩具時的喜悅之情。   麥當勞CUBE成都旗艦店位在成都晶融匯的一隅,占地為兩層摟。外觀設計簡約時尚,店外招牌及燈飾同時呈現「立方」及「暖色」這兩項設計元素。 CUBE旗艦店初期展店於中國成都晶融匯和深圳歡樂海岸。究竟在這個撓富趣味的方形盒內,富含什麼樣的巧思與創意,等待我們去發掘?就讓我們打開盒子,一探究竟吧!   麥當勞元素化作設計符號   SLD設計團隊萃取麥當勞的三大經典元素作為店面的設計符號,以拉近顧客與品牌之間的距離。CUBE顧名思義為立方體,而「立方」為第一設計符號。走進CUBE旗艦店內,無論桌子、椅背、牆面或牆壁裝飾,隨處皆可發現方形元素。店內仿造快樂兒童餐的方形包裝盒造型,室內設計善用立方體及正方形,靈活運用於各個空間和結構。處處可見的方形樣式,喚起各年齡層歡樂的回憶,提供既新穎時尚,亦能愉悅用餐的舒適空間。 店內隨出皆可以看見方形平面裝飾。前方的平面設計將品牌標誌和餐點繪製成拍立得的照片樣式,紀錄用餐時的美好回憶。 黃色與紅色為麥當勞的標誌顏色,看到這兩種顏色搭配,是否讓你聯想起薯條美味誘人的滋味,並喚醒香氣撲鼻的記憶呢?SLD使用大量的「暖色」素材作為第二設計符號,巧妙地將麥當勞餐點內的色彩融入室內建材、家具與裝飾。CUBE的專屬顏色包含:啡紅、青綠、暖灰等暖色系,不僅營造出品牌正面溫暖的氛圍,同時為整體空間注入活力,創造出顧客盡情享用美食之餘,亦能暫時忘卻煩憂的用餐場所。 「暖色」為第二設計符號,CUBE專屬顏色源自於麥當勞的餐點與食材,例如:漢堡、青菜、沙拉醬,皆轉化為一個個暖色系色塊,再以看似隨意的方式拼貼成店內食品樣貌。 仔細觀察店內平面裝飾、家具及燈具,不難發現快樂兒童餐的標誌性商標「隱藏的微笑」,親切的黃色微笑悄悄與周遭物品融為一體,成為第三設計符號,為空間增添趣味性及幽默感,亦帶來溫暖及歡樂。 「隱藏的微笑」為第三設計符號,SLD將麥當勞醒目的黃色「M」形商標與微笑的拱形線條融入燈具,親切的微笑不僅帶來活潑感,同時增添店內的趣味性。 成都旗艦店與深圳旗艦店 麥當勞CUBE成都旗艦店於2020年底開幕,位在成都晶融匯,共有兩層樓的占地。外觀設計簡約清新,外牆裝設多面大型落地窗增加室內採光;店外燈飾及招牌皆為方形設計,明確展現出CUBE的設計概念。 麥當勞CUBE成都旗艦店內設有樓梯連接上下樓層,樓梯造型展現幾和美學。 室內空間設有半透明樓梯連接上下樓層,樓梯兩側皆設置霧面玻璃,內側則裝設黃色扶手,呈現明亮且具質感的立體空間。而樓梯底部以橙色鏡面裝飾,不單增添整體時尚感,同時提升整體空間的溫度。 樓梯兩側皆裝設霧面玻璃及黃色扶手,打造兼具質感與美感的立體空間。 現代簡約的設計風格貫穿兩個樓層,簡單俐落的色塊與線條搭配,創造出簡潔大方的視覺效果。另外,為體貼不同客群的用餐需求,運用半透明的橙啡色漸變玻璃劃分出不同用餐區域,並設置卡座、散桌區、長桌和吧檯,以供不同客群選擇。 為體貼各式客群的需求不僅設置各個樣式的座位型態,並以半透明的橙啡色漸變玻璃劃分出不同用餐區域。 若是想換個心情,不妨可以前往位於深圳歡樂海岸的麥當勞CUBE深圳旗艦店,此店附近即是深圳灣公園、購物中心、海洋館、商場等著名景點,兼具觀光休閒與商業辦公性質。 麥當勞CUBE深圳旗艦店位於著名觀光景點—深圳歡樂海岸。附設得來速(Drive- Thru),窗口、花架及牆面擺飾皆為方形設計,展現CUBE的第一設計符號—立方。 CUBE深圳旗艦店與周遭環境結合,發揮地寬廣的優勢,設置戶外用餐區和半開放式的McCafé區域,讓顧客用餐之餘,也能享受海風的吹拂、感受環境的喧囂;另外,在用餐區、人行道和車道間精心布置綠植盆栽,讓商店融入自然元素。 麥當勞CUBE深圳旗艦店運用占地寬廣的優勢,設置半開方式的McCafé區域,試圖與周遭環境結合。用餐區域內,融和綠色植栽、立面與暖色等元素,使空間流露出自在愜意的氣息。 由於深圳旗艦店設有得來速(Drive- Thru),SLD特別以金黃色框裝飾入口和取餐停車口的落地窗,以區分出空間位置。在保有自己獨特風格的同時,亦承襲成都旗艦店的設計概念與元素,善用CUBE的三大設計符號,以豐富的色彩與不同大小的方塊拼接出極具麥當勞代表意象的用餐場所。 麥當勞CUBE深圳旗艦店承襲成都旗艦店的設計及元素,將CUBE的三大設計符號融入室內風格,營造出溫暖舒適的用餐空間。 建築設計師梁志天,以「現代簡約大師」著稱,在麥當勞CUBE旗艦店的設計中,以簡馭繁,簡單不花俏的風格,靈活詮釋麥當勞的品牌形象及精神,具體展現出品牌的定位,打造出活潑、溫暖、具有幽默感的樣貌;細心地考量消費者需求和用餐舒適度,貫徹麥當勞的歡樂共享精神,提供個性鮮明的空間體驗。 現代簡約風格貫串整體的設計風格,暖色系色塊與俐落的幾何圖形及搭配出簡潔大方的美感。 設計師簡介 梁志天 梁志天設計集團有限公司創辦人 國際著名建築師、室內及產品設計師,出生於中國香港。擁有超過30年的設計經驗,以現代設計風格見稱,善於將饒富亞洲文化及藝術元素融入其作品中。曾15度入選Andrew Martin 國際室內設計大獎,並於2015年勇奪「全球年度設計師」的殊榮。以「設計擁有打破界限的力量」為理念,帶領團隊跨足多元領域。2014 年,他與中國內地、香港、臺灣多位著名室內設計師共同創立「深圳市創想公益基金會」,積極推動設計教育及行業發展。 圖片提供與版權」梁志天設計集團有限公司 撰文」紀奕安

  • 窺探Tara Bernerd的設計心法

    用在地文化作為創意基因

    由國際知名設計師Tara Bernerd創立的Tara Bernerd & Partners,是一間涵蓋室內設計和室內建築的室內建築公司,2002年成立以來,參與了全球各地不同的設計項目,使她成為業內最炙手可熱的設計師之一。Tara與她的專業團隊為世界各地的餐廳、酒吧、酒店、遊艇及私人開發項目提供創意指導及室內空間規劃,建構專屬的美學。近期,她於亞洲完成的項目包含2020年夏季開業的Zentis Osaka(Palace Hotel Group旗下全新Zentis品牌的首個項目)、去年12月剛開業的香港灣仔The Hari Hong Kong等,《室內》雜誌特別邀請Tara Bernerd進行專訪,請她分享事務所秉持的理念,並與讀者分享近期所完成的酒店設計概念與亮點。 Tara Bernerd & Partners Tara Bernerd & Partners是由設計師Tara Bernerd創立的室內建築公司。項目遍布全球,擅長透過運用智能科技為室內空間進行規劃及設計,視每個作品為獨一無二,然而Tara Bernerd & Partners在設計的過程中均會注入標誌性的風格,奢華但是親民,帶點工業風的元素,展現優雅質感,帶來獨一無二的設計體驗,團隊希望為不同空間賦予不同的意義及營造彼此的連繫。 金普頓費茲洛伊倫敦酒店大廳。建物本身為受保護的歷史建築,設計團隊保留其大器典雅的元素,再以現代觀點重新思考空間佈局。 Tara Bernerd & Partners以倫敦的貝爾格萊維亞(Belgravia)為基地,承接眾多國際知名客戶包括瑰麗酒店(Rosewood Hotels & Resorts)、四季酒店(Four Seasons)、夏利里拉酒店(Harilela Hotels)及Palace Hotel Co. Ltd等設計案,其中,金普頓費茲洛伊倫敦酒店(Kimpton Fitzroy London)的翻新工程為其得意之作,設計團隊與發展商攜手合作,確保整個建築物的室內設計都能夠保留這幢二級歷史建築的原貌。金普頓費茲洛伊倫敦酒店坐落於羅素廣場(Russell Square)上,曾是上流社會成員的集聚地,外觀維持著維多利亞時期的設計風格,公共區域基本上保持了原有的樣貌,內部裝飾古典大器,Tara Bernerd & Partners與建築師將這些富含歷史底蘊的元素保留下來,並在翻新過程中以現代思維重新詮釋佈局、動線等規劃。 面對委託案時,Tara Bernerd & Partners秉持著對創作一貫的認真和熱誠,相信每一個項目都是獨一無二,其中,保留當地特色是所有設計提案中的骨幹,Tara深信每個地區都有其獨特的個性,在色彩運用上多以道地風貌及城市景觀為靈感,用料方面亦盡可能就地取材,透過文化、歷史、氣候與環境氛圍的結合,勾勒出專屬當地的風格;同時,團隊也十分重視建築概念和室內空間的融合度,希望能充分展現出設計與生活美學的結合。要判斷一間酒店是否真正成功,絕不能單靠整體外型印象,每個設計細節都是環環相扣且缺一不可,從空間運用到材料、家具選擇、色調、藝術品、燈光、氣味等,甚至是最後的修飾,皆需仔細考量;另外,如何與酒店經營團隊適切的配合,也是Tara認為在酒店設計中非常重要的關鍵,不管硬體規劃有多完善,若沒有服務人員時時刻刻關懷著住客的需求,都無法成就出一間受人愛戴的酒店。 金普頓費茲洛伊倫敦酒店客房。不論是色調、材料或軟硬體等規劃,皆環環相扣。   從縝密的觀察中,找尋設計切入點 有鑑於團隊經常承接知名連鎖集團的設計委託案,該如何在既定的企業精神下,注入屬於Tara Bernerd & Partners的元素?Tara解釋道,她會先因應各項目的先天特性來擬訂設計方針,這有助於團隊在創作上享有更高的自由度。首先,會針對建物本身、其所在地及鎖定客群進行評估,再配合品牌定位和風格著手設計,若是為同品牌設計不同地區的酒店,除了賦予獨有的設計基因外,更需將相同的元素置入每間酒店,使它們緊密連結;以近期完成的The Hari Hong Kong為例,為突顯和The Hari London之間的連結,大廳整體設計和圖書牆的運用便營造出相互呼應的效果。Tara Bernerd & Partners的作品中,不難察覺奢華但平易近人是他們的標誌性設計風格,當中透著細膩的設計層次,以及對藝術滿滿的熱愛及精準的氛圍掌控。   位在香港灣仔的The Hari Hong Kong,大廳劃分成不同功能的休息區,以藍色、綠色與大地色調,和天鵝絨及羊毛厚布構成,家具風格則融合中世代主義與當代主義。 由於Tara的作品分布於世界多個城市中,歐亞地區對於酒店設計的發展趨勢與喜好有著明顯的差異,以日本為例,她觀察到日本人非常重視傳統文化,在設計浴室時便參考當地人的沐浴習慣,希望能設計出更貼近當地生活習性的空間,而香港的酒店則十分注重色調調配;整體而言,不同國家地區存在著各自的建築規範,團隊會先向當地的建築師徵詢細節方面的意見,在可行的情況下盡可能滿足多方需求,並尋求機會做出突破,Tara認為這才是設計的真諦。過去一年間因疫情影響,遠距工作成為全新的日常,無法親自審視材料的利用及實地考察,因此需要盡更多心力建立起與客戶、施作方牢不可破的合作關係;憑著團隊堅毅的精神和出色的應變能力,在這段艱難的時刻仍於全球完成了5個項目。 The Hari Hong Kong客房以開放式手法設計,香港的高樓大廈透過玻璃窗映入眼簾。   聚焦設計美學-Zentis Osaka Tara Bernerd & Partners去年於日本大阪完成了Palace Hotel Group旗下全新Zentis品牌的首個項目-Zentis Osaka。Tara表示,她小時候在亞洲度過了很長的一段時間,期間曾造訪過日本數次,一直憧憬著有機會在當地工作,Zentis Osaka是她在日本的首個作品,期待為講究設計及時尚潮流的客人帶來更優質的精選酒店。選址於大阪市中心,目標成為繁華城市中的綠洲,鬧中取靜,營造出家的溫馨感;大阪最引人入勝的地方,在於她蘊藏豐厚的歷史脈絡,同時充滿著現代都市魅力,Tara與團隊以低調奢華卻不失優雅氣派的概念作為Zentis Osaka的設計基因,提供旅客悠閒又賓至如歸的感受。 休息區一景。講究設計感與時尚氛圍,並適度引入外部蔥綠。 啟發自建築概念的石梯是空間的亮點,極具雕塑性。 大廳開闊不拘束,語彙簡約俐落,啟發自建築設計的石梯更是亮點所在,從外型到材質皆充滿著雕塑性,加上落地玻璃的設計,將外部熙來攘往的市容景觀引入室內,動靜之間更添層次,而地下空間則以內外無接縫的手法打造,Tara精心設計一個以玻璃包圍的雙面壁爐,拉近住客與戶外綠色花園的距離。2樓的酒廊別具魅力,挑高的環境以藍色和芥末黃色調捎來柔和感受,並與外露的磚材、橫梁及Crittall鋼窗相映成趣,吧檯則延續了地下石梯的建築風格,由當地採購而來的磁磚製成,也肩負分隔酒廊和餐廳兩個空間的功能;藍色色調延伸至餐廳,地磚圖騰和特色書架則形塑出具變化的視覺效果。Tara提到,Zentis Osaka最大的挑戰在於酒店各個角落、不同大小空間的運用,有趣的是,團隊將客房想像成傳統日式便當,將有限的面積巧妙地劃分成多個獨立卻相連的區域,創造既具功能性又舒適的環境;沿用大廳的清新色調,同時注入些許溫暖顏色,再妝點出自日本藝術家之手的傳統藝術品,藉此向大阪這個洋溢著活力的城市致敬。 Zentis Osaka注入不少屬於當地的設計特色,例如於滋賀縣製作的床頭櫃、靈感來自日本書法的壁紙裝置,及出自當地藝術家的當代作品等。 資料及圖片提供」Tara Bernerd & Partners、PURPLE 採訪」陳映蓁

  • Van B為一棟創新的智能住宅,位於德國慕尼黑的Infanterie街,毗鄰創意區(Kreativquartier),由荷蘭的UNStudio建築事務所設計。 Van B住宅兼顧辦公及居住的功能,位於德國慕尼黑。住宅周遭設有汽車及自行車停靠區。 在城市人口日漸稠密的趨勢下,都市住宅的室內空間逐漸縮小,UNStudio打破人們對智能住宅既有的框架,不再只是將物聯網及人工智慧技術與建築設計結合,而是靈活運用居家空間,在環境資源有限的條件下,打造兼具美感及實用性質的智能住宅,使室內空間的價值和功能發揮最大效益,改善原有的建築空間限制。 為了加強公寓與鄰里社區的連結,從1樓到5樓外側皆設置大型凸面窗和陽台,將內部空間向外延展,營造出三維空間。 智能靈活 隨心所欲 建築設計師Ben van Berkel以創造出具有靈活性空間的住宅為設計理念,運用可調整式隔間和嵌入式家具模組系統,來因應住戶的居住需求和變化。   住宅的屋頂花園不單具有為建築降溫的功能,也供所有居民使用。 UNStudio留存及續用原建築的地基和基礎構造,達到節省建材資源,且有利加速施工過程。Van B住宅不同於傳統建築設計,為滿足不同地區的人口和居住群體的需求,規劃各種類型與大小的住戶型態,例如:設有1至3間房間的公寓、帶有畫廊的閣樓,以及裝設屋頂的公寓。 在室內不僅可觀賞180度的窗景,亦能優化公寓的日照採光,維護住戶的隱私性。 為了使室內空間更具有彈性,設計團隊開發一項智能系統,並連接每個嵌入式模組,以便屋主從九個基本模組中挑選自己所需,並進行配置,在短時間內,即可布置出自己的理想天地。由於建築成為一個能夠隨心變形的智能空間,任由住戶施展魔法,變換成各種型態樣貌,更可提高居住環境的適應性、生活品質和舒適度;落實UNStudio對於未來建築樣貌的期許:著重於生活質量,而非生活尺度。 室內空間寬敞明亮,家具擺設也一應俱全,打造方便舒適的居家生活。 打造城市新生活 雖然自2020年起新冠肺炎(COVID 19)改變人們的生活型態,影響擴及部分住宅市場,卻也凸顯出建築與環境的關係以及社區發展的重要性,這也成為Van B住宅的設計核心之一,因此建築內部設置多樣類型的公共空間,包括:屋頂花園、廚房休息區、健身露臺、自行車維修站、汽車及自行車共享服務中心,確保社區生活的多元性。 Van B住宅的特色在於智能靈活,住戶能夠自由搭配嵌入式家具模組,隨心打造心目中的理想生活。   同時,Van B住宅也建構出一幅擁有共享經濟的建築願景,不單規劃出多功能性質的居家環境,以因應現代人們的生活型態;並透過建築立面設置凸窗和陽台,破除居室的封閉感,讓人身在室內仍可關注環境動態,加強居民與社區的緊密連結,打造出具有溫度的城市新生活。Van B住宅已於2021年4月開始建造,預計於2022年的2月底左右完成建築外觀。 圖片提供與版權」UNStudio建築師事務所 視覺效果圖」bloomimages 撰文」紀奕安

  • 普立茲克建築獎(The Pritzker Architecture Prize)不僅是「全球建築領域的最高榮譽」,也是觀察當今重要議題的入口。2021年3月16日,法國建築師安妮.拉卡頓(Anne Lacaton)與讓-菲力浦.瓦薩爾(Jean-Philippe Vassal)榮獲2021年度普立茲克建築獎。 費雷角之家(法國費雷角,1998年)。攝影」拉卡頓-瓦薩爾建築事務所。 30年以來,拉卡頓與瓦薩爾堅信「建築並不僅僅是建築」,他們尊重原有的建築結構,透過增建及擴建的方式,並細心選用環保與經濟兼具的建材,設計理念重視居民福祉及空間使用的充裕感,致力打造可持續建築。 波爾多住宅(法國波爾多,1999年)。 秉持「永不拆毀」的戒律 瓦薩爾曾前往西非的尼日共和國(République du Niger)從事城市規劃,當時在法國波爾多蒙田大學攻讀城市規劃碩士學位的拉卡頓,經常赴往尼日探望瓦薩爾。尼日位在撒哈拉沙漠的南部區域,為現行最低度開發國家之一,由於當地長期動亂,加上氣候環境惡劣,導致國家資源匱乏。不過,拉卡頓與瓦薩爾卻被當地的沙漠美景、人民慷慨樂觀的態度和充滿詩意的創造力深深吸引,他們也視此國家作為人生中第二個建築學校。 南特國立高等建築學院(法國南特,2009)。 拉卡頓與瓦薩爾在尼日首都尼阿美(Niamey)使用當地的灌木叢來建造一座草棚,展開兩人的第一個合作項目。由於建材具有耐熱耐旱特性,即使在竣工的兩年後,草棚任憑沙漠強風吹襲依然屹立不倒。他們受到尼日人生活態度和當地資源稀缺的啟發,立誓日後建築職涯裡,但凡能挽救的建築絕不拆毀,並且盡力延長其持續性,這也成為他們往後的設計戒律—永不拆毀。 53套低層公寓(法國聖納澤爾,2011年)。 透析現有資源 開啟新與舊的對話 縱觀拉卡頓與瓦薩爾作品,一如凱悅基金會主席湯姆士.普里茲克所言「他們的目標就是透過自身工作,展現謙遜的力量,並且實現新與舊之間的對話,以此服務人類生活,拓寬建築疆界。」   大公園 G、H、I座大樓 530 套公寓(法國波爾多,2017年)。 拉卡頓與瓦薩爾悉知建築的空間和材料,深入探索原有事物的價值並且善加利用,以改造提升替代拆毀重建,賦予現有資源蛻變重生的機會。同時,他們也將自身的創作熱情和創新觀點注入設計裡,建構出兼具美感與務實的建築,其作品橫跨多元領域,包含:住宅、文化、教育和商業建築。 多功能劇場(法國裡爾,2013年)。 究竟拉卡頓與瓦薩爾是如何運用清晰的邏輯和堅毅的信念來實踐心中的理想?透過以下3項知名作品,讓我們一探兩位建築師以改造取代拆毀,富含細膩人文關懷以及謙遜包容的設計精神。 綠建築實踐 拉達匹住宅 Latapie House(法國弗盧瓦拉克,1993年)  拉達匹住宅改造期間的施工樣貌。 拉卡頓與瓦薩爾皆曾經研究過植物園的溫室,植物脆弱且優美的特質,在光照下的通透之美,不僅擄獲她們的目光,也讀進了兩人的內心。在拉達匹住宅(Latapie House)她們以綠建築思考,利用增設的冬季花園與陽台,在有限的預算裡擴大了居住空間體感,讓居民能夠親近自然同時達到住宅節能目的。 拉卡頓和瓦薩爾應用溫室技術,在房屋背面向東處設置可伸縮的透明聚碳酸酯板,以擴大居民的活動空間,同時達到節約及美觀的效果。透過部分改造建築外觀,使原本單調老舊的社會住宅,翻新為清新明亮的樣貌,為空間增添生氣盎然的氣息。 住宅周遭種植植物,除了有效美化居住環境,也能達到調節室內微氣候的效果。此外,在房屋背面向東處設置可伸縮的透明聚碳酸酯板,拓增住宅的公共空間並且令自然光線穿透入內,使氣流暢通怡人,輕巧地改善了居住品質,也提供居民健康舒適的生活空間。 體貼的人文關懷 普雷特大樓100套公寓 Transformation of 100 Units, Tour Bois le Prêtre(法國巴黎,2011年)  普雷特大樓100套公寓(法國巴黎,2011年) 在二戰結束後,住房需求大幅增加,法國政府在郊區興建大量的社會住宅,普雷特大樓即為其中之一。這座建築始建於1960年初期,是一棟擁有96套公寓的17層大樓,因年久失修,且建築設備急需升級,拉卡頓和瓦薩爾與弗雷德里克.德魯沃聯手為它進行改造。 在靠近陽台處裝設落地窗,不僅可以引入日光,一覽窗外美景;亦可讓室內空間與視覺向外延伸,營造寬敞明亮的居家生活。 在新計劃中,拆除了原有的混凝土外牆,並且裝設多處大片落地窗,讓建築輪廓向外延伸,換來明亮開闊的室內空間,使居住感受更加開放。此外,主張以改造取代全然拆除的作法,不但充分考量了住戶的生活難題,讓住戶無需憂心沉重經濟負擔,得以維持穩定生活,改造後普雷特大樓不僅煥然一新,不再沉舊,也展現了設計者細膩入微的思考與人文關懷。 更自由的空間運用 當代創作展場,東京宮二期 Site for Contemporary Creation, Phase 2, Palais de Tokyo(法國巴黎,2012年)  當代創作展場,東京宮二期(法國巴黎,2012年)。 巴黎東京宮原本是為了1942年的巴黎世界博覽會所建造的博物館,竣工於1937年,2002年起,拉卡頓和瓦薩爾耗費10年時間修復建築內部空間。在新方案裡,博物館的室內面積增加20,000平方公尺,部分是新闢的地下空間。 兩位設計師打破展場模式既有的框架,牆面、鋼桁架及柱子展現建築原有的樣貌,讓空間的使用性更加寬敞自由;同時,明與暗的空間相接,增加了視覺上的豐富性,也增添光影交織的美感。 室內設計跳脫許多當代藝術博物館的常用的純淨白立方型態,反而以大量的未完成空間予以「留白」,增加展場日後使用的靈活性。此外,展場內部不規劃制式的動線引導,因此每個空間都可以提供藝術家、策展人與展覽主題盡情發揮,參觀者也能自由地穿梭在明暗交織的環境裡,沉浸於無限想像的藝術體驗。 地下空間。 除了上述作品,拉卡頓和瓦薩爾的知名作品還包括:費雷角之家(法國費雷角,1998年);CitéManifeste的14座社會住宅(法國米盧斯,2005年);波爾多科學技術大學(法國波爾多,2008年);53套低層公寓(法國聖納澤爾,2011年);多功能劇場(法國裡爾,2013年),烏爾克-饒勒斯大學的學生宿舍和社會住宅(法國巴黎,2013年);位於內珀特花園、包含59套公寓的社會住宅開發項目(法國米盧斯,2014至2015年);以及謝納堡住宅和辦公樓(瑞士日內瓦,2020年),作品展現了兩人對於生態環境變遷、社會困境以及經濟發展的關懷,用開放自由、務實與理想並存的特質實現了建築的民主精神,他們體貼考究、觀察入微、謙遜包容的設計思考不僅深獲肯定,同時對社會帶來影響與貢獻,也對年輕世代的建築師帶來深刻啟發。 設計師簡介 安妮.拉卡頓(Anne Lacaton) 法國建築師、教育家 讓-菲力浦.瓦薩爾(Jean-Philippe Vassal) 法國建築師、學者 安妮.拉卡頓與讓-菲力浦.瓦薩爾相識於法國波爾多國立高等建築與景觀學校,於1987年在巴黎共同成立拉卡頓和瓦薩爾建築事務所(Lacaton & Vassal),並獲得2016年里斯本建築三年展終身成就獎;憑藉法國波爾多大公園G、H、I座大樓530套公寓改造項目,榮獲2019年當代建築歐洲聯-密斯.凡.德羅獎。 兩人曾共同在義大利阿爾蓋羅的薩薩里大學、法國東京宮Pavilion Neuize OBC研究室、瑞士聯邦理工學院擔任客座教授,亦聯名出版《自由空間》、《事件。使用自由》、《PLUS:大規模住房開發,一個絕佳案例》和《明天會更好》等作品。 圖片提供與版權」The Pritzker Architecture Prize  攝影」Philippe Ruault   撰文」紀奕安

  • Kardinal Nikolaus Cusanus 學院坐落於義大利南蒂羅爾省的布雷薩諾內,校名取自 15 世紀聖羅馬帝國的神學家—庫薩的尼各老,委由義大利 MoDusArchitects 建築事務所運用精細的設計策略,為這座學院進行整修及增建。  主樓 Haupthaus 的東側。 布雷薩諾內為義大利北部最古老的城鎮,到處皆可看見中世紀建築。原先由義大利知名建築師 Othmar Barth 所設計的 Cusanus 學院,用磚塊與水泥赤裸展現於建築立面,佇立在充滿歷史氣息的古鎮中顯得格外新穎,它也是首座受到義大利波爾察諾省歷史保護委員會保護的現代建築,同時被認為是 Othmar Barth 的代表作。 Paul Norz Haus 與 Haupthaus 的東南側,Haupthaus 的建築結構由3個四方形組成,構成梯形。 MoDusArchitects 團隊承接此一極具挑戰性的任務,在大量研究該項目的相關文件後,謹慎地拿捏建材、構造與技術之間的平衡,讓研討會場地與住宿規劃能延續學院經典語彙,打破今昔疆界。 Haupthaus 的南面,外觀露骨的水泥與磚牆,在充滿歷史氣息的古鎮中,顯得格外大膽新穎。   Cusanus 學院由 3 棟大樓組成,分別是 Paul Norz Haus、Mühlhaus 與 Haupthaus。Haupthaus 為主樓,其建築結構融合幾何元素,由 3 個朝南敞開的四方形所組成,構成醒目的梯形外觀。大樓內部連結悠長通道,從結構、表面、開口與格局,都呼應著簡潔素雅的建築語彙。 位在夾層樓的會議室面向 Haupthaus 的大廳敞開,內部為挑高的穹頂空間。 在新的改造中,MoDusArchitects 強調學院與城市環境的融合,以秩序性的建築群與公眾空間,為校園與社區建立連結,在不破壞學院建築原貌的條件下,保留原有的混凝土框架結構、磚牆、鋪石,同時運用自然光照及素簡建材,維繫它莊嚴和諧的美感。 主樓新設的南北軸線,串聯 Haupthaus 的大門入口與食堂。   位在 Haupthaus 1 樓的會議室作為改造核心,MoDusArchitect 將 1 樓的建築軸線改為南北軸,化解空間的位處建築角落的態勢,同時讓 Haupthaus 的大門入口能與食堂相連。悠長的連接通道則引加入許多新元素,例如:咖啡廳、兩側入口處、休閒座區以及研討室,寬敞的走廊不僅是動線要道,也體現此設計方案的目標:在尊重建築構造的邏輯下,營造更加友善的校園環境。 Haupthaus 的大廳內部的悠長通道。   此外,新方案也整合原有的附屬建築與新增的地下空間,在兩者之間強化垂直連結。Haupthaus 的半地下層原為俱樂部,改造為研討室並且比鄰增建的大型會議廳,動線路徑的流暢,更加方便各種規模的研討會運用。 研討室位在 Haupthaus 地下半層,且鄰近 MoDusArchitects 增建的大型會議廳。 而會議室位置也順勢界定了天井範圍,將原本曖昧的屋頂平台場域轉化為新公共廣場。臥室主要設置在 Paul Norz Haus、Mühlhaus 與 Haupthaus 的上層,房間共可容納 96 位客人,55 間各式尺度的客房運用色彩進行分區。 研討室內部沿襲會議室的水泥結構,展現簡潔明亮的幾何空間。   改造後的 Cusanus 學院,建築風格承襲了文藝復興時期重視的和諧之美,其精緻的語法結構,在傳統與創新交互碰撞下,仍堅守平衡、幾何、美感與比例等經典元素,讓建築在時光長河裡依然流露著素雅沉靜,同時也展現了不失新穎的美感。 位在 Paul Norz Haus 的其中一間新客房,Paul Norz Haus 的房間區分色為藍色。 圖片提供與版權」MoDusArchitects 攝影師」©Gustav Willeit 撰文」紀奕安

  • 葡萄牙建築大師阿爾瓦羅 ‧ 西薩(Álvaro Siza) 作品以簡潔細歛的建築語彙、精巧光影運用,以及親合地貌環境、文化的設計核心,成為公認的經典,曾獲 1992 年普立茲克建築獎、2002年金獅獎及 2012 年金獅終生成就獎,對許多建築專業人士而言,西薩作品巡禮更是一生必訪的行程。1933 年出生於葡萄牙北部,西薩對於雕塑藝術充滿濃厚興趣,在一次巴塞隆納之旅中受到高第建築作品感動,最終選擇就讀波多大學建築系,開始他的建築之路。 阿爾瓦羅 ‧ 西薩(Álvaro Siza) 西薩的建築風格在 1963 年完成的第一件葡萄牙海邊茶屋作品即稍顯端倪,建築隱身礁石之中,隨著坡度緩緩向下延伸,空間注重採光及室內外連結,並將當地傳統建築材料及工法融合空間之中。這些手法在後續作品中愈加純熟並精煉,以機能為前提,剔除不必要的裝飾,使每一個形狀、細節都有其原由,普立茲克建築獎評審評語中便盛讚西薩「每個線條與彎曲的設置都來自充分的技巧與把握」。   儘管早已舉世聞名,西薩的建築卻在近 20 年才首度踏入亞洲,2009  年在台玻集團總裁暨台豐高爾夫俱樂部董事長林伯實與徐莉玲夫妻親自遠赴葡萄牙力邀下,與長年合作夥伴卡洛斯 ‧ 卡斯達內拉(Carlos Castanheira)到訪台灣,為成立 40 餘年的台豐高爾夫俱樂部重新擘畫「西薩會所」、「嘉卿會所」,以及台玻創辨人林玉嘉、林蔡卿卿夫妻位於新北金山區的私人紀念墓園,更預計近年於球場內新增茶屋、警衛室等設施,使球場整體成為一件完整的西薩建築,為台灣蒐藏更多國際建築大師作品。本次《室內interior》雜誌與台豐高爾夫俱樂部、學學課程合作,實地拜訪已完成的兩座會所,並參與學學舉辦的 Álvaro Siza 建築巡旅課程,深入紀錄西薩近年於台灣完成的作品。 西薩會所 西薩會所位於入口車道旁,外觀為清水模材質。 於 2014 年與何侯設計合作完成西薩會所,主要作為一般會員接待、更衣休憩、咖啡廳、工作區域使用。建築鄰近入口,西薩特意在動線起始處設置四層樓高如城堡般的量體,清水模外觀在第一眼即給予觀者強烈印象,後續沿車道設置一道 60 米長的厚實清水模牆面,作為情緒沉澱、轉換空間,引導參訪者動線,車輛可以停放至 B3 停車場,人行則經過轉彎處抵達入口階梯。何侯設計的侯貞夙建築師說明,會館外觀偏向理性,西薩便於門口轉角點綴植栽添入生意,並親自設計入口形象藝術品,量體形狀與對側設計選物店呼應,達到視覺平衡,特殊的古銅色鍍釉手工磁磚映照藍天與中央樹木,抽象弧線呈現高爾夫球打擊時飛越的樣貌,成為台豐高爾夫俱樂部的企業識別標誌。  觀景輕食廳面朝練習場,訪客可透過玻璃與球友互動。 轉個彎抵達會館入口,也是西薩的作品特色,透過身體動作提醒參訪者空間的轉換。接待處的實牆與低天花板加強大廳落地窗與挑高的開放感,深灰色石材傳遞沉穩氛圍,並將地坪材質延伸至壁面,俐落地分割出上下半部。所有桌椅、櫃體、燈具皆出自西薩之手,呈現整齊的水平層次。此外,光線亦為西薩相當在乎的細節,除了大面開窗引入自然光源外,均以間接照明為主,少有筒燈、崁燈等設置,並將空調出風口隱藏於天花四邊的縫槽內,維持天花板純淨。 動線自大廳處區分為二,會員下樓至B1的更衣室換裝準備,訪客或親友可至一旁的觀景輕食廳等待、享用餐點。大面落地窗使用台玻製的複層玻璃,中央真空設計可阻絕熱能,留下明亮日光與綠地美景。身處西薩作品中,每一步都有不同風景,侯貞夙建築師分享,西薩發想設計時會先做出多種尺度的等比例模型,方便觀察室內空間,以立體方式發想設計,使他能精準掌握動線、端景、光影的變化,構築出一件件令人傾服的經典。 西薩會所接待大廳,家具皆為西薩親自設計。 嘉卿會所 2020 年 10 月新啟用的嘉卿會所,與廖嘉舜建築師團隊合作,會所主要服務尊榮會員,將接待大廳、宴會廳與露天廣場、超跑俱樂部、Albatross 西餐廳等主要空間和停車場、更衣間、廚房等機能空間做出垂直區劃,安排不同人員的複雜動線。外觀使用白色塗料,連接地面處則使用灰色石材,呈現整齊視覺水平。建築倚果嶺邊緣向外生長,自球場可見三層樓的龐大建築,另一面則為一層樓溫順地匍匐大地。建築造型突顯西薩以機能為主的設計風格,由四個量體連接而成,藉由不同角度、動線的巧妙安排,創造一幅幅自然美景,以及數個可供駐足欣賞風景的廊道與平台。 嘉卿會所外觀使用白色塗料,銜接地面處則為深灰色。   入口處為高爾夫球車出發站,以球場常見的鳥類飛翔形象作為靈感。進入室內,設計主軸與西薩會所相同,線條簡潔乾淨,透過落地窗大量引入日光及果嶺風景,強調室內與環境的互動,石材地坪及木質家具則選擇暖色系材質呈現輕盈視覺。接待處連接餐廳,西薩特別在此設置酒窖,長盒狀的空間除方便工作動線外,上方脫開設計型塑量體感,避免切割空間。宴會廳則刻意壓低牆緣天花,框畫出窗外景觀,並襯托出中央紅毯的重要性。 西薩對於結構的巧妙安排更令人驚嘆,或許來自他對於雕塑的熱愛,空間中許多結構的運用都突破人們的認知,如提供超跑會員展示愛車的超跑俱樂部,僅靠一根 150 米的大樑便撐起寬大的平頂,形成完全無柱的空間。樓梯也呈現如雕塑般的美感,轉彎處特別挖空的設計讓光線自然地流入,保留在行走間仍能望見窗外美景的巧思。身處 B1 特別能感受西薩對於採光的純熟運用,接待處透過嘉卿會館特有的兩座半室外水池借光,停車場則以露天的車道入口及中央採光井引入風與日光,完全感受不到地下會有的悶熱陰暗。 扶手上下保留縫隙,使光線與視覺不受隔擋。   西薩作品從不以華美著稱,卻能呈現出講究且高雅的氣質,廖嘉舜建築師提到,西薩非常注重每個細節,小至窗緣防水用的矽利康,仍要求必須隱藏在玻璃下方,避免年久發黃時破壞整體美感。此外,西薩從不刻意極簡,而是尊重構造與事物本質,應當存在便不額外修飾,亦不設置多餘之物,使建築依靠結構、材質、細節傳頌真實之美,一如西薩的名言,也是他一直以來的堅持:「設計師並不發明事物,他們只是轉化真實。」   嘉卿會所尊榮會員接待大廳及 Albatross 西餐廳。 資料及圖片提供」台豐高爾夫俱樂部、學學課程 撰文」林慧慈

  • 義大利菲諾港(Portofino)是個資源豐富的小漁港,在丘陵與海之間整齊排列色彩鮮明的房屋;鎮內散落多座歷史遺跡;各式精品、畫廊和餐廳遍布大街小巷;獨特的地理環境亦可潛水、健行及欣賞海灘景色,迷人的小鎮風光吸引各地人潮搭乘遊艇前來享受奢華的度假之旅。 菲諾港位在義大利西北側,早期為漁村,自1950年開始轉型為現今的渡假勝地。色彩繽紛的房屋與周遭絡繹不絕的船隻為港口帶來活力。 而Belmond Splendido Mare 酒店(Splendido Mare, A Belmond Hotel, Portofino)就坐落於這個風光旖旎的小鎮,法國Festen建築設計事務所全面翻新Splendido Mare,設計融合現代元素與當地特色,充分展現出菲諾港雋永經典的美感,這是全球奢侈品巨頭LVMH集團收購後首家改造升級的酒店。   Belmond Splendido Mare酒店坐落於菲諾港,經過法國Festen建築設計事務所全面翻新,將充分展現當地風情和創新設計,讓入住者能周遭環境及歷史建立深刻連結。 展現漁村繽紛活力的色彩 菲諾港擁有美麗的海景,過去主要靠漁業為生,Festen將酒店設計與周邊的環境歷史連結,匯集小鎮的航海元素裝潢室內空間。Belmond Splendido Mare酒店共有14間客房和套房,房內設計巧妙結合傳統義大利漁船和帆船的裝飾風格,選用本地手工塗刷的天然原木營造樸實愜意的氣息。 酒店內的室內裝潢融入航海元素,多選用當地手工塗刷的天然原木打造。床頭櫃上設有航海羅盤,呼應設計主題。 床頭板上有不同的繩索圖案,由法國著名紡織設計師Véronique de Soultrait精細的手工編織而成。仔細觀察玻璃器皿、陶器和客房鑰匙,可發現Belmond Splendido Mare酒店的標誌—航海繩結。 床頭板由法國著名紡織設計師Véronique de Soultrait手工編織,附有繩索的圖樣。 前往餐廳,地面鋪砌的7,000塊和紅色地磚皆由利古里亞的工匠製成,呈現海浪起伏波動的意象。整體設計的主題統一,各種元素的組合搭配讓人仿如置身漁船,準備展開航海之旅。   白牆搭配原木的簡約設計,流露舒適自然的度假氛圍。 斑斕的色彩不僅點綴義地大利西北側的利古里亞海岸,為沿岸住宅注入鮮活氣息;Festen選用漁村內建築的傳統色彩:琥珀色、陶土紅色和海綠色,妝點酒店的拱門和天花板,柔和的色調搭配展現港灣的熱情與和諧。鎮上的聖喬治教堂(Chiesa di San Giorgio)始建於12世紀,為羅馬式建築風格;而酒店內的木地板設計則向聖喬治教堂致敬。 酒店內的拱門和天花板漆上漁村內傳統的色彩,展現地中海的熱情與和諧之美。 向當地人文歷史致敬 1950年菲諾港正值產業轉型,觀光業取代小鎮歷史悠久的傳統漁業;同年,義大利設計產業在全球大放異彩。酒店內擺設1950年代摩登復古的義大利家具,向菲諾港與義大利設計在這個時代的發展獻上敬意。 Paolo Buffa 和Gio Ponti打造的果木扶椅,重現50年代座椅的經典風格。 每間客房均陳設各式古董擺飾,Paolo Buffa 和Gio Ponti共同打造的果木扶手椅,流線型設計與幾何圖形充分展現50年代座椅的經典風格;Ulrich Guglielmo設計的核桃木座椅,既樸實簡約又不失俏皮感;Oscar Torlasco的檯燈底座線條流暢,搭配典雅的燈罩及柔和的顏色,營造出懷舊溫暖的氛圍。 Ulrich Guglielmo設計的核桃木座椅。 其中一間套房以活耀於50年代的美國傳奇影星愛娃嘉德納(Ava Gardner)為設計靈感,1954年拍攝《赤足天使》(The Barefoot Contessa)的期間,愛娃曾是Belmond Splendido Mare酒店的常客。 Oscar Torlasco設計的檯燈優雅時尚,溫暖的色調營造復古風格。 為了讓前來住宿的賓客能充分感受當地風情,客房名稱與航海文化相關,以自然風光與船隻的名稱及結構命名;酒店裝潢擺飾的各個細節皆與當地人文歷史交融,家具與素材均使用當地的手工精品,在復古元素和當代設計的交織下,為空間帶來層次與趣味性。 Festen現代元素與復古設計結合, 浴室選用卡拉拉大理石裝潢,搭配牆面橘色與白色相間的磁磚,增加視覺上的豐富性。 別致設計 重啟熱情 隨著酒店裝潢翻新,Festen亦邀請深受Vogue與LVMH集團青睞的新銳設計師Arthur Arbesser為酒店設計新制服。Arbesser出身於維也納,其設計風格深受文化傳承與歷史城市的建築啟發,他的作品以大膽的設計聞名,善用色彩組合、錯位幾何圖形與繪畫格調印花布等元素。   Arthur Arbesser為米蘭的新銳設計師,其設計風格大膽獨創,備受全球時尚界矚目。 Arbesser保留50年代簡約優雅的的時裝風格,並加入幾何印花與航海等元素,為Belmond Splendido Mare酒店的新制服注入當地風情,展現隨性而精緻的美感。   Arthur為Belmond Splendido Mare酒店設計的新制服,結合復古元素與當地特色,展現優雅大方的美感。 雖然受到新冠肺炎(COVID19)疫情影響,重新開幕日從原本的2021年4月延至2021年5月1日,Belmond Splendido Mare酒店接待國際旅人的熱情絲毫未減,並期望入住的賓客能自在地徜徉在自然風光與別致設計中,盡情享受度假之旅。 Belmond Splendido Mare酒店預計於2021年5月1日重新開幕。 圖片提供」Petrie PR 攝影師」Stuart Cantor 撰文」紀奕安

  • 「2021 台灣設計展」4 月 28 日宣布將於 10 月 1 日至 17 日在嘉義市登場,以嘉義文創園區、製材所及嘉義舊監獄為 3 大展區,並串連嘉義美術館、嘉義火車站、嘉義願景館、車庫園區等,展場位於嘉義市的「文化新絲路」上,過去是嘉義阿里山林業產業發展的交通要道,本次將以台灣設計展作為設計導入之金鑰,開啟嘉義城市設計能量,重新演繹這條文化絲路。此外,今年將首次結合百年歷史的阿里山林鐵本線作為交通接駁,讓民眾體會不一樣的設計展,歡迎民眾前往參觀,感受嘉義設計加值後的城市魅力。   嘉義文創園區   引燃嘉義熱情 台灣設計展今年將邁入第 19 年,是第一次在嘉義市舉辦,展區涵蓋文化部、交通部、法務部,以及農委會轄管的場域空間。另一個亮點是展場將首度有接駁火車串聯,以百年歷史的阿里山林鐵本線從嘉義火車站出發到北門車站,讓民眾用過去林業運輸的方式參觀設計展。 本次台灣設計展,經濟部也啟動了設計歸故里方案,號召嘉義市在地創意人士與其他領域專家共創,例如出生於嘉義市的知名媒體人王偉忠,奇想創造創辦人謝榮雅等,期許以嘉義在地化的角度,共同打造屬於嘉義最在地的設計展。相信藉由這次策展,讓更多居住嘉義或出身嘉義而在外打拼的創意人、設計師,再次引燃對故鄉的熱情。 嘉義製材所 車庫園區 嘉義舊監獄 展現設計風土人物 為展現嘉義地方產業的設計能量,經濟部自 2020 年起與嘉義市政府聯手推動設計輔導,以台灣設計研究院為平台,帶領跨設計領域的 D-Team 夥伴,從美學、設計創新、品牌包裝、產品開發、場域活動到企業永續經營策略等面向協助企業,相關輔導成果都將於 2021 台灣設計展呈現。 例如嘉義市百年糕餅店「新台灣餅舖」開發的「嘉」餅,融合阿里山日出、噴水圓環、火雞肉飯及七虎少棒等嘉義意象於餅中,讓好滋味與好風景可如影隨形;又如協助台灣花磚博物館空間改造、品牌識別及開發 3D 花磚商品,讓花磚有新的應用、老房子更有時尚感;以及嘉友電子開發專為手機直播、影片創作的無線麥克風,讓使用者可輕鬆加入直播主行列;還有,輔導勤億蛋品、統百食品等企業之品牌與包裝設計優化。另外,今年台灣設計展也會打造嘉義市環保示範夜市,讓民眾白天看展覽、晚上品味有設計感的夜市。「2021 台灣設計展」在嘉義,將展現中央與地方資源整合成果,呈現用設計點亮嘉義文化新絲路的新面貌! 嘉義地方產業設計輔導結果,將於台灣設計展展出。 2021 台灣設計展 時間」2021 年 10 月 1 日至 17日 地點」嘉義文創園區、製材所及嘉義舊監獄等3大展區,並串聯嘉義美術館、嘉義火車站、嘉義願景館、車庫園區、嘉義博物館、檜意森活村、嘉義公園等。 經濟部林全能次長、嘉義市政府黃敏惠市長於 4 月 28 日共同召開簽約記者會。 資料及圖片提供」台灣設計研究院

  • 「塩田千春:顫動的靈魂」由日本東京森美術館(Mori Art Museum)館長片岡真實(Mami Kataoka)策劃,為國際知名藝術家塩田千春(Shiota Chiharu)創作生涯至今最大型且全面性的展覽,包含數件大型裝置,另有雕塑、行為藝術錄像、攝影、素描以及舞台設計及其相關圖稿等,邀請觀眾細細體驗藝術家 25 年來超過 100 件觸動人心的創作。 塩田千春《不確定的旅程》。攝影」林冠名 不在中的存在 塩田的作品以具現無形的回憶、焦慮、幻夢、寂靜而著稱,她探詢普世問題如身分認同、界線、與存在等,觸動觀者深層的情感,使來自世界各地的人皆為之著迷。本次展覽以她最為人所知,無數細線纏繞空間或物件的大型裝置為節點,企圖牽引觀者穿越無以名狀的雜緒念想,在她織羅出的維度中展開身心靈的旅程。 展覽由一艘艘懸吊半空中、以白線細密纏繞的船列所組成的《去向何方?》(Where are we going?, 2017/2021)揭開序幕,導引觀者踏上探索的路途;《不確定的旅程》(Uncertain Journey, 2016/2021)則以滿佈 300 平方公尺空間、糾纏交織的紅線表現人與人之間錯綜複雜的關係狀態,映照出藝術家內心世界;《靜默中》(In Silence, 2002/2021)來自於藝術家童年記憶中一場大火後棄置現場的焦黑鋼琴,千絲萬縷的黑線串起寂靜卻清晰的記憶與感受;《集聚─找尋目的地》(Accumulation—Searching for the Destination, 2014/2021),以紅線懸置空中、層疊遞進的大量行李箱,遙想人們懷抱著什麼生活想望而遠走他方?  塩田千春《去向何方?》。攝影」林冠名 此展覽可說是塩田長期藝術生涯所探索命題「不在中的存在」(presence in absence)之縮影,她不斷使那些不具物理存在,卻在在引動生命的事物和能量無所遁形,展覽副標「顫動的靈魂」即直指藝術家所希冀傳達,這份難以言喻卻洶湧的感受。塩田的作品與本質、普世概念的深刻連結,及其引發共鳴的特性,提供一股探問這個世界的重要力量,伴隨我們在生命旅程中找到自己的解答。   創作與生命經驗連結 展覽伊始呈現塩田一路走來的創作生涯,透過紀錄照片及影片,追溯她如何橫跨繪畫、行為與裝置藝術,進而發展成多方位的創作者。在澳洲大學作交換學生期間,她首次用身體投入行為表演創作《成為畫》(Becoming Painting, 1994),用畫布裹住身體並淋上紅色的瓷漆,自講究技巧的窠臼中獲得解放。行為藝術/裝置作品《從DNA到DNA》(From DNA to DNA, 1994)是她首度用線嘗試跳脫二維空間的創作,則為使她感到蛻變重生的轉捩點。 塩田千春《集聚—找尋目的地》。攝影」林冠名 塩田前往德國學習後,進一步嘗試身體表演的多種表現形式,行為藝術表演《嘗試.回家》(Try and Go Home, 1997)中,她赤身爬上斜坡面掘出的洞穴,滾落再爬上去,同時懷想遠方的故鄉,將無法回家的困境與自身不確定的存在,投射到作品中;《浴室》(Bathroom, 1999)是她第一件採用錄像呈現的行為藝術作品,藉由浴缸中滿是污泥的身體,表達「即便清洗也無法抹去的皮膚記憶」。 塩田的藝術實踐始終與其自身生命經驗緊密扣合,捕捉身體感知與心理狀態的隱微牽動,以其細膩感性的體察遊走於創作媒材的邊界。移居德國第三年,她以「皮膚」作為自我身分認同的象徵,而後在部分作品中她將衣物比擬為第二層皮膚,如本次展出的《時空的反射》(Reflection of Space and Time, 2018),以密密麻麻的黑線將白色洋裝與其鏡中的反射重重包覆;《內與外》(Inside Outside, 2008/2021)則以建築工地拾得的廢棄窗戶堆疊出一道牆,反思柏林圍牆倒塌後城市中人事物的轉變,同時呼應她將牆、門窗視為第三層皮膚的隱喻。 塩田千春《內與外》。攝影」林冠名 當塩田在 2017 年著手準備本展首站時得知癌症復發,此期間更加關注靈魂與身體、生與死的命題。《外在化的身體》(Out of My Body, 2019/2021)以紅色網狀牛皮連結攤放的手腳青銅鑄模,藉此與身體對話,表達身心碎裂的束縛感。錄像作品《關於靈魂》(About the Soul, 2019)中,藝術家詢問一群德國學童:「靈魂是什麼?靈魂在哪裡?是什麼顏色?動物是否有靈魂?人死後靈魂是否會消逝?」等問題,召喚我們思索存在的奧義。 除了視覺藝術創作,塩田亦跨界表演藝術,陸續為 9 部歌劇和戲劇表演擔任舞台設計,展覽中分別以紀錄片、模型和手稿呈現其空間藝術與舞台設計間的關聯。對她來說,舞台空間與展示作品的美術館是截然不同的語境框架,她特別重視表演者與舞台上裝置彼此的積極關係,例如,2011 年在布魯塞爾皇家鑄幣局劇院推出歌劇《松風》首演,她用黑網在舞台上築起一件跨距達 14 米,高度 10 米的巨型裝置,舞者們在網上或橫或縱地交錯攀爬。這類舞台設計作品匯聚了導演、表演者、編舞家的多重觀點,為其創作注入更多可能性。   藝術家簡介   塩田成長於大阪府岸和田市,現居柏林。於京都精華大學美術學院就學期間主修油畫,並於雕塑系擔任村岡三郎(Muraoka Saburo,1928-2013)的助手,期間以交換學生身分前往澳洲國立大學藝術學院(Australian National University School of Art)就讀時,開始創作裝置與行為藝術。受到波蘭纖維藝術家瑪格達蓮娜.阿巴卡諾維奇(Magdalena Abakanowicz,1930-2017)啟發,塩田在 1996 年前往歐洲發展,並先後師從行為藝術先驅瑪莉娜.阿布拉莫維奇(Marina Abramovic,1946-),以及德國藝術家瑞貝卡.霍恩(Rebecca Horn,1944-)。此後,塩田活躍於各大美術館及畫廊,也參與許多國際展覽如雪梨雙年展(2016)、基輔雙年展(2012)和橫濱三年展(2001)等,更是 2015 年第 56 屆威尼斯雙年展日本館的代表藝術家,至今總共參與了 300 場以上的展演活動。    塩田千春:顫動的靈魂 時間」2021 年 5 月 1 日至 8 月 29 日 地點」台北市立美術館 1A、1B 展間 資料及圖片提供」台北市立美術館

  • 由文化部所主辦的 2021 臺灣文博會已於日前圓滿落幕,總策展顧問龔書章、總策展人林昆穎,號召眾多設計藝術專業人士共同策劃,以「SUPERMICROS 數據廟-匯聚相信的力量」為題,闡述台灣是一座由微小相信所匯聚的島嶼,主張共識創造,集結科技與文化的能量,向世界展現屬於台灣的自信。今年為文博會 10 周年(去年因疫情停辦),從最初的純商展模式,歷經轉型引入策展、跨領域合作,漸漸挹注了豐富的文化內涵,參觀人次成長約 5 倍、交易產值則增長 4 倍;而媒體作為數據資料庫的一環,今年《室內》雜誌持續與台灣設計研究院合作,透過文字及影片,詳實記錄下文博會的精彩點滴。   華山主題館-相信律(圖片提供:華麗邏輯,攝影:汪正翔)   今年的文博會突破以往型態,以「商策合一、科技近用、文化經濟、想像未來」為實踐脈絡,集結文化策展、設計品牌、IP 圖像授權等內容,期以跨域思考和智慧科技導入為目標,建構多元的文化創意產業生態系。年度主題為「Supermicros 數據廟-匯聚相信的力量」,試圖從自然環境、人文生態、產業科技中梳理出文化的多樣性,藉此召喚台灣創新科技力和多元故事力,打造一場參與式文化祭。 文化概念展區-華山 1914 文創園區「數據廟」以相信的力量創造熱情共論的文化現場,主題館「相信律」以虛實交錯的動態沉浸體驗打造出一座相信的共創神殿,強調每個時代都有著集體共識,每個決定都是累積文化的證明,並透過動態表演、虛擬參拜等互動體驗,解析習以為常的生活流程,再以理性的知識和感性的經驗調配出相信的配方;工藝館「微物集會」重新定義工藝,並找尋當代生活的最佳解方;「議題廚房」則透過即時參與,帶來食物飲品的跨文化體驗。另一亮點則是以 23.5 度北回歸線串起台灣風土文化的地方展群,地方總論館「北回朝聖路」列舉了台灣 17 處特色端點,重啟「向內的路」,更進一步以北回歸線串起敘述踏實職人精神的嘉義縣館,以及充滿著奇幻山水的花蓮縣館。   位於松菸的主題企劃展區「Package」,探討後疫情時代台灣零售市場的變化。   而設計品牌展區-松山文創園區以「匯聚宮」為題,關注未來品牌觀點,由資訊圖表設計團隊「Re-lab」與產業數據資料庫「未來流通研究所」共同企劃的主題展區「Package」,主要探討後疫情時代台灣零售市場的變化,述說這是個品牌、商品、貨運、數據都需要包裝的時代,且你我都已置身其中共識創造;展館規劃成 6 個區域,包含「風格潮流」、「回歸生活」、「日常對話」、「產地文化」等類別。而圖像授權展區-花博爭艷館則聚集了新世代語彙的角色、插畫、數位娛樂等原創智財,每個 IP 都是信仰,發展新世代的創新經濟模式;首次策劃的策展區「萬神殿」,由策展人王宗欣、張嘉倫共同操刀,以圖像應用的可能性為主軸,邀請大眾一齊探究 IP 發展的新契機。 花博爭艷館的圖像授權展區。   主題館:相信律 延伸自年度主題「匯聚相信的力量」,本次主題館以「相信律」為主題,策展人林昆穎藉由 4 個展廳探討相信的法則,觀眾可透過聊天機器人(chatbot)在參觀過程中的問答累積數據得出屬於自己的「相信配方」,打造虛實互動的沉浸體驗,完成一趟數位參拜之旅。 參拜大廳,默劇表演將日常生活演繹為儀式。 入口處為參拜大廳,由一隻巨大的眼睛組成,搭配一位默劇表演者安靜且緩慢地反覆日常生活的行為,藉此提出質疑,看似微不足道的日常小事是否會因為專注重複而成為重要儀式?親眼所見就能相信嗎?沿著動線往後,雷射光縱橫交錯形塑出來的科幻舞台即是「相信神殿」,觀眾可以在此欣賞一場既虛擬又真實的脫口秀,由多組脫口秀演員藉由臉部辨識科技化身「相信大神」,即時與觀眾互動,內容圍繞台灣人自豪的人情味及「相信的比例」,林昆穎認為,人們相信事物的方法是由理性的知識、證據與感性的經驗組成,配比出自我獨特的法則。抱持著前兩廳提出的疑問,走入最大的一廳。 相信神殿,藉由脫口秀表演傳達「相信的比例」。   相信的瞬間 「共創神殿」核心是一個大型燈光裝置,滿滿的燈光下環繞著人一輩子坐過的椅子,從嬰兒座椅、學校課桌椅、辦公椅到老後的搖椅、輪椅等,象徵人的生老病死循環,並透過每半小時一次的表演控制整個展場的循環性。展場方形的空間象徵廟埕,中央的燈則是廟前的燈籠,4 個角落分別安排 4 個「相信的瞬間」:簽名、評論、實現與分享,每個舞台都由雙面構成,內環由 7 個表演團隊透過馬戲、舞蹈、講談等不同形式輪流展演感性現場,外環則是理性的啟示,透過邏輯分析相信的不同象限。 共創神殿中心,由人一輩子坐過的椅子象徵生老病死。 林昆穎以簽名的過程代表承諾;評論則由科學至感性區分為度量衡、考試、比賽與輿論等不同的標準;實現則談論重複的力量,藉由日常練習累積成就感;最後則提出分享的 3 種方法:均分、分配及各取所需,即循環經濟概念。途中機器人將不停詢問觀者問題,令人深思「願望」背後的變因與邏輯。 累積足夠的數據後抵達最終的「光明神殿」,林昆穎將光明燈的概念轉譯為科技裝置,憑機器人給予的 QRcode 在圓環狀的燈帶中點亮屬於自己的一盞燈,並得到屬於自己的「相信配方」,籤詩上除了統計出每個人「相信」中知識與經驗的比例,更提示相關的「信物」,將商業與策展結合,完成一次關於相信的參拜儀式。 透過 chatbot 推算出個人的相信配方。 資料及圖片提供」台灣設計研究院、豪華朗機工 企劃、採訪」室內雜誌編輯部

  • 完整走過整個文博會,你會發覺跟過往有些許不同,而這或許來自策展人林昆穎的「混種」背景,接觸過音樂、哲學、空間設計、科技藝術等多元領域,以世大運聖火裝置、台灣燈會「聆聽花開的聲音」等大型多媒體創作術為人熟知,並在去年擔任白晝之夜藝術總監,林昆穎以「編導」概念想像整體展覽,「我會思考演員是誰?主題是什麼?故事要怎麼說?」   文博會總策展人林昆穎。圖片提供」豪華朗機工   方法論的集合 在這座名為「數據廟」的大型舞台上,他讓建築師與科技互動人才一起探究花蓮的石頭;找劇團導演與商業空間設計師一起把展館蓋成戲台的後台;工藝館則將未來科技製造師與媒體人搭配,透過不同文化領域的人一起討論、共識、最終創作,是整個策展過程中最困難的部分,也是最有趣的部份,林昆穎提到,文博會有一個隱藏的主題,就是各種「方法論」的集合。 方法論即研究方法的理論,相比討論如何解決單一事件的方法,方法論更注重「為什麼」要這樣解決的邏輯、原則,而每種方法論都來自不同的專業背景,如何將其統整,就需要大量的「共識」。透過今年的文博會,林昆穎希望推行「先共識再創造」,了解自身所擁有的事物,討論、找出方法後再去創造,因為創造會耗費資源與能源,但討論不會,在快速改變的台灣,「共識」反而成為隨時都不能擱置的重要考量。 2020 年台灣燈會「聆聽花開-永晝心」。圖片提供」豪華朗機工   回顧文博會 10 年,從最早期的純商展形式到 2017 年因應文化部轉型下加入文化策展,出現議題式、跨領域的展覽內容,然而文化與商業各自發展,卻看似無法融合,林昆穎說明,文化的邏輯能夠提出命題,關懷我們所身處的環境,而商業的方法則具有號召力與表達性,當兩者交互作用,才能提供觀眾/消費者更多途徑,現在商業與文化者做事的方法涇渭分明,各自有各自的山頭,是否能達到互有所用,是林昆穎的理想。 因此今年提出「商策互用、商策合一」的訴求, 在文化概念展區放入商業流程,圖像授權與設計品牌展區分別策劃不同展覽,使三大展區互相佐證,呈現更具整體性的文博會。 2019 年台南藝術節「府城流水席」舞台照。圖片提供」豪華朗機工   變動的台灣 談起「相信律」的策展緣起,林昆穎分享道,來自他對於人性某一面的不了解。他觀察到,台灣社會有一股「變動」的力量,或許受到海洋民族的特性影響,也或許來自島嶼豐富的地貌與生態,人民生活型態講求快速與短暫,包容力強、能夠隨機應變,如同一部「混種」的引擎,塑造出多種文化交雜融合的社會風貌,並在最快的時間內找出成功的方法,使得早期經濟起飛時能順利轉入加工、代工導向的社會,林昆穎認為,這樣的「變動」特性引領台灣擁有今日的成就,也是台灣最珍貴的特質。 然而,此種氛圍也令人擔憂,因為講求快速,人們常會忘記或忽略一些細節,「差不多就好」是台灣人普遍擁有的心態,所以食安、工安問題層出不窮。他提到,很多台灣人都會羨慕日本的職人文化,但我們捫心自問,是否重視每一個簽名承諾的瞬間?是否能夠日復一日確實每一次練習? 2017 年世大運聖火裝置。圖片提供」豪華朗機工   此次的「相信律」便是一次對於思考邏輯的整理,林昆穎承認,內容策劃或多或少帶有一絲說教的意味,但台灣已經等不及慢慢的啟發,而是需要「即刻開悟」,展覽期待大眾能在後果發生前提早想像,如果每次下決定時都能依據「簽名、評論、實現與分享」四個象限審慎思考,結果就能有所改變,他相信「只要一半的參觀者接受當下每個選擇的『相信』都會影響未來,那麼輿論就會擴大其影響力,我們的社會就能不一樣」。   為了使不同年齡層、背景的觀眾都理解展覽主軸,主題館內運用大量日常行為、景物,帶領觀展者進入你我生活的既視感中,並創造出展覽的既定流程與循環性,最後則是表演與沉浸式空間。其中表演更佔有特殊地位,林昆穎強調,相比無機的輸出物或展品,表演是由人來傳遞訊息,因此本次主題館中可以見到大量啟發式的表演,從入場參拜大廳的默劇、脫口秀,到共創神殿的 7 組表演者,人們可以輕鬆地觀察,也能深度思考,並走到外側的展牆,細細閱讀其上的文字與邏輯圖表,依照策展者給予的提示理出自我的思考脈絡。   外環的理性論述,探討相信的4個象限。圖片提供」台灣設計研究院   成為自己的資料庫 「這是最好的時代,也是最壞的時代」19 世紀英國文豪狄更斯寫於小說《雙城記》開頭的話語,用以形容今日依然精準無比。受到新冠肺炎疫情影響,文博會去年在開展前一個月宣布暫緩舉辦,儘管過程歷經波折,總策展人林昆穎卻認為,這是一個非常好的機會,「疫情的一年我們更向內探求,不做誇張的國際對話,而是將自身整理好再對外。」 在本次策展中可見到濃厚的內省氛圍,他舉例主題館「相信律」藉由討論與反思看待台灣目前的文化、人情味是否有改變的可能;地方總論館「北回朝聖路」則是由土地生長而出的自信,這條台灣的朝聖路串聯起花蓮、嘉義兩地,引申出台灣自豪的飲食文化,透過本次文博會的觸發,林昆穎希望將台灣的文化整理出一種樣態,可以告訴世界「我們有什麼」。 內環表演者呈現出感性現場。 圖片提供」台灣設計研究院 主題「數據廟」,將每個人的生活、行為、方法都化成數據,這不僅是一個短暫如煙花的口號,更是林昆穎平日貫徹的邏輯,也是他鼓勵創意人才必須具備的能力,隨時整理、歸納生命經驗,將自身視作資料庫。如果缺乏整理,所有的親身體驗只會是一段記憶,無法成為工具。他也分享自己整理「資料」的方式-「反覆問自己為什麼?」,從生活過程中練習判斷的方法,一一展開每個決定背後的原因,去研究自己的思考邏輯,「相信律」中的四個象限便是他歸納出的方法論之一。林昆穎相信,透過整理,從個人到品牌、企業、土地都能夠成為資料庫,下一次進行文化創造時便能夠從中汲取,作為推進島嶼未來的力量。 華山主題館-相信律。圖片提供」台灣設計研究院  

  • 工藝館:微物集會

    2021臺灣文博會

    工藝館由國立臺灣工藝研究發展中心主辦,雙策展人方敘潔與闞凱宇共同策劃,透過場作、隨創工作坊、群體協作的影像紀實和工藝器物的展出,引領眾人重新發現工藝在今日的價值。   以獨特視角,詮釋工藝發展的未來 展覽中,兩位策展人提出了5種工藝面對未來的倡議新解:在「惟物」的世代傳承裡,從師承國寶級大師陳錫煌(李天祿之子)的雕偶師賴泳廷的手藝中,一窺工藝品逐漸成形的奧秘過程,對比國立陽明交通大學應用藝術研究所與財團法人私立西田社布袋戲基金會更同合作的3D列印布袋戲偶頭的數位演進,親身感受真實世界中傳統技藝所面對的現況;「維物」中著重於隨創(bricolage)能力,在手與物料的接觸之間,帶領報名參與工作坊的民眾實際走入工藝的動態中,創作過程亦成為展出的一部分。 「惟物」展區。講述工藝在世代傳承中裡,如何為人文價值定錨。 「維物」則透過工作坊形式,讓民眾親手觸摸物料,與真實風土產生連結。 展場中央的「為物」邀請多次深入台灣各地的日本紀錄片導演二宮宏央與CHANCE MAKER Film Connections團隊,跳脫傳統手藝紀錄角度,深入直視藉由藺編所展開的協作、公平交易和地方創生的議題;「微物」展區則是在猶如階梯式議會堂的空間中,挖掘設計導入的產業革新,探討人與物之間應有的關係;最後,再直面人類面臨的「危物」處境,透過環保材質製作的裝置作品,由企業力量完整實踐回收流程的REnato lab與Nespresso共同參與,讓觀者實際感受從物料、製程技術到循環的模式,顛覆人定勝天的觀念,人小環境大的思維。   中央的「為物」區。探討工藝中的群體協作、地方共生等議題。 「微物」展區由技術層面挖掘產業革新的可能性。 如果工藝有時態,它會屬於過去、現在、還是未來?展覽的最後並不是結束,促進眾人行動的表決牆,提供大眾審視思考的機會,在人與工藝器物之間,發現全新的物我關係。而選物區則突破貨架銷售的制式格局,回歸生活的氛圍,使人自然而然的接觸工藝之美,讓工藝進入你我的日常中。 透過回收材質製作的兩件裝置作品,「危物」區可實際感受從物料、製程技術到循環再生的模式。 藉由表決區,讓觀者重新審視工藝的意義。 資料及圖片提供」台灣設計研究院、豪華朗機工 企劃、採訪」室內雜誌編輯部

  • 地球五大緯線之一的北回歸線,經過了17個國家、7片海洋,環繞地球36,788公里,沿線多為乾燥的沙漠氣候,唯有來到台灣東西橫越,海拔起伏最劇、地景多元、生態多樣、物產豐饒;如果北回歸線是環繞地球的一串項鍊,那台灣無疑是鑲在其上、熠熠生光的綠寶石。 地方總論館以北回歸線作為切入點,透過裝置、繪畫等方式,蒐羅台灣17個地景風貌,例如澎湖貓比人多的虎井嶼,以及流經台灣的黑潮等。 策展人為種籽設計總監淦克萍,她率領團隊以The Explores Club之名啟動了5個探索者計畫,探尋生態、文化、風土、食物與島嶼身世,串聯起北緯23.5度上的台灣之最、世界之光,從台灣海峽到太平洋,從澎湖虎井嶼到花蓮靜浦,從海平面到3,952公尺的玉山制高點,淦克萍創造出一條「向內的路」,這條路徑上處處充滿著自然的啟示、內在對話、和創造新關係的各種可能,她將北回歸線行經的城市鄉鎮中,具代表性的景觀搬入展場中,例如賞鳥勝地「鰲鼓溼地」、台灣最大沿海沙洲「外傘頂洲」等。 台灣最大沙洲外傘頂洲,與鰲鼓溼地的鳥屋。 本次亦展出多樣手作工藝,包含以正在失落的「嘉義燒剪粘」製成終年流經台灣周遭的黑潮意象、「小亨利木工」以海廢材料進行創作,拼出形似東石蚵仔的樣態、藝術家黃韋維所收藏的「家與藝」、藏在森林中,台灣bird carving(野鳥仿生雕刻)世界冠軍李宜融老師的創作、興趣誌AMO的植物微型景觀,還有各種雕塑、手繪手寫等,透過一雙雙創作的手,牽起這條北回朝聖路。   此次與眾多手作工藝合作,例如興趣誌AMO的植物微型景觀。 闢一條向內走的路 在北緯23.5度的串接下,淦克萍爬梳了17個不同的地景地貌與生態環境,也統整了身處其中的族群所擁有的文化故事及物產。從陸地到海邊,從平地到高山,緩升緩降的動線暗示著路徑,觀者不僅造訪了昔日林業重地阿里山,更可依著木頭的香氣,走至標示著3,952公尺的玉山之頂,望著蔥綠的林蔭,履行心之所嚮的內在追尋。 緩升緩降的動線暗示著路徑,觀者從平地走至高山,靜心追尋屬於自己的內在之路。 探索自然之餘,當然不能遺忘策展團隊最鍾愛的食物設計,種籽設計的食物設計師林佳妤以北回歸線上梳理出的百餘種物產為基底,挑選出逾70種的代表特有種,以17個風土個性為發想,設計出「北回17漬」,藉由隱藏在食物的親緣關係,從倚賴的味道再出發,在展期間每日定時進行發表,深厚朝聖者內在之路的探索力道。   除自然風貌外,食物也是種籽設計鍾愛的環節。以北回歸線上擁有的物產作為基底,於展場展演「北回17漬」。 有鑑於此次文博會的「商策合一」模式,選品店嚴選了展中呈現的17個點上,有形、無形的商品和相關IP內容,以主展紀念、閱讀自然、森林氣息、品味風土、手的創作、朝聖配件六大主題,延攬農林漁牧、包含地方館的嘉義與花蓮,超過70種文創商品,希望這些汲取自土地上的文化資產,也能讓觀者平凡的日常生活中反覆回味及吸收,且不停止地追尋自己的故事和鄉土之美,由此走出屬於自身的北回朝聖路。 資料及圖片提供」台灣設計研究院、豪華朗機工 企劃、採訪」室內雜誌編輯部

  • 嘉義縣館:照起工

    2021臺灣文博會

    今年地方館展演了北回歸線行經的兩座城市:嘉義縣與花蓮縣的地方文化風土民情。嘉義縣館邀請了在地阮劇團團長汪兆謙和硬是設計負責人吳透共同策展,配合今年數據廟主題,以「照起工」為概念,將嘉義縣農工百業的低調質樸、日復一日的謝天精神,以直率的方式呈現,訴說著鄉鎮孕育的各式資源,從天然資源到百工專業,大大小小的堅持,不辭辛勞、按部就班照時上工的職人力量匯集,持續供應產業動能,讓嘉義縣成為台灣最有力的後台。   幕後英雄的百工百態 入口以絢麗的大彩樓作為形象,且飾有18個嘉義鄉鎮各自的特色符號,策展人吳透表示,此次特邀嘉義大林鄉傳統戲布景界的資深前輩賴登祥老師合作,搭配視覺團隊良艮創意的現代感圖案設計,以新潮與傳統共存的手法構建展館形象;需經過大彩樓下方的通道「鑽戲腳」,才能進入所謂的後台,擺放18個小彩樓,代表嘉義縣的18個鄉鎮,並放映關於各鄉鎮的影片。 由布景界資深前輩賴登祥老師操刀的入口大彩樓。將嘉義縣18個鄉鎮的特色符合裝飾於上。 觀者需「鑽戲腳」才能進入後方的「後台」展區。 策展團隊以嘉義著名文化盛典「余慈爺公聖誕」為靈感,觀眾可走上中央的大舞台,彷彿以余慈爺的視角觀賞下方戲棚,當身體處於不同的空間尺度,亦會獲得不同的觀展體驗;本館引用濃厚的在地文化與情感,呈現出「鬥鬧熱」般的氛圍,讓觀者了解藏於熱鬧喧騰的儀式底下,那種純樸的謝天精神。大舞台上也定時邀請職人親自展演,包括木作、檳榔染、鄒族手藝等分享,近距離感受照起工職人的日常。   展場整體燈光由一抹光設計,觀眾也可走至大舞台上,俯視嘉義在地幕後英雄的百工百態。 一旁的互動區「照起工耍」擺放了18個彈珠台,彷彿廟口的延伸,策展團隊根據社群網站Instagram統計該鄉鎮流行的hashtags,並將鄉鎮的專屬特色設計至彈珠台的檯面上,不僅呼應了文博會數據蒐集的主軸,也讓遊戲兼具了娛樂本質和知識性,趣味又不失深度的為展館做出總結。 「照起工耍」區。將廟口常見的休閒娛樂-彈珠台擺置展場,機台上印有由社群媒體蒐集而來的各鄉鎮特色數據,藉此呼應文博會主題。 資料及圖片提供」台灣設計研究院、豪華朗機工 企劃、採訪」室內雜誌編輯部

  • 花蓮縣館:據說考古隊

    2021臺灣文博會

    主打感官互動體驗的花蓮館,以「據說考古隊」為題,將觀者視為考古隊成員,在傳說與軼事間穿梭,聆聽紋理中夾藏的故事,探索花蓮這塊靈魂綻放的初始之地,並賦予花蓮新的意義。 踏上花蓮的野生小徑,向內探索屬於花蓮的人文底蘊。 策展人為偶然設計的曾令理,她率領團隊,以特殊的沉浸式場域體驗,結合空間設計、聲響創作、燈光設計、插畫藝術、氣味設計、數位互動等方式回應文博會主題;花蓮作為時間與地理交會之處,數百萬年來在板塊相互撞擊下,保有那份原始凜冽的撼動力,在能量流轉之間,人們不斷得到啟發。策展團隊於2019年末開始走訪花蓮各個角落實地勘查,深入了解地景與物產,搜集各式傳說故事和背景知識,採集聲音、植物等具代表性的素材,並設定「初始的力量」、「探索的邀請」、「開創的勇氣」三大核心精神,讓觀眾親身體驗花蓮的獨特之美。   觀者化身為考古隊員,在神話傳說間拼湊出花蓮的故事脈絡。 花蓮的大山大海重現於眼前 進入展場映入眼簾的為一條野生小徑,向內走入即可見一個大型裝置藝術-裂石考古坑,利用兩個計算過曲面的鋼骨結構象徵著歐亞板塊和菲律賓板塊,並鋪上花蓮盛產的大理石的邊角料,呈現拔地而起的壯闊地貌與白浪景觀,結合暗喻陽光的光束、地鳴的低音喇叭和上方環場多聲道聲響,以及石縫中的植物和氣根,打造展場視覺中心;考古坑裡每顆大小不一的石頭(共6噸),皆來自花蓮七星潭,真實展現出花蓮兇悍又溫柔的大地之美。 以鋼骨結構和大理石邊角料製成的裝置作品,象徵著歐亞板塊和菲律賓板塊。此兩板塊帶給花蓮無限的生命力。考古坑中的卵石原汁原味來自七星潭。 參觀者可透過走讀牆壁上的插畫故事,理解花蓮的過去、現在和未來,也可以細察紋理採集牆,藉由真實物件,讓傳說故事與觀者產生連結,打開人們對土地及海洋的想像,牆上的物件由花蓮在地團隊「森深試務所」實地採集而來,更於物件上標示取得的座標,讓對考古有興趣的觀眾,可藉由輸入座標找尋物件原始所在的位置。 展場採回字動線,壁上的插畫勾勒出花蓮的現在過去與未來。 展場動線採回字繞行安排,除了考古脈絡的探尋外,亦運用當代媒介,創造新歷史供未來考據,觀者可自行挑選考古坑中喜愛的石頭,並透過互動媒體設計裝置掃描紋路,列印成小卡留作紀念外,也成為數位共創的數據,每一筆石紋資料都是互動裝置桌面的構成要素,回應數據廟的精神;而掃描後的石頭仍繼續留在展館內,體現了土地恆存的精神,企盼這份大地的力量,能夠匯聚大眾對於台灣文化和土地的自信。 觀者可挑選自己喜愛的石頭,至數位互動媒體區掃描紋路,並可列印成小卡留作紀念。 資料及圖片提供」台灣設計研究院、豪華朗機工 企劃、採訪」室內雜誌編輯部

  • 經由安德烈·波伽利基金會推動,Massimo Alvisi與Junko Kirimoto聯手將原本在地震中倒塌的房屋重建為新的音樂學院。在白色金屬板上印有安德烈·波伽利基金會的標誌及標語「鼓舞人們及社區」。 卡梅里諾(Camerino)位於義大利馬切拉塔省,是個風光秀麗且人文薈萃的古老小鎮。2016年一場大地震重創義大利中部地區,造成鎮內多棟建築倒塌或受到嚴重損害,至今卡梅里諾仍有多項重建計畫正在實施中。 新的音樂學院外形像半透明的大型音箱,坐落於丘陵與田野間,建築順著地面坡度微微傾斜。 為了復甦這個受到地震重挫的地區,義大利的安德烈·波伽利基金會(Andrea Bocelli Foundation, ABF)在當地推動一項重建計畫,為卡梅里諾建造一座新的音樂學院,此項目由Harcome工作室發起,Alvisi Kirimoto建築事務所繼而完成設計,並賦予建築結構傑出的當代外觀。項目僅在150天內完工,新的音樂學院不僅能提供多元的創作及學習空間,也為小鎮帶來新的建築地標。   建築立面圍繞多面鏤洞的白色金屬板,每個穿孔大小不一,設計仿造雲層稀薄的型態,讓建築彷彿罩上輕薄的雲霧,使內外空間可以維持平衡的開放感。 寧靜小鎮內的半透明音箱 音樂學院的外觀為上白下灰的搭配,與周遭環境融合。 新的音樂學院是一座巨大的白色半透明量體,佇立於田野與丘陵之間,格外引人注目。Alvisi Kirimoto 與 Harcome聯手以現代建築風格來重塑音樂學院的面貌,其設計靈感取自雲層的型態,讓人身在室內空間亦能看見廣闊的天空,而獨特外觀則仿若半透明音箱。   禮堂設置於建築的地下層,內部可容納180張座椅。大面落地窗不僅增加採光效果,也讓空間看起來更開闊。 音樂學院建築立面以大小鏤洞的白色金屬板包覆,像似稀薄雲層般輕靈,除了美觀,也能維護室內隱私,並且適度引入窗外景色。建築量體順著地勢坡度微傾,大片玻璃帷幕與灰色水泥柱相間,共構出簡約利落的外觀。從建築的正面看望,上層的白色金屬板與底層的灰色結構彷彿天與地,完美的融合於周遭環境,成為小鎮裡天際線的美麗標記。   室內設計以水泥元素為基底,並大量使用橡木製成的素材,營造清新自然的環境。 整體建築樣貌呈現箱型,量體北面是音樂學院的正面,面對街道,灰白色調流露素雅清新的氣質;兩側的高度則顯示地面的傾度與坡度。若隱若現的金屬板將禮堂隱藏於建築的南立面,其右側裝設的大面落地窗讓室內空間適度地對外開放,在視覺上賦有延伸空間的效果。音樂學院與其後方的花園則是建構的戶外園地,提供社區的所有居民使用。   禮堂其中一側牆面裝設了木板及全長的細長圓柱,造型看起來像排列的管風琴音管。 譜出不同節奏的空間 禮堂的後側設置多面玻璃,使禮堂與門廳建立連結。門廳的設計為禮堂和1樓的交接處,從牆面連至天花板的木條不僅與禮堂裝設的懸掛木板呼應。 室內共有兩個樓層,大禮堂位於建築的地下層。走進禮堂,開闊明亮的場地可容納 180 張座椅,空間設計主要以各種橡木製成的元素組成,有不同傾斜角度的懸掛板、圓柱、舞台、舞台上的背景與舞台兩側的旋轉板皆為木作,共構良好的音場效果,而水泥則做為全室基底,兩者搭配齊同營造時尚簡潔的氛圍,色感對比也突顯出空間輪廓與造型起伏。此外,裝設側牆的木板與細圓柱,猶若管風琴的音管造型,為禮堂增添了視覺上的豐富性。   教室廊道,橘色與白色的搭配為空間注入活力與現代感。 門廳以整齊劃一的木格柵整合主牆與天花板的視覺語彙,梯區則覆上朝氣十足的橘色調貫穿了每座樓層與教室門片。1 樓編配 1 間辦公室與 9 間教室,位於 1 樓的教室皆有開設圓窗,使日光能穿透外部的鏤洞金屬板,照進室內空間。 大部分的教室牆面為白色,並設置圓窗引入日光。 教室採用白色背景,室內僅擺放必要的家具、樂器,也配置了鏡面與譜架,讓學生在練習時能全面性的調整姿態。其中有 2 間大的各室作為錄音室或電子樂的教室,牆面覆上深灰色,並裝設微孔木質吸音板來優化音質。   較大的教室牆面為深灰色,並在天花板裝設微孔木質吸音板。 掀開新的樂章 地下層平面設計圖 安德烈·波伽利基金會由義大利知名男高音安德烈·波伽利(Andrea Bocelli)所創立,他希望這個基金會能集結世界各地的力量,為弱勢群體創造美好的未來和轉機。 1樓平面設計圖 2016年的地震雖然給卡梅里諾帶來嚴重損失,但經由安德烈·波伽利基金會、Massimo Alvisi、Junko Kirimoto與各個機構單位共同挹注資金和心力於這個計畫,使新的音樂學院順利在2020年底正式啟用,提供當地居民學習音樂或舉行各項藝文活動之用,也是當地的教育和藝術的中心,讓卡梅里諾得以再響起悠揚的樂聲。 設計師簡介 Alvisi Kirimoto/Massimo Alvisi, Junko Kirimoto Alvisi Kirimoto建築事務所由Massimo Alvisi與Junko Kirimoto共同創立於2002年,憑藉設計團隊對於科技運用與空間配置的高敏銳度,繼而在業界而脫穎而出。兩位建築師來自不同文化背景,善於結合日本和義大利對於設計的感知,Alvisi Kirimoto在義大利及各國執行多項都市再發展與重建計畫。其設計項目不僅與周遭環境建立連結,並與社會議題相關而聞名。 圖片提供及版權」Alvisi Kirimoto 攝影師」©Marco Cappelletti 撰文」紀奕安  

  • 皇家安特衛普美術館位在比利時安特衛普的星狀城市結構。 成立於19世紀的皇家安特衛普美術館(Royal Museum of Fine Arts Antwerp, KMSKA)坐落於比利時安特衛普(Antwerp),是一座以16世紀古堡遺跡改造而成的展覽空間,具有新古典主義建築的特色。館內典藏豐富的藝術藏品,含括14至19世紀的畫作與雕像,隨著現代藝術的發展,館方嘗試為它注入新元素,邀請荷蘭KAAN建築事務所(KAAN Architecten)為美術館進行翻新與擴建工程。 新美術館的入口大廳,地面保留19世紀的馬賽克地磚。 KAAN設計團隊考量,改造一座跨世紀的美術館,除了傳承它的歷史意義也必須考量各時代博物館的殊異風格,因此以「延展性」作為空間特色,將擴建的部分隱藏於原有的室內結構,將當代設計嫁接於莊嚴簡潔的古典輪廓裡,藉以串聯館內不同時空背景的內涵,讓各時期的魅力共存並蓄。   設於大廳前的圓形階梯可通往地下樓層。 串接不同時空的長廊 皇家安特衛普美術館主要由三個區域組成,包含公共入口區、中央展覽空間與位在建築後方的辦公室。首先,順著Leopold de Wael 廣場上的雄偉台階進入美術館,須先穿越修復後的橡木大門,映入眼前的是素雅沉靜的入口大廳。大廳內設有互動式資訊區、咖啡廳、禮堂和書店,民眾能自在地享受各項服務設施。沿著大廳前醒目的環狀樓梯向下探尋,迎面轉變為截然不同的空間氛圍,較為寧靜隱密的圖書館、衣帽間、大型團體專用的第二入口均設在此一樓層。   5.5 x 9公尺的旋轉牆面設置於1樓。 19世紀博物館 順著入口大廳向前行,能通往以19世紀藝術家Nicaise de Keyser命名的De Keyser畫廊,而此一畫廊也是時空轉換的關鍵,從一側的階梯拾級而上,可前往主樓參觀翻新後的19世紀博物館;再繼續前行則進入新建的21世紀博物館。   粉刷上緋色、深綠色的展間,整齊序列於19世紀博物館。 19世紀博物館裡,覆上緋色、綠色的展間整齊序列,氛圍莊嚴而大器;典雅的橡木門、高聳的圓柱與精緻的天花板裝飾相互搭配,共同展現古典建築的宏偉與精緻。在施工過程裡,KAAN團隊依據美術館原有的色調來選配裝潢基調,令新舊兩者和諧並呈。1樓牆面採用大片玻璃窗,讓景致與日光能自然地與室內空間融合;而位在2樓的主廳,除了有寬廣的玻璃雨棚覆蓋,也擺放沙發供人休憩,沉浸於自然的變化與精彩藝術之中。 Rubens廳的頂部裝設大片玻璃雨棚增加採光,並在大廳中央擺設沙發供參觀者休息。 其中,Rubens廳與Van Dyck廳肩負展出重要收藏的任務,是博物館的核心區塊。為了方便移動大型畫作,將收藏品儲藏室安置於Rubens廳與Van Dyck廳下方的防空洞,確保所有作品都能順利通過19世紀保存至今的艙門,只要依著特定的工作通道走,便能將畫作搬移順利佈展。 19世紀博物館的展示大廳。 21世紀博物館 當民眾轉換時空踏入新建的21世紀博物館裡,會發現這是座具備高彈性與多元可能的展覽空間。21世紀博物館位於建築中心原有的四個露臺內,空間潔白明亮,日光從頂層198片三角玻璃所構築的屋頂流瀉而下,光粒子穿透四個大型天窗,突顯出空間裡簡潔俐落的幾何造型。 一條線性階梯貫穿21世紀博物館的樓層,狹長而對稱的設計營造出鏡像之美。 天窗的設計思考重在引入光線與漫射光源,為了因應日光的季節性變化,空間亦設置局部照明設備做為補強。而新博物館所鋪設的三維聚氨酯高光地板,更加突顯出這個區域的超現實感受,當參觀者進入這裡,能領受到一連串的垂直空間體驗,思緒開始對照建築的歷史特徵與當代新穎情境。   21世紀博物館。 新擴建的部分適切地「剪裁」博物館的牆面,並置入細緻的大理石鑲嵌,以呼應19世紀博物館之優雅身姿。走入具有序列感的線性階梯,不僅能夠盡情享受視覺饗宴,亦能往返於1樓的新展覽大廳與頂層樓面之間,或徘徊在中間樓層欣賞精緻的蝕刻版畫與畫作。 21世紀博物館的頂部裝設198片面北的三角形屋頂建材,地面鋪設三維聚氨酯高光地板。 新博物館的裝潢配色主要自館內的原有色調延續而來,設計團隊在細節上使用了對比手法,讓空間更加明亮且具變化感,像是中間樓層透過井洞烘托出樓上的深色櫃體,在強烈的穿透感中,深藍色櫃體與明亮背景形成對比,使視覺印象更加深刻。   21世紀展示大廳與通往上層的電梯。 在空間配置上,KAAN團隊除了確保博物館與先進科技裝置的連合,另一項翻新工程的創舉,就是在1樓設置5.5 x 9公尺的旋轉牆面,不僅方便物流動線,也讓藝術作品或大型物件順利進出工作電梯。全作的成功,在於不破壞原建築結構的條件下執行擴建與翻新,令19世紀博物館與21世紀博物館能在展示各自特色的同時亦可連結、對照,讓歷史元素與現代設計開啟嶄新對話,提供參觀者一種類時空之旅的體驗,並且達到服務藝術的重要目的。 透過四面井洞可看見上方樓層的深色櫃體,這裡平時主要展示精緻的藝術作品。 圖片提供與版權」KAAN Architecten 攝影師」Stijn Bollaert, Karin Borghouts, Sebastian van Damme, Mediamixer 撰文」紀奕安

  • 因應疫情突然升溫,新一代在開展前數日緊急停辦,改以線上展方式進行。而除了新一代提供的管道外,不少系所亦架設屬於自己的畢業展線上網站,或透過社群網站、電子書等方式將同學們的作品統整呈現。室內雜誌開放此一平台予台灣建築/室內設計相關系所發表畢業展資訊,以線上串連的方式,展現 2021 年畢業生們的心血結晶與學習成果。 (校系依字首筆畫排列)   中原大學室內設計學系《零時零分》 00:00 子夜,夜幕低垂、萬籟俱寂,唯正在畫圖的我們桌前的燈光尚未熄滅⋯⋯ 顏色的佈局旨在呈現靜謐深夜中的燈火,一片深邃的藍中亮出一些鵝黃,而這盞燈,為我們照亮了未來的通道。而藍黃的光影暈染到主視覺0000的金屬表面上,使畫面產生空間感。 由許多線條構成一個漸變、通透的環,而環內再產生四個環。從主題00:00出發,每一個圓圈都是我們生命中的一個事件或一個階段,我們在同中求異、異中求同的設計人生中掙扎並試圖定義自己。 新一代設計線上展作品:https://www.yodex.com.tw/exhibitor/129 Facebook   Instagram 備註:周邊商品預購中,網址:https://www.surveycake.com/s/BY8Go   中原大學建築學系《Turnaround Time》 特展主題名為Turnaround Time(轉迴時間),原意指資訊工程中一項任務從被處理器承接到完成的反應時間,單看字面的話卻容易被誤解成操控時間回到過去的意思。 名詞的雙面性代表對於當前時代的另一種解讀:雖然疫情限制人類不能隨意投擲幻想,但也同時帶來一段終於能直面困境的時間。 另一方面也說明,對於我們而言,畢業設計是學習歷程中一段面對自我懷疑與掙扎的整備時間,同時期望自身透過對在地歷史脈絡的執著,在特殊的時空背景下能藉由設計打開更多接近建築的視角。 Facebook    Instagram 備註:為配合政府防疫警戒升級及松山文創園區關園,待疫情緩和及相關規定更動前,現階段將以線上作品集網站及虛擬VR展為主要展覽形式,原先松山文創園區實體展的部分,則作為備案,若屆時相關規定有所更動則如期舉行。網站及線上展間網址會在日後公布於 Facebook 及 Instagram 專頁。   東南科技大學室內設計系《追藝築夢》 如純白的紙飛機,承載著希望和夢想,並對美好的未來充滿嚮往,想要飛的更高更遠,創造記憶的旅程,構築屬於我們的理想世界。 線上畢業展網站:https://www.twnid.com 新一代設計線上展作品:https://www.yodex.com.tw/exhibitor/157 Facebook    Instagram   南華大學建築與景觀學系《在初日之前的夜幕》 「初日」即是早晨太陽剛升起時;「夜幕」又好比漫長無邊的濃厚之夜。 設計過程中,有太多因素能讓思考陷入掙扎,卻總能在夜裡的寂靜找到答案。靈感湧現使人們忘卻時間的腳步,再次抬起頭時,黑夜已不再。 時常妄想著延續每個想法豐沛的夜晚,但追求完美的心,在初日來臨時也要迎刃而解。 「初日」與「夜幕」形容的或許不僅僅是日與夜的更迭,更反映了在自我要求中努力的過程,與看見成果時的感動。 把握生命裡每個「初日之前的夜幕」,將會見到更耀眼燦爛的晨光。 Facebook    Instagram   建國科技大學空間設計系 15th 畢業設計展 數個晝夜裡,我們每個人都有著不同的故事與記憶,透過記憶的拼湊,建構出一隅屬於自己的小空間,恣意的天馬行空,捕捉稍縱即逝的每個瞬間;大膽的想像未來。  線上畢業展網站:https://2021ctu15th.mystrikingly.com/ 電子書:https://issuu.com/xurxu4805/docs/___-11_compressed Facebook    Instagram   逢甲大學建築專業學院《M Effect》 M代表 極大(maximum)與極小(minimum) 世界構成於兩者間 而效應代表影響(effect) 一件事情可以從兩個角度檢視 一個世紀回望的一瞬時刻切片 一個動作喚起的一場巨大轟鳴 這樣的微小代表的是極致 那樣的巨變代表的是牽絆 我們手下每一筆 是過去分秒積累 是未來光景期盼 Facebook    Instagram   國立臺中科技大學室內設計系《N³⁴》 後疫情時代|因應疫情衝擊後,微觀百工群像與生活樣貌,空間新詮釋。 數位化時代|置入永續、智慧化,於空間型態變化。 新商業模式|共享概念的商業時代,創新與轉型,空間的再創造。 新一代設計線上展作品:https://www.yodex.com.tw/exhibitor/47 Facebook   Instagram 銘傳大學18屆建築系《Mirror-Spatial imaging 空間成像》 「光線遵守反射定律而被面鏡反射,反射光線進入眼中後即可在視網膜中形成視覺。」這是鏡面成像的原理,使得人們開始看清自己的面貌,也讓人們開始思考自我。 「Glass self(鏡中自我)」是由Charles Cooley在19世紀間提出的理念-「每一個人對他人都是一面鏡子,反應出他人所表現過的事情。」而建築也如同一面鏡子一樣,由設計者投射主觀意識和潛意識而成的空間設計,而這個過程不斷的反射在實與虛之間,淬鍊出獨特的自我。 Facebook    Instagram 備註:原先 6 月 11 日至 14 日於松山文創園區的畢業展因應政府三級防疫警戒取消,將改為線上展覽,詳情請見臉書專頁。 資料與圖片提供」各大建築/室內設計系所 編輯」林慧慈 如有意願參與本次企劃,歡迎私訊室內雜誌臉書或IG,文章內容將隨時更新。

  • 峇里安達仕酒店(Andaz Bali)洋溢愜意的度假風情。 你是否渴望展開一場能夠放鬆身心的旅途?想盡情地徜徉在樸實的自然風光,親身感受南洋島嶼豐富的飲食和藝術文化,享受紓壓的SPA服務?峇里島(Bali)可以一次滿足你所有願望。   新入口大門選用沙努爾地區傳統的紅磚瓦片堆砌而成。 這座迷人的島嶼富含人文特色與自然資源,是人們鍾愛的度假景點,同時也吸引了凱悅酒店集團的目光,選為旗下安達仕精品酒店進駐亞洲地區的首個據點,並於2021年4月初正式營運。 峇里安達仕酒店鄰近登帕薩市沙努爾海灘。 安達仕(Andaz)是印地語「個人風格」的意思,而這個品牌致力發掘出各地獨特的本土風情,讓旅客藉由感官體驗融入酒店周遭的環境特色。峇里安達仕酒店位於登帕薩市沙努爾(Sanur)海灘附近,鄰近努拉萊伊國際機場(Ngurah Rai International Airport),酒店空間由曼谷建築設計師Tierra與日本Spin建築工作室聯手打造,設計團隊精心匯集當地獨特的元素,讓入住旅客體會到峇里島魅力。   酒店融合峇里島的建築風格,讓建築與自然環境融合,營造熱帶雨林的氛圍。 峇里島的建築風格主張人與自然共存,除了建材取自周遭環境,不特意追求精雕細琢,讓建築隨著時間推移展現歲月痕跡。峇里安達仕酒店整體空間風格深受環境啟發,尊重當地傳統與人文風情,將島上的文化遺產和藝術特色融入酒店的建築風格及室內設計,讓入住旅客能體會峇厘島的獨特魅力。   傳承自爪哇島文化的傳統木門窗雕刻。 在公共空間部分,入口大門採用沙努爾地區傳統的紅磚瓦片堆砌而成,而大廳木門窗的雕刻藝術則傳承自爪哇島文化。用餐區也瀰漫著當地的飲食文化與特色風情,鄰近海灘的漁夫俱樂部(Fisherman's Club)是酒店的招牌餐廳,以茅草屋搭配別致的木造設計,營造出海灘俱樂部的悠閒氛圍。 峇里安達仕酒店的豪華套房,室內裝潢皆選用當地建材,展現峇里島的度假風情。 位在酒店中心的小鎮廣場(Village Square)是一棟兩層樓高的建築,設計靈感來自登帕薩華人街的店屋(Shophouse),此一東南亞街區常見的建築型式,以樓層劃分屬性,作為商住合一之用。Shankha水療中心也提供24小時健身中心、桑拿室、蒸汽浴室、瑜珈室和冷熱水池等設施。   峇里安達仕酒店套房不僅空間寬敞,並設有私人露臺。 峇里安達仕酒店共擁有149間客房,包含12間套房與22棟別墅。此外,庭院內設置18套花園別墅和4套海灘別墅,客房與設施的配置強調綠蔭圍繞與熱帶景觀,讓旅客進出公私領域都能沉浸在靜謐氛圍裡,投入自然的懷抱。 舒適的睡寢空間。 走入客房,純樸悠閒的氣息迎面而來,室內設計以當地建築常見的白牆為基調,並選用竹子、安山岩、大理石與柚木等當地建材,散發濃郁的島國情調。 客房內的浴室為拉門式設計,視野開闊並享有隱私。 每間客房都設有私人露臺,視野可俯瞰花園、海洋或潟湖。而每棟海灘別墅均設有兩間臥室、配置廚房、餐廳和私人花園,甚至配備專屬游泳池,讓注重隱私的旅客能夠盡情享受度假時光。小鎮廣場旁設有4個相連的工作坊(Studios),作為舉辦宴會或活動的場地。工作坊的空間設計結合傳統峇里風格與當代元素,不僅可見島上精選的藝術作品,也採用玻璃幕牆增加自然採光,讓戶外的自然生機映入室內空間。 利用落地窗淡化裡外界線,在室內亦能享受戶外景致。 圖片提供與版權」Tierra Design, Design Studio SPIN 撰文」紀奕安

  • Marquee夜店首度進駐亞洲地區,坐落於新加坡濱海灣金沙綜合娛樂城。ICRAVE希望將新加坡Marquee形塑為成人遊樂園,締造出絢爛的午夜嘉年華。   想暫時忘卻煩憂,來場徹夜狂歡的夜晚嗎?Marquee與Avenue皆為活躍於紐約和拉斯維加斯的知名夜店,是美國Tao集團的旗下品牌。Tao集團跨足全球餐飲業與夜總會,這2家夜店品牌首次踏入亞洲市場,一同進駐新加坡繁華的濱海灣金沙綜合娛樂城(Marina Bay Sands),並邀請紐約著名設計公司ICRAVE為這2個不同風格的場域打造各具特色且彼此相連的空間。   新家坡Marquee擁有3層樓的佔地,ICRAVE充分運用空間挑高且寬廣的優勢,不僅以舞池為軸心設置室內中庭,邀請更多的民眾共同感受沉浸式空間體驗;並在舞台後方規劃摩天輪,以打造光彩奪目的室內嘉年華。 ICRAVE是一家創新的設計工作室,過去的設計項目主要以美國夜生活為主,其設計理念在於深入探究業主的品牌背景,制定出能與業主品牌並駕齊驅的設計策略,希望作品不僅止於創造出空間體驗,也能為使用者締造出難忘的回憶。 精品區。呼應整體設計概念,以霓虹燈管與鋼鐵等元素共構出個性時尚的氛圍。 濱海灣金沙綜合娛樂城是新加坡最具代表性的地標,ICRAVE將它的奢華特色帶入新加坡Marquee與Avenue夜店的設計概念,融合科技和藝術在2家夜店打造專屬於大人的遊樂園,創造出不同風格的都會夜空間。   ICRAVE與動態設計師合作,在DJ台後方設置高聳的8k LED螢幕,並於舞池兩側裝設橫向LED螢幕,整廳的燈光效果會隨著音樂節奏舞動,帶動全場氣氛。 Marquee開啟你的狂歡之夜 新加坡Marquee內部共有4個吧台,提供全亞洲最優質的桌邊服務。 新加坡Marquee的裝潢構思在於結合戶外嘉年華與室內奢華風設計,以打造成年人的夜間遊樂園。舞池是店內空間的核心,貫穿3層樓的室內中庭不只增加空間在視覺上的延展性,也讓整室的民眾活躍於氣氛高漲的氛圍之中。絢麗的雷射燈隨著音樂節奏在漆黑的空間內舞動,帶來沉浸式的感官體驗,營造出盛大的室內嘉年華會。 其中1個吧台呈現奢華的視覺感受。 為了吸引人潮至不同區域,入口處設置在3樓,讓入場者可以縱觀全場,探索樓層。若是想稍微放慢步調,也可到風格各異的吧檯享受餐桌服務。 吧台設計以紅色及黃色相間,打造復古華麗的風格。 設計團隊ICRAVE參考過去許多夜店室內設計的精華,以70年代紐約傳奇夜店54俱樂部(Studio 54)作為靈感來源。ICRAVE嘗試將54俱樂部的戲劇張力注入新加坡Marquee的空間設計,民眾除了能搭乘舞台後方的巨大摩天輪俯瞰室內全景,在艙箱內使用觸空式自拍機留下難忘的回憶,也可與朋友從兩道配載LED燈的「陽光滑道」一路溜至底層,前往「夢幻酒吧」暢飲。 陽光滑道。店內設置2道配載LED燈的滑道,為空間增添趣味性。 舞池是夜店的靈魂角色,負責主宰全場的氛圍與節奏。ICRAVE與動態設計師合作,在DJ台後方設置高聳的8k LED螢幕,隨著音樂響起,四周的LED螢幕與絢爛的燈光效果會配合節奏變換形態,將現場氣氛炒至最高點,帶來豐富的視覺饗宴。     新加坡Avenue情境有如私人俱樂部。 Avenue私享的家庭派對 Avenue主廳。山型天花板搭配舒適的沙發與復古枝形吊燈,呈現低調奢華的居家風格。 想體驗家庭派對的氛圍,不妨移駕至新加坡Avenue,這裡帶有浩室音樂(Deep house)輕快活力的氣息,並富含趣味性與奢華感。整體設計上,主大廳採用大量木材元素營塑舒適氛圍,山型天花板搭配仿金合金網格與枝形吊燈,展現私人別墅般的雍容格調。大廳內配置造型優雅的沙發和座椅,同時設有吧檯服務讓人享受微醺氛圍。   酒吧。吧檯上方以仿金合金網格裝飾,暖色系基調呼應家庭派對的設計概念。 新加坡Avenue的主要特色是裝設了多項娛樂設施呼應主題家庭派對的概念,每間主題不同,各具特色。其中,1間個室設有2道全自動式迷你保齡球道,空間採用暗色系的裝潢基調再以霓虹燈光點綴。 迷你保齡球室。保齡球室的牆面以黑色為基調,搭配燈光效果營造迷幻的氛圍。 另一間則是華麗的遊戲室,設有撞球台、彈珠台、滾球遊戲台。此外,也規劃了個人VIP酒吧空間,或是獨立的 KTV室,滿足各種活動需求。 遊戲室。整室使用大量木質素材,與暖白光交織出豪奢的空間感受。 圖片提供與版權」TAO Group 撰文」紀奕安

  • 隨著全球人口數量不斷攀升,都市化的問題相繼而來,進而造成住房短缺的現象,而炒房與囤房等因素更導致全球重要城市的房價居高不下,讓許多人難以無法負擔,生活成本大增。現今,全球己開發或發展中國家無不面臨房屋短缺和高房價的困境,面對未來住房在城市發展的趨勢,荷蘭的UNStudio建築事務所針對此項議題進行深入探討,並採取相關解決建議。 香港益發大廈;照片:Note Thanun on UNSplash 理解當代住宅真正的需求 2020年在新冠肺炎(COVID-19)蔓延下,不僅衝擊全球經濟,也波及到一些城市的房市,加劇了住房危機。為了解決這項問題,許多城市採取了積極的應對政策。舉例來說,2020年9月,英国政府提出「2021-26年經濟適用房計畫」(2021-26 Affordable Homes Programme, AHP),計畫在2021年至2026年間建造18萬套新住房,而有50%的新房將以共享產權(Shared Ownership)的方式呈現,期望能提升住房自有率。 此一計劃在2020年3月的財政預算已確立得到款項,其中包括英國住房協會(Homes England)撥款的75億英鎊。另外,大倫敦政府(Greater London Authority)得到40億英鎊的資金,預計在2021年興建8萬2千套新房。 UNStudio 針對阿姆斯特丹 A10 環城公路的城市研究揭示了高速公路城市的未來(BNA,2016年)。隨著電動車普及,空氣和噪音污染將會下降,因此環城公路將可能成為令人愉悅的林蔭大道。   2020年1月,德國柏林推出「五年租金凍結計畫」。為阻止近期柏林房租飆漲的情勢,超過150萬套位在柏林的房屋,其現有租金將遭到凍結或降低五年,以減緩城市紳士化(Gentrification)的現象,並確保中低收入戶能夠負擔得起柏林的租金。不過,也有來自反對黨與住房和房地產協會強烈反對的聲浪,他們認為限額會危害到城市內的房地產投資,加劇住房問題。 到底當代的住宅最需要的是什麼?要如何在各種外在條件的限制下,有效解決住房危機,同時確保住宅的品質?想要改善此現況,需要廣泛考量社會環境和城市長期綜合規劃,且各方都必須積極參與決策、共同確立長短期目標,並將共同目標至於個人利益之上,才能確實改善城市的住房危機。 新加坡 Ardmore 住宅中的重複模組圖示。 運用模組化設計改善住房危機 UNStudio早期的設計項目多為荷蘭的住宅,現今設計項目擴及全球,團隊從中積累豐富的設計經驗,能在有限的條件下打造優良住宅,創造具生活品質與大眾可負擔的住宅項目。   在生態與社會環境不停變動的條件下,UNStudio 創辦人Ben van Berkel認為,現代住宅需要更具靈活性,才能因應環境突如其來的挑戰。他相信透過模組化設計能夠有效且快速地完成房屋建造,是目前因應住房危機的可行解方。模組化設計以基礎模組為核心,可以自由進行分組和配置,達到節省成本和時間的效果。 卡達首都多哈地鐵網絡中使用的結構模組圖。圖片版權:卡達鐵路公司。 Ben van Berkel認為簡單或統一的設計才是公益住房或經濟適用房應該追求的目標。以位在德國慕尼黑的Van B住宅為例,UNStudio將模組化設計的概念帶入此建案,透過9個嵌入式家具模組並搭配設計團隊開發的一項智能系統,讓組合方案能最大化的運用在每個居家空間,並且提升室內功能的彈性和層次,使空間能隨時依據住戶的需求及習慣而重組排列。   模組化設計的可塑性高,能適用於各種環境與住房規模。若將模組化設計廣泛應用於房屋設計,即能實現在短時間內建造大量優良住房的目標。藉由提供《模組化設計手冊》,項目的承包商就能依照手冊中的指南與規範,分頭在不同地方建造房屋,亦能確切掌握項目從設計到施工的整體過程,在嚴格的預算內實現良好的住宅體驗。     多哈地鐵模組化設計手冊。 打造智慧城市 面對未來社會快速變遷,應用大數據整合與交換,城市得以快速分析現況,並有效地應對外在的挑戰和人民的需求。UNStudio的姐妹公司—UNSense,目前正在荷蘭的赫爾蒙德智慧港智能社區(Brainport Smart District, Helmond)展開名為「100所住房生活實驗室」(The 100 Homes Living Lab)的項目,旨在創造一個能根據現況不斷自我發展和調整的環境。 UNSense 推出的赫爾蒙德智慧港智能社區「100所住房生活實驗室」。圖片提供:Plomp 透過UNSense推出的城市數據平台,居民能自己掌握資訊的隱私和資訊共享的對象。另外,此平台有中立的第三方管理,借助控制面板,可為用戶提供準確的信息,了解數據交換產生的利益,達到數據平等交換原則。   UNSense 推出的赫爾蒙德智慧港智能社區「100所住房生活實驗室」城市數據平台。 根據弗若斯特沙利文公司(Frost & Sullivan)報導,2025年智慧城市(Smart Cities)將會創造價值2.46兆美金的商機。雖然新冠肺炎對社會發展帶來危害,卻也加速城市朝資訊整合的方向發展,藉由數據驅動化(Data riven)和外連基礎架構蒐集、分析資訊,達到提升大眾生活品質、適應未來城市發展等需求,進而高效改善住房危機的問題。 圖片提供與版權」UNStudio 撰文」紀奕安

  • 天蓋地的紅色毛線如血液織繫著輕舟、黑色則如同夜空包裹燒焦的鋼琴,這樣夢境一般的場景,是塩田千春最具代表性的系列作品。作為 25 年創作生涯最大型且全面性的展覽,本展由日本東京森美術館館長片岡真實(Mami Kataoka)策劃,展出超過 100 件雕塑、行為藝術錄像、攝影、素描、舞台設計及其相關圖稿等,2019 年在森美術館展出時,130 天內吸引超過 66 萬人參觀,藝術如何走出學院受到普羅大眾歡迎?一如展覽名稱「顫動的靈魂」,塩田千春的作品不僅給予觀眾直面靈魂的震撼,更象徵著藝術家看似纖細卻無限漫延的生命。 《去向何方?》。攝影」林冠名   此次移師台北市立美術館,樓高、動線、空間氛圍皆與森美術館不同,作品都是到現場研究完空間之後,思考觀眾的感受,再重新編製。策展人片岡真實亦說明,作品呈現依據空間會有所更改,如入口處的第一件作品《去向何方?》,一艘艘以白線細密纏繞的船懸吊半空中,緩緩向上航行,卻看不見最終目的地,藉此意味著現代人每日收到過多資訊,卻受其迷惑,反而不知道該去向何方。此作在森美術館安排於入口的電扶梯上方,利用燈光照明襯托,觀者從下方隨著白舟而上抵達展覽。但在北美館則安排在入口長廊處,觀者則是沿著白舟向前,兩側為大面落地窗,利用自然光與玻璃倒影襯托展品如夢似幻的氛圍。   提到塩田千春,多數人腦中會浮現的第一幅作品即是《不確定的旅程》,透過滿室的紅線彼此糾纏表現人與人之間錯綜複雜的關係狀態,映照出藝術家內心世界的一角。鐵製的船則來自塩田小時的回憶,每次回到位於高知的老家時,都必須坐一個晚上的船,船上那種搖晃、不安的感覺帶給她相當深的印象,如同渺小的人類處於浩瀚的宇宙中。 《不確定的旅程》。攝影」林冠名 塩田與紅線的緣分開始於2015年威尼斯雙年展的作品《手中的鑰匙》,她提到,日本與台灣對紅線都有相同的意象,便是牽起人們的緣分,除此之外,紅線也能代表血液、血管的顏色。除了紅色,塩田的作品中也常使用黑或白的線條,她將立體空間視為畫布,以作畫的概念創作,因此作品中常使用黑線描繪框線。而白色象徵純潔、從什麼都沒有的空間開始,卻也代表著結束、死亡,同時具有起始與結束的意含,成為她較常使用的色彩。   藝術中的死亡與重生 塩田千春將生命歷程完全袒露於展品中,展覽特別展出她的第一幅畫作─《蝶倚向日葵》,童稚的線條與色彩出自 5 歲的塩田,她描述彼時連自己的名字都不會寫,卻已經能繪畫,12 歲時便立志成為藝術家,一路學習、磨練技巧從未放棄藝術之夢,但進入京都精華大學美術學院就讀油畫科後,她卻開始徬徨,發覺自己不管怎麼畫都會有其他人的影子。 《成為畫》。攝影」林冠名 作品《無題》是她的最後一幅油畫作品,放棄畫筆後,某天晚上她做了一場夢,在夢中她成為一幅畫,不停思索著如何移動身體才能成為傑出的作品,醒後她將夢境場景化為行為藝術作品《成為畫》,以畫布包裹周身,並潑覆紅色瓷漆,瓷漆接觸皮膚不僅難以清洗,更會造成傷害,但對塩田而言,這是她首次將自身全部投入,真正地展現出她所欲表達的情感。此後她開始創作裝置與行為藝術,如第一件嘗試用線跳脫二維空間的創作《從 DNA 到 DNA 》,是她感到蛻變重生的轉捩點。展覽依時間順序將《蝶倚向日葵》、《無題》、《成為畫》與《從 DNA 到 DNA 》等 4 件作品並列,呈現出塩田千春藝術生涯的初始,死亡,與轉型的重生。   塩田的創作始終與生命經驗緊密扣合,探索諸如死亡、生命、記憶、界線、身分認同等普世都會有的疑問,呈現出糾結、纏鬥等難以表達的情緒。如《靜默中》便來自藝術家9 歲時的記憶,看見鄰居家因火災而燒黑毀壞的鋼琴,帶給她相當大的畫面震撼,20 年後將其化為作品,黑色的絲線由鋼琴中向外延伸,塩田以細線代表音樂,呈現出鋼琴彈奏的模樣。展牆上她寫下「有些事物深深沉入我的心底,有些則無論多麼努力嘗試,也難以物質或語言的形式捕捉其樣貌。但它們卻是沒有形體的存在,一如靈魂。」 《靜默中》。攝影」林冠名 1996 年塩田千春前往德國就學並遷居柏林,那時圍牆倒塌不久,整個柏林瀰漫著一股特別氛圍,分別 28 年的東西德各自有不同的文化,撞擊出新的想法與機會,吸引許多藝術家前往。她思索著這些擁有相同國籍、說著相同語言的居民,如何看待生活、看待彼此?她跑遍大大小小的工地,蒐集了被丟棄的舊窗戶,在作品《內與外》以象徵交流的窗戶建構出一道圍牆,反思柏林圍牆倒塌後城市中人事物的轉變。 《內與外》。攝影」林冠名   連結靈魂的細線 被策展人片岡真實形容是「沒有展出、不創作會活不下去的人」,在 2017 年收到森美術館辦展邀請時,塩田心想「活著真好!」老天卻在此時給予一個殘酷的考驗─她被診斷出癌症復發,歷經半年的治療後,塩田隨即投身於展覽準備之中。她描述治療的過程,人躺在病床上接受一個個不同的醫療儀器與療程,身體越來越健康,但靈魂卻感覺跟不上身體,身體彷彿不是自己的,她開始思考,當下的這些想法與情感,在肉體消失之後會去哪裡?本次展覽中的最新作品《外在化的身體》即呈現出藝術家的徬徨,以紅色網狀牛皮連結攤放的手腳青銅鑄模,藉此與身體對話,表達身心碎裂的束縛感,呈現出想要聯接靈魂與肢體的渴求。   在被診斷出罹患癌症後,塩田開始思考靈魂,因此展場動線的最後一個作品即選擇《關於靈魂》,在影片中她從寵物切入,一題題深入詢問這群德國孩童:「靈魂是什麼?靈魂在哪裡?是什麼顏色?動物是否有靈魂?人死後靈魂是否會消逝?」等問題。塩田分享,這件作品的創作動機來自她女兒,癌症復發時,女兒才大約 10 歲,身為母親,她非常擔心自己不在後女兒怎麼辦,孩子會怎麼理解死亡,她也很好奇跟女兒差不多時代的孩子們怎麼思考靈魂這件事情,因此才有了這個計畫,也透過影片召喚觀者一同思索存在的意義。 《外在化的身體》。攝影」歐陽青昀 劇場作品 除了視覺藝術創作,本次展覽更特別展出塩田千春為9部歌劇和戲劇表演擔任舞台設計的作品,展覽中分別以紀錄片、模型和手稿呈現其空間藝術與舞台設計間的關聯。塩田表示,舞台設計與藝術作品最大的差別在於觀眾的時間性,美術館不太會限制觀賞的時間與角度,但舞台有固定的表演時長,觀眾僅能坐在座位上欣賞,因此如何在種種框架內呈現視覺震撼及表演主軸,成為每次設計的重點之一。 在創作時,她會特別重視表演者與舞台的積極關係,如 2011 年創作歌劇《松風》舞台時,她以黑網在舞台上築起一件跨距達 14 米、高度 10 米的巨型裝置,舞者們可在網上交錯攀爬。此外,與藝術創作不同,舞台設計需要與整個團隊合作,需要多方配合、參考他人意見,塩田非常享受這種和眾人一起創作的感覺。 劇場設計展區。攝影」林冠名   本次疫情中佈展,也是一次團隊合作的精彩作品,塩田先與 7 位團隊人員來台隔離 14 天,同時間北美館事先完成展場隔間、硬體等施工,塩田團隊則以技術顧問性質指導台灣約 50 人的專業團隊佈展,如何將錯綜複雜的細線拉好、做出藝術家希望的效果,在時間與默契的培養下逐漸加快流程,花費約兩周的時間通力合作完成本次盛大展覽。策展人片岡真實提到,在疫情下,許多美術館都只能改以線上虛擬方式,但她認為實體美術館有其重要性,親身體驗、沉浸於藝術品空間中,會帶給人與照片完全不同的感想,希望本次的展覽能為觀眾帶來思考生命的契機。   塩田千春:顫動的靈魂 日期」2021 年 5 月 1 日至 10 月 17 日 地點」台北市立美術館 1A、1B 展覽室(台北市中山北路三段 181 號) 資料及圖片提供」台北市立美術館 撰文」林慧慈  

  • 2021 iF設計獎

    台灣設計金質肯定

      德國自古以來在工業設計領域中的地位是全球公認的。由德國發起的iF設計獎以「優良工業設計」為名,自1954年起,iF設計獎已成為舉足輕重的國際獎項,同時也是卓越設計的認證標章。iF設計獎表彰的設計領域包含:產品設計、包裝設計、傳達設計與服務設計、建築與室內設計、專業概念,並在今年新增了使用者經驗 (UX)以及使用者介面 (UI)2大項目。 2021年iF設計獎共收到9,509件、來自52個國別/地區的作品報名參賽,成為iF有史以來參賽數量最多的一次,各獎項數據也打破以往的紀錄。此次一共選出1,744位參賽者榮獲2021年iF設計獎,獲獎者皆通過線上初選以及最後決選兩階段的評選,同時因應新冠疫情,98位國際設計專家透過iF全新開發的線上評選機制以完成此次的評選任務。 最後,iF設計獎中的最高殊榮—iF金質獎,一共選出75件傑出作品,其中台灣有6件作品奪下此獎項。 評審團表示,從今年的參賽作品中看到設計師們因應時勢、積極解決新的需求問題,針對衛生防疫、永續環保等,將世界面臨的挑戰融入到設計當中,同時表現出設計不再只是一種目標、宣言或是價值主張的抽象概念,它也涵蓋了我們的真實體驗。獲獎作品表現出的強烈企圖,讓評審團感受到它們的發展潛力,並從中看見了希望的曙光。 以往iF設計獎會在德國柏林舉辦頒獎典禮,邀請獲獎者前來一同慶祝。然而,受制於新冠肺炎疫情的考驗,iF設計獎已連續兩年取消頒獎典禮,今年雖然也無法舉行,但主辦單位透過與世界知名的設計博物館:德國維特拉設計博物館、倫敦設計博物館、上海楊明潔工業設計博物館、美國波士頓設計博物館、丹麥設計博物館、維也納應用藝術美術館以及荷蘭登博斯設計博物館的合作,為獲獎者們打造數位舞台,並在5月10日當天以24小時快閃的形式展示此次得獎的作品。 今年,台灣有170位、共267件作品獲獎,本期《室內》介紹回顧6件來自台灣的iF金質獎作品。而2021年iF設計獎年度獲獎作品將刊登在iF design app上,讓大眾一同響應設計的創新力(The CreatiFe Power of Design)! (完整得獎名單請參考iF設計獎網站:https://ifworlddesignguide.com) 台灣iF金質獎作品 Collaboration Pro 筆記本電腦/仁寶Compal Collaboration Pro是一款可翻轉的筆記本電腦,可在各式場景下提供最便捷的打字體驗。例如,只需將鍵盤擡高,即可符合人體工學的標準打字需求;將顯示器向前拉近,就能在狹窄空間內使用;使用者還可以直接在LCD觸摸屏上進行編輯或是透過平放共享繪圖區。 評委表示,該設備採用完備的人體工學設計,在不影響可用性、功能或美觀的前提下,能夠轉換成最適合用戶共用、進行創意工作或專注使用的模式,令人印象深刻。 Philips B1D5000 顯示器/Philips Experience Design、TPV Design Team Philips B1D5000 顯示器是一款結合了二合一的顯示器以及電子墨水顯示屏的一創新產品。這款顯示器通過將兩種屏幕技術進行結合,詮釋了Philips 對科技創新的追求,幾何立式造型,可傾斜、左右旋轉、調節高度並支持樞軸旋轉,最大化滿足用戶的多樣使用需求。 評委表示,這款雙屏顯示器不僅功能完備,更實現高效運轉、高能源利用率,它簡單、有效、環保的種種特性皆表現了優秀設計的卓越精神! VR Cap/仁寶Compal 這款VR帽是全球首款頭戴式顯示器,巧妙結合了全新VR顯示器和可拆卸針織頭套。彈性扁平帽由特殊線材平織而成,面料透氣性絕佳,長時間佩戴也沒問題;針織帽可拆下機洗,衛生且環保;同時,可以根據客戶的需求定制。 評委表示,該產品在其同類產品中大膽地引入了前所未有的形式、舒適性和功能性。這是有史以來首款可穿戴式帽子VR顯示器,另闢蹊徑的設計得到了評審團的一致贊賞。 台灣傳統瓷磚圖鑑/爿爿花 台灣傳統瓷磚圖鑑收集了台灣20至80年代的四種傳統瓷磚,並根據瓷磚的形狀和圖案對其進行記錄和分類。第一部分通過作者在臺灣各地拍攝的圖片,介紹瓷磚的相關歷史;第二部分展示了經由作者重新繪制的100塊特色瓷磚圖案。 評委表示,這本眾籌的書籍中,視覺和產品設計、建築和室內設計之間產生良性的碰撞,除了在文化和歷史背景下展示瓷磚之外,也通過瓷磚帶領讀者瞭解世間的變化。 2019台灣設計展《超級政策》/Mengdom Design Lab 2019台灣設計展於屏東縣舉行。其中,《超級政策》是展會的一部分,旨在促進屏東縣政府的九項主要政策。設計靈感來自超市中的傳單與廣告,如傳統市場的標示一樣,字體均由手工書寫,將政令文件巧妙地轉化成色彩繽紛的廣告,激發讀者的閱讀興趣。 評委表示,從未見過沉悶的政策措施能以如此吸睛的方式發佈,這是對政策資訊宣傳的重審、完美執行的成功案例,這也成為了政府宣傳中的新一代黃金標準。 學美.美學—校園美感設計實踐計畫/台灣設計研究院 該項目旨在借助設計培養學生們的審美趣味,消除學生審美修養障礙,解決臺灣普遍缺乏美感修養問題。與此同時,這一項目還為設計業做出貢獻,幫助提升公眾審美,以實際行動解決審美問題。 評委表示,雖然這只是個小規模的地區型專案,卻具有帶來改變的驚人潛力!該專案使用全面的「共同創造,以人為本」的服務設計流程,打造了別具一格的學習環境和體驗,為參與者帶來巨大收穫。同時,也強烈體現了以用戶為中心和參與式的開發流程。 資料及圖片提供」iF DESIGN ASIA  編輯」歐陽青昀

  • 海口雲洞圖書館

    望海閱讀,城市中的美好地景

    由中國知名建築師馬岩松帶領的MAD建築事務所設計的「海口雲洞圖書館」已於近日正式落成並投入使用,這座一體成形的混凝土建築被英國《泰晤士報》稱為「2021年最期待建成的建築作品」,它將為海口市民及遊客帶來更獨特的城市公共文化空間。 MAD建築事務所 MAD建築事務所由中國建築師馬岩松(如圖)於2004年建立,是一所以東方自然體驗為基礎和出發點進行設計,致力於創造可持續並具未來感與東方意境的有機建築的國際建築事務所,期望透過作品重新建立人與自然的情感聯繫,並在社會、城市、環境和人類之間取得平衡。MAD經手的項目豐富多樣,設計種類遍及城市規劃、博物館、歌劇院、老成改造、藝術作品等。MAD建築事務所現由馬岩松、黨群、早野洋介領導。   位在海口灣畔世紀公園中的海口雲洞圖書館,由MAD建築事務所操刀。攝影CreatAR Images 作為中國南端重要的港口城市,位在海南省的海口市曾是海上絲綢之路的重要一站。近年,由於海南國際旅遊島、海南自由貿易港陸續建立,海口的經濟急速發展,影響力也與日俱增,如何透過提升城市公共空間的獨特性和藝術性,為居民帶來更具人文氣質的生活環境,並塑造城市的性格及歸屬,成為了重要議題。   俯瞰圖。雕塑性極強的量體中,有著圖書館、市民活動空間等機能。攝影:CreatAR Images 「海口雲洞圖書館」,是大型國際公共藝術項目「海口.海邊的驛站」中,第一個落成的高標準驛站。「海口.海邊的驛站」邀請了十多位全球頂尖的建築師、藝術家以及科學家等(如隈研吾、劉家琨、Patrik Schumacher等),共同跨界打造16座以「自然.共生.未來」為理念的地標性公共驛站。而「海口雲洞圖書館」位處於海口灣畔的世紀公園中,整個項目包含了圖書館和市民活動中心,建築南側的圖書館,內含可藏書萬本的閱讀空間及多功能影音區,免費開放予大眾使用;北側為提供服務的設施,例如咖啡廳、淋浴間、公共休息區跟屋頂花園等。   形體似「蟲洞」,奇幻又獨特 開卷之初,往往是人們最期待的時刻,海口雲洞圖書館也是如此,人們從熟悉的城市現實走入建築,開啟一段新的時空之旅。馬岩松表示:「精神屬性是建築的核心價值,它將渲染一座城市的人文氛圍。我們希望這裡是人們日常生活中願意前往並停留的城市空間,建築、藝術、人文和自然在這裡相遇,它們將開啟人們的想像,並指引且探索出不同美感所蘊含的意義」。 藉由通透材料的運用,模糊室內外界線,半戶外露台可更貼近海岸景觀。攝影:存在建築 靜處於陸地與海洋之間的建築雕塑性極強,洞形空間的層次及複雜性將空間一層層拉開,自由有機的形態塑造出多變的牆面、樓板、天花等要件,也有效模糊了室內室外的邊界,建築裡外的孔洞像極了大自然中隨處可見的「洞穴」,大小不一的孔洞將自然光線引入室內,同時也提升了通風效果,為常年處於炎熱環境中的建物「降溫」;人們藉由孔洞看天望海,好似透過時空的通道查看身邊本已熟悉的世界,建築裡不同的氛圍與尺度,和人的活動產生觸碰,勾勒出一種屬於此場所的儀式感。   貫通首層與二層的面海階梯式閱讀空間,除了供人閱覽外,也是日常舉辦文化交流活動的場地,與主要閱讀空間相鄰的兒童閱讀區,利用天窗、孔洞、壁龕等元素,激發孩子們探索的慾望;可開啟的玻璃天窗及超大弧形推拉門為圖書館帶來更好的採光、觀海視野與通風感,結構形態圍塑出的多個半室外空間及和平台,也是人們閱讀及望海的絕佳場地。為適應當地炎熱的天氣條件,建築外圍的迴廊以懸挑手法操作,藉由物理遮陽降低熱輻射傳導,以實現建築節能的理念。 可透過孔洞看天望海,彷彿穿梭於隧道般,多變的景致豐厚了層次。攝影:存在建築   弱化材料存在,突顯空間感受 MAD建築事務所選擇以「反材料」的方式構建本案,避免過度表現結構構造,企圖消除材質本身固有的文化意義,使空間感受躍身為主角。而混凝土是種液態材料,流動、柔軟多變的樣態是它最大的特點,海口雲洞圖書館整體建築是由混凝土澆築一次成形,屋面及樓板皆採用形似格子鬆餅(Waffle)的「雙層中空肋板」形式,既能滿足大跨度、大懸挑的受力需求,又能利用結構的中空來鋪設設備管線,以及填充建築保溫材料,讓室內空間更為簡潔完整,也成為實現建築、結構、機電一體化設計的關鍵。 細部結構。利用「雙層中空肋板」手法滿足建物的受力需求,亦可將管線與保溫材料藏於其中,使內部更為簡潔。攝影:存在建築 作為傳遞知識的載體,海口雲洞圖書館跳脫過往呆板制式的外觀樣貌,以有機的線條、輕盈柔和的樣態,為城市塑造出有趣且令人驚喜的地景。 資料及圖片提供」MAD建築事務所 撰文」陳映蓁

  • 小南通咖啡

    開物設計

    巷弄常常是展現民間生命力的地方。「小南通咖啡」位於台北市和平東路的小巷中,基地及其周圍多為屋齡四、五十年的老公寓,傳統機車行與店舖圍塑出「台味」的氛圍,雖然有點凌亂、有點老舊,卻真實傳遞出一種屬於台北的親切感。 楊竣淞設計師表示,業主於洽談時提出了一個以「南國」作為概念的開店企劃,希望讓整個咖啡廳具有南國風情,且融合城市的民生樣貌,藉由台灣的小食(如筒仔米糕、黑輪等)和精心烘焙的咖啡,打造一個有別於坊間常見精品咖啡館的文青感,而是企圖加深與當地居民的連結,希望設計的介入可以為店面創造出更具個性化的美學標準。   位在巷弄內的基地屬於梯字形平面,小南通咖啡企圖讓店面跟社區與人有著密切連結,強化台灣在地文化的氣息。 元素解構與重組 設計師進一步解釋基地的限制,本身比馬路高出約70公分,平面整體形似梯字狀,進入室內後會發現此處是一個斜的角度空間,這樣的條件加深了平面配置的難度。設計的出發點是由「整理」開始,打除潮濕的牆壁,改由磁磚阻斷內外水氣,室內沒有增加隔間和壁面,而是將老公寓整理至最適用的狀態,並透過材料的選擇突顯風格;過度刻意營造的風格,有時反而會與環境格格不入,那該如何注入業主期待的「南國風情」呢?楊竣淞說,就他自己的認知,所謂的南國其實就是台灣這個島嶼,因此他從台灣自身內涵回看,並爬梳城市特色,例如帶有攤販感的店面、違章建築中常使用的材料、隱約復古的視覺意象等,他讓這些元素看似自我的獨立置於空間中,但彼此卻又可以相互交融在一起。   半穿透的摺疊式拉門讓空間多了「打開」的可能性,讓坐在吧台的顧客在不經意間成為了框景中的主角。 設計團隊梳理業主對於「南國風情」的想像,並透過材料和意象的堆疊,讓復古與現代的交會深刻存在,又不顯突兀。 基地本身有一些舊材料的痕跡,譬如波浪板的雨遮、外觀原有的馬賽克等,雖然狀況不甚良好,但設計團隊試著延續這些物件的存在,因此選用相同的材質來構築本案。拿掉大門原有的鋁窗,取而代之改以半穿透的摺疊式拉門,並於室內重塑一個攤販式的吧台區,呈現出「屋中屋」的視覺效果,由摺疊門向內望去,隱約有種在市場看望騎樓攤販的既視感。 在室內建立一個攤販式的吧台區,呈現類似「屋中屋」的視覺效果。設計師以「時間屋」的概念形塑量體,充滿著時代感的細節。 吧台區是極具細節的量體,包含拱形折鐵、八角窗等,鐵件元素從門面一路延伸進吧台,緊接著,將黛綠色調的馬賽克和油漆以協調的比例鋪設,屋中屋的形態使空間彷彿有了分界,讓料理的人、與品嘗食物的客人,有著互相對視的有趣關係。另外,設計團隊亦將外部的局部牆面表層剔除,再利用舊式的木工手法,將窗戶包覆成木結構,由外向內營造出一致的語彙,同時產生新舊融合的張力感受。 ​設計師明確劃分出煮食及調配飲品的區域,並以廚具的抽油排煙系統作為輔佐,藉此降低味道相互影響的問題。   硬體方面的周全考量   針對咖啡廳的機能需求等規劃,楊竣淞提到,最困難的部分就是食物烹煮與飲品調理之間的安排和平衡,由於小南通咖啡提供眾多台灣特色小食,擔心「味道」成為難解的問題,設計團隊遂將吧台分為前後區,前區處理有味道的食物,並請廚具廠商協助計算排煙量,力圖減少油煙對店內的影響。 大面積的綠色基底,搭配黑鐵燈具以及鍍鋅浪板,看似極具衝突感,實則令人印象深刻。 針對燈光的布局,楊竣淞設計師表示,「最好的燈光計畫,就是給予彈性的可能。」盡量將直接照明降至最低,改使用調光器因應明暗需求,座位上方的鐵件吊燈是視覺的焦點,利用直觀的燈泡作為主要光源,並隨著燈泡質感的明暗變化,為空間塑造出一種時間停滯的氛圍效果。在本案中,開物設計將懷舊情懷與創新語彙相互交疊,構築出一個獨樹一格且具記憶點的小型營業場域,用老元素建構空間張力,默默陪伴著你我。    燈光計畫方面並非採取「均亮」的模式,而是更注重明暗對比與陰影感,渲染出空間氛圍。 設 計 者」開物設計 / 楊竣淞 羅尤呈 參 與 者」高彰孝 攝 影 者」李國民空間影像事務所 空間性質」咖啡廳 坐落位置」台灣 主要材料」鍍鋅鐵、黑鐵、波浪板、磁磚、抿石子、木皮、乳膠漆 面    積」35坪 項目年份」2021年 ​ 開物設計 自2007年創立以來,開物設計以靈活的文化符碼,營造出空間的價值與深度,成功為客戶提供創新策略與商業模式,整合空間特質以開展出競爭優勢。為成就空間之多元與獨特,開物設計延攬室內設計專才,與行銷企劃、平面設計、藝術文化領域之菁英積極合作,以跨領域的組合,創造出組織靈活、專業分工而理念一致的堅強團隊,打造不設限的空間型態。為住宅、娛樂空間、辦公空間、公共空間和商業空間設計出創新而精湛的新氣象,進而延伸出家具設計、燈具設計、產品設計和平面設計的全面性規劃,全面提升空間設計的完整與價值,並榮獲如台灣TID Award、金點設計獎、韓國K-Design Award、義大利A'Design Award、美國IDA Award銀獎等大獎。 資料及圖片提供」開物設計 採訪」陳映蓁

  • A Band-aid for Broken Nature

    損壞的自然:設計保護人類!修補殘破生態?

    「我們的家鄉—地球很美麗」,許多美國太空總署NASA的太空人在訪談中都這麼描述他們從國際太空站觀看家鄉星球的經驗:一片死寂真空的宇宙裡,地球是唯一充滿生氣蓬勃色彩的星球。但是,現實窘境是地球生態系統正面臨著大崩壞,人類獨大的現代文明方式正劇烈改變自然環境的樣貌,甚至有科學家宣稱已經進入「人類世(Anthropocene)」時期。 NASA。中國三峽大壩建造前影像。1993 年 9 月 24 日至 2016 年 8 月 22 日。NASA 提供,U.S. Geological Survey (USGS), Landsat Missions Gallery, U.S. Department of the Interior / USGS and NASA 面對殘破的自然生態,聯合國教科文組織在2019年「聯合國氣候變遷會議」的網站上清楚地寫著世界各國應該如何行動:「迄今為止,各國的野心不足以實現協定中的三項氣候目標,分別是2030年前要減少 45%的二氧化碳排放量;2050年前實現氣候中和(意味著零淨碳足跡);本世紀末前,使全球溫度的上升控制在1.5°C內。」如果依照聯合國教科文組織同年發表的氣候變遷科學研究報告書,會發現,如果各國再不實際行動,10年後我們將面臨地球生態系統崩壞的世界級災難。  對於此一世界重大議題,紐約MoMA美術館在嚴峻的新冠疫情中策劃了《損壞的自然》(Broken Nature)展。這項展覽討論如何運用設計的「修復」潛力,來修補人類和生態物種、環境之間的關係。如果設計的本質是解決人類文明的問題,我好奇展覽將如何討論設計能為目前光速般損壞的自然環境提出解決方案?或者,運用設計保護獨大的人類物種? 初始觀點:優雅地滅種  《損壞的自然》其實來自2019年第22屆米蘭三年展(XXII International Exhibition of La Triennale di Milano)《損壞的自然:設計承載人類生存》(Broken Nature: Design Takes on Human Survival),總策展人寶拉·安東內利(Paola Antonelli)是建築暨設計部門資深策展人(Senior Curator, Department of Architecture and Design),在紐約MoMA工作超過25年,此展覽也是她首度在米蘭策展。 亞歷克斯・高德(Alex Goad),《MARS》(Modular Artificial Reef Structure),2013。2019 米蘭三年展 《損壞自然》裝置現場。米蘭三年展(Triennale di Milano)提供。攝影 Gianluca di Ioia 2019年,在紐約設計出版刊物Core 77舉辦的設計論壇上,安東內利表示,《損壞的自然》最先來自2013年在MoMA內部的提案,但是當時時機尚未成熟,也許環境議題還不那麼急迫,所以未能實踐。最初的概念來自一項簡單的想法:人類終將滅絕。我們也許沒辦法完全控制滅絕,但是我們對什麼時候、如何滅絕能有一些掌控。因此,安東內利認為人類可以設計自己優雅滅絕的方式。 這簡單的想法讓《損壞的自然:設計承載人類生存》進一步來討論如何、怎樣設計人類的滅絕。而米蘭三年展的版本是為了「世界公民」(citizens of the world)而展出,而不是設計師;因為我們身為公民,每個人都有責任。策展團隊不選擇常用的「區塊」子題手法來處理,而是以流動、觀展的方式,其中展出超過100件作品,以廣泛內容、並非單一主題聚焦討論,從宇宙、社區、日常的觀點,提供世界公民在嚴峻環境中生存的設計方案。 修補人類環境和自然的關係? 此次,紐約MoMA和米蘭三年展合作,呈現《損壞自然》的精選迷你版本,在《損壞的自然:設計承載人類生存》的眾多觀點中,選擇「修復性設計」作為主題聚焦。在「修復性設計」策展觀點基礎上,《損壞自然》認為環境是多樣、相互連結的體系。展覽要探索人類棲息地中那些複合的系統,並進一步討論在這涉及經濟、社會、政治、以及自然生態的多樣連結體系中,設計如何作為修補角色?在「修復性設計」的大主題下,選擇45件作品,其中有些作品也成為MoMA新典藏。 稻田亞希。《想演化 #1》(Think Evolution #1: Kiku-ichi (Ammonite)),2016-2017。藝術家、久保田雄藝廊(MAHO KUBOTA GALLERY)提供 展出作品呈現能提供多樣策略的設計物件和概念,解決損壞自然所帶來的相關問題,來幫助人類去修復與其他物種的共享環境關係。不僅是生態環境危機的緊急難題,例如污染、材料消耗、全球暖化,也包括像是家庭、性別、種族、階級、民族等基本制度和概念的議題。同時展覽內容,呈現設計師、工程師、藝術家、科學家之間存在的共享關係,以及這些不同領域間持續相互合作、影響下所產生的設計。 像是為了解決來自多樣的環境壓力、海水升溫造成珊瑚大規模死亡,全球正在開發新的養殖方法,種植不同珊瑚物種,直到可以將珊瑚移植回天然珊瑚礁為止。來自澳洲的亞歷克斯·高德(Alex Goad)在2013年的設計作品《MARS》(Modular Artificial Reef Structure),以3D打印樹脂模具的晶格系統,作為陶瓷模塊化的人工礁結構。在沉入水底之前,珊瑚片會附著在這結構上,就像是一座堅固的骨架,讓移植珊瑚可以在其上生長。《MARS》提供複雜幾何造型為許多其他依賴珊瑚礁的物種,如魚類和軟體動物,以及更廣大的珊瑚礁生態系統提供保護性棲息地。  有些作品專注在廢棄物的議題。把廢棄物作為可大量獲取的材料,從新資源的角度來看待、運用。英國設計師亞歷山大·格羅夫斯(Alexander Groves)與村上梓(Azusa Murakami)組成的彘工作室(Studio Swine),他們的作品《罐子城的棕櫚凳》(Palm Stool from Can City)是街上拾得的廢棄物件,有棕櫚葉、陶瓷磚、籃子底部等。在廢棄的籃子底部填滿沙,再將不同物件壓印翻模,做成鋁凳的模具。這件移動式鑄造裝置,以食用油為燃料,熔化從城市街道上收集的鋁罐,作為各種造型的棕櫚凳子。《罐子城的棕櫚凳》靈感是來自巴西聖保羅的地下拾荒經濟,由拾荒者收集回收物件放在拉車上,再拿去回收。  英國彘工作室(Studio Swine),《罐子城 市的棕櫚凳》(Palm Stool from Can City),2013。藝術家提供 廢棄物議題也有討論運用新科技和材料,開發製造和建造新方式,讓廢棄物能回收再利用。像是法國阿爾勒(Arles)的路馬工作室(Atelier Luma)是藻類實驗室,專注在探索微藻和大型藻類的生物材料潛力。此次展出的 2019年設計計畫《藻類地理》(Algae Geographies),是路馬工作室採購當地海洋植物,在實驗室進行種植、混合、乾燥階段,要創造替代石化產品的塑料,同時扮演能吸收二氧化碳排放的材料。路馬工作室團隊製作區域內資源、專有技術、文化檔案的網絡,進一步與地中海區域的設計師和在地社區合作,重振當地經濟。  也有作品以想像實驗的方式提出解決問題的設計方案,像是美國建築師穆斯塔法·法魯基(Mustafa Faruki)所創立的實驗室實驗室(theLab-lab)以建築想像圖取代實際建造的設計。實驗室會依照匿名客戶不同的要求,以建築數位繪圖作為一種溝通的媒介,依客戶所想的設施視覺化。此次展出許多想像方案的建築數位繪圖。除此,也有以批判性設計(critical design)來思考解決生存方案的作品。 穆 斯塔法·法魯基(Mustafa Faruki),實驗室實驗室(theLab-lab)。《匿名客戶的接收供應設施》,2018—至今。藝術家提供 來自英國設計師、目前任教紐約新學院的安東尼·鄧恩(Anthony Dunne)和菲奧娜·拉布(Fiona Rab)共同組成鄧恩&拉布工作室(Dunne & Raby),專長就是批判性設計。他們展出2009年的設計計畫《為人口過剩星球的設計:覓食者》(Designs for an Overpopulated Planet:Foragers),討論人類未來獲取糧食的方式需要從根本上重新思考。 MoMA展場平台上放置著鄧恩&拉布以玻璃強化塑膠材質打造鮮豔綠色的物件,十足的未來感造型,其實是在人體以外的腸胃系統裝置。連結到人體周圍外在環境,進行「外包」的糧食資源,這項裝置協助人類在人口過剩的地球 覓食,甚至消化人類無法食用的東西,像是粗韌的根和纖維素物質,但是這些卻是其他哺乳動物和鳥類賴以生存的食物, 甚至人類祖先在早期也能夠食用。 《損壞的自然》MoMA 展覽現場,圖為鄧恩&拉布工作室(Dunne & Raby)2009 年作品《為人口過剩星球的設計:覓食者》(Designs for an Overpopulated Planet: Foragers)© 2020 The Museum of Modern Art。攝影 Robert Gerhardt 看完紐約MoMA版的《損壞的自然》,也許設計真的能夠解決某種因人類文明所產生的問題。從這些展出的案例,策展人安東內利認為,從復育急速死亡的珊瑚礁,到思考為人口過剩的星球提供糧食的場景,設計、建築一直以來能夠在不同階段、背景、環境下,橫跨時空並迅速推動建設性的改革。 然而,如果我們對於自然環境的關係仍是以「取得資源」為出發, 要如何如他所言,設計可以改變人類行為,或是自然環境的行為?《損壞的自然》展出的《蜜蜂計畫》(BEE' S project)讓我萌生這樣的問題。《蜜蜂計畫》是目前任教倫敦的葡萄牙設計師蘇珊娜·蘇亞雷斯(Susana Soares)在2007年的設計和科學計畫,運用蜜蜂獨有的精密嗅覺,訓練蜜蜂來作為人類醫療疾病、懷孕診斷的有機測試。展場裡三件工藝精緻的玻璃製品,其實在真正使用時,裡面會有受人類特別訓練的蜜蜂,來作為不同用途的醫療測試。 看著《蜜蜂計畫》美麗的玻璃物件,讓我想起幾年前全球各地原生種蜜蜂大量死亡,各地的數據都不同,最高數據大約是30-40%。主要原因包括棲息地、化學農藥的使用,沒想到我們熟悉的蜜蜂有一天居然也會成為可能瀕臨危機的物種。蜜蜂族群數量下滑,導致各地農場缺少蜜蜂作為農作物授粉的重要媒介,也意味著人類世界糧食供給也發生問題。那麼,蜜蜂作為醫療測試的用途,顯得有些 超現實。  朱亞·奧曼(Julia Lohmann)。《因為這很重要》,2013。海帶植物裝置, 2019 米蘭三年展《損壞自然》裝置現場。米蘭三年展(Triennale di Milano)提供。攝影 Gianluca di Ioia 如果整體大環境的基本面沒有獲得改善,如聯合國教科文組織所言人類僅剩10年不到的時間,設計真的能保護人類免於生態大浩劫所帶來不宜人居的狀態?除了設計作為解決方案之外,近年國際趨勢很多朝向規劃生態保留區,作為讓自然環境免於浩劫的方法之一。所謂生態保護區,是免除、降低人類活動對環境的干擾。 以美國拜登政府舉例來說,年初頒布對應氣候危機的行政命令,其中一項是暫停所有公共土地上的新油氣租賃。其中最深具野心的政策目標,是在2030年前分別保護30%的陸地、30%的沿海海洋,作為自然保留區。2019年美國《國家地理》雜誌報導,中國將以生態廊道區的概念設置大熊貓國家公園,其規模是美國黃石公園的3倍,橫跨不同省份,目前試點區總面積2.7萬平方公里,跨越四川、陝西、甘肅3省12市30縣,因為動物沒有省份的概念,只有隨著自然韻律遷徙移動的原始生存本能。 凱利·賈茲瓦克(Kelly Jazvac)。《塑料異構體》(Plastiglomerates),2013。凱利·賈茲瓦克提供 雖然是大熊貓國家公園,這生態廊道保護的不只是熊貓,還有其他珍貴的野生動植物,像是雲豹和金絲猴等。一位台灣海洋科學家曾跟我說過,台灣大多數溪流,都早因為水泥攔沙壩的設置成為階梯式溪流,對我們來說是溯溪的好步道,但是魚如何在階梯式的河川水中游?他認為修補大自然最好的方式就是不要理它,讓自然自己療癒。 經濟發展和生態修復之間總是棘手的政治問題,「修復性設計」也許是人類一起作為損壞自然共犯的良心行為。  撰文」Chia-Ling Lee 

  •   「被自然環抱」是建築環境的客觀描述,「與自然共生」是思考建築與環境的態度。在義大利因佩里亞海灣上的一座別墅中,嘗試重現利古裡亞梯田所展現的,人造地景與自然環境和諧相融的底蘊。 依據永續原則設計與建造的別墅,獲得多項國際獎項肯定,其天然石材幕牆面向海洋,迎接海風與飛鳥,室內點綴實木材質,彷彿造出了小小的林地,與四週環繞的地中海樹林相映,歡迎光和生活停駐。與自然共生的基底步步紮實,最後一步將走向建構美好舒適生活不可或缺的細節——家具。 Flexform以標誌性的柔軟、寬敞沙發墊聞名全球,受到四季、希爾頓、凱悅、BULGARI Hotels and Resorts等頂級飯店品牌青睞,在這座別墅中,Flexform以家具為顏料,繪出一幅休閒優雅、超越時空和時尚的生活風景。   與自然一同呼吸 Flexform不僅將沙發、扶手椅、茶几、沙發凳、桌子和椅子視為家具,更是一個居家生態系統,它們之間的和諧對話與舒適自在的生活息息相關,尤其當半戶外空間對享受生活的重要性已不亞於室內空間時,Flexform致力於提供更全面的產品設計。   Atlante戶外座椅系列在組合上提供了極大的自由度,能夠跟隨需求靈活變化各種搭配,而Antonio Cittorio設計的Carlotta扶手椅則讓嚴謹簡約的鋼結構和優雅的編織相遇。兩者遠看是風景的一部分,一旦坐上它們,忍不住將全身心交付,盡情享受大自然的恩賜。   身心的避風港灣 光乘著海風進入客廳,鑲木壁爐旁的區域擺放Asolo座椅系統穩定空間的重心,而一對由高超工藝技術製成的Tessa扶手椅,則增添具時間痕跡的詩意氛圍。其中,比例大方而均衡的Asolo沙發以剪裁和結構細節標誌出輕鬆優雅的空間個性。   沙發中更延續了Flexform的基因,對使用的羽絨填充物格外要求,只選用榮獲國家認證 (Assopiuma Gold Certified) 的鵝絨,其柔軟緻密的體感使Flexform的沙發享有「全球最舒適的沙發」的美譽。不但舒適,Asolo沙發更是一款多面性的沙發,其調性能夠融入任何環境,在這座海灣上的別墅中,它也宛如一道使匆忙腳步得以停歇的海岸,成為心緒的避風港。   溫度與愛的聚會之地 相較客廳的閒適自在,廚房是一個開放而歡樂的空間,為了讓人在輕鬆溫暖的氛圍中準備飯菜和用餐,廚房櫃檯配有First Steps吧凳,而Pico餐桌則由舒適的Joyce填充軟椅包圍,在無法戶外用餐的季節,此處將吸引家中在各自空間活動的人們,聚會出屬於家的溫度。   Pico餐桌的腿部線條細長,這使其視覺上輕盈且充滿活力。桌腳由鋁合金壓鑄而成,圓角桌面則由不同類型的大理石或鑲貼條紋核桃木或歐洲白蠟木製成。多樣尺寸提供高度個性化的可能。而Joyce餐椅特殊的金屬結構與餐桌合奏出相襯的旋律,其線條使其在設計感與經典之間達到了完美的平衡。   沒有句點的美好故事 人們共同的故鄉,就是夢鄉,別墅中的臥室以Gregory床搭配Piuma床頭櫃以及Guscio扶手椅打造最適合入夢的空間。床頭寬大豐滿的軟墊設計確保舒適的支撐,收納櫃結合造型的嚴謹與木材的豐富表現力,簡潔洗練,一日煩憂將在此消弭無蹤。   Flexform以不被時光淘洗褪色的設計,賦予生活永恆的鮮活色彩,無論我們是身在海灣上的別墅,或是世界任何一處,將與好設計一起完滿沒有句點的美好故事。 資料及圖片提供」Flexform   撰文」Yueh-han Yang      

  • 仔細觀察周遭,會發現1980年代的流行似乎正重新席捲而來,復古的電影、爵士樂與衣著時常出現在你我周遭。這是個人人大放異彩的時代,誇大的配件、鮮豔的霓虹色彩與強烈自我主張,1970年代後期經濟的蓬勃發展帶動人們愈加注重自身需求與個性,美學上不再講求現代主義的極簡與機能主義,更多藝術與個性的展現仍深深影響著我們的世界,而談到1980年代的家具設計,cappellini更是無法略過的精采一頁。 設計的定義者 成立於1946年,原為義大利傳統手工訂製家具製造商,1980年代在第二代接班人 Giulio Cappellini 的慧眼下轉型,一如品牌核心的「創新」精神,cappellini從不設下任何風格或限制,抓準期待求新求變的時代氛圍,挖掘出一批批尚未成名但深具才華的年輕設計師們,作品儘管青澀卻充滿奇想,現今看來仍是相當前衛的經典。其中多數皆成為帶領著未來數十年的設計大師,如Tom Dixon便為cappellini留下早期的「S-Chair」,由一根精心設計的S型鋼製結構包覆手編稻草或不同面料而成,與纖細的外觀對比令人驚訝的舒適乘坐感,剛推出便受到市場熱烈好評,將Tom Dixon推上頂尖設計師之列。  S-Chair cappellini也與被《TIME》雜誌選為2005年全球100大影響力人物的跨領域設計師Marc Newson合作,在1990年後推出第一批發展出自我風格的作品「Embryo Chair」及「Felt Chair」,圓潤線條及科技感造型、在當時仍不常見的特殊材質,為Marc Newson打開知名度,「Wooden Chair」則展現了品牌與設計師探索材質極限的野心,完全由彎曲木結構組成,簡單的固定即形成不可思議地平衡,特殊的視覺吸引許多藏家,並被MoMA美術館納入館藏。 Embryo Chair 與  Felt Chair Wooden Chair 除了開發新人之外,cappellini也不放過任何為時代留下經典作品的機會,與已故的80年代日本設計大師倉俣史朗(Shiro Kuramata)合作,作為提出影響後代的「孟菲斯設計集團」成員中唯一的亞洲人,其設計融合對於現代主義的反思與日式極簡美學,線條與材質往往大膽且令人驚奇,如1987年的作品「Progetti Compiuti櫥櫃」,將看似常見的櫥櫃彎曲成S型,每個抽屜角度皆不相同,但開闔之間的流暢彰顯出對於細節的重視,置於家中何處都可成為焦點。 Progetti Compiuti chest of drawers 儘管已有眾多經典作品,cappellini的「創新」永遠不滿足於此,持續引領著設計時尚前行,2020年與知名設計品牌Cassina的藝術總監Patricia Urquiola合作,推出富含自由與創造性的「Lud’o Lounge chair」,設計師打破了過往面料與椅座一體的想法,透過精巧地構造與線條,舒適的軟墊如同一件大衣般可以輕鬆地「脫下」再「穿上」,讓家具的顏色、材質可以像每日換穿的衣物,隨季節、情境甚至心情而改變,並且每一個零件都可以完全回收與再利用,符合時代需求。 Lud’o Lounge chair 經典與創新並存 對丹意信實而言,2021年的現在正是將cappellini重新介紹予台灣客戶的最好時機,受到疫情影響,人們更加注重向內探求,使家成為個性的延伸,而這些令人驚奇的家居藝術品,全部收藏在今年開幕的D&L CASA三館門市。位於頂級家具品牌群集的仁愛路上,一進入口即可見到成立於1938年的經典品牌Knoll,繼承一戰後的包浩斯(Bauhaus)美學,設計線條與用料簡約而實用,沿著時代排序,後方則為風格迥異的cappellini,兩大經典品牌形成鮮明對比;後方則仿擬家中露臺設置,布置丹麥頂級戶外家居品牌Cane-line;走下樓梯,則有新世代義大利品牌qeeboo迎接,如人們熟知的「兔子椅」、「金剛落地燈」等,將居家打造成一處奇幻大膽的「動物園」,搭配Kartell、Artemide等D&L CASA原有義大利經典品牌,在三館門市為顧客提供經典、創新、舒適、藝術等多樣化的家居用品,依照個性與喜好搭配出最適合的住家環境。 資料及圖片提供」D&L丹意信實集團  採訪」林慧慈

  • 台灣郊遊─原始感覺共同合作場域計劃

    第17屆威尼斯建築雙年展台灣館

    經過一年漫長的等待,威尼斯建築雙年展終於在 2021 年中旬與大眾相見,本屆大會主題「我們將如何共同生活?(How will we live together?)」呼應現代世界所需要的建築,尤其建築作為環境與人的溝通橋樑,將生活、工作、理想地合為一體,亦是將神性、生活與旅行融合的場域。此一命題,在歷經疫情肆虐的當下,人與人、人與自然之間如何共存,更成為當代亟需的解答。 台灣館外觀。   本屆台灣館由國立台灣美術館、策展團隊自然洋行建築設計團隊及草字頭國際聯合舉辦,以《台灣郊遊 – 原始感覺共同合作場域計劃》為題,自 5 月 22 日至 11 月 21 日在義大利威尼斯普里奇歐尼宮(Palazzo delle Prigioni)展出,透過梳理數個獨特案件、跨領域合作經驗,深入探討打造環境建築的前端企劃、與後續實驗建築的營運紀錄。 國美館館長梁永斐表示,本次台灣館不僅布展過程面臨最多挑戰與不確定性,也是布展團隊人數最精簡的一次,因應義大利當地防疫規範及個人健康風險,國美館、建築團隊及運輸公司總共僅有 9 人前往,前後隔離至少 20 天,而此番疫情下的跨國布展過程,也意外地回應了「如何共同生活」的提問。   展覽裝置「置身物種間的建築 II」。自然洋行製作,Mauricio Freyre導演。   郊遊─逐山水而居 「人類在自然的野地,如何透過本能的感覺啟動應對能力,克服自然給予的挑戰,當我們正視人類內在的原始感知並逐漸產生正向對應能力時,恐懼也就會消失了。」策展人曾志偉如此談到,本屆展覽命題與建築概念也從此而生。 展覽題目「台灣郊遊」聚焦於台灣山林自然生態,探討在台灣郊區野遊、生活,進而移動所形塑而成的生活狀態,曾志偉描述,台灣地理上 70% 遍布高山、森林和丘陵,人口集中於西半部平原城市,與中央山脈距離非常密切,嚮往在郊區或自然條件下生活的人們,來來往往都市與郊區之間,形成一種非正式、不斷變動的遷移行為,「在開發與保護之間,構築一道值得努力的纖細平衡。」自然洋行多年來致力於自然野地郊區研究及環境規劃,著重人與環境的共存,建構如何和建築以外的事物和諧運作,而非創作一個人與自然或環境隔絕的空間。 展場作品模型「少少—原始感覺實驗室」   展場位於威尼斯重要交通樞紐與觀光景點「普里奇歐尼宮」,前身為古老監獄,如何在一個古老而封閉的空間中創造出寧靜且帶有原始感受的場所?策展團隊刻意提供留白,盡可能保留空間原有質感,並以大型立體空間裝置與投影呼應歷史建築原始元素。 展場氛圍呼應目前全球疫情發展下人與空間的關係,在隔離的狀態下人們如何自省、內觀,重新省思與生活環境的互動關係。期待觀眾透過 5 件展出作品,回歸個人感覺心念、周遭感知來貼近當下時代,找尋寧靜而平和的心境。除此之外,此次展出亦通過影音作品與氣味設計的結合,配合與秘魯籍導演 Mauricio Freyre 合作概念影像,並與「曖曖內含光實驗室」合作籌劃互動的展覽,帶領觀者透過五感體驗獨特的策展概念。   建築,是溝通的橋樑 本展以「提問」、「共同合作」、「相互影響」3個對應大會主題的子命題,與數個跨領域的團隊一起探索建築、環境與人共同生活的方法,建構更為符合人類生活感知的建築。 本次展出的內容包含自然洋行建築團隊獨立實驗作品如「少少—原始感覺研究室」、峇里島「天然修道院」,以及數件與台灣產業的合作:「勤美學 森大」、與春池玻璃及忠泰建築文化藝術基金會合作的「類生態冥想屋」、「野長城原始知覺研究室」等建築環境規劃概念,呈現不同的人文、環境條件、產業、空間使用模式等,皆有各自獨特的對應觀點,其中的共同點是通過建築扮演溝通橋梁,呈現並拓展各領域透過實驗建築場域共同合作的成果。自然洋行從各個獨特案件的風土、田調觀察中發現,「安定的人心」是與自然環境共存、持續發展而不過度開發的重要先決條件。   天然修道院及野長城。   少少—原始感覺研究室 「少少—原始感覺研究室」是自然洋行於 2014 年所發起的研究計畫,以「自然中的學習場域」為題,與植物學、傳統醫療、調香、靈修等跨領域策劃與交流,擇址台北城市與山脈之間的山林,至今已舉行將近百場研究計畫及活動。 本案選擇在背風面及擋風樹群邊搭建,並在原有木造平房上覆蓋台灣農務上常見的植物庇護網室系統,高度 8 公尺、長度 20 公尺,再採用 80%加 60%透光性針織網形成適當的工作生活場合。因應地形與樹木障礙,修正成以 8 個圓心組合成的不規則弧形斷面的構造主樑下搭建。打造輕質、速成、節省人力及耗材的建築,所有結構不採用水泥製品,可迅速拆解、位移,也同時具備臨時性、耐久度、 機動性等彈性功能。   少少-原始感覺研究室實地照。攝影」Jetso Yu   類生態光學冥想屋 未來,是一個移動方便迅速的世界,人的生活不再是一個定點,而是安定、微小、寧靜,並分散於各地角落的空間碎片,作為未來所需的居住場所。自然洋行攜手專司回收玻璃的春池玻璃合作打造了「光學冥想屋」,於忠泰美術館 2016年 開館首展《HOME 2025:想家計畫》中展出。 展覽聚焦於住居議題上,著眼人最基本的生活單位─「家」,透過時間與空間兩個向度的交叉設定,啓動思考 10 年後住居的研究計畫。此作透過玻璃無機、耐溫、堅固、透光等特性, 將自然的光能和水回收轉換成生態小屋,並具備不斷繁衍的彈性變化,結合其他維生設備。想像未來人們透過網路分享模式,關照散落各地的冥想屋達成訊息交流、知識分享的家。 類生態光學冥想屋玻璃模型。   野長城原始知覺研究室 延續「少少」的嘗試,自然洋行於 2017 年在中國河北的山野間建築一處結合自然涵構及探索山林美好生活的實驗場域。空間機能包含植物工作坊、香氣實驗計畫、自然療癒課程、藝術展演等,引導人們走進天然場域,建立與大自然緊密連結生活。設計團隊重新思考自然如何地吸引人們,松樹林、梯田、老礦場,以及遠方山脈形成的野長城,作為人類文明與荒野的那條模糊邊界,散發著一種寧靜。 建築以竹炭板作為主要材料,期待建築除了回應土地、生態,更能照顧到空氣,因此研發空氣濾心原理的相關建材,作為對未來大量發展時的示範依據。若說建築作為人類在自然中尋找立足點的載體,自然洋行期望在這片和諧的關係中帶來新的生命,或者是生機。 野長城原始知覺研究室之展出模型。攝影」高靖捷   勤美學 森大 2018 年與苗栗在地企業「勤美學」合作,策劃一座通過人與自然生活體驗及知識聚落範型—森大,位於苗栗香格里拉樂園南側 10 公頃次生林內。 建築由主屋及環形網廊兩個部分組成:主屋改造原有荒廢的類中式宮廷房舍,外部大量覆蓋銀網和噴霧水系統,回應谷地炎熱氣候,主要作為教室、廚房和工作坊等用途,並收集附近散落的巨石取代日常生活慣用的家具。不完全封閉的環形網廊由銀色 60% 農用針織網及強化結構的鍍鋅鋼管構成,形成近 300 公尺的長廊作為輕度隔離荒野森林的結果,串起各個可以彈性使用的空間,並承載工作坊的型態。將「向大自然學習」的思想與產業結合,展現更多的影響力。 勤美學 森大實地照。   天然修道院 為自然洋行 2019 年的作品,將工作室計畫搭在印尼峇里島某個原始的秘境山林中,探索未來自在生活及愛護自然界的建築方式之可能性,也因此以動物原始本能「棲息」於山林的概念,規劃數棟棲息屋形成一個微小的村落,以分時與不插電概念生活於其中。 空間中大量運用自然元素,引人聯想歐洲古老修道院、高原上的藏傳佛教寺院、熱帶森林的神殿、沙漠的清真寺等,設計師表示,趨近純粹的神性空間時常體現人類與環境和平共處的可能景象,透過建造神聖的空間,用光線和空間量來喚起敬畏和虔誠的情緒。 天然修道院展出模型。攝影」高靖捷 自然洋行 自然洋行成立於 2003 年,工作室位於台灣台北外雙溪陽明山國家公園後山,主要設計思考著重於建築、環境、感知等複合因素規劃而成的完整場域。其中包含歷史建築物改造、新型態研究機構及部分實驗性住宅、飯店等。並於 2014 年起持續探索輕質、異材質構造及其運用向度可能性發展。 資料及圖片提供」國立台灣美術館、自然洋行 編輯」林慧慈

  • 艾迪遜酒店(EDITION Hotels)向來擅長以創新風格重釐酒店的奢華定義,並揉入各地文化與社會環境的精隨,標示出當地獨一無二的生活態度。2020年秋季揭幕的東京艾迪遜酒店(The Tokyo EDITION)由Ian Schrager與隈研吾合作,雙方在經過不斷討論後,期望將它打造成具有溫度的空間,同時體現東京匯集日本傳統文化與尖端科技的特殊象徵,展現其傳統與時尚交織的面貌。 大堂。Ian Schrager與隈研吾期望打造猶如森林般的空間,使用大量的木頭元素與綠色植栽,建構城市中的綠洲,不僅為酒店帶來生機,同時體現出日本人與自然共存的傳統精神。 由建築師隈研吾主理的空間設計,以「呈現森林般的空間」為設計構思,讓旅客沉浸在綠景懷抱與在地文化之中,透過酒店空間展現日本傳統建築面貌,提供富含當地人文精神的頂級住宿體驗,建造出一座歌詠自然的城市綠洲。   漫步室內森林 東京艾迪遜酒店位於日本商業街區東京虎之門,坐落於綜合大樓東京World Gate的31至36層樓,可眺望鄰近的東京鐵塔,並俯瞰繁華的城市街景,擁有絕佳視野。抵達酒店入口,首先可感受到沉靜素雅的氛圍,門面的黑色大理石以簡潔線條鋪設出大器沉穩外觀。大廳內,黑色大理石在白色的穹頂下呈現洗鍊質感,精心構劃的燈光角度令空間更顯挑高。   閣樓露臺特大床房。客房主要以木造家具擺設,柔和的色調流露素雅的氣息。 日本擁有豐富的自然景觀,加上文化深受神道與佛教的影響,民族尊重自然萬物,並秉持人與自然和諧共存之精神,向來擅長將自然語彙融入建築設計與室內空間之中,而這項傳統文化亦延續至今,深刻影響著當代日本建築師的設計精神。 艾迪遜酒店頂層套房。附設廚房島、起居室與餐廳,房內裝設多面大面玻璃以增加採光,同時引景入室。 「負建築」是隈研吾最為人熟知的建築理念,「融入自然,並熟悉自然」是他貫徹創作的核心要素。一如既往擅長建造出帶有溫度的建築,他將此一精神灌注於的室內空間,不僅將日本的景觀特色納入酒店,讓室內洋溢森林的芬芳;也運用日本常用建材—橡木、胡桃木,營造出溫暖且精緻的空間體驗。     魅力獨特的餐飲空間 如何在奢華的環境中體驗自然的樸實與城市的繁榮?東京艾迪遜酒店公共空間選用大量原木素材,並添加綠色植栽元素,讓旅客恍若置身於叢林裡的木屋,能自由地在空間裡探索各區域。酒店規劃了4座餐區,每間酒吧與餐廳皆流露獨特的空間氛圍,各自以獨特魅力提供奢華的餐飲服務。   大堂吧。整體空間主要為木造設計,並擺設大量的綠色座椅、玻璃瓶和植栽,讓前來暢談的旅客彷彿置身於叢林中的酒吧。 大廳酒吧環繞生機昂然的植栽,並以木格柵天花板覆蓋寬廣的場域,實現了Ian Schrager對於「空中叢林」的想像,並且利用燈光與造型增加空間的層次感,沉浸式的空間氛圍令人能在此輕鬆啜飲調酒同時欣賞城市風光。 The Blue Room餐廳。廳內選用湛藍色沙發和餐具,以呈現藍寶石的意象。 The Blue Room餐廳擁有豐富的綠景,典雅的藍色沙發與餐具宛若藍寶石般點綴空間,餐廳內設有私人包廂讓提供重視隱私的賓客一種理想選擇。包廂裡有別於主廳的深邃湛藍,這裡選用的是意喻珍貴的黃玉(Topaz)色彩,亮麗且溫暖的色調令空間顯得溫馨、高雅。   翡翠廳。色澤深沉的原木家具,在翠綠的植栽與座椅的交映下,營造出沉靜的空間美學。 充滿綠意的翡翠廳配以原木桌椅,同時設有花園露臺讓人置身在城市綠洲中愜意賞景、享用精緻餐點。酒店內還有一間彷若黑寶石的艾迪遜Gold酒吧,空間採用炭黑木料仿造燒杉(焼き杉)的質感;這是借鑑日本的傳統技術,木板經過碳化後不僅會散發漆黑的光澤,亦能提升耐用性及防腐性。   用自然寧靜闡述大和之美   全作共設置206間客房,其中22間為套房,共分為14種房型,每間套房皆採用大量木質呈現自然、寧靜、優美的新和風調性,柔和色調與簡潔的家具線條正如大和美學予人的恬靜印象。為了提升室內採光,每間套房皆裝設大面玻璃,有些房型設有室外露台,讓旅客親近東京繁華的市景。 翡翠廳+花園露臺。翡翠廳外部設有花園露臺,讓旅客在綠景與東京景致的懷抱中品嘗精緻餐點。 在細節上,隈研吾應用日本傳統木造工法於設計巧思,屏風採用江戶時期常見的格柵元素,運用千本格子工法,以細長梳條密集排列,不僅達到美觀效果,也助於室內通風與隱私維繫的功能。   艾迪遜Gold酒吧。Gold酒吧的裝潢以黑色基調呈現黑寶石高貴而時尚的魅力,並以金屬壁飾與擺件點綴出低調奢華的質感。 依據旅客各異需求,酒店設置4間設備齊全且裝潢素雅的會議工作室,與1間可容納250人的多功能廳,以提供商務、社交活動或婚禮等用途。酒店內多元的健身和娛樂設施也能緩解旅人的疲勞。 圖片提供與版權」隈研吾建築都市設計事務所 攝影」©︎SS Co.,Ltd / Naomichi Sode 撰文」紀奕安

  • 2021年第17屆威尼斯建築雙年展(Biennale Architettura 2021)在策展人Hashim Sarkis的策劃之下,於2021年5月22日順利揭開展覽序幕。6個成員國,包含愛沙尼亞共和國、瑞士、立陶宛、英國、芬蘭和盧森堡,攜手跨越地理限制,善用愛沙尼亞先進的科技技術,以數位平台的方式邀請各地設計師和民眾一同參與這場全球藝術盛會,訪客透過建築雙年展官網可以取得各個國家館的展覽與活動資訊。   威尼斯建築雙年展官網,主頁每天都會更新國家館的線上串流。圖片:Biennale Pavilions 目前共有22國共同參與這場前所未有的線上建築雙年展活動,多數國家在開幕週選擇以線上或複合式活動的方式出席開幕典禮。這些國家館從2021年夏天至秋天,也將持續在網站分享演講及研討會內容,或提供線上導覽等服務。讓民眾能透過官網瀏覽活動日期,並點擊圖示記錄於個人行事曆。   透過網站可以觀賞國家館的線上活動。圖片:Biennale Pavilions 面對險峻的未來挑戰 我們該如何共同生活 自2019年起,全球受到新冠肺炎(COVID-19)影響,各地產業與日常生活型態皆受到嚴重衝擊,這不禁讓我們開始省思人類過往的行為模式,更去思考未來該如何應對及改善。2021年威尼斯建築雙年展呼應全球當前所面臨的困境,以「我們將如何共同生活?」(How will we live together ?)為主題,深入探討人與環境共存的議題,攜手打造能維持環境平衡與未來發展的建築。 2021年5月至11月,每天皆安排不同國家館的線上活動行程,點擊右邊的行事曆小圖示,可以將喜歡的活動資訊存入個人行事曆。圖片:Biennale Pavilions 以下,是6個國家館的設計構思與作品成果。 (詳細資訊請至建築雙年展官網探索:https://www.biennalepavilions.com/)   主頁下方提供22個主要國家館的資訊。圖片:Biennale Pavilions 愛沙尼亞館 《廣場!積極收縮Square! Positively shrinking》   愛沙尼亞館《廣場!積極收縮Square! Positively shrinking》圖片:©Samuele Cherubini 策劃主旨在於探討小城市在面臨人口減少的趨勢下,高品質空間對於此危機發揮的作用及未來發展。事實上,城市收縮的現象在歐洲屢見不鮮,而這是東歐自1989年發生後社會主義轉型之後的結果。自2000年起,愛沙尼亞就有人口顯著流失的問題,造成當地常見空置建築和棕地,同時存在大量低品質住宅、破舊建築和投資不足的環境問題。 愛沙尼亞館以影片的方式展示愛沙尼亞100建築計畫框架對城市收縮的干預過程與成果。圖片:©Samuele Cherubini 愛沙尼亞建築中心(The Estonian Centre for Architecture, ECA)在此展覽中,正視都市收縮對環境產生的影響及危害,並展示出可行的解決方案,透過拆除建築、採取積極的住房政策、修復歷史建築以及振興都市空間,以改善城市收縮的現象。   愛沙尼亞的城市地圖。 《廣場!積極收縮》主要以影片的方式呈現「偉大的公共空間」,展出愛沙尼亞100建築計畫框架對於城市收縮的干預成果,此計畫旨在2020年重現愛沙尼亞15座城鎮的中心和公共空間,目前特爾瓦(Tõrva)、帕爾瓦(Põlva)、瓦爾加(Valga)和拉普拉(Rapla)已於2018年完工;沃魯(Võru)和庫雷薩雷(Kuressaare)地區的廣場也於2019修復完成,而埃爾瓦(Elva)和拉克韋雷(Rakvere)的復興工程於2020年完成。 特爾瓦(Tõrva)。圖片:©Tiit Veermäe  愛沙尼亞館呼應「我們將如何共同生活?」這項主題,以《廣場!積極收縮》呼籲空間品質對共同生活空間的重要性,愛沙尼亞館項目專員Raul Järg表示,在新冠肺炎的影響下,更加顯現人們除了需要面對面互動,更需要較好的空間質量以滿足這項需求。   拆除瓦爾加(Valga)的廢棄建築。圖片:©Anna Hints 策展人:Jiří Tintěra, Garri Raagmaa, Kalle Vellevoog, Martin Pedanik, Paulina Pähn 委員:Raul Järg(The Estonian Centre for Architecture) 參展者:Mari Rass, Ott Alver, Alvin Järving, Kaidi Põder, Helen Rebane, Egon Metusala, Kaie Kuldkepp, Liis Uustal, Vilve Enno, Gianfranco Franchi, Chiara Tesi, Rea Sepping; Siiri Vallner, Indrek Peil, Villem Tomiste; Häli-Ann Tooms, Mari-Liis Männik ; Ülle Maiste, Diana Taalfeld, Anne Saarniit, Roomet Helbre, Taavi Kuningas; Risto Parve, Kai Süda, Liisa Hirsch, Patrick Tubin McGinley; Anna Hints, Joosep Matjus, Ants Tammik, Tushar Prakash, Urmas Reisberg, Kairid Laks   瑞士館 《oræ-邊境體驗oræ – Experiences on the Border》   瑞士館《oræ-邊境體驗oræ – Experiences on the Border》圖片:KEYSTONE/ Gaëtan Bally © Mounir Ayoub, Vanessa Lacaille, Fabrice Aragno and Pierre Szczepski 瑞士館以《oræ-邊境體驗oræ – Experiences on the Border》為主題,鑽研關於瑞士邊境在政治和社會議題的現況,並為這些有常住人口領地(Inhabited Territory)建立一個新感知。瑞士藝術理事協會(Swiss Arts Council Pro Helvetia)委託來自日內瓦的建築師與藝術家共同研究瑞士邊境關於政治與空間的面向,以及其感性和社會層面的感知。 Oræ地圖。圖片:KEYSTONE/ Gaëtan Bally © Mounir Ayoub, Vanessa Lacaille, Fabrice Aragno and Pierre Szczepski 團隊於2019年年底展開首次的巡迴研究,他們在研究期間乘坐卡車造訪居住在瑞士和鄰近國家之間的居民,親自去體驗和了解當地人民的生活環境及現況,並以影片記錄全程活動。在此展覽中,團隊透過影片與模型的方式使觀眾能有彷彿置身在瑞士邊境的體驗,藉由模型訴說當地人所想像的居住環境和空間,帶來沉浸式的感官體驗。 瑞士館以模型表達邊境居民對於生活環境和空間的想像。圖片:KEYSTONE/ Gaëtan Bally © Mounir Ayoub, Vanessa Lacaille, Fabrice Aragno and Pierre Szczepski 這項計畫在整體籌備過程中,由於新冠肺炎突然改變人們對於邊境的感知,帶給團隊新的挑戰。為了因應疫情產生的限制,團隊與伯恩大學(University of Bern)合作,運用學生設計的行動論壇再次造訪邊境地區的人民,藉此來梳理邊境在疫情影響下的新感知。 瑞士館內展示的模型。圖片:La Biennale di Venezia, Photo: KEYSTONE/ Gaëtan Bally © Mounir Ayoub, Vanessa Lacaille, Fabrice Aragno and Pierre Szczepski 瑞士館的團隊確信邊境是21世紀的實驗室,這些地區富含複雜的社會和文化結構,需要深入去研究和觀察。而這項計畫將揭開這些區域在政治和理想的面向,並挑戰大眾對於邊境、限制和滲透性的普遍思考模式。 瑞士館內除了擺設模型,並放映瑞士館團隊實際造訪邊境的紀錄片,使參觀者能有身歷其境的體驗。圖片:La Biennale di Venezia, Photo: KEYSTONE/ Gaëtan Bally © Mounir Ayoub, Vanessa Lacaille, Fabrice Aragno and Pierre Szczepski 策展人:Fabrice Aragno, Mounir Ayoub, Vanessa Lacaille, Pierre Szczepski 委員:Madeleine Schuppli, Sandi Paucic,Rachele Giudici Legittimo (Swiss Arts Council Pro Helvetia)   立陶宛館 《立陶宛太空署The Lithuanian Space Agency》 立陶宛館《立陶宛太空署The Lithuanian Space Agency》的形象設計:以人體骨骼為基礎的字體。圖片:2021 ©Julijonas Urbonas and Studio Pointer*. Courtesy of the Lithuanian Space Agency  立陶宛館坐落於流浪漢聖瑪利亞堂(Santa Maria dei Derelitti),展覽以《立陶宛太空署The Lithuanian Space Agency》為主題,設計結合引力建築和宇宙想像這兩項元素,策劃出一個虛構的外太空世界。立陶宛太空署由一家研究太空建築和重力建築的組織Julijonas Urbonas所創辦,此項計劃認為宇宙是根本的理想世界,其設計主旨著重於人們如何更加接近超自然,同時轉換人類對於外星人的觀點。 人類星球的數位模擬,2021。圖片:©Julijonas Urbonas and Studio Pointer*. Courtesy of the Lithuanian Space Agency 立陶宛館策展人Jan Boelen表示,想像危機是近期危機,而立陶宛太空署提供我們能夠共同協調和夢想的框架,帶來可能的新太空時代,使人類脫離國際和商業掌權的空間,將主導權歸於人們。 立陶宛太空署展內設置的人類星球設備。圖片:Darius Petrulaitis © Courtesy of the Lithuanian Space Agency  立陶宛館藉由此項計畫對社會政治帶給人類星球的影響提出質疑,並探討當人們脫開地球的種種框架,而純粹地成為這個新外太空架構的基石,地球原有的文化和倫理觀念對我們來說又是什麼樣的存在?展場中央設置了人類星球設備,這是一台三維掃描儀(3D scanner),可以將參觀者以動畫模擬的型態掃描進太空,當愈多民眾參與,掃描儀就能形成一個新星球。 立陶宛館參展者Julijonas Urbonas親自導覽館內展示的設備。2021, 威尼斯。圖片:Aistė Valiūtė & Daumantas Plechavičius  策展人:Jan Boelen 委員:Julija Reklaitė 參展者:Julijonas Urbonas   英國館 《私人愉悅園The Garden of Privatised Delights》 英國館《私人愉悅園The Garden of Privatised Delights》圖片:©John Riddy  英國館透過《私人愉悅園The Garden of Privatised Delights》針對英國存在私有公共空間(privately owned public space)這項議題提出新思考, 並挑戰私人與公共空間的兩極性,提出能夠共同改善公共空間在使用、可接近性和所有權的問題。 英國館的路線導覽圖。圖片:Cristiano Corte ©British Council 此項計劃的靈感源自荷蘭畫家耶羅尼米斯·波希(Jheronimus Bosch)的三聯畫—《人間樂園》(The Garden of Earthly Delights),畫中的人間位在天堂與地獄之間,而英國館策展人以此為概念,暗示私有公共空間處在兩個極端之間:英國18世紀存在圈地法案(Enclosures Act)前,公共土地的烏托邦,和完全私有化的反烏托邦。 英國館入口。圖片:Cristiano Corte ©British Council  設計團隊將英國館內的房間規劃成7個私人公共空間,透過一串聯的空間體驗,讓參觀者彷彿置身在典型的英國城市,啟發人們積極參與並思考如何改善公共空間的設計,使空間具有包容性和理解性,打造能受惠廣大市民的空間。 愉悅園。圖片:Cristiano Corte ©British Council 館場內模擬英國熟悉的公共空間,包括青年活動中心、商業街區和當地酒吧,這些空間平時並列於無法進入的私人花園廣場周圍。前述項目皆列入此項計劃的重編和振興範圍,並採取自上而下方法(bottom-up approach)探討土地所有權和面部識別數據的議題,而位在展館地下室的私人廁所則凸顯了基本公共服務的問題。 位在地下室的廁所。圖片:Cristiano Corte ©British Council  策展人:Manijeh Verghese, Madeleine Kessle (Unscene Architectur) 委員:Sevra Davis(Director of Architecture at the British Council) 參展者:Unscene Architectur, The Decorators; Built Works; Studio Polpo; Public Works; vPPR   芬蘭館 《新標準New Standards》 芬蘭館《新標準New Standards》圖片:©_ugo_carmeni_2021  芬蘭館透過《新標準New Standards》講述芬蘭Puutalo Oy(Timber Houses Ltd.)的故事,展示1940年至1950年中期的預鑄建築(Prefabricated building)歷史和發展。 芬蘭館展場內部擺設Puutalo Oy的照片,訴說標準化住房在芬蘭的演進史與貢獻。圖片:©_ugo_carmeni_2021 Puutalo Oy是一間由21 家芬蘭木材製造商成立於1940年的工業產業, 旨在應對冬季戰爭後產生的卡累利阿(Karelian)難民危機,為解決大量人口因戰爭而流離失所的問題,芬蘭各地的建築師和工業家共同開創量產住房設計模式,透過工廠建房有效地解決戰後的住房危機。而這項建築新標準不僅使芬蘭建築業推向現代化,而Puutalo Oy也在十年內成為世界上最大的預鑄木造建築製造商之一。 位在芬蘭赫爾辛基(Helsinki)的典型Puutalo 住房。圖片:Juuso Westerlund  展館擺放特別委託著名攝影師Juuso Westerlund為Puutalo房屋拍攝的新照片,印證這些房屋對於戰後各地生活水平的貢獻,和現今的居住狀況與蛻變。芬蘭館委員Katarina Siltavuori表示,組合屋是建築師們非常感興趣的領域,這項建造模式可以幫助他們達到快速且經濟建房的效果,同時不會失去住房質量或造成環境危害。而芬蘭的標準化住房設計除了為設計和生活質量設定新標準,也證明此項建造模式可以改善人們的生活。 1940年代,位在Nekala芬蘭的Puutalo住房。圖片:ELKA Archive  策展人:Laura Berger, Philip Tidwell, Kristo Vesikansa 委員:Katarina Siltavuori(Archinfo Finland) 參展者:Juuso Westerlund, The Central Archives for Finnish Business Records (ELKA), Museum of Finnish Architecture (MFA)   盧森堡館 《盧森堡之家Home for Luxembourg》 第17屆建築雙年展的盧森堡館是第二次舉辦在威尼斯軍械庫(Arsenale - Sale d'Armi)圖片:©LUCA_holicstudio  人類世(Anthropocene)的首次大流行—新冠肺炎嚴重打擊人們十幾年來倡導的可持續性概念,使群體的生活型態、社交距離以及消費行為都必須歷經戲劇性的轉變。然而,這也凸顯了建築與土地、城市與農村、室內與室外、家庭與工作、建築環境與自然之間的關係。 盧森堡館內展示模組化住房的結構,每個組件皆為細薄的木板:基本52平方公尺的配置尺寸為3.9 x 14.4公尺,住房有3面裝設玻璃幕牆,而後牆集成了儲藏室、廚房和較小的開孔。圖片:©LUCA_holicstudio 盧森堡館呼應「我們將如何共同生活?」這項主題,LUCA盧森堡建築中心(LUCA Luxembourg Center for Architecture)邀請建築師Sara Noel Costa De Araujo探索模組化生活的概念,而SNDCA工作室(Studio SNCDA)將盧森堡多個空置建築用地使用的模組化住房設計帶入展館策劃,使國際展覽與盧森堡能共同關注住房危機的問題。 模組化住房的空間雖不大,室內的基本配備卻一應俱全。此項設計可以根據地塊規模部署若干個單位住房。圖片:©LUCA_holicstudio 歐洲多數城市的住宅負擔能力指數特別高,表示多數當地人民無法負擔得起住房價格。盧森堡之家正視住房法規、建築和城市品質、生活方式和生活水準、經濟、房地產邏輯和政府等方面,藉由建築設計將理論化為行動,實際採取方法濃縮這些多元面向,並刺激人民、當局和其他利害關係人回應這項議題。 住房內部為開放式空間,僅藉由廁所區隔空間。廁所裝設2個窗簾:1個環繞著床,另一個則隱藏了廚房檯面。圖片:©LUCA_holicstudio   SNDCA工作室所設計的模組化住房仔細拿捏小空間與設備齊全之間的平衡,運用較為細薄的模組在園地上打造可以容納各式家庭型態的別墅,此模組化住房無需深厚的地基,內部空間的基本配置也應有盡有。LUCA盧森堡建築中心希望透過這項計畫讓建築師們擁有發聲的機會,即使他們在城市建築發展的作用受到土地私有化和大型房地產開發商的經濟實力而減弱,建築師仍有促使社會大眾思考和討論的特權,對未來提出願景。   策展人:LUCA Luxembourg Center for Architecture 委員:Ministry of Culture 參展者:Studio SNCDA, Koenraad Dedobbeleer, Sara Noel Costa De Araujo, Ester Goris, Arnaud Hendrickx   圖片提供與版權」Biennale Pavilions, The Estonian Centre for Architecture, Swiss Arts Council Pro Helvetia, The Lithuanian Space Agency, British Council Arts, Archinfo Finland, LUCA Luxembourg Center for Architecture 撰文」紀奕安

  • 2021年第14屆台灣室內設計大獎(Taiwan Interior Design Award, TID Award)競賽,從今年1月10日開始徵件,經過一連串審慎的評選過程,於6月23日公佈眾所期待的TID Award得獎名單。 此次TID Award的評審團由評審主席姚政仲老師帶領,複選評審團由黃湘娟、黃惠美、莊豐賓、楊岸、何以立、安郁茜、胡碩峯、陳冠華、李玉玲、王玉麟、林友寒、胡肖玫,共13位評審老師對投稿作品進行審視。在新冠疫情下,評審團老師透過線上視訊進行評選, 經過數日的熱烈討論後,決定了最終的得獎名單。今年,各類組別共收到703件來自世界各地的優秀作品,新人輩出且競爭激烈。評審團在第一階段先篩選出86件優秀作品,最終共選出54件作品榮獲TID獎項。 疫後,室內設計新意義  面對新冠疫情的挑戰,中華民國室內設計協會理事長趙璽對後疫情時代的設計趨勢與設計師責任有感而言,他提到,2020-2021年,世界付出了慘痛的代價,暫停運作的社會機制給了所有城市生活的人們一記重拳,一方面震撼於系統崩解的速度,一方面則是產生巨大反省。後疫情時代對整體人類社會的衝擊強烈,連帶影響了整個亞洲。趙璽指出,新時代室內設計師的角色已經不只是傳統的空間設計者,必須透過設計整合的手段,將未來或生活的核心價值重新傳遞給使用者。訴說一個更大範圍的觀點,普及至大眾,進而改變生活模式。從疫情前的「我」到疫情後的「我們」,室內設計專業者的工作更為複雜且細緻,對於社會乃至於世界的責任也益發的重大。 這也是2021年,台灣室內設計大獎必須要發掘的新價值。  自台灣室內設計大獎開辦以來,致力在亞太地區持續發掘具有潛力以及優秀的設計作品,鼓勵原創風格、發揚設計精神。本屆的TID金獎、新銳獎、評審特別獎以及TID年度大獎等獎項,在2021年6月底進行最終決選會議,並在決選三個月後的頒獎典禮揭曉金獎得主,請與我們共同期待。(以上時間如有異動,請依據TID Award 及CSID官網公佈為準。) TID 獎(各項得獎名單,請依據TID Award及CSID官網公佈為準。) 工作空間類 辦公室 層間  和墨設計有限公司/蘇哲甫 共創辦公室  META的工地計畫  康爾富照明股份有限公司/鄭遠揚 公共空間類 機構空間 千分之二的北美館  柏成設計/邱柏文 王菱檥 Ildar Gatin 鄭筑嘉  新竹州廳盥洗空間新生計畫  工二建築/胡靖元 服務空間 紅E梯  極製設計所 | 游麲建築師事務所/游麲 歷史建築 再利用 隱藏的地景—再造軍事碉堡成為影視基地  力口建築/利培安 蛻變 新生  成舍企業股份有限公司/林軒慧 軍旅舍  RND Inc. 空間設計事務所/蕭佳峻 鐵道印象  上典景觀實業有限公司/吳靜宜 居住空間類 單層 家的自序  廣州共生形態工程設計有限公司/彭征 烈焙餘韻  創夏形構/王斌鶴 時年  水相設計有限公司/李智翔 家人  瑋奕國際設計/吳竺凡 House F  福建直合設計有限公司/張鵬峰 被書環繞的家  弎見設計/王柏舜 墨墨  璞沃空間/劉孟驊 台北林宅  工一設計有限公司/袁丕宇 王正行 張豐祥 香蜜山公寓  矩陣縱橫/劉建輝 一個家一個生活  圭侯設計/洪文諒 C.D.E.F.G.A.B  深活生活設計/俞文浩 孫偉旻 旅居彼處  白勺設計/廖婉橦 永恆的十年  周正峰設計工作室/周正峰 Wonderwall  深活生活設計/俞文浩 孫偉旻 複層 潘宅  兩册空間制作所/翁梓富 墨衍/寂安  近境制作設計有限公司/唐忠漢 台南蘇宅  執見設計室內裝修工程有限公司/凃耀捷 才屋  清翠行設計/胡日強 員林 J 宅  新澄室內裝修設計有限公司/曾鈺喬 微型 未間 羅秀達/羅秀達 日所  平凡工事/莊凡瑩 HOUSE TW  無一設計/池佰鎮 張子軒 獨棟住宅 榫卯承傳,隱於可園  廣州普利策裝飾設計有限公司/梁穗明 實品屋|樣品屋  東騰越實品屋  工一設計有限公司/袁丕宇 王正行 張豐祥 向光而居  近境制作設計有限公司/唐忠漢 The City Park  唐林室內裝修工程股份有限公司/廖韋強 商業空間類 零售空間 阿式銅鑼燒 杭州大麥室內設計有限公司/呂靖 House of Madison, Hong Kong  Via Architecture Limited/梁以立 微觀城市  南京登勝空間設計有限公司/陶勝 滑板公園  芝作室/陸穎芝 個人工作空間 異國女巫在紐約  格緻室內裝修有限公司/王譽達 三星四季青花瓷工作室  本來空間設計/林家興 Agreeable Keep No.47  奇清空間製作處/廖哲緯 餐飲空間 時間回憶錄  今古鳳凰設計機構/葉暉 尋味街市  芝作室/陸穎芝 HIK 9 乚廚   樹權(上海)建築設計諮詢有限公司/徐嶺嘯 旅館空間 揚州迎賓館.馥芳園  上海亞邑室內設計有限公司/孫建亞 娛樂空間 SFC 上影影城 LUXE  正企壹劃有限公司/羅靈傑 奧斯卡影城-鄭州昇龍國際中心店  墨刻設計(深圳)有限公司/梁寧森 吳岫微 展售空間 潮隙  水相設計有限公司/李智翔 再見 三合院  中怡設計事業有限公司/沈中怡 杭州万科.錢塘東方 CO  ONE-CU 壹方設計/黃劍鋒 琉璃光院  里約設計(深圳)/李冰峰 展覽空間類 2020 桃園文創博覽會|走桃花  格式設計有限公司/王耀邦 空間家具類 扇變屏風  柒木設計/石筱君 ​撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」中華民國室內設計協會 CSID

  • 從惠特尼美術館夜間鳥瞰小島。© Little Island Covid-19 讓紐約所有社交活動停止超過一年半,在紐約 6 月 15 日解封之前,許多空間、活動都逐步開放。其中最引人注目的就是在肉類加工區(Meatpacking District)的54、55號碼頭小島(Little Island)公共空間,選擇在5月21日解封前對外開放。小島到底是什麼?小島的鄰居有哈得遜河公園、惠特尼美術館、以及即將在57號碼頭使用的Google紐約辦公擴建總部,都讓小島成為紐約近期焦點之一。這是一座在曼哈頓西邊河岸舊碼頭位置,重建水面上的公園空間,佔地2.4英畝、南北橫跨近乎6.5公里的哈得遜河岸。許多媒體這樣形容小島:一座漂浮的紐約小島。光以漂浮這樣的字眼形容,就足以讓人想造訪,一探這座小島如何漂浮在哈得遜河上?後疫情的大家,都上網預訂造訪小島的時間,迫不及待透氣,找回紐約的新鮮事。 鳥瞰小島。© Little Island 小島是一座公園,沒有台灣傳統舊式公園的設計:整齊的水泥鋪地、綠色仿竹水泥欄杆、兒童遊樂場必備的溜滑梯、強健身體的石頭步道、半夜打著日光燈管的陰森涼亭、以及疏落榕樹和植物。小島,不僅是公園而已,這是一項集合有趣的建築設計、藝文活動戶外展演場所、海洋植物園、輕食休憩的服務,讓訪客在建築、藝術、文化中感受哈得遜河周遭的紐約風景和河對岸紐澤西景觀。 小島草坪設計。攝影 Michael Grimm © Little Island  從發起、設計、完工,小島建造耗資2.6億美元、耗時10年。由夫妻檔美國媒體大亨巴里.迪勒(Barry Diller)和時尚設計師黛安.馮芙絲汀寶(Diane von Furstenberg)建立的迪勒–馮芙絲汀寶家族基金會(The Diller – von Furstenberg Family Foundation)發起,建造給市民的這座公共空間一半資金來自於他們的家族基金會。當2.6億美元可以買一座遠離世界紛亂的自然小島,或是買下廣大土地作為生態保護區公園,我很好奇這座連結在極致資本開發的曼哈頓島的人工島,如何在全球自然環境光速毀壞、氣候變遷劇烈之中,提供人們嶄新的城市文明經驗?那樣美的感覺經驗是什麼? 仿丘陵山形的地表。攝影 Michael Grimm © Little Island  結合建築主體、工程設計、景觀規劃 鬱金香花瓣造型的清水混泥土樁柱,應該是網路社群上分享最多的畫面。空中鳥瞰的小島,四方區域有序規劃著不同的環境,讓我聯想到開心農場電玩裡那些方整虛擬的農地。小島有許多曲折蜿蜒的小徑,簡單連結這些空間,這是由英國設 計師托馬斯.亞歷山大.赫斯維克(Thomas Alexander Heatherwick)和其赫茲維克工作室(Heatherwick Studio)所設計的小島建築主體。赫斯維克在紐約著名的設計案是2019年的「Vessel」蜂巢式建築,位於高線鐵道終點屬於紐約市哈德遜廣場開發案(Hudson Yards New York)中的建築之一。小島設計重點是公共空間的公園和世界級戶外演出空間,有面向哈得遜河景夕陽的露天圓形劇場可容納687人,站立空間可容納50人。 小島。攝影 Michael Grimm © Little Island  2013年正式進行小島的設計案,這些混擬土結構柱體,赫斯維克設計靈感來自小島兩側54、55號舊碼頭遺留在水底的木樁體,隨著時間這些舊木樁成為水生生物的棲息角落。小島的設計選擇和舊有木材樁體共存,那些歷史痕跡殘破的木樁 突顯這些鬱金香花瓣水泥樁柱的當代設計感。其實,小島最早的設計提案是將小島空間貼近水面,就像一只漂浮在水面的落葉那樣的概念。最初的設計藍圖和完工遠離水面的結果不同,因小島設計過程經歷2012年的紐約桑迪颶風,這也意外地讓赫斯維克重新思考小島要如何去因應全球氣候劇烈變遷、水患、海平面上升的殘酷現實。新聞訪談中赫斯維克回憶到,步出初期設計提案會議的那天,剛好桑迪颶風來襲,會議結束,風雨越來越大,颶風也對殘存老舊碼頭造成更大的損害。 因此,他和團隊變更原來的設計案,加強堅固結構,增加樁體高度,讓小島主體結構離水位4公尺高,就是為了減少洪水淹沒的機會,因應天然災害。 組裝施工現場。© Little Island  工程人員側量樁體深度。© Little Island  這些不同高低的有機造型樁柱,創造出小島在水面上的「陸地面積」,產生仿山地、丘陵地形等高變化,同時讓訪客在小島上 移動時,藉由上下高度的變化,在小島小小的面積中,能創造出最大空間的經驗。至於鬱金香花瓣造型樁柱的工程,由英國奧雅納(Arup)工程公司的紐約分部團隊負責工程結構設計。每座鬱金香花瓣樁柱的承重不同,大約是250至350噸,這也讓整體景觀設計能依照不同承重的樁頂,選擇不同土壤、植栽、空間機能。 值得一提的是,水泥柱體打入河床上,工程物件都是在紐約在地 工廠預先製作各部分水泥元件,用老派哈得遜河船運的運輸方式到碼頭,再到現場組裝。 所有元件都預先製造,到現場組裝。© Little Island  鬱金香花瓣造型的水泥結構體細部。© Little Island  景觀規劃則是由紐約知名景觀設計公司MNLA的辛葛妮.尼爾森(Signe Nielsen)打造。MNLA在紐約執行許多知名的案子,其中最著名的就是高線鐵道公園,所以在這裡也可以看到一些高線公園景觀元素的延續。赫斯維克設計出高低不同、承重不同的樁柱結構,對於MNLA來說,在這小小的四方小島上,創造出不同的微型氣候:不同的地形、陽光照射和風模式,讓每個角落都有屬於自己的氣候。至於在植栽選擇上,不是「好不好看」、「想要」的膚淺問題而已,而是與所在環境適其所性的設計來決定, 像是得考慮面河環境、繁忙馬路邊的空氣品質、適合紐約氣候, 如寒冷的冬季、因為其香味和對鳥類和傳播花粉媒介的吸引力而選中的植物等。這座海洋植物園,選擇了在地原生種的35種樹木、65種灌木和290種草本多年生植物、藤本、球莖植物,來適應紐約四季嚴峻的氣候條件,讓小島植栽隨著紐約四季變換,一起變化。 每一座鬱金香花瓣造型的水泥結構體,重量高度都不一樣。© Little Island  園區到處設有座椅。攝影 Michael Grimm © Little Island  贊助者的支持 小島所在的54號碼頭,呈現著曼哈頓西側哈得遜河岸的興衰歷史,就像是台北艋舺,從早期河岸港口繁榮興盛,歷經老城衰退的過程。54號碼頭曾是1912年鐵達尼號生還者獲救後登陸的碼頭,70年代曾經為許多藝術家和多元性別團體的據點。 鬱金香花瓣造型的水泥結構體。攝影 Michael Grimm © Little Island 如果沒有媒體巨擘迪勒先生感興趣重建這些只剩殘破木樁的碼頭,如果沒有他的家族基金會鉅額資金投入,那麼54、55號碼頭也不會以55號碼頭公園的小島新樣貌,呈現有趣的當代建築概念。藝術家和贊助者、委託人緊密的關係存在各時期的藝術史,案例不勝枚舉。如果說富豪們都會買一座私人小島,那麼迪勒先生則在紐約創造了一座人工小島,並與全民一同分享。新聞訪談中,他提到,人們問他為什麼要進行這項計畫?他說:「我的家人都喜歡公共空間、公共藝術,我們很幸運有這樣的資源。但是最重要的是看到城市裡的人們真正開心的樣子,讓人們開心!」私人旅行中,迪勒先生每看到那些歷史悠久的雕像、公園等,他總要問這百年的什麼是怎麼發生?他自己的回答是通常來自某個奇特的人、某個奇特的想法。在小島這項計畫,他也希望能創造一座百年後,大家仍然驚艷的空間。 露天圓形劇場,面對哈得遜河。© Little Island  另一展演空間。© Little Island  雖然小島有來自私人、民間單位、政府單位龐大資金支持,建造的過程也不是一切都順利。10年的歷程,小島歷經4年的法律訴訟:紐約城市俱樂部(The City Club of New York)提告小島建造沒有依照新的環評結果,並且建造過程危害了野生動物保護區。持續的法律訴訟問題,讓小島在2017年面臨停工禁令,那一天同時也是迪勒先生計劃訂購價值8千萬美元 的水泥,他的家人都要他停止這項瘋狂計畫,不如選擇他真正想要的地方。後來,紐約州長安德魯.馬克.古莫(Andrew Mark Cuomo)居中介入溝通協調,才讓紐約城市俱樂部願意撤告,換來小島2018年的復工。迪勒先生和其家族基金會投注小島近乎一半的資金(約 1.13 億美元),據稱是城市史上、對公共空間公園最大的一筆捐贈。迪勒先生和家族基金會也承諾,將會捐贈接下來20年高達1.2億美元的維修經費。 小島一景。攝影 Michael Grimm © Little Island  小島露天圓形劇場和周遭環境。攝影 Michael Grimm © Little Island 這裡不僅單純的是一座公園,小島更有自己獨立運作的藝文活動,像是藝術家駐村、每日不同的藝文活動。小島是藝術家展演的創造空間,也是藝術教育活動的場地。我看著小島冗長的夏季藝文活動表,每天都安排著不同類型、提供大小朋友的藝文活動,從視覺藝術、音樂、劇場等,就像是小島迫不及待地要讓紐約客有個忙碌的後疫情夏季時光。混雜著海風、河水和城市混沌空氣之中,我突然有個問題:我們到底會是比較嚮往人工島,還是天然島?我喜歡吹著鹹鹹清新的海風,漂浮在大洋中沒有污染的天然小島。但是,我也享受紐約小島的建築設計和公園規劃提供我們無限想像的文明經驗。這個問題的回答也許應該是取決於空間與當下周遭環境互動的關係。曼哈頓島是人工化的小島,舉例來說在垂直、橫向大道間占地廣大的中央公園,那裡的仿自然是百分之百人工設計打造而成,像紐約這樣城市文明極致發展的環境裡,小島也許就顯得自然而充滿迷人魅力。 撰文」Chia-Ling Lee

  • 7月初的台北,人流因為疫情少了些,但街頭卻出現一個令人驚豔的新地標-台灣咖啡品牌「CAFE!N硬咖啡」所打造的「CAFE!N台北民權店」。兩層樓的基地由曾設計全球知名咖啡品牌「%ARABICA嵐山店」的團隊MIZUIRO水色設計操刀,設計師Elson表示,他在本次旗艦店的設計發想中,增加了與一般門市不同的新概念:「L!FE」,期望描繪出一股隨性的生活感,讓店面與消費者能有著更適切的融合。   在概念延伸的材質設定上,「手作」是很重要的一個環節,手作的質感充滿著溫度和變化,需要細細體驗才能感受到其中的層次,Elson除了為CAFE!N旗艦門市妝點上好看的面貌外,更期待於其中添加消費者的豐富情感,讓每一位上門的顧客,都能找到與這個空間互動、對話的方式,並了解其中的設計意義;他發揮為空間敘事的特長,構築出店內多處亮點。   亮點1:巨型驚嘆號 垂吊於天井,以外帶紙杯架(環保紙漿)砌形而成的兩公尺巨大立體驚嘆號,是店鋪中最重要的標的物,驚嘆號作為企業的識別形象,不僅藉此與品牌產生連結,亦可強化過路客的印象,無形中達到廣告效益。 亮點2:無死角視野 三角窗邊的基地穿透明亮,沒有過多結構干擾,由內而外都有著良好的視野,能夠盡享城市景觀。 亮點3:有機式座位 有機式階梯座位及開放性桌椅,削弱傳統對號入座的制式感,人與人之間也能保持適當的距離,不論一人獨坐或三兩好友散坐皆十分自在。 亮點4:純白空間與手作溫度 由職人層層塗抹的手作感立體LOGO牆再次突顯出品牌識別,以薄板製作的金屬家具,透過簡易的折角設計達到穩固效果,整體視覺輕盈簡約,交織出空間的層次和張力。 Elson企圖藉由CAFE!N旗艦門市,向消費者傳遞「互動的美好」,期望從互動中,為店面發掘更多有趣的可能性,也創造出新型態的咖啡場域浪潮。 資料及圖片提供」MISUIRO Design水色設計 撰文」陳映蓁

  • 為感謝您對於設計文化的支持,《室內interior》推出「振興五倍券 好讀限量專案」,訂閱雜誌(紙本/電子版)以振興五倍券全額支付,可優享下列方案:     方案1 立享即折。使用振興五倍券全額訂閱室內雜誌(一年份)紙本雜誌,立即享抵500元(平均每期158元)。   方案2 與友同行。使用振興五倍券全額訂閱室內雜誌(一年份)紙本雜誌x3份=5000元。每期3份雜誌與親友、客戶、同好作夥共讀,每人優惠價1666元(平均每期139元)。   方案3 線上好讀。揪團5人一起用振興五倍券全額訂購《室內interior》電子雜誌(一年份),可同享超值優惠。5000元/5人,每人平均一年僅需1000元(平均每期83元)。     註: 1.「振興五倍券 好讀限量專案」活動期間至2022年3月31日止。 2.活動限《室內interior》本社訂閱。 3.紙本雜誌均採用掛號寄送。 4.《室內interior》有權決定接受訂單與否。   詳情請洽專案活動信箱」mjaei588@gmail.com

生活

  • 在自然界中許多物質都是透明的,從空氣、水、生物、大多數的玻璃以及部分的塑膠等。然而,「透明」並不是一種顏色,在物理上的定義,透明是物體的一種屬性;在光學中,當材料擁有允許光穿透的屬性,就能被視為是「透明」的。 能被光穿透的透明材料,因為光而產生了不可控的變數,它所呈現的色彩、光澤,不再僅有人們從表象所看到的那一面,而是隨著材質的透光率,光入射、折射以及反射角度的不同,能有千變萬化的可能性,這也是「透光」材料如此令大眾著迷的原因。 1966年,建築師Warren Platner設計了Platner Collection,裝飾性、溫柔優雅的造型開始滲透進現代設計的語彙中。「Knoll」Platner茶几以數千道焊接工序與數百根彎曲的鋼棒焊接而成,同時作為結構和裝飾,將鋼絲雕塑轉化成一系列經典家具,成為當今的設計圖標。(D&L丹意信實集團) 「Living Divani」Drop Table以海市蜃樓為概念,選用有機玻璃製作而成,玻璃桌面的上方為平面,而下方則是曲面造型,藉此扭轉觀者對物體距離的空間感知,如同雕塑品一般置於空間中,不單能作為茶几使用,亦能當成裝飾品點綴居家場域。(弘第 HOME DELUXE) 「Rolf Benz」915茶几以簡約的結構造型成為居家場域的焦點。由金屬框架與玻璃元素組成的915茶几,透過線條交錯後加上一造型邊几,藉色彩、質地與高底錯落的變化,為簡單的茶几增添視覺層次,並豐富空間語彙。(D&L丹意信實集團) 著迷於玻璃工藝藝術的Sebastian Herkner,用吹製玻璃手藝發揮玻璃的強度與耐久度,製成獨特的玻璃支腳邊桌。「Zanotta」Echino是一款從白天到黑夜能帶來不同視覺享受的家具,當旭日升起,陽光穿透玻璃支腳,折射出絢麗光影;入夜後,則營造出有別於白天的浪漫身影。(朕璽國際 Zx Living) 「Poliform」以最極簡的設計展現產品的俐落調性,將清透的玻璃運用在Orbit咖啡桌上,以片狀玻璃製成圓錐狀的腳座與圓弧桌面相互呼應,且在桌腳側落處留了一個開闔設計,為全透視的視線,創造出視覺錯落的虛實感受。(弘第 HOME DELUXE) 「Crate & Barrel」優雅的Moxie淺碟杯選用超透明的玻璃材質,杯緣則是微微的波浪形狀,能為飲品細微的色調增添風采。Moxie淺碟杯擁有柔和的琢面以及纖細的杯腳,杯腳更透過奈米科技加入鈦材增加硬度,在酒會等正式場合皆能成為完美的配角。(Crate & Barrel) 「Muuto」Corky 好動系列以軟木瓶塞搭配手工口吹玻璃,造型看似簡單卻處處充滿細節。圓弧狀軟木瓶塞利用CNC裁切,並以手工拋光製成,瓶身及水杯大面積的出水口設計,不但能流暢地傾倒而出,更方便清洗,是兼具視覺與味蕾的家居用品。(居雅堂) 「英國 LSA」起源於六○年代的倫敦,以生產手工吹製玻璃產品聞名。貝殼絢彩系列以貝殼的型態和色調為概念設計,利用玻璃的清透特性加入珍珠光澤,獨特的虹光色將貝類內裡的獨特色彩大膽展現,即使不做使用,也無疑是最美的藝術品,讓感官同時獲得高雅的享受。(夏馬城市生活) 丹麥建築師MetteSchelde為「Fritz Hansen」設計的飄浮桌StubTM,由漂浮在木質底座周圍的透明玻璃圈組成。Stub在丹麥語中為「樹樁」,將木材和玻璃優雅平滑地融合在一起,創造出一種漂浮的視覺錯覺,無論在公共空間或家中,皆是最輕盈且實用的搭配。(栢悅國際) 來自義大利的「SEVES玻璃磚」是玻璃磚市場的先趨,產品符合歐盟EN1051的規範,透過研發、材料與創新技術,滿足建築市場對玻璃磚的使用。其中玻璃實心磚提供使用者另一種應用境界,打破傳統紅磚不可透光的印象,為玻璃磚渲染上獨特色彩。(櫻王玻璃磚) 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • 住宅空間中,常選用玻璃、塑膠等材料作為裝飾建材點綴,藉由室內外光線穿透場域,放大空間感,並豐富視覺層次;而在商業空間中,透光建材的運用則更為頻繁,從大面積玻璃搭建而成的陽光屋、圍繞餐桌排列的透明塑膠餐椅、晶瑩剔透的展示櫃等,讓觀者藉由視線穿透,不管是從室外觀望抑或是處於室內,皆能感受透光質地獨有的迷人透視氛圍。 設計師Serena Confalonieri將珠寶首飾與家具結合,呈現時尚與生活的融貫。「Saba」Ring咖啡桌以未經切割的寶石為藍圖、戒指為支架基座,可選擇銅、黃銅、鋼、鎳4種金屬結構,各自對映著不同的幾何形狀桌面,以淺色系的透明桌面,展現出低調奢華的一面。(朕璽國際Zx Living) 「Cattelan Italia」Wind展示櫃,引領使用者進入如愛麗絲仙境般的夢幻世界,全透明玻璃質地,搭配 一左一右的微彎角度,不管是放置在上的物品亦或是觀者的視角,將被放大、縮小、扭曲、旋轉後再現於眼前,感受著光、材質與設計三者玩弄出的有趣視角。(弘第HOME DELUXE) 設計師 Mauro Lipparini 將他的人生名言「人生關鍵字在於活力」展現在「Arketipo」Rebus矮桌上,不規則幾何造型為一成不變的生活注入無限可能。桌面使用絲印玻璃,透過室內燈光折射下,總能帶出俏皮活力的氛圍,讓居家環境無時無刻充滿著驚喜的視覺饗宴。 (朕璽國際Zx Living) Pumo一詞源自於拉丁語,是一種萌芽的花朵,同時也是新生命的象徵,在義大利南部的Puglia地區,Pumo更象徵著豐饒與幸運。「Natuzzi Italia」Pumo便取此含義,作品呈現出如嫩葉圍繞的花苞以及春天、新生的意象,成為居家裝飾的點睛之筆。(華泓國際) 「Calligaris」認為家具應該實用且優雅,即使擁有百年歷史,品牌仍不斷順應著時代的變化而改變,不僅如此,「Calligaris」 更視環保為核心精神,重視環境與人們的未來。有大小花瓶和缽盤產品的Face系列花器是完全使用再生玻璃製成,從設計到選材,皆呼應著品牌 的環保精神。(科葳國際) 「Giorgetti」Ciano運用義大利最著名的口吹玻璃形式,在幾何形體的模具中塑造出花瓶的外型,在凹陷處將有色玻璃手工加入白色線條進行裝飾,打造出不凡的現代風格,再將花瓶整體進行拋光處理, 使Ciano的飾面看起來更為透光亮麗。(易雅居) 「Saint-Louis」用當代語彙重新詮釋20世紀的經典美學。Jean Sala雕塑擺件花瓶不僅充滿歷史記憶,還展現了水晶切割的精湛技藝,以鑽石型切割搭配細膩的鋸齒裝飾切口,刻劃出動人的線條;底部可插花獨立使用,組合後則變身為令人屏息的藝術擺件。(栢悅國際) 「Kristalia」Holo系列是2017年米蘭家具展中令人無法忽視的一件作品。Holo Table 可搭配玻璃等不同的桌板材質和不同顏色的穩固鋼製基底座,多種桌板尺寸大小以及不同的素材,透過自由拼湊,呈現出使用者最鍾愛的色調,完美詮釋個人喜好與特色。(居雅堂) Alanda矮桌曾是1980年代極具標誌性的設計單品,「B&B Italia」重新推出此系列向已逝的設計師Paolo Piva致敬。新款Alanda'18延續微型建築元素,不管是輕量化超白玻或是煙燻灰玻桌面,以顛倒的金字塔造型作為支撐基座,搭起空間中的對話橋樑。(栢悅國際) 來自瑞典的「S.O.U.L」家居品牌,呈現北歐獨有的愜意設計。Bermuda咖啡桌,底座選用經斜面切割的木材,透過幾何力學交織成三角幾何造型的穩固基底,簡單俐落的木製工藝與玻璃桌面互相搭配,為空間注入些許理性的建築感與冷調詩意氛圍。(羅奇尼) ​撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • 「雅登的經營理念,就是:品質、創新、服務」,被詢問到何為雅登的企業精神,董事長曾明敬如是答道。甫認識雅登的消費者可能會疑惑,這樣的理念不是放諸四海而皆準,有何特別之處?但認識雅登的使用者和設計師都知道,能夠徹底實踐「品質、創新、服務」六字,就是雅登走過半個世紀、享譽廚具市場的不二法門。   始終堅持為台灣走在最前面 從一間小工廠,走到產品進入台中七期頂級豪宅,這50年時光,無一刻虛度。曾明敬憶起60、70年代,隨著台灣人消費能力和生活品質快速提升,明白當時由磚和水泥砌成的「流理台」已無法滿足使用者需求,在出國遊覽過程中,從日本一體成型浴室獲得靈感,打造出台灣第一套塑鋼廚具,奠定了雅登在台灣廚具市場領銜的基礎。   這套珍貴的廚具今年再次於雅登的展售中心亮相,不僅帶領人們憶起雅登在當時掀起的革命性風潮,也與同一空間裡推出的最新款式廚具產生跨越時間的共鳴,一同見證雅登對於創新的不變堅持。至今,雅登仍每年前往國際會展蒐集潮流前沿之產品,再根據台灣的環境條件和使用需求進行最合適的廚具規劃,以行動站穩「台灣歐廚先驅」的自我期許。  台灣第一套塑鋼廚具 廚房不能再只是廚房 然而,雅登並非一個人的品牌,而是一群人的品牌,這群追求成長、提升品質、滿足需求、創造價值的人們,就是曾明敬口中的「雅登3A卓越團隊」,「1A卓越專業人才、2A卓越工作正確觀念、3A卓越整合正能量,有這3A才能面對市場挑戰,永續經營。」 所謂市場挑戰,不僅只於廚具品牌間的競爭,更有生活形態改變造成的根本性變化,總經理曾俊源發現,人們已漸從自問「我需要什麼樣的廚房」,走向「我需要什麼樣的空間」,他更察覺,隨著行動裝置佔據人們的生活,過去讓人們聚集交流的客廳空間重要性已不如以往,「雅登必須思考,如何回應這個趨勢,走出廚具空間下一步。」 艾斯 魔方儲房   「三大場域」引領空間想像 近年來,室內設計的空間配置,出現縮小客廳空間,擴大廚房、餐廳空間的傾向,曾俊源認為,隨著空間界線日漸模糊,雅登的未來勢必往「全居家」的方向邁進,但全居家的理想無法一蹴可幾,雅登首先提出「三大場域」概念,引領台灣廚具市場前進下一階段。   「因為趨勢不斷變化,我們每年都推出新產品,挑戰業界不易做、不敢做的事,『三大場域』也是一樣,正由於我們擁有優質的技術與服務實力,才敢回應當代使用需求,將餐廚區、廚房區、家事區連成一氣,透過我們的規劃,為使用者和設計師打開更寬闊的視野。」曾俊源更強調,「一個以人為本、由廚房整合生活的空間,將從未來式成為現在進行式。」 三大場域 探索廚房下個50年 為迎接無界線居家空間的理想,雅登多年前便洞悉趨勢推出「MIO家居」,專為使用者設計製作最符合理想空間的客製化系統櫃,讓系統家具兼具木工技藝的優點,同時保有環保、健康、易組裝等優勢,搭配深獲好評的售後服務,設計師將不再受規格限制盡情發揮創意。   另一方面,雅登除致力於發展獨樹一格的品牌廚具外,亦引進頂級歐洲品牌廚具,讓台灣使用者能親炙其設計美學與生活品味。旗下樺品國際30年前即領先同行,率先引進義大利廚具品牌Valcucine及Cesar,以精緻工藝點亮居家廚房空間。2016年更將傳承近百年的Schröder施羅德廚具帶到台灣消費者眼前,透過量身打造規劃方案,創造最具個性的美好生活。   對曾俊源來說,雅登50周年慶只是一個開始,品牌經營並非慶祝完就大功告成,「如果空間具有更多可能性,人們的行為、思考就會變得更加開放,創造出自己都意想不到的樣貌,探索廚房就是第一步。」雅登期待,生活成為想像力的源頭,解放使用者獨有的魅力,開創空間新「室」角。  蓋亞   資料及圖片提供」雅登廚飾  採訪」  Yueh-han Yang

  • 踏入賞心悅目的美型廚房,簡單按下開關調整火力段數,愉快舒心完成一餐料理,輕鬆滿足了家人的胃;對室內設計師黃靜文總監而言,打造一個舒服自在又便利的質感廚房,最能滿足現代業主對烹調環境需求,自身也使用IH調理爐多年經驗,更認同在開放式廚房使用無明火爐具的高安全度與易清潔性,因此考量美感到機能的全方位性,都十分建議採用日本製高效能的Panasonic IH調理爐,做一個愛上優雅下廚的料理人。 美感健康雙重講究 IH調理爐成高質感廚房代名詞 對於新世代居家設計,黃靜文設計師認為「舒適的居家是每個人心中所渴望的,其中有一個區域最不可被忽視,那便是廚房空間」,因此想要機能與美感兼備的廚房規劃,設計師認為必須從情感面與美觀便利面雙管齊下,在情感交流上,為了與家人在烹飪時多一點互動,開放式廚房或大吧檯設置形成良好動線,會是一個重要考量;就設計與便利面而言,針對現在講究外型流線化與健康輕食趨勢,一體成型加無明火爐具本身美感足與具強大烹飪效能,完全貼合使用便利性及居家安全,成為設計者在開放式廚房規劃中一個必備條件,針對現代廚房全方位需求,她就很推薦日本製的Panasonic IH調理爐。   Panasonic IH調理爐 能夠全方位契合現代廚房美學並兼具機能。 流線外型黑白雙色  各式風格多元好搭 從室內裝修美學角度來說,為要搭配木質鄉村風、現代簡約、歐式典雅等常見設計風格,黃靜文設計師指出Panasonic IH調理爐有極致黑及特別的珍珠白可以根據設計靈活選用搭配,加上流線光滑的機體外型,以及沒有明火爐架凸起感,更能完美融入平整檯面,省去卡髒污困擾,料裡完輕鬆擦拭就恢復清潔光亮,讓整體廚房空間的視覺與機能使用上皆達到美型高質感。   Panasonic IH調理爐 KY-E227E-W  流線純淨的珍珠白外型完美融入自然鄉村風廚房。 光火力感應精準溫控 多段溫度調節輕鬆變化多樣料理 會不會仍然有消費者存疑無明火爐具的烹飪效能?黃靜文設計師依自己使用經驗與對日本品牌的信賴,認同Panasonic IH調理爐適合東方人下廚習慣,無論是熱炒、高溫煎炸的料理手法,利用紅外線感測鍋底溫度進而達到精準控溫的「光火力感應技術」,搭配多段溫度調節設計與可直達最大3200W高火力的「MAX」功能,均勻又迅速傳導加熱讓傳統中式翻炒、燉煮與油煎各式肉排都能準確維持在最佳溫度,瞬間鎖住食材鮮味,也不再因以往高溫明火而產生多量油煙,解決開放式廚房因油煙四散黏著而造成的廚具損害,「簡化為輕鬆乾淨的烹調方式,是新世代更願意下廚的主因」作為設計師與愛廚人,更樂於看到業主重視廚房設計也願意真正使用。 Panasonic IH調理爐 KY-E227E-K 極致黑設計讓現代簡約開放式廚房更為時尚有型。   無明火最安全  親子共廚打造美好互動時光 「開放式廚房最怕孩子來玩爐火或是隨手按到調理爐開關,因此高安全性也是我們自己選擇爐具的重要條件」黃靜文設計師根據自用與接手不少個案經驗,越來越多家庭會將廚房安全視為規劃重點,為避免孩子誤觸爐具或長輩忘了爐上正在燉煮料理,Panasonic IH調理爐特設45分鐘未偵測到任何按鍵將會發出警示音及自動斷電的功能,與空燒15分鐘內會蜂鳴警示並斷電的防空燒設計,加上防止幼兒誤觸啟動的兒童安全鎖等多重安全裝置,不僅保護了最重要家人,也能讓較大孩子在安全與清爽開放廚房環境中參與料理,透過美好的親子共廚時光達到真正情感交流,料理與美食從來就是連繫家庭美好氣氛的樞紐,精選一台 Panasonic IH調理爐就做得到。   圖片與資料提供」Panasonic   文字編輯」Winnie

  • 日本最大住宅設備集團LIXIL驪住集團首倡由LIVING(住)、LIFE(生活)兩者相乘而生的高品質「住生活」價值觀,致力於發展全方位住宅建材、住宅設備及相關產品,打造一站式居家生活圈,持續為消費者構築舒適且美好的住宅環境。除了日本市占率極高的INAX衛浴磁磚、TOSTEM鋁窗、SUNWAVE廚具外,近年更併購了德國頂級衛浴銅器品牌GROHE,與全球飯店指定品牌American Standard,提供更多樣性的設計風格,以及高品質日本功能性產品的採購體驗;時至今日,LIXIL不但成為日本最大住宅設備集團,亦是世界最多生產據點的國際級供應商。 台灣驪住LIXIL郭家豪總經理(中)與形象代言人賈靜雯、修杰楷合影。 台灣驪住董事長內館克昭表示,LIXIL驪住集團在全球擁有約60,000名員工,每天有超過10億人使用旗下商品,集團目前以擴大國外市場為重要方針,在綜合評估下,發現台灣人民普遍對日本抱持高度好感,極具深耕和發展的潛力,本次更大舉拍攝首支海外形象宣傳廣告,以彰顯集團耕耘台灣市場的決心。而台灣驪住總經理郭家豪也說,在2021年這個改變人們生活模式的一年,安心、安全、健康等關鍵字儼然成為時下趨勢,期許今年台灣能突破200家經銷商,共同攜手向前,以完善的產品線和優質服務,替消費者帶來全新的住宅饗宴。 台灣驪住集團的旗艦展示中心。濃縮旗下品牌精華,提供消費者更方便且完整的產品體驗服務。 LIXIL首支海外形象廣告,演繹幸福點滴 秉持讓日常更幸福的LIXIL,不斷創新並精進商品功能,藉此豐富你我的生活,希望每一天都成為無可取代的一天。日本歷屆代言人包含篠原涼子、山下智久等著名人氣演員,此次台灣驪住攜手擅長捕捉人與人之間細膩情感的知名導演蕭雅全,拍攝首支海外形象廣告「因為LIXIL,家成為完整的家」,邀請演藝圈夫妻檔賈靜雯與修杰楷同框代言,呼應品牌「完整」的概念訴求;場景集結台灣LIXIL旗下五大主力品牌的特色產品,呈現完美生活的質量與設計質感;導演以對比式的極簡對白,透過夫妻之間的自然互動,以及最完整的時尚家居Total Solution,充分展現集團對於人文幸福精神的追求跟執著。   INAX 起源於日本六大古窯之一的百年工藝品牌,以燒製磁磚起家,1945年開始製造衛浴瓷器,1967年推出日本首創的溫水洗淨便座。品牌獨有潔淨陶瓷技術AQUA CERAMIC,簡易清潔即可常保產品的潔淨光澤,致力於鑽研陶瓷和磁磚的製造,探究材質表面與水的關係,體現日本崇尚水儀式的文化。 GROHE 作為全球頂級衛浴銅器製造及供應領導品牌,GROHE將德國嚴謹的工藝技術和先進的科技概念視為發展基石,「品質、技術、設計和永續發展」更是品牌的四大核心價值,在研發、設計方面保持著領導地位,屢獲國際大獎的肯定,將居家用水提升至行為藝術層次;亦積極地在永續發展方面盡一己之力,實現保護環境資源的企業精神。 American Standard 作為美國最具指標性的衛浴品牌,140年間不斷超越當代美學設計,突破衛浴感官想像,產品被眾多國際知名精品酒店、頂尖商辦大樓所採用。品牌力求於提供最可靠的衛浴解決方案,打造極致、健康的享受。 TOSTEM 日本70%以上的超高帷幕大樓皆採用TOSTEM產品,鋁門窗及帷幕牆市占率第一,為日本規模最大的建材品牌之一。斷熱性和水密性極佳的品質令居家環境更為安全堅固,細緻窗框更帶來通透寬闊的視野,優化了空間體感。 SUNWAVE 日本業界首創施工便利的系統廚具,將廚具的設計感與功能性完美結合,改變了日本廚具的樣貌,讓人們下廚時感受到不同以往的優雅愉悅。 資料及圖片提供」台灣驪住  撰文」陳映蓁  

  • 當人們對色彩的認知,不再只是一種視覺感知、一種設計裝飾,隨著地域環境、社會文化等因素的影響,「色彩」被賦予情緒與定義。不同的色彩對人們產生不同的心理作用,衍伸出色彩心理學(Color Psychology)的探究,色彩運用的意涵與人類的行為、情緒有著直接的因果關係,因此在商業應用範疇佔有一席之地,也被視為一種趨勢指標。 黑白灰的無色彩雖然沈穩、簡約、經典,但熱情的紅、明亮的黃、和諧的綠卻能為居家增添色彩,透過多彩的廚具運用,為餐廚時光帶來趣味與氛圍的變化。 在廚具中,顏色是創意的關鍵元素之一,因為顏色比任何形狀都更能表達人們的感情。「Pronorm」proline系列霧面紅結烤廚具,利用紅色喚起使用者的感官,「Pronorm」不僅採用高達90%的綠能源來製造每一套廚具,更將德國工藝、環保材質與繽紛色彩相結合,創造專屬的獨特風格。(大雅廚具) 「LEICHT」透過清爽的視覺色系搭配,讓廚房跳脫傳統,以霧面與亮面鋼琴烤漆的門板材質,組合出不同層次的視覺變化,營造清新獨特的現代廚房風格。LARGO-FG|IOS-M選用霧面玻璃烤漆的水波藍,微透光的質感散發低調的光澤,中島檯面採用厚實的晶質玻璃,與底櫃的門板顏色相呼應,呈現一致且和諧的視覺效果。(弘第 HOME DELUXE) 新古典設計除了以簡化的手法將古典的藝術價值保留,獨樹一幟的歷史風華和文化氣息所呈現的經典和輕奢華質感,是它最迷人的地方。「STOSA」dolcevita廚具採用新古典設計,沿襲古典美學的風格,並將傳統古典的裝飾元素融入設計之中,從繁入簡的方式演化出輕古典風雅又不失態度的風貌。(禹臣) 「德國Schröder施羅德」廚具以「產品靈活性」為名。品牌十分重視各國的人文風情、設計趨勢以及使用者的特殊需求,不僅擁有多元的技術解決方案,還能提供客製化的設計。無論是特殊材質、獨特使用條件或是專屬的個性化設計,只要顧客所需,即能量身打造。(雅登廚飾) 「störmer」將義式大膽且優雅的設計,與德國細膩的工藝技術結合成經典的Athen系列。R4520 Athen系列採用顏色飽和且明亮的鋼琴烤漆,搭配RAL國際色卡,可以依照個人喜好選色;中島兩側特別採用弧形櫃體搭配無把手Tip-tec開啟門板,讓美麗的圓弧線條與鮮明色澤的搭配,不僅展現出產品的精細,同時呈現豐富的多樣性。(德宜國際) 「德國經典廚房ALNO」顛覆傳統對於家的固有思維,讓廚房從孤立的料理場所,轉化為凝聚家人朋友的情感空間。透過櫃體與金屬系統結構的搭配,體現廚櫃家具化、家居一體的概念,它既是廚櫃,也可以是書櫃、衣櫃,亦或是隔屏;而色彩及材質的選擇更可以依據個人喜好和需求挑選,讓設計跳脫框架,不再受到侷限。(麗舍) 「寶隆尼 BERLONI」50周年紀念款式,將義大利獨特美學、古典文化氣息、活潑鮮明的浪漫情懷、簡潔大方的設計巧妙的合而為一。隱藏式把手,讓廚具的焦點集中於門板,完整了整體的顏色和材質的體現,不僅滿足使用者在廚房空間與居家生活的設計美學與實用需求,更是極簡抽象藝術以及傳統的完美結合。(豪士多) 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • 不管是因新冠疫情的影響,抑或是人們生活形態的轉變,開放式空間規劃的風氣逐漸盛行,家成為人們舉辦活動、相約相聚最自由且自在的空間,除了客、餐廳場域之間的界線逐漸模糊,更有人會將「廚房」作為空間主角。 當廚房不再只是客廳的延續、空間設計的陪襯,簡約純色的設計也將不再是唯一。藉由材質的變化、多樣的圖騰線條、繽紛飽和的色彩、隱藏的豐富機能等,透過設計的變化,色彩的點綴,都將重新定義我們對於廚房的印象。 和諧帶來愉悅,這是「MESONS」MURANO廚具的創作靈感。MURANO廚具經過飾面和材料的考究,最後選用擁有光澤表面和觸感的蝕刻玻璃為主體,藉由蝕刻玻璃的反射能力,不僅拓寬空間感,也能從中產生意想不到的風景,透過自由混合的色彩與光影,喚起情感並滿足人們與生俱來對於光和色的和諧感受。(禹臣) 強調機能與設計感兼具的「Cleanup」日本原裝進口不鏽鋼廚具,強化住宅空間協調搭配的能力。STEDIA系列不僅提供多樣化的門片以及多種款式的把手選擇,豐富空間色彩;更展現強大的收納機能,透過大容量空間的直立收納、內抽的分隔使用等,細心考量使用者所需,打造無壓力的料理環境。(竹桓)   在歐洲市占率數一數二的廚具領導品牌「HÄCKER」,廚具的主要櫃體、桶身、門板仍堅持在德國製造、五金零件與中歐廠商配合,展現出對細節的重視。「HÄCKER」不僅精心挑選木材和供應商,廚具皆符合CARB2-93120和TSCA6甲醛排放指南,遵守歐洲排放等級E1指南的最大值規定,並採用獨家防潮技術,能克服亞洲的潮濕氣候,封邊20年不脫落,供消費者最安心的保障。(三緯) 「雅登廚飾」采鑽玻璃系列廚具兼具個性化設計以及安全環保的特性。以輕量化且不含甲醛的環保鋁合金和玻璃為主體,運用玻璃烤漆技術,製作出獨一無二的彩繪門板, 客製化的廚具設計不僅能輕鬆的與空間風格融合,也讓廚具設計不再只具備實用機能,更能為空間增添獨一無二的視覺美感。(雅登廚飾) 「Cesar」Unit系列重新開啟了廚房與生活空間的對話。Unit系列引用50年代家具的柔軟線條,邊角金屬的圓潤弧度使設計更加優美;而騰空的桌腳設計,成功塑造整體的輕盈感,桌腳選用霧面烤漆,底部則採用黃銅製成,兩者創造出亮度的對比,最後設計師Garcia Cumini點綴上的Shell貝殼和Eero香檳金把手,成為作品亮點。(樺品國際) 一天完美的開始,就從優雅的走進廚房揭開序幕。「德國精品廚具Nolte」Loft廚具的設計靈感來自於對於時光飛逝的感嘆,人們待在家中的時間相較起來並不長,如何透過客製化的設計,體現使用者對於自我生活態度的重視以及需求,是Loft廚具秉持的設計概念。(麗舍) 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • 「大膽設計與勇敢創新,這鼓舞了多少人的生活,也引領著設計界的潮流。」康辰國際的執行長程麟堯表示,這是COMPAC西班牙康沛石40多年來,始終堅持的使命,也是她希望傳達給台灣消費者的理念。   COMPAC西班牙康沛石成立於1975年,是西班牙第一家專門生產與經銷大理石與石英石實體面材的公司,以科技人造石起家的COMPAC西班牙康沛石,從小型的家族事業至今成為一家大型的跨國企業,數十年的發展,COMPAC西班牙康沛石憑藉著鑽研技術、創新設計與永續經營的方針,奠定品牌在業界的地位與聲望。康辰國際作為台灣總代理商,細心觀察到國內建材市場的需求,期許能以公司深厚的經營基礎與實務經驗,引領COMPAC西班牙康沛石邁入新的里程。 康辰國際執行長程麟堯,堅信「好的產品與優質的服務」為經營理念。 用面材妝點空間 COMPAC西班牙康沛石旗下目前擁有石英石、人造大理石以及黑曜石三條產品線,而石英石是企業運營的重點項目之一。COMPAC西班牙康沛石的石英石是將高純度的天然石英礦與顏料、樹脂加以揉和後,再經過真空高壓以及表面處理等過程所製作而成的實體面材,不同於傳統面材,石英石具有耐磨、耐刮的高抗磨特性,且高抗污、防吃色,克服天然石材常見的滲色質變問題。雖然現今國內市場上的石英石品牌眾多、特性也大同小異,但提及COMPAC西班牙康沛石的優勢,執行長程麟堯自信說到:「它不僅是一片石材、一種面材,它更像是一件藝術作品,細緻且迷人。」品牌秉持著「一切設計,皆從大自然作發想。」並找來知名的以色列裔法國籍藝術家兼設計師Arik Levy擔任藝術總監,顛覆傳統且獨創的設計是Arik Levy的設計風格,明星產品「ICE OF GENESIS冰湖系列」即是Arik Levy將藝術工藝與科技技術完美結合的代表之一。 藝術總監Arik Levy運用全新環保材料「Obsidiana 黑曜石」創作的浴盆。 COMPAC西班牙康沛石的石英石有簡單好搭配的大眾色系、強化視覺與裝飾的天然紋路以及提升觸觸感與應用層面的特殊表面,共三個系列多達近40種的花色紋路選擇。其中以白色爲基底並帶有淡雅紋路的「Carrara」是長年的熱銷經典產品,而品牌旗艦展示櫃位內大型桌檯選用的「UniqueCalacatta」,也成為近年的熱銷新星,與「Carrara」不同,「UniqueCalacatta」的灰色線條中還蘊含著金色色彩,讓其更具層次與溫度。  「UniqueCalacatta Black」以潑墨黑搭配冰曜白的跳色設計,具有十足的視覺張力。 突破自我,再創顛峰—Obsidiana 黑曜石 2021下半年,康辰國際將帶來「UniqueCalacatta Black」以及霧面的「UniqueCalacattaGold」兩款新色,以潑墨黑、優雅金搭配冰曜白為基底的跳色設計,對比呈現、豐富視覺張力。同時,公司預計引進COMPAC西班牙康沛石的人造大理石系列,並選用復古且獨特的水磨石花紋為主打,提供消費者更多樣化的選擇。執行長程麟堯表示,隨著市場的轉變,除了擴增產品線,他們也積極為COMPAC西班牙康沛石的最新產品「Obsidiana黑曜石」佈局。   十分重視企業社會責任的COMPAC西班牙康沛石,除了實施造林計畫、運用可再生能源、執行污水回收與廢料處理,貫徹永續經營的理念之外,全新的環保材料「Obsidiana 黑曜石」更是品牌的新一里程碑,「Obsidiana 黑曜石」是100%使用回收玻璃製成的面材,不僅擁有幾乎和石英石同等的硬度與特性,更獲得綠色建材重要指標之一的LEED認證。「Obsidiana 黑曜石」強調以回收、再利用、減少並再次審視四個階段,強調達到Zero Waste零浪費的目標。 霧面質地的「UniqueCalacattaGold」在白底中交織著優雅的金色線條。   頂尖產品、優質服務 以加工背景起家的康辰國際,除了擁有自己的加工廠,也長年深耕國內市場,打下深厚的基礎與實力。執行長程麟堯認為,好的產品搭配上優質的服務,是品牌能長久經營的兩大原因,感知建材展示、實際體驗對於消費者的重要性,設立在台北設計建材中心的旗艦展示櫃位,兩年多來透過與消費者面對面的交流,拉近與顧客之間的距離;近年,康辰國際也積極發展社群媒體,希望藉由線上線下的雙向平台,做到即刻回覆、即時回應消費者所需的完善服務。執行長程麟堯表示,康辰國際將持續深耕市場,提供國內消費者最新且最好的面材選擇。   資料及圖片提供」康辰國際 採訪」歐陽青昀

  • GROHE 淋浴系統,無可比擬的舒適體驗 洗浴,不僅滌淨塵囂,更是滋潤被磨礪的心靈,尤其在今日全球面對各種嚴峻挑戰的疲憊與失落中,藉由洗浴時的獨處和療癒,將讓我們在慢慢走出黑暗窺見光明的此刻,重新整頓好自己,重拾生活初衷,醞釀疫情後面對未來的能量。 GROHE淋浴系統含有精選的手持和頭頂花灑,並搭配創新的定溫龍頭,組合出滿足個性化需求的多樣變化,幫助人們實現理想的衛浴規劃,在任何預算範圍內都能獲得高品質且純粹舒適的淋浴體驗。 藉由先進智能技術,GROHE淋浴系統將永續發展的核心理念與生活方式結合,使人們在享有淋浴樂趣的同時,也能為實踐節約用水盡一份心力,為生活和地球注入泉源,喚醒重新啟動的能量。 Rainshower 310 SmartActive 淋浴系統 ──   美好的淋浴體驗開啟完美生活 可輕鬆升級為量身定制的淋浴體驗,提供PureRain清新雨淋模式,噴灑出彈潤柔和的水珠,並借助GROHE QuickFix快速安裝技術,可使用現有的鑽孔安裝新的淋浴系統,減少裝修等待的時間,立即享受卓越用水樂趣。 Tempesta 250 淋浴系統 ──   盡享純粹舒適的淋浴樂趣 擁有時尚外型和圓潤輪廓,採用GROHE TurboStat精確恆溫技術的定溫龍頭,在淋浴期間始終保持理想的預設水溫。使用GROHE EcoJoy節能環保省水技術,不影響淋浴性能享受愉悅沐浴時光的同時,節省水資源。 Euphoria 260 & 310淋浴系統 ──   升級您的淋浴享受 採用更纖薄、更寬敞的設計,使頭頂花灑範圍完整包覆全身肌膚,搭配符合人體工學的ProGrip把手,特殊防滑設計,即使雙手沾滿肥皂泡沫也易於抓握,精準掌控水流和溫度。   Euphoria SmartControl 260 & 310 智慧淋浴系統 ──   精準掌控,提升個人化沐浴享受 Grotherm SmartControl智慧定溫完美控制理想水溫,採用直覺式的介面操控,可聰明地控制水溫、水量與出水模式,並配有GROHE CoolTouch專利防燙技術,確保平台表面處於安全溫度,旋轉按鈕亦有壓紋設計,避免高溫帶來的燙傷風險,讓您使用起來更順手。 與社會共好,才是真美好 走過困頓,淬鍊更好的自己,絕佳洗浴體驗創造前進的動力,GROHE也希望將這股能量回饋社會,發起活水計畫,於今年「Energy For Life活力泉源」銷售活動中,每售出一項指定商品,GROHE將捐出新台幣參佰元予兒童福利聯盟文教基金會,作為偏鄉小學兒童關懷服務使用,希望為偏鄉小學兒童注入一股希望的力量。 欲了解更多相關訊息,請至 GROHE Taiwan 官方網站活動頁面查詢 www.grohe.tw   圖片與資料提供」台灣驪住 GROHE  

  • 人們之間常用「吃飯了嗎?」作為互相關心的問候語。一杯咖啡、一頓晚餐, 不管是初識的陌生人,亦或是早已彼此熟識的親朋好友,透過共同用餐作為情誼的開端並且延續,飲食除了是人的基本生理所需,更是人們之間凝聚情感最佳的方式之一。在家中,即使生活再忙碌,家人們似乎不忘每日在餐桌前相聚的短暫時光,從早晨的互道早安、到分享一天瑣事的晚餐時刻,藉由餐廳空間、用餐時分,在飲食之間的對話、自然的交流,情感也因此更為緊密。 餐廳中,餐桌的形狀大小與餐椅的配置,影響空間的使用人數以及使用情境;用餐時,承裝食物的碗盤、使用的刀叉亦或是增添裝飾的桌布、餐巾、蠟燭等擺飾小物,都將展現主人的生活品味與美學。 「GIORGETTI」Alexa座椅的活潑線條設計,使其看起來充滿動感與活力。設計師從對張力的感知中汲取靈感來進行創作,令其流暢又具有空氣動力學的線條,展露出當代的時尚氣息。Alexa座椅本體採用實心梣木製成,搭配皮革飾面,提供4款顏色,以及有無扶手的兩種版本選擇。(易雅居) 「義大利 Oliver B」陶瓷實木柱腳餐桌,採用義大利Laminam品牌的陶瓷板材,獨家專利技術研發出的大尺寸、厚度輕薄的陶瓷板材,具有耐刮、抗菌等多項特點的陶瓷板材搭配上穩固的實木柱腳,相異的兩個材質,不僅帶來視覺的衝擊,也為生活帶來更多創新的設計與用途。(夏馬城市生活) 「Fritz Hansen」SuperellipseTM的高度變化性,成為當代設計的經典之一。從固定尺寸到可伸縮的桌面、方便搬移的簡易拆卸桌腳,並提供多達8種檯面色彩的選擇,都能感受到其設計的巧思,而重新改版的SuperellipseTM,桌板表面採用霧面低反射處理,更加耐刮且易於清潔。(栢悅國際) 「Alivar」Liuto餐桌看似簡約的設計中,帶有十足的工藝和巧思。餐桌外型框架是由鍍鉻、噴漆壓鑄鋁而成,勾勒出俐落的輪廓線條,透過選擇不同的桌面材質,可以輕鬆地將餐桌與各式類型的餐椅和諧搭配,放置於空間中,能呈現現代風格與精湛工藝之間碰撞出的視覺火花。(D&L 丹意信實集團) 由著名事務所Regular Company所設計的「Artisan」Neva椅子,是擁有簡約外型的木質家具,彷彿領人走入森林裡、與木共生。乘坐於上,讓人感受到大自然質樸氛圍所帶來的寧靜感,而Neva椅子更是被美國南加州的典藏星巴克指定為店內座椅,是對產品的高度信任與肯定!(朕璽 ZX Living) 「THONET」520P、520PF餐椅,將簡約、經典的包浩斯風格,織入優雅且柔軟的彎木椅輪廓當中。舒適的坐墊、輕巧的椅型以及多色彩的搭配,在設計師掌握餐椅的功能構造和美學下,形塑優雅生活的風格樣貌。( 楠弘廚衛 ) 義大利家具品牌「Gallotti&Radice」透過紋理清晰的原木質地,讓Manto餐桌展現出非凡的木頭原始紋理,將大自然的感受帶入空間之中。腳座採用宛若皮件設計的手法,將其彎折後以釘釦固定,透過斜切角度增添視覺變化。(弘第 HOME DELUXE) 「Tacchini」Vasum陶瓷花器系列,設計靈感源於簡單重疊的幾何圖形,透過幾乎原始的元素、形狀和材質,呈現質樸又古典的氛圍。 Vasum系列包括3個大小不同的型號,採用義大利傳統工匠技術手工製作而成,除了當作花器使用,也適合作為承裝食物的容器,豐富家中餐桌的風景。(居雅堂)   撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • 用餐看似是一件平凡的事情,但在特地的場合、聚會,遵守餐桌禮儀是教養的表現。依照各國文化的差異,餐桌禮儀可以簡單的分為中、西與日式三大類,西方講究用餐情調,上菜程序分為前菜、湯品、副菜、主菜、沙拉、甜點以及飲品,因複雜且多樣的用餐器具,以長型餐桌最為常見,餐具需注意由外而內依序使用;而中餐多為象徵圓滿團圓的轉盤圓桌,除了座位有主客之分,也需要使用公筷母匙以示衛生,並注意取菜時的長幼順序等;最後日式的餐桌禮儀較為特別,像是吃麵食要發出適當的聲音、將食物吃完才是得體的表現等。雖然現今因各國文化交流、飲食混雜,餐桌禮儀較於以往寬鬆,但遵守基本的舉止行為,是對美食與廚師的一種尊重。 百年瓷器工藝與時尚前衛設計的完美相遇。「SIEGER by FÜRSTENBERG」OBJECTS TO A MUSE – PROMETHEUS系列,是一款結合餐瓷、擺飾的設計,靈感源於希臘神祇普羅米修斯的故事,將其剛毅勇敢的精神注入其中,看似俐落簡潔的線條,卻富有細緻如絲緞般的溫潤觸感,杯壁內緣亦可選擇金屬上色,打造雙層次的感官衝擊。(楠弘廚衛) Fly餐桌傳達了「Flexform」一貫的優雅簡練設計。餐桌獨特的金屬底座有磨砂、鍍鉻等多種表面處理工藝,而桌面則有圓形、橢圓、方形等各式形狀和多款尺寸,最後桌面提供卡納萊托胡桃木、歐洲白蠟木或大理石等顏色與質地選擇,是一款將美觀與實用性相互融合的家具。(D&L 丹意信實集團) 「Poliform」MANTA餐椅,以全皮革質地包覆住金屬結構,俐落的線條從椅背一路延伸到坐墊和支撐的椅腳,餐椅框設出的簡練三角形體,搶奪著視覺焦點。即便捨去扶手的設計,餐椅依然不失其乘坐的包覆感,風格鮮明的造型,為使用者帶來別具一格的乘坐體驗。(弘第 HOME DELUXE) 瑞典「S.O.U.L」品牌專為亞洲飲食習慣設計的Matteo圓形餐桌,厚實的桌面與桌緣的柔和切面,展現出極簡大方的瑞典式設計風格;而桌面中間置入的圓形轉盤,是考量中式餐點分享待客的禮儀之道,同時加大每個人的用餐桌面面積,滿足西餐的餐盤空間,是一兼容中西文化的設計。(羅奇尼) 「Kristalia」Maki長桌以極簡為宗旨,承襲了簡約的線條感,並掌握每個細節的處理,桌角選用圓滑角度取代鋒利的稜角設計,呈現東方魅力的韻律。2021年新推出採用歐洲再生林木材製成的Alpi木材桌板,同時提供各種尺寸和色彩的搭配,除了延伸款式外也有固定款式,是一張具備多功能和義大利美學的家具。(居雅堂) 「丹麥 Sketch」Poise典藏實木可堆疊單椅,在經典的設計當中加入巧思。將橡木實木打磨出圓潤的邊角與弧度,讓人感受天然實木呈現的典藏氣質;運用樂高積木的概念,設計出可自由堆疊的特性,讓其可以不受空間侷限擺放,即使堆疊在角落,也十分優雅。(夏馬城市生活) 「Maxalto」Abseo桌的大器外型為空間奠定出時尚氛圍。特殊彎折的技術,突顯作品的頂尖工藝,從桌面到頂部邊緣之間的連續性,勾勒出極為細膩且考究的線條,厚實穩重的輪廓搭配不對稱的桌腳,營造出充滿現代感的逸趣視覺。最新的版本採用平光智利的花梨木製成,在溫潤的木色上書寫優雅紋理,替餐敘時光增添風雅質感。(栢悅國際) 「Walter Knoll」Tadeo將餐桌重新詮釋為一個在家人或朋友的陪伴下進行日常儀式的場所。餐桌將極簡美學的設計與德式五金的技術結合,使得這款可延伸的餐桌,無論是展開或收合時的流暢體驗,精準的銜接工藝與外型設計,皆令使用者歎為觀止,滿足各式使用需求。(朕璽 ZX Living) 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • 若飲食料理是餐桌上的主角,那器皿擺盤就是最搶眼的配角。餐桌的文化與藝術,皆源自歐洲的皇室貴族,廣為人知的法式餐桌禮儀,是由凱薩琳皇后在1523年推動改革而成,被視為精緻飲食的推手;而餐桌藝術(Art Table),最早出現於18世紀法國的凡爾賽宮,其中王室核心人物之一的龐巴度夫人,被視為法式美食的推動者,不僅使用頂級的Sèvres瓷器作為餐具,更引入香檳與松露等高級食材,引領當時法國的餐桌飲食文化。歐洲的餐桌藝術包含瓷器、銀 器以及酒器三大類,華麗的風格與古典藝術的講究,在歐洲的上流社會形成一股風潮。 設計師將帶有諷刺性的作品,利用繽紛鮮明的色彩與滑稽的外型,透過詼諧的設計語言呈現出幽默有趣的意象。「Bosa」Theatrehayon花瓶是由燭台、花瓶以及茶壺組合而成的一個小劇場,透過各自的設計與外型,詮釋了各自的功能與逗趣之處,運用在生活之中,增添活力與趣味。(D&L 丹意信實集團) 「義大利 HORM」Tango極致奈米科技經典餐桌,桌面使用沉穩消光黑的高科技Fenix-NTM奈米材料製成,與筆直挺立的實木桌腳演繹出異材質之間的完美結合;並透過可延伸的機能,為餐廳空間創造出更為多元的可能性。(夏馬城市生活) 「Cattelan Italia」Butterfly餐桌華麗的流線外型,佔據餐廳的視覺焦點。餐桌透過15mm厚的清玻璃桌面,帶出澄澈透亮的純粹氛圍,金屬質地的腳座以翩翩飛舞的蝴蝶作為意象,為剛硬冷冽的質地增添幾分溫雅感性,雖然整體看似龐大,但通透的視感卻營造出輕盈的量體。(弘第 HOME DELUXE) 「MATTIAZZI」Leva扶手椅的設計不僅符合人體工學,其加彎的木質椅背、略微傾斜與加寬的設計,更形成一個舒適的支撐靠背。看似簡單的形狀,其實是複雜巧思下的結果;品牌秉持可持續發展的理念—用更少的資源做更多的事情,透過材料的少量使用,優化了椅子的生產,傳遞環保與設計共生的氣息。(居雅堂) 「Poltrona Frau」Montera獨特的椅背弧度,創造出完美的包覆感,搭配柔軟又具彈性的椅墊,即使久坐依然擁有絕佳的舒適度;座椅乾淨的線條,除了兼具時尚與現代,給予人一種輕盈感。而椅背上的精緻皮革縫線,如同優雅高級的訂製禮服,透過細節展露設計的精緻與奢華。(Poltrona Frau Taiwan) 一朵靈感來自光和大自然的花。「Promemoria」Tornasole餐桌就宛若一朵在陽光下盛開的向日葵,桌面圖騰勾勒出放射狀的花冠、簡單的嵌花結構,搭配代表古典家具的青銅底座,透過形狀、材料、重量和比例的完美拿捏,當人們圍繞乘坐在四周,它仍是最搶眼的主角。(易雅居) 「Saint-Louis」LES ENDIABLÉS系列自上市以來,就是個充滿驚喜的擺件,脫離正規、顛覆常規,使用上並無正反之分,多年後設計師重拾玩心,將各式形體、色彩、調性透過重新組合、裡外互換,創造出全新的LES ENDIABLÉS,透過多種可能性考驗著使用者的想像力,創造出專屬個人的用法,讓生活充滿驚喜與樂趣。(栢悅國際) 「Calligaris」SUNSHINE長桌是一張適用於各種生活空間的桌子,有長方形、橢圓和圓角等不同造型的桌面可 以搭配,並且能依需求選擇固定或可延伸的款式。一對 由U型和L型的金屬元件、 暗樁螺絲所組合而成的雙色調金屬桌腳,進一步為桌體提升了優雅美感。(科葳) 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • 居家空間中,餐廳是少數全家人可以在同一時間相聚在一起、專注於同一件事情的場域,所以餐桌、餐椅的配置就十分重要。大坪數的空間,常規劃輕食的外廚房區,料理吧檯可以兼具餐桌使用,搭配適宜高度的餐椅,讓餐廳可以容納更多人數;而小坪數住宅,在有限的空間中,可以選擇能延伸加長的餐桌、好堆疊收納的餐椅,依據使用人數自由變化。而因餐桌擁有偌大的檯面,用餐聚會之餘,許多人也喜愛在餐廳活動,拿著筆記型電腦搭配一杯咖啡開始處理工作事務、鋪開早上去花市買的鮮花進行插花時光等,空間具備的多元機能,讓餐廳逐漸成為居家空間的核心。 「Natuzzi Italia」Ombra餐桌是由天然與工業兩種材質結合而成,設計精緻、個性強烈且充滿極簡美學,是一張如同雕塑藝品般的作品。不對稱的桌腳是將實木經高溫蒸氣加壓彎曲而成,搭配具生物相容性的可再生環保塗裝材料,不僅兼具機能與環保,且十分容易保養維護。(華泓國際) 「B&B ITALIA」Cutter具有強烈而果敢的美學效果,靠背被劃開一刀,是對藝術大師Lucio Fontana的致敬。雙靠背的兩端在朝前坐時,能兼具功能性和舒適度,讓身體可任意調整方向;而在材質選擇上,嚴選獨特精良的鋼芯,確保雙靠背的彈性和強度,並將其包裹在光滑或帶紋理的皮革之中,打造出柔和與嚴謹的完美融合。 (栢悅國際) 「Knoll」Tulip鬱金香桌椅系列,以圓形盤柱為足、整件作品以玻璃纖維塑型而成,透過有機的造型、單一的材質來成就一張桌椅,對於設計師來說既是挑戰卻也充滿著樂趣,不僅桌面有不同的大理石花紋可以搭配,座椅也可自由選擇坐墊的顏色以及有無扶手的款式。(D&L 丹意信實集團)  「Muuto」Kink扭結花瓶用現代技術融合傳統工藝,從探索如何透過簡單形狀的數字化處理,形成既具有當代感又具有雕塑感的作品。花瓶的俏皮外觀,再加上雙重開口,採用瓷器製成,並在內部覆蓋光澤釉,營造出精緻的觸感,即使不使用也能作為獨立的藝術品擺設。(居雅堂) 「荷蘭 Zuiver」倒角設計餐桌,在桌面四角轉折處以細膩的工法處理,不僅增加使用的安全度,也讓簡單的桌子多了一份不同的設計語彙。桌體保有純粹乾淨的色調與簡約線條,淺木色讓空間更顯清新大方,且為了因應小宅生活型態,獨立訂製的160cm尺寸,讓小坪數也能找到理想餐桌。 (夏馬城市生活) 「bulthaup」b Solitaire Table & Bench以橡木樹紋,在流動情感與溫暖氣息的場域之中,堆砌出家的靈魂樣貌。帶有手感溫度的原木以傳統榫接工法,完成其結構之強韌;環繞周邊的座席,安放上植鞣皮革,除了穩定椅座的舒適度,更增添隱約奢華的感受,和諧配置溫暖了居家氛圍。(楠弘廚衛) 「Furninova」Layla餐椅在現代圓弧的曲線中,帶有時尚且高雅的氣息。不僅提供高、低扶手的兩款設計,椅腳也有木頭或金屬椅腳可以選配,透過自由組合搭配,讓人們在都市生活中,依然能享受四季自然無雜的純淨之美。(羅奇尼) 「Crate and Barrel」Knot餐桌完美演繹改良過後的農舍風格,並經過森林管理委員會(FSC)的認證。餐桌細節處可見大量的木工技藝和專家級的鑲嵌工藝,表面選用美麗紋理的白橡木和橡木貼皮,而桌角處的日式幾何鑲嵌設計,充分展現出設計師的巧思。(特力恩瑞) 文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • 從事室內設計領域17年,沈志忠對於家具與藏品的了解,使他在分享時對於各大經典品牌與設計師的風格與經歷信手拈來,而回到設計師身分,沈志忠也時常需要為業主搭配各式合適的家具,除了考量空間尺度、材質運用、設計風格導向之外,沈志忠認為更應該自業主的需求出發,考量其年齡、生活習慣,整合以上方向後再作出建議。《室內interior》雜誌特別邀請沈志忠設計師,分享其對家具的審美及選用依據,並介紹多件設計師的愛用家具與收藏品。 設計師簡介 沈志忠聯合設計 | 建構線設計 / 沈志忠 沈志忠(Ron Shen)設計師,1988年畢業於倫敦藝術大學雀爾喜學院,成立沈志忠聯合設計有限公司,擔任設計總監。 創業以來,作品備受國際知名設計媒體INTERIOR DESIGN、ATTITUDE等報導,不僅受邀為台灣室內設計協會理事、國內設計系所講師,更於2017年受邀成為義大利知名設計大獎A' Design Award的評審委員,不勝枚舉。其設計風格獨特且富含意境,以藝術思維解析空間特性,頻獲國際品牌大廠邀約合作,並於十數年間榮獲全球無數設計大獎,涵蓋亞洲及歐美等指標性設計金獎獎項。 入手指標:可變化、雋永、藝術性 彈性變化 觀察近幾年的空間設計需求,沈志忠認為家具能否「彈性變化」成為一項重要的抉擇因素,由於台灣的居住坪數不大,在空間有限的情況下,從原有的傳統固定組合家具,演變成現今使用者可以隨心所欲地堆疊出自己喜歡的家具組合,且能夠隨著使用人數、家中成員的不同,甚至心境、季節等做空間局部調整,而非不能變動的存在,成為他會為業主考量的條件之一。 設計雋永 問到欣賞的家具設計師,沈志忠馬上提起義大利的建築與設計師Carlo Mollino(1905-1973),其父親也是義大利非常知名的建築結構工程師,繼承父親對於建築與結構美學的喜愛與觀點,Carlo Mollino的作品大多具有不同於傳統的結構與細節,呈現出力學之美。 Carlo Mollino其人也相當獨特,他在家具與建築上皆有出名表現,但他也相當喜愛賽車、飛機等機械,甚至曾自己設計賽車並贏得賽車比賽大獎。其作品在主要創作的1940、1950年代並無造成太大的風靡或影響,但卻流傳至今日,甚至其桌子作品「Reale」曾在拍賣會現場以300萬美金的高價售出,是家具史上數一數二的價格。沈志忠相當欣賞其不追逐任何固定的風格樣態或潮流,而是將自身對於事物的熱愛,如運動、建築、美學、攝影等,化入其設計之中,使其作品在後來的現代成為經典。 藝術收藏之路 從學生時期就相當喜愛現代藝術,沈志忠分享,自己會從現代藝術中汲取關於設計的靈感,或者啟發對藝術的不同想法與省思。而開始收藏之路的機緣,則是來自業主需求,希望設計師能為自己推薦適合空間的藝術品,幫業主尋找的過程中,偶然看見自己非常喜歡的作品,是一個小小的物件,但放在空間中就有賞心悅目、療癒之感,之後他便開始愈收藏愈多,目前約有20件收藏品,包含木雕、銅雕、油畫到複合媒材作品等。 近年來台灣藝術博覽會、畫廊及展覽皆十分興盛,有許多機會能夠親炙這些藝術品,沈志忠建議對藝術品收藏有興趣的讀者,「自己喜歡最重要!」只要有受到感動、能與作品產生共鳴,或者單純受到其創作方式、材料等吸引,只要喜歡那件作品,便是你開始收藏的第一步。 沈志忠愛用家具&收藏品 Part 1.愛用家具 Cavour實木桌 品牌」Zanotta 設計師」Carlo Mollino 面市年份」1949 年 主要材質」橡木、玻璃 色彩」天然橡木色、黑色 主要購買管道」朕璽國際有限公司(Zanotta 台灣總代理) 儘管為半個世紀前的設計產品,Cavour在今日看來仍十分經典且前衛,其設計、比例、結構與形體獨具一格,且相當符合人體工學。沈志忠分享,自己在未開始執業生涯前便注意到了這張桌子及設計師Carlo Mollino。使用異材質結合的手法,Cavour藉由玻璃桌面與實木桌腳展呈輕盈與穩重的對比,而不同於一般四柱的設計,不對稱的結構通過桌面和抽屜取得平衡,更突顯其結構與力學之美。 沈志忠認為,Carlo Mollino的設計之所以如此雋永,來自他將所熱愛的事物融入設計的能力,如Cavour流線型的桌腳便源於設計師對賽車及滑雪運動的熱情,整件作品因為精準的結構細節而呈現極度理性卻又略帶點瘋狂的形象,如同設計師本人一般。沈志忠分享,Cavour的造型使其如同一件雕塑,僅需給予一個較為寬闊有餘裕的空間、不須過多裝飾,便能自發成為空間焦點,同時提升空間與使用者的氣韻。   My Taos沙發 品牌」Saba 設計師」Sergio Bicego 面市年份」1999 主要材質」密度聚氨酯泡綿、鵝絨、布料或皮革包覆 色彩」具多款不同布料與皮革等級可挑選 主要購買管道」朕璽國際有限公司 由3個可移動的量體:扶手、沙發背板、坐墊所組成,能夠隨空間、情境與使用者喜好變換,靠墊與圓柱形支撐的設計解構了傳統沙發靠背的定義,寬敞的設置甚至可作為單人床使用。My Taos在材質搭配、造型與模組上皆有別於一般的傳統沙發,其外觀設計捨去過於鮮明的線條,將整體修飾圓潤,凸顯蓬鬆溫馨之感。 在本次推薦的3樣家具中,沈志忠即選擇了兩件Sergio Bicego的沙發作品,他提到,這位設計師並不會拘泥於同樣的形式或者材質之中,風格雖簡潔俐落,但每件作品在材質、使用機能、線條上皆有其獨特想法,如My Taos沙發即以靈活的模組將原先厚重的沙發轉變得更加活潑且具可變性。而在今年未完成的新案中,他也選擇使用了My Taos沙發,沈志忠設定其為較年輕的設計樣式,低背、落地等特色使My Tao相當適合現代極簡風格的空間設計案。   Avant-Après沙發 品牌」Saba 設計師」Sergio Bicego 面市年份」2017 主要材質」密度聚氨酯泡綿、鵝絨、聚酯纖維、布料或皮革包覆 色彩」多款不同布料與皮革等級挑選 主要購買管道」朕璽國際有限公司 同樣屬於可靈活變換的沙發,Avant-Après的組合又更加多元,扶手與背靠皆可在四面輕鬆地移動,提供使用者依照需求自由調整。外觀上將堅固的鋼構呈現出輕盈的造型,沙發坐墊與椅腳呈現輕重對比,搭配纖薄的背靠與扶手設計,使Avant-Après不同於一般沙發較為沉重的印象,給予人相當簡約優雅的視覺。沈志忠提到,設計師生涯中,他常往來科隆展、米蘭展等世界各地的家具設計展,但Avant-Après是他第一個見到能夠簡單達成如此多重變化的沙發。而除了沙發本體外,其將邊几也納入設計之中,材質選用胡桃木,且同樣能隨需要自由更換位置,不需再額外挑選合適的茶几搭配。 方便的組合與多元變化可能性,使其成為朕璽門市中今年最受歡迎的產品,且不分年齡層與性別,沈志忠也認為,Avant-Après的自由度能解決許多空間的限制,且其於設計、使用、機能、美學上皆有突破,使用者可以自由解構墊、坐墊、結構跟配件再隨意重組,風格上亦能融入各樣空間之中,是近年來他相當喜愛的沙發設計。   Part 2.個人收藏 Germ 藝術家」中村萌 Moe Nakamura 面市年份」2016 主要材質」木雕、油彩 主要購買管道」椿畫廊 中村萌為日本備受矚目的新生代當代藝術家,作品以童趣的人物木雕創作為主,其創作出的角色皆如同置身童話中,風格可愛療癒且保留手工雕刻痕跡與溫度,在亞洲當代藝術界中掀起一股旋風。沈志忠在藝術博覽會上偶然見到這件作品便對其傾心,即使當時不熟識其創作意涵,僅單純覺得「可愛」、「有趣」,他仍相當希望能夠納為收藏,然而可惜已被訂購一空。 深入了解中村萌後,更增強了沈志忠對於其作品的收藏渴望,因此第二年再度於藝博會上相遇時,他便豪不猶豫地入手。沈志忠分享,中村萌的作品在可愛中隱含著一點黑暗面,或許是角色的神情,或者如「Germ」一般,具有較為怪誕的造型,為作品代入一絲神祕與黑色幽默的氛圍,更增添其獨特魅力。 Lion 藝術家」土屋仁応 Yoshimasa Tsuchiya 面市年份」2016 主要材質」木雕、彩色、水晶 主要購買管道」也趣藝廊 土屋仁応的作品以想像中的動物雕刻為主,細膩的手感與線條,搭配上潔白色調,使其作品皆如夢幻之境中出現的神獸一般,帶給觀看者溫柔且虛幻之感。小動物的雙眼微闔,轉瞬之間的流光為沈志忠最喜愛,栩栩如生之感來自鑲嵌於眼珠中的水晶。沈志忠與這件作品相當有緣,早在2016年即於展覽中相遇,可惜當時並無釋出收藏名額,直到3年他與藝廊人員偶然聊起這件回憶,才得知其中一位收藏家便是藝廊負責人,與其交談過後便欣然割愛。   Opine 藝術家:Melissa Tseng 面市年份:2016 主要材質:蜂蠟、顏料、樺木、丙烯酸樹脂 主要購買管道:Elaine Fleck Gallery Melissa Tseng是多倫多的視覺藝術家,以大型蠟畫而聞名,且深研「蠟畫」此種古代繪畫技法,其作品風格極簡,在色彩構圖上,僅使用點線面構成一幅畫,同色系的一幅畫卻透過層層堆疊創造出多層次視覺效果,創造出現代藝術獨有的語彙。沈志忠在國外旅行時,偶然於畫廊見到此件作品,特殊的創作媒材吸引了他的注意,而俐落畫面也與自己的設計風格不謀而合,沈志忠相當欣賞作者個人藝術語言的呈現方式,加上在當地入手的價格門檻並不高,於是當下便決定購入。   資料及圖片提供」朕璽國際有限公司 採訪」林慧慈 

  • 方信原設計師從事設計行業超過20年,其作品有著獨特的識別度,純熟的「灰色階」運用,讓他經手的案件總有股純靜沉澱的情調。簡約乾淨的空間中,精準拿捏各物件的比例遂成關鍵,且在搭配之餘,如何突顯家具軟件的特色,或使其背後所代表的思想能發揮得淋漓盡致,也是他注重的重點之一。本期《室內》雜誌邀請方信原參與「收藏經」企劃,藉由分享操作時的實務經驗,讓讀者進一步瞭解設計師的世界,並從中體會他對設計領域的熱愛與孜孜不倦的研究精神。   設計師簡介 瑋奕國際設計工程有限公司 / 方信原 成立於2003年,設計師方信原畢業於國立藝術專科學校及中原大學室內設計系研究所碩士,曾任職於大元聯合建築暨設計事務所及李肇勳室內設計顧問有限公司。常透過城市旅遊的方式,進行城市人文的觀察及研究。事務所致力於將低度設計運用於各項規劃,並探討人們在低度的空間裡,各層面所產生的影響。 公司作品多次登上國內外知名媒體,如德國《PLACES Of Spirit》、義大利《ELLE DECOR》、義大利《Marie Claire Italy》、紐西蘭《Home Living》、俄羅斯《Interior the best》等等刊物,並獲得如國內TID獎、香港APIDA獎、中國IAI獎、英國WAF INSIDE Awards、德國iF、德國紅點、德國German Design Award、義大利A’DESIGN等國際大獎。 於設計上持續以現代主義、宋代美學及侘寂文化為架構而成的低度設計為主軸,將文化、藝術、環保等相關元素,整合運用於生活及空間的設計中。   入手指標:具內涵、使用彈性高 採訪初始,方信原設計師笑著表示,很多人戲稱他是卡希納(Cassina)代言人,因為他時常推薦卡希納旗下的家具品牌給業主,甚至自己家中亦有多盞由卡希納代理的義大利Flos燈具。 為何鍾情於此?他說卡希納代理的品牌均有著十分充沛的設計理念與精神,可說是濃縮了各時代的精髓以及想法,時至今日回望這些作品,依舊魅力不減,堪稱經典之作。而方信原本身非常熱愛人文、歷史,針對家具家飾背後的脈絡有著深刻研究,他認為空間是由許多演員所構成,家具扮演主角還是配角,則端看導演(設計師)賦予的任務為何,因此他在提供選配建議時,都會清楚地告知品牌的價值和意義,透過嚴謹的論述與故事輔助,爭取業主認同,並慢慢培養消費端對於「美」的判讀,這是他覺得推薦家具的過程中最有趣的一部分。   從小單品著手的收藏觀 方信原進一步說道,家具設計已成居家美學的一環,因為它們的存在價值不再只是滿足機能要求,而是能表現空間的力道,甚至投射出使用者的個性或心境,某種層面來講,日後的家具選購應該可朝著「收藏品」的方向進行,數量不用多,單品的典雅形體其實有著畫龍點睛的效果。 一個完美空間,它必須經過深思熟慮,但普遍來說,居住空間對於機能的要求遠高於美感,因此家具選配在國內是很大的挑戰,適度運用能替空間注入活力與韻律,但一個不小心則可能毀了整個畫面,一切端看設計師的操作手法與收放拿捏。最後,他也跟讀者分享自己的觀點,初踏入收藏世界時,建議從基本的燈具開始,燈具雖小,卻是個可以立刻改變場域氛圍、烘托周遭質感的道具,一旦你開始擁有並使用經典物件,便會發現它們所帶來的生活趣味,進而更投入其中。方信原說,美學種子若從「家」這個社會中的最小群體開始播種,相信是可以激起漣漪,並產生改變與提升大環境的力量;他將推薦經典家具的機會視為美感發展的起點,並期許自己經手的空間能與這些物件一樣,具有歷久彌新的韻味。   方信原愛用家具&收藏品 Part 1.愛用家具 Cab馬鞍皮革椅   品牌」Cassina 設計師」Mario Bellini 面市年份」1977年 主要材質」馬鞍皮革 色彩」黑、咖啡、棗紅、原皮色、藍、象灰、灰 主要購買管道」卡希納空間美學 Cab是由國際知名建築師和設計師、曾八度榮獲金羅盤大獎得主的Mario Bellini為Cassina所設計,他花了近20年的時間,設計出這款「新椅子」,他稱之為「純粹的椅子」,只有皮革與框架,但卻能夠完全貼合身體曲線,以及承載身體的全部重量。 這張椅子的主要特色在於使用較硬的皮革製作外部,內部則使用較柔軟的馬鞍皮革製成,馬鞍皮覆蓋既貼合身體曲線又能承載重量,如同一套量身訂製的西服,Cab馬鞍皮椅椅擺脫繁冗複雜的框條,展現簡約、純粹的生活方式;乘坐的舒適度與耐久性使其成為Cassina的長壽商品,並於1970年獲得ASID & ROSCOE獎項,亦成為現代藝術博物館和大都會藝術博物館20世紀的設計和建築收藏。方信原設計師提到,Cab上市至今可說是大小戰役無役不與,不論何種型態的空間,它都可以適切融入其中,誠如Mario Bellini所說:「若你一輩子可以設計出一把椅子,其難度相當於設計30 座建築,因為椅子是與人體最貼近的家具,也是最難的設計。」不難看出這張椅子的經典價值。   LC2沙發單椅 品牌」Cassina 設計師」Le Corbusier, Pierre Jeanneret, Charlotte Perriand 面市年份」1965年 主要材質」琺瑯鋼架、皮革 色彩」咖啡、原皮色、灰、黑 主要購買管道」卡希納空間美學 由有「現代建築之父」美譽的柯比意(Le Corbusier)、Pierre Jeanneret及Charlotte Perriand共同合作。柯比意認為住宅是生活的機器,因此鼓吹以工業方法大規模建造房屋,家具則被他稱為「室內設備」,是一連串以人體比例模矩化的理性設計,也因此,柯比意特別將建築、室內空間、家具訂定出合理的尺寸,LC2沙發單椅椅寬76公分、高67公分,實際坐入椅內,即能感受恰到好處的乘坐感。 LC2將傳統隱藏於襯墊布料下的結構大膽裸露出來,和身體接觸的軟墊則做成分離式的四方豆腐塊,這種結構一目了然、不裝模作樣的設計理念,不僅顛覆沙發的造型美學,在機能上,5塊坐墊因不與結構結合,也符合大量生產、製造分工的概念,並利於日後的清潔、保養及更換。方信原在「亭仔腳」一案就以LC2詮釋客廳模樣,LC2機能強,自由挪動的特性讓居家空間呈現一股隨性自在的氛圍,也能打破固定軟件所帶來的侷限感,隨意擺飾即可豐厚畫面構成。   紅藍椅 品牌」Cassina 設計師」Gerrit Thomas Rietveld 面市年份」1973年 主要材質」黑櫸木 主要購買管道」卡希納空間美學 第一次世界大戰後,荷蘭建築師Theo van Doesburg 創辦《風格派》雜誌,帶動了新造型主義運動,不僅剔除傳統風格,對藝術性的追求也較為激進,相較於熱愛圓弧、追求曲線的北歐設計,荷蘭風格派更強調垂直與水平的幾何線條造型。 紅藍椅為一款躺椅,設計師Gerrit Rietveld以建築的樑桁結構進行發想,不用傳統木工的接椿方式,而是改用對鎖的螺絲固定,框架材質為黑櫸木、座面(藍色)和椅背(紅色)則是塗漆膠合板。這款造型獨特的椅子為荷蘭風格派的精神代表,該設計的主要顏色是向荷蘭畫家蒙德里安的繪畫致敬,並透過顏色對比強烈,呈現出立體派的美學張力。 設計師提到,紅藍椅的坐感或許稱不上舒適,但它所傳遞的時代精神卻是最為強烈,就他的觀察,購買此張椅子的客群,某種程度具有偏執的特性,這種偏執是來自於對事情的獨特看法,或是對自我要求的界定規範,企圖藉由這個物品來影射自身個性或內心世界;在呈現方面他則認為將紅藍椅擺放在乾淨空曠的空間最能展現它的優點,因為這張椅子所有面向都充滿著結構美感,若將其窩在一個小角落,反而無法突顯它的大器。   Part 2.個人收藏 談到自身收藏品時,方信原毫不猶豫的說出「Flos」這個品牌。他說自己家中隨處可見Flos的燈具,甚至有多盞已經停產的燈具,讓他在使用時格外珍惜。這個品牌擁有十分悠久的歷史,所生產的商品雖然外型不花俏,但卻能一路流行至現在,不論造型或結構都堪稱經典,相較於現代「快時尚」的氛圍,他覺得這種樸實韻味更為雋永。 再者,方信原相信設計應該要回到最原始的狀態,「純粹」其實是最難達到的境界,他在挑選配件時非常注重整體視覺平衡與協調,因著這個理念,遂開始接觸、認識Flos,進而成為品牌忠實粉絲;另外,他亦提到Flos的燈具不需過多機械零件,大多運用物理原理操作,這些原理不僅帶來直覺使用的便利,也能為生活注入會心一笑的小趣味。Flos就像是一位典雅、高質感但卻平易近人的貴婦,適合放置在所有空間。 品牌」Flos 設計師」Achille Castiglioni & Pier Giacomo Castiglioni 面市年份」1962年 主要材質」鋼 色彩」黑、紅 主要購買管道」卡希納空間美學 品牌」Flos 設計師」Achille Castiglioni & Pio Manzù 面市年份」1971年 主要材質」鋼 色彩」黑、紅 主要購買管道」卡希納空間美學   資料及圖片提供」瑋奕國際設計工程有限公司、卡希納空間美學 人物攝影」鄒昌銘 採訪」陳映蓁

  • 黃金,是古今以來最受歡迎的貴金屬,作為歷史悠久的貨幣標準,延伸出金本位的貴金屬貨幣制度,至今仍然適用。而深受大眾喜愛的金色,其實是一種近似黃金的顏色。   金色除了是色彩之一,更是一種材質色;它表面光滑如鏡面,呈現金屬質感的黃色,隨著角度、光的折射而漸變,所以並非單一色。而金色自身帶有的光澤感,讓它被視為高貴的象徵–舉凡皇家的龍袍、神像、宮殿等,無不以金色裝飾點綴,突顯不凡身分。在居家空間中如何使用金色為空間畫龍點「金」,呈現高貴且不俗的質感,是年節最受青睞的主題,為新的一年帶來好采頭。 講究的廚具在於設計的細節。德國精品廚具「NOLTE」TORINO系列,以簡潔俐落的線條打造優雅輪廓,結合新古典霧烤門板和極具裝飾性的金屬色藝術風格手把,創造充滿典雅韻味的時尚空間;隱形把手櫥窗框架由精緻細膩的錳青銅製成,搭配青銅色玻璃元素,從細節處展現過人品味,塑造完美和諧的視覺效果。(麗舍)   什麼樣的燈具能被譽為永不過時設計?「Artemide」的Tolomeo系列燈具,運用現代手法來改良傳統,使用輕巧的鋁材搭配鋼纜和霧面燈罩,並巧妙地將電線隱藏;透過力學精準地計算各支點和臂長的承重力,燈頭可360度轉動調節,利用鋼索拉力定點平衡燈身,即使在各種角度下,仍可以穩當旋轉燈臂與燈罩而不易傾倒。(D&L丹意信實集團)    一簡約的方形掛鏡,也能透過設計成為空間焦點。「Cattelan Italia」的Glenn Magnum以彎折手法作收邊處理,細緻的工法突顯出邊緣流暢的弧度,在光線的照射下更顯金屬質感的雍容品味。(弘第Home Deluxe)   源起於歐洲瑞士的「AXENT」倡導的衛浴美學是溫暖貼心且治癒人心的,而非冰冷的瓷磚和堅硬的金屬。Gallia莉婭有全球獨家專利I-FLUSH雙核沖洗技術,擁有超高省水技術同時兼具高貴奢華的外觀,帶著金色奢華的外蓋,精細柔美的線條曲線,在現代簡約風格中華麗又不失溫暖的氣息,讓你落實環保從日常做起。(弘麗衛浴)   透過不斷累積極細微的美好提升生活的質量!「MUUTO」The Dots出自設計師Lars Tornøe 之作,以黃銅,鋁質,以及不鏽鋼等元素為基礎,紮實的結構,依舊對於細節講究,設計師強調,使用金屬掛勾還可發揮細心呵護衣物的特性,讓收編圓潤滑順,不會傷害到吊掛的衣物。(居雅堂)   對「Promemoria」創始人Romeo Sozzi 來說,青蛙是一個充滿傳奇故事的象徵,其被賦予了強大的力量和無窮的魅力。「Promemoria」以此為象徵巧妙將青蛙與傢飾做結合,不僅提供了裝飾擺件、造型燭台,檯燈等多樣品項供選擇,更可搭配多款金屬款式及顏色妝點不同居家空間。(易雅居)    「Oluce」是義大利歷史悠久的指標燈具品牌,其中在1977年,由Vico Magistretti設計的Atollo獲獎無數,功能和美學上有著無限的想像,建構出截然不同於當時代對於桌燈的既定印象以及時尚觀點。Atollo在形體上沒有多餘的線條,僅由圓柱、圓錐以及半球型三種幾何圖形構成,訴說著作為一個燈具的最初的空間使命。(朕璽國際)   你是否正在尋找一個簡單中又富有現代時尚氣質的時鐘呢?「丹麥Nordal」質感黑金圓形掛鐘保留時鐘最簡歛的元素,用金色調點出整體的細節和氣質,能為空間營造出低調的華麗感。「丹麥Nordal」在開發系列商品時,總能兼具功能、個性和源源不絕的創意而受到北歐各地的讚賞。(夏馬城市生活)    將流行金屬色與衛浴結合能創造出屬於個人獨特品味的新形態空間。「GROHE」SPA COLOURS全系列跳脫一般傳統單調的鉻色,以10種璀璨新色,並為經典的系列龍頭以及淋浴設備換上亮眼新裝,提供消費者更多元豐富的色彩選擇,並融合嚴謹的材質標準和 PVD工藝技術,打造出最堅固耐用的特質。(台灣驪住GROHE)   設計師Jean-Marie Massaud 表示:「一件貼近生活的真正功能性藝術品,是我對奢華的理念」。「AXOR」Edge系列超越了美學與技術的界限:不對稱排列的矩形菱柱組合成令人驚艷的寶石,採用精準鑽石切割工藝,體現極致精密的邊緣和表面質感,「AXOR」Edge系列是結合幾何造型和超精密製造工藝的奢華象徵。(AXOR) 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • 談起家族品牌,Pierre Frey第三代,同時也是亞太區負責人的Matthieu Frey相當自豪,創立於1935年,Pierre Frey始終堅持全法國設計與製造的高品質,其精湛的布藝技術與原創美學受到法國及世界各地的設計師喜愛,為滿足市場對於更多布料用途的期待,Pierre Frey在兩年前併購了一家歷史悠久的法國家具品牌,將產品範圍更加完備,囊括了多數室內軟裝需求。 Pierre Frey旗下共有5個品牌,風格大相逕庭,主品牌Pierre Frey較為現代且具原創性,由第二代Patrick Frey領導設計風格,常與許多藝術家合作開發大膽的圖紋系列;Braquenié則以新古典風格為主,圖案來自18、19世紀的宮廷生活,並加入現代而亮眼的顏色,使其不顯老派;BOUSSAC主打現代性,使用較天然的材質如棉、麻、絲綢等;FandiniBorghi為義大利品牌,偏向奢華風格,主要製作絲綢與大馬士革織品;最後Le Manachy則專司客製產品,只要5公尺的長度,便能在各式圖案中訂製帶有自我風格的顏色。 這5大品牌皆來自Pierre Frey所併購的企業,其中有些歷史甚至比Pierre Frey更悠久,例如Braquenié,成立於1824年,曾替19世紀的法國皇室製作衣服、床罩等面料,具有25,000種珍貴的歷史物件。Matthieu提到,併購這些品牌,並非純粹為了企業擴張營利,而是希望能為法國織品藝術保存歷史,並將其文化延續。至今Pierre Frey的檔案庫已成為許多人研究歷史面料、居家壁紙等必定參考的對象,連Chanel設計師「老佛爺」Karl Lagerfeld都曾經拜訪,但Pierre Frey並非只服務名人上流,只要大眾有意願了解,他們也樂於將文化分享傳承。 好玩而有趣的藝術 Matthieu分享,對於自家品牌而言,最重要的核心便是「創意」,Pierre Frey並不希望成為潮流的追隨者,而是要能與眾不同,甚至創造潮流。而他們也確實如此,擁有7,000多件不同面料,Pierre Frey的產品卻總是鮮少與其他品牌重複,相當具有自我風格,Matthieu笑稱,他們是一個非常「做自己」的品牌,因為如果凡事顧慮市場喜好,就無法以設計帶領趨勢,「我們也無法確定每次的設計都能夠獲得大眾好評,但這就是藝術,你必須不斷的嘗試。」   不同於許多堅持同一風格的傳統品牌,Pierre Frey在設計上沒有任何的規則,一切以好玩、有趣、具有原創性為主,品牌也以此於藝術與設計界中聞名,許多年輕的創作者會投稿或上門拜訪,親自向他們推薦自己的作品,Pierre Frey也十分樂意與各種風格的藝術家合作,每年都會推出新的聯名系列。 其中最新的聯名系列便是與藝術家Christian Astuguevieille合作推出,其濃厚的線條創作為一大特色,曾發展過一系列以繩為主題的家具,在紐約MoMA、東京的美術館等都有收藏藝術家的作品,更與愛馬仕、川久保玲等知名品牌合作。本次合作除了延續線條創作外,更特別是從Pierre Frey的檔案庫中找出19世紀新藝術時期的傳統繪畫圖案,並在布面上以率性的筆刷塗鴉,在新舊之間找到另一個有趣的可能性。Matthieu回應道,這樣的創作對他而言便相當地「法國」,有趣而略帶點古怪,但是非常美麗,一眼便攫取人們的目光。 Pierre Frey的國際版圖 儘管身為法國在地品牌,Pierre Frey相當早即瞄準世界市場,現在在全球6大洲50多個城市都能購買到Pierre Frey的布藝製品。他們也在30年前進駐亞洲,從日本開始,與當地代理商合作拓展品牌。Matthieu自己在15年前來到亞洲並定居香港、新加坡等地,其中更數次到訪台灣。他相當讚賞台灣的設計多元性,從簡約樸素但具質感的布料、新古典主義的復古風格,到相當前衛狂野的原創設計皆有其愛好者。 此外,他也觀察到,台灣的客戶喜愛欣賞面料背後的故事,即便非設計師或藝術家,也會好奇並詢問圖案的由來與意義,這項特質十分令他印象深刻。也因為Pierre Frey具備4個風格殊異的品牌與數千種不同的圖紋面料,且完全由內部設計、製造,他們熟知自家每件產品背後來歷,能夠滿足台灣客戶的各種需要。Matthieu提到,廣泛的風格光譜造就台灣市場的強大潛能,他相當期待與台灣代理安得利集團的新合作關係,能夠服務更多台灣的設計師與布藝愛好者。 資料及圖片提供」安得利集團 採訪」林慧慈

  • 自古以來,義大利在藝術、建築及設計等領域,一直具有重要地位,尤其文藝復興以降,更一舉成為美學品味的領導者,時至今日,義大利的米蘭仍被認為是時尚之都,發展百年的威尼斯雙年展也為藝術及建築界盛事。其設計風格源於豐富的文化底蘊,在實用功能之上發展簡潔但不冷漠,柔和卻具有個性的設計。   義大利家居傑作 誕生於義大利,並堅持百分之百的「義大利製作」,Flexform早已是義大利設計家具代表品牌,並擁有「世界上最舒服沙發」的美名。但很少人知道,Flexform起源自一個家族故事─1960年代,Galimberti兄弟在義大利北部的布里安札家具生產工業區中開創了一個名為Flexform di Galimberti的手工作坊,而後他們的孩子將小作坊發展成為產業,至今已傳承三代。依靠著對於設計的敏銳嗅覺,Flexform與許多具有天份的設計師合作,其中自1970年代合作至今的建築設計師Antonio Citterio,更引領品牌轉向愈加現代而經典的設計風格。   對Flexform而言,家族是他們的根,「只有知道自己來自哪裡的人,才知道自己要去往哪裡」。謹記著來自義大利的精神,Galimberti家族將品牌視為榮譽和使命,因此處處以最嚴格的標準檢視生產過程。以高品質的沙發產品名聞遐邇,Flexform在材質挑選上堅持使用最好的皮革、紡織物、木材、金屬,及填充物羽毛和羽絨,要求其珍貴、輕盈、溫暖和柔軟等特質,以成就得意之作。 此外,Flexform更保證所用原材料皆符合永續發展的標準,使用無動物實驗、零殘忍(Cruelty Free)的鵝絨及羽毛,同時加強產品的穩定度,延續其使用壽命,避免浪費及汙染。將來自義大利的價值發揮極致,Flexform不僅符合世界對「義大利製作」的高度期待,更將標準提升,使自家產品成為「義大利設計」的代表。   舒適安心的所在 儘管提供顧客頂級享受,Flexform的品牌風格絕非奢侈華麗,而是以簡潔俐落的線條展現高雅的審美價值,「Flexform代表了義大利家具設計界的一段歷史,不管流行時尚如何起伏變化,我們的產品魅力永恆長存。」Flexform從不盲從流行,堅持以恰到好處的優雅,搭配舒適的材質,提供使用者放鬆身心的所在,其系列產品中少有過於顯眼的顏色及設計,多數為以亞麻布、棉布和山羊絨為主的中性象牙色、暖灰色、皮革原色等,再以和諧的莫蘭迪調色板提亮。   Flexform將觸覺和視覺的舒適度視為首要,任何人陷入到Flexform沙發裡都會體驗到一種被保護的感覺,環繞四周的溫暖及安心,營造出一個溫馨的蠶繭效應。如同長期合作的設計師Antonio Citterio所述,「Flexform產品的共同特點就是它易於識別,設計符合日常所需,帶給人方便、舒適、放鬆的氛圍。」 而此點在Flexform 2019新品系列更加體現,以Antonio Citterio所設計的Romeo沙發組為例,紡錘型支腳帶給產品輕盈的線條,纖薄的羅緞鑲邊縫線襯出造型的和諧,以鵝絨填充豐滿的椅墊更突顯Flexform結合低調優雅與高度舒適的美譽。而其百搭的特性,能夠融入任何風格、功能的環境之中,現代或古典,流行或簡約,Romeo都能為其增添雅韻。   另一位設計師Carlo Colombo的作品則更具現代線條感,在Sveva及Sveva Soft沙發系列中,可見其將椅背與扶手結合一體,優雅而溫柔地包裹椅座,Sveva雙人沙發環繞貼身的外殼由硬結構聚氨酯製成,覆蓋真皮表面,薄透的外殼揉雜了圓潤及俐落的特性;Sveva Soft扶手椅則如同其名更為柔和,填充外殼採用了特別的聚合材料製造,具有顯著的結構特點,結合鵝絨填充坐墊,保證柔軟和高度舒適。   而Ortigia單人沙發則帶來古典布爾喬亞式的魅力,特殊結構使其看起來格外輕盈,座椅採用納萊托胡桃木或歐洲白蠟木芯材製造,靠墊則是考究的手工編織皮革,點綴精緻細節,製作巧藝呼應著Flexform悠久的木匠傳統。   除了核心產品沙發外,Flexform亦將對品質與美學的要求,延伸至其他家具用品上,儘管造型更加多變,仍能在其中發覺Flexform貫徹的特質。如Newbridge Soft床組便以經過精心研究的厚實填充,搭配細緻的輪廓線條優雅,提供優質夜間睡眠,致力於打造如同沙發一般「世界上最舒服」的寢具。Jeremy收納櫃則以精緻的壓鑄鋁材支腳與量體產生輕重相映,置物空間若隱若現,體貼各式收納需求,值得注意的是其運用深灰色玻璃與實心材質形成的對比,在虛實之間巧取和諧。   結合外觀美學與實用功能,提供了消費者一種永不過時的設計風格,Flexform將自身客群定義為一群追求「天生優雅」之人,而居家選品,便是其品味的延伸。生活環繞著沙發,或躺或坐,或辦公或休閒,可以獨自靜心也能與親友溫馨聚會,Flexform認為,這便是當代居住的意義──讓人們在舒適安心的環境裡,展示最真的自我。 資料及圖片提供」 Flexform、MOT 明日家居 撰文」林慧慈

  • 創立於1942年的Poliform,是從一間工藝品工作室發展而來,並於1970年正式啟用Poliform為品牌名,專注於產品綜合性、多元性與功能性,承襲一貫的義式美學、藝術涵養,並講究獨特的設計風格:簡約優雅、摩登經典,且持續保有對時尚潮流的敏銳觸角,不斷推出創新設計與功能的產品,深受頂級飯店、豪宅所青睞。 2019年初,弘第團隊取得義大利頂級家居品牌Poliform台灣總代理,歷經半年的溝通與施工,Poliform Taipei旗艦店於10月中旬在長春路正式開幕,佔地約100坪的1樓展示空間,外觀綴以整排落地玻璃帷幕,配上內裝兩座偌大的書櫃、展示櫃系統以及精緻陳列的家具,磅礡的氣勢吸引著過路者目光。   Poliform的美學饗宴 開幕當天,Poliform的外銷總監Marco Longoni於簡報中表示,品牌十分看好亞太地區市場,目前已有30間獨立店面營運中,每年業績約有25%成長,首次與弘第國際合作開設台北第一家獨立旗艦店的過程非常開心,很榮幸能讓如此專業的團隊代理相關事宜。 Poliform作為百分之百於義大利設計、製造、出口的品牌,總部位在米蘭市周邊城鎮,商品幾乎涵括了整個家居空間,也以能有效整合空間,營造協調俐落氛圍自豪;因著產品線完整,目前已增設至4個工廠,皆由義大利建築師Paolo Piva設計,由此可知Poliform不僅在家居用品上講求共同調性,建築上亦以相同精神呈現。此外,更與Marcel Wanders、Monica Armani等國際知名設計師、建築師合作,在義式精神的架構下,融合多元文化思維,創造獨樹一格的質感。   台北旗艦店依循原廠「Poliform Home」的設計概念,融合自然採光、8米挑高等原始展廳條件,施作柱體與隔間牆,將原本通透開放的空間形態分割成公、私場域的情境設定,並以「Home」作為核心主軸,劃分出迎賓接待、低調內居、社交場景等3大展示主題,輔以漸進且略為轉折的動線引導,帶領消費者穿梭體驗義式風情的魅力。 迎賓接待主題以休憩調性打造「玄關、客廳」區域,入口處的端景圓桌作為中心,書櫃和壁爐造景營造門廳感,沉穩的深色調捎來一股大器氣息;接續而來的高聳系統櫃,巧妙結合展示和收納機能,並根據空間既有的挑高結構延伸,展現令人驚豔的工藝典範,也是Poliform原廠最想傳達給大眾的形象:雖然產品為工業製造,但可以依據需求進行客製規劃,讓其與空間更適切互動,細節處亦飽含人文韻致。 而低調內居的「臥室、更衣間」以木格柵設計簡化挑高感,搭配用色輕柔的家具單品,以及暖系燈光的照映,透出私領域的內斂溫暖氛圍;Poliform經典的步入式更衣間為空間注入宛如專屬精品名店的奢華情調,異材質衣櫃門板交錯對應,豐富層次。「起居室、廚房」則回歸居家本質,將生活機能面向融入設計中,以Poliform的系列新品打造低調舒適的社交場景,不受框架拘束的空間運用延伸出更多交流的機會,重視人際間的情感連結,在在表現出Poliform對家的美好想像。   弘第20 展望未來 1999年,弘第HOME DELUXE以代理德國進口廚具為起點,逐步擴展至家具、影音視聽、衛浴等居家領域,對頂級品味的堅持不曾改變,相關企業遍及台灣各地,更將觸角延伸至中國上海與杭州。今年適逢成立20週年,以「Spirit。Tech。Green。」闡述團隊的核心價值與目標,不論是產品本質、服務感受、企業形象等層面,皆與之環環相扣,亦象徵弘第的自我期許。 「Spirit心靈感官」希冀透過產品的設計概念、人文意象,富足使用者的心靈,並不定期於專屬活動展演空間C+美學場域舉辦各式體驗活動,宣揚生活美學;數位時代來臨,「Tech工藝科技」創新科技不僅有助於產品研發,更可以智能科技整合居家樣貌,型塑便捷生活模式;可持續性的環保策略向來是高端居家品牌重視的議題,「Green環境永續」中弘第也將環境永續的意識導入經營理念,期以回饋更積極正面的企業社會責任。 資料及圖片提供」弘第HOME DELUXE 撰文」陳映蓁

  • 由楠弘廚衛總代理的德國頂級廚具品牌bulthaup,屢次榮登德國著名《經濟週刊》(Wirtschafts Woche)所舉辦的奢華排行榜Luxury Ranking之列,也是排行榜前五大品牌中唯一入選的廚具精品,其位於台北的旗艦門市於日前喬遷至新址,寬敞明亮的全新展廳坐落於民生建國交界的商務精華地段,更是全球首見以「Activation」概念融入空間設計的門市。台北弘堂門市開幕活動邀請到bulthaup全球國際專案總監Mr. Friedrich Kleyboldt說明品牌思維與空間規劃,《室內》雜誌受邀參與此次熱鬧的盛會,並與讀者分享門市的設計細節。   「建築的根本,在於滿足人們的感受」,bulthaup第三任總裁Marc O. Eckert如是說。不難看出品牌當前的關注焦點:人,以及其感受。受現代居家發展趨勢影響,廚房不再僅只為了烹飪煮食而存在,而是逐漸轉變成為住宅空間中營造氛圍不可或缺的一部分。 今年適逢bulthaup創立70週年,無論是在品牌思維或商品研發上,時至今日依舊遵循著初心,以精湛工藝結合完美材質,佐以極簡線條、注重商品功能性和直覺使用等面向,積極探索廚房空間與人類生活的相互關係;維持品牌核心價值之餘,同時與時俱進,不斷思考現代社會及消費者所需為何,企圖將人的情感面帶入空間中,把廚房及廚具視為展演舞台,運用簡潔清晰的設計語彙,串起人與人之間的交流。   從情感面出發的主軸 在數位化的急促時代,多數人的生活十分緊繃,如何慢下來、創造一個極佳的居家氛圍,是bulthaup想探討的議題,有鑑於品牌極力推廣人際間情感交流的價值,台北弘堂門市引進全新「Activation」概念,貫徹以人為核心的空間佈局,整體規劃由bulthaup原廠主掌,跳脫展示中心以銷售為導向的架構,反其道而行將商品陳列定位為輔助銷售的角色,並將門市劃分成3個主要場域,無隔間設計讓空間運作更具自由調度的靈活性與活力,「享受、交流、體驗」的精神理念在門市各個角落都可發生,以濃厚的人文溫度與色彩,回應人們對於生活的真正渴望:珍視家人朋友相聚的美好時刻。   台北弘堂門市之所以於民生建國交叉路口設點,原因在於此處是台北市區繁忙的交通要道之一,車來人往容易引人注意,且門市被大面積的落地玻璃所圍繞,穿透力十足,亦能引起過路客一探究竟的好奇心,拉近品牌與大眾的距離。透過建築基地的既有結構和特性,3個主要區域以漸進式概念主題作為動線引導,並營造出場域之間層層推進的視覺景深效果,通透開放的格局中隱喻著各自的主題與目的,三大概念主題看似分化明朗,卻藉由貫穿其中的木紋地板,無形述說空間連結,並以隱晦的對應性完整環扣門市的設計精神。以下簡略介紹各區概念。   歡愉開場Creative meeting 一踏進門市,首先映入眼簾的即是bulthaup經典的Monoblock不鏽鋼中島,以細膩手工打造而成,是個極具象徵意義的標誌性商品,提供顧客迅速識別品牌。向內走入,bulthaup各系列恰如其分的被安置在空間角落,b Solitaire則作為重要的轉場角色,消弭傳統空間的界線和框架,藉由物件的擺放模糊場域交界,使之彼此對話,並帶來更為和諧一致的視覺效果。   激活交流Activation 第二段空間是進一步讓關係更為活化的場域,打造出品牌全新的社交場景,也是本次門市概念中最為重要的一環。這裡重視的是人際間的交流,商業展售的目的在此降至最低,透過多元的主題或活動,改以感性面的觸動,提供顧客實際體驗的互動連結;不受限的空間佈局則延伸出眾多使用面向和功能,可以是知識性傳遞的研討會,抑或是主題性的歡慶活動,讓家具與廚具融入生活、人文、藝術等基因,企圖激盪出更多歡愉時刻或想法火花。   專業規劃Planning 綜合前兩區的主題空間,最終來到激發創意的階段,此區作為整個空間的引擎室,是驅動門市運作最為重要的地方,以寬敞的餐桌搭配簡易一字廚房,結合半開放式的辦公空間,在專業設計團隊的溝通引導下,消費者能自在想像專屬於己的廚房畫面。   bulthaup期望憑藉新概念門市的發布,將廚房空間提升至心靈層面,重新定義場域架構,堅守「建築、精確、創新」的核心價值,貫徹以人為本的品牌精神,透過不停思辨,及探尋廚房之於人和生活的深刻關係,強調人與人之間情誼緊密聯繫的重要性,突破既定窠臼,交織出更動人的空間序曲。 資料及圖片提供」楠弘廚衛 撰文」陳映蓁

  • 金。色

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    金屬當中唯有「金」為金色?金屬因為其離域電子能夠吸收及放出的光子頻率範圍較大,所以能夠覆蓋各種色光的波長範圍,通常呈銀灰色;唯獨「金」的反應不同,因為相對論量子化學中微妙的相對論效應,影響金原子的原子軌域,讓「金」呈現獨有的金色,也讓金與其他金屬擁有不同的歷史地位和價值。 不管在設計、風水上,都講究方正結構的平衡。「Mattiazzi」的Primo 的座椅座面方正而俐落,四隻腳、一片靠背、一張座墊,這是設計一張單椅簡單最基本的構造元素。Primo Chair造型簡單大方,1:1 方正裁切比例結構,以實木為主結構,賦予椅背柔和微彎曲線及方正俐落的椅腳,外型看似簡單卻是張擁有舒適坐感、又不失美感、還能堆疊的輕座椅。(居雅堂) 成熟長大的同時,記得記住兒時的單純。喜愛塗鴉樂趣的Hayon為「Bosa」HOPEBIRD換上新裝,有的展現童趣、有的呈現純樸,唯一不變的是其引領直視的身形,這正是Hayon對自己的提醒─無論如何都要記得向前看。他將樂觀正面的態度化為陶瓷雕塑,期許所有看到這個眺望遠方的鳥兒,都能不受負面訊息的影響,朝著遠大志向積極邁進。(D&L丹意信實集團) 創立自1992年的「GESSI」以“Made in Italy. Made in GESSI”為品牌理念與基礎,不管在產品設計或生產的每一階段皆不假他人之手,全由品牌工坊內部完成,以讓所有經銷至世界各地的「GESSI」產品皆能完整詮釋義大利美感、設計與生活品味,肩負起“Made in GESSI”的美名。(三緯) 「The Watermark Collection」相信只有用手工製造才能提高龍頭品質。Lonodn系列利用簡潔的線條再加入英式古典的元素,突破傳統將工業感、現代風與復古懷舊意象完美融合;延續品牌講究的簡約、無過多花俏的裝飾,以增加空間視覺上的質感。(弘麗衛浴) 「YATIN雅鼎」Saine塞納系列浴室配件擁有古典的外型與歷久彌新的優美風格。高雅的原創設計是系列的核心概念,秉持高於國際標準的嚴格工序與品檢,保證了每件產品都是藝術品;使用樂器特A級銅、表面經五層電鍍並提供五年保固、獲獎無數的原創設計。(好時代衛浴) 波蘭設計師Ulf Moritz深受包浩斯與1960年代的建築所啟發,將傳統的纖維材料以創新的概念結合,創作出細緻的家飾系列。「SAHCO」一系列簡約、俐落,時髦的家飾配件也為設計師在織品、地毯、壁紙、家飾配件以及室內和建築項目中廣受讚譽。(安得利集團) 「Giorgetti」運用簇絨技術手工將竹絲與亞麻兩種材質結合而成的地毯,透過不規則圖形巧妙且和諧的組織在一起,營造出萬花筒的感覺,勾勒出地毯不同的風采,使人目不轉睛沉迷於其豐富的層次色彩;講求客製化,無論方形圓形皆可製作,長度則無設限,令其自由變化。(易雅居) 生活需要樂趣,設計也一樣,「Bonaldo」Theduck的設計靈感,來自於設計師詼諧的想像畫面:沙發旁坐著一隻忠實的鴨子,頭頂著托盤,為的是讓主人輕鬆拿到遙控器、書、雜誌或手機,貼心的陪伴就像忠實的寵物一般。這樣真實的想像就成了Theduck的起源。(美閣傢飾) 丹麥的自然環境、海與光成為「丹麥Lene Bjerre」品牌設計的靈感來源—創造出一種丹麥的家居生活態度,融入在可愛的晚宴或是喧囂的日常生活中,由經典走入生活。樹枝造型的飾品架可以將戒指、耳環或項鍊懸掛在樹梢處,整個造型非常有童話感,充滿奇妙趣味的氛圍。(夏馬城市生活) 異材質的使用,搭配輕重比例,為設計衝撞出不一樣的火花。「La Chance」Bump櫃體以厚重與輕盈元素的搭配、鍍鋅鋼及大理石製作而成;Bump櫃體上方是整片大理石,櫥櫃部份則以特殊手法打造金屬材質,而將鋅覆蓋著鋼,則可以產生出獨特的多變光澤。Bump藉由鍍鋅鋼及大理石兩者肌理紋路的強烈對比,醞釀獨特的衝突美感與藝術氣息。(朕璽國際) 美國設計師經典衛浴品牌「Kallista」全新MYAM裝飾藝術臺上盆,採用經久耐用的青銅材質與現代啞光飾面混搭而成,細膩光滑的表面,映襯不規則橢圓形狀,讓水花隨光線方向順勢而落,藉由特殊紋理與質感彰顯典雅奢華氛圍,為家居一隅增添雅致美感。(麗舍) 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • 金色藝術

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    奧地利畫家古斯塔夫˙克里姆特的作品《吻》,可以說是金色藝術的代表之一。象徵主義的克里姆特喜愛以「愛」、「性」、「生」、「死」作為創作主題,並使用自然中的金銀箔等材料,呈現夢幻、金色而華麗的畫作。作品《吻》在色彩中摻入金粉,同時覆蓋金箔等材料,作品大量運金色色彩卻毫不粗俗,反而典雅又富有情感,克里姆特在金色色彩的比例與輕重拿捏上,讓他成為名副其實的「金色畫家」。 大自然的鬼斧神工,是設計師源源不絕的靈感來源。「KRISTALIA」Holo table 是日籍設計師 Kensaku Oshiro從岩塊受風與流水侵蝕的自然界產生形態,激盪而出的靈感啟發,將大自然不對稱卻和諧美妙的意象融入家具設計中,透過複雜的模塑和彎曲技術,經歷了鑄模和彎曲和切割的階段過程,產生了這個視覺鮮明對比的中空穩固基底。(居雅堂) 巴西藝術家 Domingos Tótora通過對環境議題的存續與大自然地景的型態去產生思考與反思,是一位獨樹一格的視覺藝術家。「比利時Gardeco」以自然纖維與土混和捏製的金色流沙波浪藝術擺飾,作品畫面在經過精巧的安排下呈現光影與波浪流動的韻律感,就像身處在一片金黃的沙土上看著沙丘起伏的壯闊景緻。(夏馬城市生活) 「Piure」推出的櫥櫃-Nex Glamour,反映出兩種截然不同的美感結合,並創造了現代簡約風格與傳統玻璃鏡面藝術的跨時代間聯繫,使得這款迷人家具,兼具了迷幻魅惑感與德國簡約哲學,更由於工匠手工悉心打造玻璃鏡面工藝,每一個作品都顯得獨一無二,給人留下了特別豪華又優雅的印象。(朕璽國際) 音樂撫慰人心,你有想過音響也能成為空間亮點嗎?「Bang & Olufsen」的BeoSound 2是一套攜帶式無線揚聲器系統,鋁質表面均勻細膩,圓錐形的機體稍稍懸離地面,讓低音單體發出的震撼低音自下方洶湧而出;加上整合 Spotify等存取功能,並可在家中以無線系統連接所有Bang & Olufsen產品的Multiroom Technology。(D&L丹意信實集團) 「Cea」的Giotto維持一貫的極簡風格,詮釋品牌Less is More之寓意,採用316醫療級不鏽鋼為原料,更提升產品本身的價值。跳脫不鏽鋼的銀色飾面,以特殊的陽極處裡工法,展演Giotto迷人優雅的金色氣息。(嘉品衛浴) 「Calligaris」即使是一個傘架也充滿細緻的線條,貼心的設計適合各種尺寸的傘放置,不作為傘架也是空間中優雅的擺飾品。結構由金屬桿製成,並以鍍鋅的黑色烤漆作為下方集水托盤,可移動設計輕鬆清理積水。(美閣傢飾)  起源於60年代時尚產業發展活躍倫敦的「英國LSA」,以生產手工吹製玻璃產品聞名。金屬光口玻璃花器的瓶口鑲著金屬色,在清透的玻璃上點綴出了一道奢華,裝飾上花藝,透過透明玻璃看見植物的型態,而瓶口上就如同宇宙行星運行與盤旋一樣有些深藏不露的神祕感。(夏馬城市生活) 「Glass Design」MODE LUX是一款全手工製作的陶瓷台上盆,靈感來自地球自然元素,結合手刷技術的色彩與蝕感,使其擁有獨特溫暖的觸感;雙色表面外觀設計除了有深黑、銀色可選,迷人的古銅和耀眼的金,也是為室內空間提供漸次畫龍點「金」的風情選項。(楠弘廚衛) 「THG」首次與法國知名建築師Xavier Cartron合作的全新Nihal系列,以天兔星座中一顆象徵泉水的星星命名,創作團隊通過11道精密生產工藝、歷時18個月研發而成,藉由色彩及材質的混搭運用,傳達中東風情與古歐洲文化之間的歷史美學。(麗舍)  Starburst 餐桌擺飾靈感源自中古世紀的復古風情,圓形基座以金色黃銅幾何鋼絲,勾勒出環繞放射型的飾面,刻意營造出骨董般的仿舊質感,造型宛如濺起的水花般的,室內外皆可使用,純手工打造的讓每一件都是獨一無二的家飾藝術品。(Crate and Barrel) 「KARE」品牌象徵獨特、超脫規矩和真實的裝飾理念,總是充滿想像力和靈感,JürgenReiter和PeterSchönhofen是這一切背後的指導精神。自1981年以來,該公司創造出「令人驚嘆「的效果,這些略帶瘋狂且獨特的新家具,燈飾和家具配件,都表達了對設計的強烈熱情。(IUSE 餐廚‧家居) 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • 金的語彙

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    空間對於設計師來說就猶如一張雪白的畫布,透過切割、規劃、佈局,以色彩、建材營造氛圍,加入家具、傢飾點綴。金色是高貴的象徵,巧妙運用金色,透過一張金色地毯、一個簡單的金色配飾、抑或是一件金色家具,讓「金」藉由空間中的光線以及氛圍,呈以千變萬化的色澤,讓「金」成為居家空間的亮點。 以極簡主義為核心理念的「西班牙nomon」,在鐘錶設計中不斷創造出新穎的表現形式,更為居家設計提供了更多樣貌,採用木質與金屬線條的搭配,放在私人的居家空間,並不會因為線條俐落而有冷漠,讓空間和時間並重,讓時鐘不再只是角落中的小擺飾,而是室內設計上的一門藝術。(夏馬城市生活) 當一件作品以空氣為主要材料,空間中的穿透與流動就成為主角。「Knoll」鑽石椅分為兩個不同的結構,金屬的絲線以有機的弧線彎曲編織成一張椅身,底部的拋光椅腳則像是戒指的台座,支撐著空氣中的透明鑽石。鑽石椅是設計師對於空間,金屬材質和物質型態的研究。(D&L丹意信實集團) 「Serge LESAGE」Fosters以枝葉的型態滿佈出獨特的地毯面貌,在光線的映照下,亦深亦淺的金黃色澤走出有如鏽蝕感的斑駁風貌,不僅為空間營造自然原始的生氣,更透出典雅的質感氛圍。(弘第Home Deluxe) 「inbani」Giro透過組合不同的幾何圖形,在純白霧面的材料上點綴金屬飾品互相交織,使得金屬配件完美閃耀,極簡的外型與其他風格的家俱相互輝映,無需過多的配件裝飾,利用Giro各形狀的配件來提升浴室空間質感,讓整個空間低調中又帶有華麗引人注目。(弘麗衛浴) 「Studioart」LE MANS藝術皮革牆的特點是以金屬材料嵌入皮磚,圖樣設計靈感取自於賽車比賽時賽道上的對角線,適合作為空間的牆面裝飾使用,另外也可做為屏風,為室內空間增加豐富層次感。(安得利集團) 「和成HCG」推出全新系列衛浴產品皇家ROYAL,採用和成HCG金色超級馬桶,高科技智慧功能與一體流暢的外觀,配上工法精緻細膩、光彩奪目的亮金色真空鍍膜,讓人享受置身尖端的舒壓心靈時光,滿足人們基本生活機能之外,還能感受金碧輝煌的高端尊榮。(和成HCG) 經典會被永流,知名丹麥燈具設計師 Poul Henningsen的經典作品− PH 5燈款,在2019年由「Louis Poulsen」推出全新黃銅特殊款向大師致敬。PH 5的設計利用外觀以及光學原理等調和出滿意的柔光。Henningsen之所以強調光線的柔和感,正是因為他認為「一天中最美好的時刻在於黃昏」,燈的角色,就是延伸黃昏的光線進日常生活之中。(居雅堂) 「BITOSSI」源自16世紀的義大利,品牌一直是佛羅倫斯著名的藝術代表,承襲悠久陶藝的傳統與古典工藝,創造許多膾炙人口的藝術飾品,在這隻小馬的身上可看見浮雕的小幾何圖案,這也是品牌的獨特風格。(美閣傢飾) 「美國NimaOberoi」由印度出生的設計師 Nima Oberoi 創立,受到出生城市藝術不斷進步的啟發,設計出非常受歡迎的居家擺設系列,融合印度的藝術與歷史建築文化,成為當代奢華設計的佼佼者,將現代藝術主義及傳統工藝技術完美結合。因其當代奢華的設計而著稱。(夏馬城市生活) 「Frag」COMB邊桌是一款很精巧的桌子,採用金屬桿加強本身結構,同時也藉由鍍鉻或鍍金修飾金屬桿,賦予高貴雅致的特色;桌面基本色系為灰色,深藍色或酒紅色漆面三款,有大小兩款,可各別用於咖啡桌或搭配沙發使用。(朕璽國際) 鍍鉻色是衛浴印象而非傳統,設計就是不斷突破並創新。「hansgrohe」兩個龍頭系列Metropol和Talis E推出另外五種表面色彩:啞光黑、啞光白、拋光溢彩黃金、拉絲青銅和拉絲黑鉻,以獨特方式打造一個反應個人絕佳品味的浴室或廚房。(hansgrohe) 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • 流行廚具選

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    亞伯拉罕•馬斯洛(Abraham Harold Maslow)所提出的需求層次理論將生理需求視為最急迫且級別最低的需求,「食」是人類的生理需求,當生理需求予以滿足,人類才會向上追求更高層次的滿足;如同廚具的演變過程,從早期僅有烹飪的用途,隨著產業發展轉變成強調功能性到現今追求的外型導向,廚具逐漸成為室內設計重要的一環。 在當今,廚房需要與住宅的設計風格相互互應,考慮到造型以及功能性,在材質、顏色、風格的選擇上可以發現幾個流行趨勢:美觀耐用的不鏽鋼廚具、大器具質感的石材廚具以及流行色玫瑰金廚具。 有人的廚房像戰場,亦有人的廚房是優雅的伸展台。「ALNO」ALNODUR系列廚具,融合大理石紋路設計和清晰線條,創造出經典雋永的優雅格調;巧妙搭配黑色配件,完美塑造無比和諧的視覺效果;而櫃內精緻的燈光照明,不僅具實用性更能點綴氣氛,讓人輕鬆享有愜意而美好的廚房生活。(麗舍Home Boutique) 德國廚具的主要櫃體、桶身、門板皆由德國製造、五金零件與中歐廠商配合,自動化、機械生產的同時,也絕不失對細節的重視,這就是「Häcker Küchen」在業界的堅持。SYSTEMAT系列將廚具門板的概念應用到室內系統櫃,沿建築物角度切割使空間更顯一體感;獨家防潮技術,克服亞洲潮濕氣候,美觀耐用。(三緯) 義大利是擁有自然風光以及人文遺產的美麗國度,作為文藝復興的發源地,至今仍引領著設計時尚的潮流。擁有50年歷史的「STOSA」品牌,以新的檯面技術「EXTRA THICK1.2cm HPL」,可以防焰、防水、防裂、耐撞、易清潔及擁有天然石自然紋理等優點,以人造石紋取代天然石材,兼具美觀以及廚具的實用性。(禹臣實業) 玫瑰金 華美浪漫 玫瑰金是一種金與銅的貴金屬合金,其所呈現的顏色會因為所含的金、銅和銀或是鋅的不同比例而有所改變。玫瑰金在19世紀初的俄國被廣泛的使用,因此也被稱為「俄羅斯金」,玫瑰金不僅顏色艷麗且硬度高於純金加上延展性強,多被用於首飾的製造。近年,不僅飾品,電子產品甚至廚具、室內設計,都相繼推出玫瑰金色,廣受消費者喜愛。 設計的精神在於不斷為空間注入新的活力與面貌,廚具透過異材質的混搭、五彩繽紛的配色,為廚房增添活潑、歡愉的氛圍。「KOHLER」的MERLOTT 玫珞系列透過木紋、玫瑰金色、黑色鋁框與茶色玻璃的混搭,帶有通透且具未來感的趣味性櫥櫃,再結合智慧生活的電動操作,讓居家生活更為輕鬆便捷。(KOHLER) 金色質感的高貴,在於細節的處理,透過材質的選擇、光澤與比例的拿捏,讓玫瑰金的豔麗襯托廚具。「störmer」Innsbruck以特殊交叉結構表面所形成的獨特烤漆面板,擁有細緻的觸感並帶有絲綢般的金屬光反射,在不同的光源下能呈現不同的樣貌,與純白色結合更能顯現出生動的活力與朝氣。(德宜國際) 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • 廚具 – 石 人文大氣

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    石紋石材的冰冷高貴,常是設計中不可或缺的元素。「石」是由礦物集結而成的堅硬塊狀物,透過不同元素的比例組成,呈以不同的紋路、色澤與晶體。人類的第一個文明被稱為「石器時代」,石是人類早期工具的重要來源;而現今,石從生產的工具演變成裝飾的材料,家中的牆面、地面甚至是檯面,常透過石材加以裝飾,廚具使用石材點綴,不規則的石紋、結晶的交織,為廚房譜出更顯大氣磅礴的舞曲。 「Boffi」以極簡主義理性、均衡、精密,融入建築大師超前理念的設計、創新的材質研發以及獨有的藝術手工化的製造,頗具現代美學質感。Apr60系列注重效率和整體線條的整潔,透過些微上升的松柏石檯面、一致性的垂直石材紋理走向,增添廚具設計線條,同時清晰規劃出各個工作區域。(Boffi Studio Taiwan) 東西方人的飲食習慣相異,在食材處理的過程也很不同。日本品牌「Cleanup」以人性思維為亞洲人設計規劃,因應現今住宅改裝的需求,重新設計的STEDIA系列,強化了與住宅空間協調搭配的能力,得到機能與設計感兼具的廚具;2020年全新推出的新款黑把手,搭配低調黑石材檯面,營造沉穩洗煉的廚房空間。(竹桓) 「LEICHT」擅長將創新觀點運用於廚房規劃,TOPOS|STONE在廚具配置的過程中導入拼接模組化的概念,利用不同規格尺寸的櫃體相互組合,進而在視覺上呈現出高低層次的豐富變化,形塑出樂高積木般特有的堆疊意象;將天然石門板STONE與榆木門板做一搭配,宛如將自然界中的森林礦石引入室內,增添原始自然的氣息。(弘第HOME DELUXE) 怎麼的配色與設計,可以輕易擄獲你的目光?經典的黑與白,讓「Cesar」N_Elle系列大器穩重的成為空間主角,透過古典線板勾勒出貴族氣息,強烈的色彩對比,洗鍊俐落的線條完美駕馭現代與古典兩風格;並以45°斜角門板與檯面結合,個性美學散發出強烈的吸引力,創造獨特、優雅的空間氛圍。(樺品國際) 「allmilmö」廚具融合了天然石片、水泥門板和烤漆玻璃三種材質,底櫃石片門板擁有其獨一無二的紋理和觸感,創造出個人風格和品味,讓廚具同時兼具家具和藝術品,無把手設計更能強調出每片天然石材的獨特性;高櫃門板的水泥刷紋呈現出德國工藝大國的特色,手刷出來的細緻紋路是無法復刻與取代的經典質感。(德宜國際) 大理石材的迷人之處,在於帶有西方的高貴氣息之外,同時擁有東方天然水墨畫的色彩和紋路,東西相融的氛圍令廚具更加多變。「德國eggersmann」UNIQUE系列,廚具、檯面以及門板均使用實心厚度11mm的大理石製造,天仁紋路的質感以及廚具本身的機能性,為廚房增添空間的實用以及設計。(義葳德名廚) 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • 廚具每天經過高溫受熱、刀具磨刮、油煙沾染,清潔保養成為使用者最在意的問題。仔細端倪,餐廳等商業空間大多使用不鏽鋼廚具,因為不鏽鋼材質擁有不怕火、不怕水、不發霉、耐變形與耐刮等特性,清潔保養容易且省時,使用在廚具上解決了消費者的問題;然而,不鏽鋼的原色,冰冷、單一的特性總讓消費者退卻,透過設計、異材質的搭配,現今不鏽鋼的多變已顛覆人們的刻板印象。 如何徹底顛覆人們對廚房的刻板印象,具體實現「廚房也是一個生活空間」的新價值觀。簡約低調的「NOLTE」INTEGRA系列將工業風與新古典主義發揮地淋漓盡致,造型極簡的廚櫃特別採用無把手隱藏式設計,可自由選擇霧黑色或不鏽鋼邊框點綴;而不鏽鋼開放式多功能置物架,則打破廚房與居家空間的使用界線,將美食、工作、閱讀和生活完美結合。(麗舍Home Boutique) 有人說廚房裡的不鏽鋼是專業精神的代名詞,「SANGIACOMO」MESON‘S M22系列是受各種不同生活方式啟發進而設計出的廚房系列,旨在滿足各種不同的審美需求,讓每個嚴謹的廚房具有顯著的構圖自由度,提供設計師更大的靈活度組織家庭裡的每個建築空間,是時尚都會結合工業風格的極簡廚房。(禹臣實業) 「SUNWAVE」致力於設計感、功能性的整合,利用各種巧思將收納功能發揮到極致,開發出耐用又好清洗的不鏽鋼水槽,從此改變日本廚具的樣貌,成為使用者選擇廚具時的首要選擇。RICHELLE SI系列不僅收納量多,比一般廚具多了30%的收納量,且分門別類好收好取,提供使用者更便利的廚房設計。(LIXIL 台灣) 典型南歐地中海風格廚具,皆由材質的調和,散發出濃郁的義式居家溫馨風情。「Arclinea」CONVIVIUM系列的中島由厚達20公分的義大利原產大理石,搭配紅銅色的PVD不鏽鋼構成,雖然大量採用凜冽的不鏽鋼材質,但加入石材等其他元素調合後,讓深色獨立櫃和延伸餐桌讓整體設計奢華中帶有穩重。(三緯) 將建築意象融入廚房空間,「bulthaup」的第二代Gerd Bulthaup是一位建築師,同時是與包浩斯學派緊密合作的創建者。「bulthaup」b3於2004年首次發表,10mm不鏽鋼檯面設計、俐落的線條、精準倒角與一體成形的作品,令廚具界為之驚豔,「bulthaup」以精密無縫接合的精湛工藝,一次次地呈現出極簡單卻不失細節的迷人樣貌。(楠弘廚衛)   「IMPULS」傳承嚴謹的德國工藝精神,在嚴格的標準化製程下,維持產品的穩定性,榮獲德國Golden M、GS等多項品質認證標章。IP 3150系列,採用時髦的煙灰黑色霧面烤漆,營造出乾淨而簡約的氛圍;搭配華麗大理石紋路檯面,融合經典與現代感,打造獨特、舒適且耐看的居家環境。(麗舍Home Boutique) 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • 在成為室內設計師之前,劉榮祿曾浸淫於藝術的涵養多年,藝術家的出身背景,使他在家具與空間的選擇搭配上具有獨到的看法,在其設計作品中,不乏見到風格十分特殊的選品,令人好奇他如何將其運用於空間之中,創造出一個個具有個性的空間。本期《室內》雜誌邀請劉榮祿設計師分享數件自身愛用及收藏的家具與藝術品,並談談他在設計案上的實際經驗操作,及對於家具之於空間設計的觀點。 設計師簡介 詠義設計股份有限公司 / 劉榮祿 現任台灣室內設計專技學會理事長 跨界建築/室内設計師及藝術家。 藝術科班出身,求學時期即活躍於台灣藝術圏,具備深厚的藝術底蘊,更曾在國際性藝術展中受邀為參展藝術家。 對建築、室内設計懷抱高度熱情,並將其豐厚的藝術經歷結合個人對當代文化及美學的體悟,致力創造當代藝術與東方人文精神融合的空間,引領未來空間設計美學。被設計界譽為「空間敘事詩人」。 入手指標:藝術感、經典款、獨特個性 從家具開始設計 面向客戶,家具挑選有許多需要考慮之處,如尺度、氛圍、需求等,此外更重要的即為業主自身的個性,劉榮祿認為,好的設計師必須能洞悉業主的嚮往,不僅口頭詢問,而是透過接觸的過程中觀察其個性與理想的設計。 在他剛開始從業時,多數室內設計師的工作內容僅有空間規劃,而家具、家電等選擇便交由業主自行負責,但劉榮祿指出,家具其實是能很快理解對方喜好的一種途徑,他設計的過程通常會從家具開始,與業主一同挑選合適且滿意的家具,藉此了解業主對於住宅或者店面的想像,同時雙方亦能彼此交流,並且從所購得的家具中發展出整個空間的樣貌。   夢幻收藏品 談起自己的收藏標準,劉榮祿以「夢幻逸品」4個字形容,在20年的執業生涯中,他常能見到大量的優秀家具設計作品,而其中更有許多經典設計款式,只要有機會,他皆非常希望能夠購買並擁有。他表示,自己並無特別偏好哪種風格或者款式,無論是乾淨俐落到極致的極簡風格,或者細節眾多的繁複設計,現代理性抑或古典浪漫,他都能欣賞其中的美好,劉榮祿笑說「可能我身體裡住了很多不一樣個性的人」。   若單以其收藏品而論,具有藝術感且視覺性強的家具較多,如Tom Dixon、Moooi 或者是Marcel Wanders的產品,或者某些經典卻永遠不過時的設計,如Cor於1969年生產的沙發,即便過了50年依然前衛得令人讚嘆。其中,劉榮祿特別提到義大利曼菲斯設計風格,對於禁慾保守的70年代極簡、現代主義提出反抗,他十分喜愛此種熱情奔放而不受拘束的設計。   擁有多件風格獨特的家具,對劉榮祿而言,家具是否具有自我的個性相當重要,不一定能夠融入每一種空間,但卻能夠精確地傳達設計師希望呈現的空間氛圍,是家具最重要的任務。談到家具機能與風格之間的取捨,劉榮祿表示,儘管少數的作品並非為舒適機能而設計,如Ghostfield扶手椅,但多數經典家具之所以能譽為「經典」,便在於其外觀與機能上皆能表現出色,如後續將介紹的Wingback扶手椅及Charme沙發,在做工及用料細節上十分講究,使其既有搶眼外觀,又擁有相當舒適的坐感,因此無須擔憂犧牲任何一方。 劉榮祿愛用家具&收藏品 Part 1.愛用家具 Charme 沙發 品牌」Longhi 設計師」Giuseppe Viganò 面市年份」2007 主要材質」牛皮 色彩」灰色、古銅色、青銅色等 主要購買管道」設計師於義大利購入 劉榮祿提到,自己早期便十分喜愛使用特殊形態的沙發,尤其為圓形,其特殊的空間多向性能夠於空間中形塑不同氛圍與用途。而圓形沙發如此之多,Charme卻格外令他著迷,劉榮祿特別喜愛其皮革靠背的處理方式,翻摺後以扣子固定的方式如同古典紳士的優雅衣領,多了一份年代感與韻味,圓形而厚實的坐墊與纖薄的靠背形成對比,大器而不失細節之美,使Charme相較其他圓形沙發,更具有個性與手工感。 劉榮祿曾於一個小坪數的設計案中使用此款沙發,結合窗邊臥榻與單椅,將一般傳統3+2+1型的沙發以更加彈性的方式展現,三者材質皆不同,同時圓形與直線的搭配使空間更加活潑多變。而劉榮祿於自家中亦使用Charme沙發,他分享,自己非常喜愛環繞式的空間所提供的安穩、舒適感受,Charme深廣的座墊相當適合躺臥於其上,搭配靠背與枕墊,形成具包覆感的沙發。   Ghostfield 扶手椅 品牌」Poltrona Frau 設計師」Paola Navone  面市年份」2011 主要材質」PVC 色彩」透明 主要購買管道」禹臣實業股份有限公司 Ghostfield的造型相當特殊,發想自1912的歷史檔案,可以透過透明的塑膠外殼清楚地見到其中精巧的結構與內容。劉榮祿相當欣賞其設計概念,他認為Ghostfield是一件典型的後現代主義作品,造型相當古典,卻以現代的概念與材料表現,透明PVC外表所呈現出的層次美感十分值得玩味。 詢問到他會推薦風格如此強烈且獨特的Ghostfield扶手椅予怎樣的業主和空間?劉榮祿坦承,這並非一件以機能、舒適為前提考量的家具,而是觀賞、收藏性大於實用,比起家具更偏向於實驗性質的藝術品,因此能接受這張沙發的客戶並不多,他認為Ghostfield的收藏者應對於藝術及收藏有一定認知,理解某些作品的價值不能單純以功能考量,他會推薦給那些個性獨特、不跟隨潮流,且對於空間具有自我想法的客戶;空間上則適合偏向時尚潮流,具有一定個性的空間,不論現代或者古典風格,Ghostfield皆能為其點綴不一樣的風采。   Wingback 扶手椅 品牌」TOM DIXON 設計師」Tom Dixon 面市年份」2007 主要材質」絨布 色彩」多種色彩 主要購買管道」明日家居MOT CASA Wing Chair(翼狀椅)為一種頭靠部特別突出環繞的座椅,設計師Tom Dixon以17世紀英國的傳統翼狀椅及熱氣球為靈感,特別加大並流暢化其頭部翼狀部分的曲線,使Wingback在空間中具有雕塑品一般的造型與獨特地位,此外機能上亦提供了現代人所需隱私與包覆感。自2007年面市後,品牌陸續又推出多款變化,如雙人座、小型版本等,足見其受歡迎的程度。劉榮祿相當喜愛其向後延伸的曲線,帶有力學的美感,而頭部向前的兩翼又使整體造型帶有一種飛翔的感覺。 他分享,自己在十多年前Wingback上市後即將其納入「夢幻逸品」的收藏名單中。他曾將Wingback介紹給一位好友,並使用於其住宅設計案中,不以空間曲線設計與Wingback的優雅造型相和,而是反其道而行,於其後的主牆使用極簡折線及Armani的Z字型躺椅產生對比,使空間中的折線與弧線交融,家具和空間互相搭配,整體因而顯得簡練大器。   Part2.個人收藏 出身藝術專業,劉榮祿如此形容:「藝術就在我的血液中」,收藏藝術品是相當自然而然的決定。對劉榮祿而言,藝術品並非僅空間當中的裝飾,而是精神上的養分,因此在設計上運用藝術品時,他會將藝術品置於相應且同等重要的空間之中,除了使收藏者能夠方便欣賞外,更希望藝術品與設計在概念上有所互動。   ALIVE AND KICKING 藝術家」周春芽及Jaime Hayon 面市年份」2013 主要材質」熱固性環氧化物、聚合物、亮面漆、亮面漆木 主要購買管道」MOT/ARTS 由MOT/ARTS邀請中國藝術家周春芽與西班牙設計師Jaime Hayon共同合作,以周春芽最知名的作品「綠狗」為主軸,象徵著人們生活中的各樣慾望。30隻綠狗的動作跟表情無一重複且生猛鮮活,搭配Jaime Hayon為其特別量身設計的純白收藏櫃,劉榮祿認為此件作品提出了一個十分特別且有趣的想法,除了關於「人性慾望」的呈現外,更探討家具和藝術之間的關係。   錯位 藝術家」曲德義 面市年份」1999 主要材質」壓克力彩 主要購買管道」形而上畫廊 談起「錯位」這幅作品,劉榮祿眼睛一亮,藝術家曲德義為他求學時的主修老師,其作品一直都是劉榮祿心目中的「夢幻逸品」,劉榮祿的藝術觀念與作品受到老師的影響深遠,致力呈現色彩空間、二度空間關係的探討。本作「錯位」由3個看似相異的畫面組成,討論3個獨立的畫面空間與各自的關係,劉榮祿相當欣賞本作於色彩及抽象繪畫型態之間的處理,展示了曲德義對於藝術的成熟理解及出色手法。   吹一朵雲 吹一朵雲 藝術家」崔永嬿 面市年份」2019 / AP版 主要材質」不鏽鋼鑄造鍍鈦 主要購買管道」藝境文化藝術有限公司 渾圓的外表,金色的雲與銀色不鏽鋼娃娃的運用,使本作兼具可愛與超現實的氛圍。劉榮祿與崔永嬿為大學同學,他形容崔永嬿人如作品,是一位說話十分風趣的女孩子,常常提出對於現實的反諷。此種幽默與聰慧亦反映於其作品之上,崔永嬿的作品總帶有某種童趣,同時亦有對於現實世界的觀察,及創作者自身所賦予的獨特語言及觀點。   資料與圖片提供」詠義設計股份有限公司、禹臣實業股份有限公司、明日家居MOT CASA 攝影」鄒昌銘  採訪」林慧慈 

  • 《白雪遺音》:「朱紅一點下西山,月色東升天色晚。」朱紅色是被人類使用最古老的顏色之一,亦是中國傳統藝術中的紅色顏料,又稱為「絳紅」。由硫化汞的天然礦石硃砂製成,最純正的硃砂出自中國,罕見且珍貴。   有人戲稱,中國近代歷史,就是一部紅色的歷史。在東方文化裡,紅色是吉祥、喜慶、熱情的高貴代表色;古時,朱紅色多用於皇宮及宦官等富貴人家的衣物、建築裝飾上,紅色從周代開始普遍運用於宮殿建築,搭配在五行學說代表中央位置的黃色,所以宮殿多為紅磚黃瓦。冬季居家中,不妨添加一抹紅,為空間增加設計亮點、活潑氛圍,在冷冽的冬季、微寒的初春,點燃熱情的紅色火把。 在具磅礴氣勢的大紅色中,添加一點粉色調,增添優雅質感,柔和氛圍也增加視覺層次。「Former Busnelli」的Lady C椅背運用皮革材質加上鏤空雕花的方式形成一片精緻的網,不僅展現完整的包覆性,圓弧造型更襯托出女王般的氣勢;加上桌墊設計,使功能性提升且不失整體優雅感。(弘第Home Deluxe) 由義大利現代極簡大師Mauro Lipparini所設計的「Natuzzi Italia」Cava沙發,是一套多功能家具組,包含了沙發、超透白水晶玻璃咖啡桌、可充當邊几與置物架的配件。寬大的座位與扶手提供了極致的舒適體驗,模組化的設計能充分滿足各種空間的變化與需求;椅背具有隱藏式的電動功能,可輕易調整最舒適的使用位置。(華泓國際) Vuelta Lounge Island沙發提供了如同一座專屬於自己的島嶼,可以靜靜地享受個人獨處的片刻,也可與家人、伴侶、朋友共享歡愉時光,是一處讓人心安、放鬆的避難所,讓疲憊的身心再次回歸平靜。「Wittmann」的每件家具都可經由客製化,將各種織品或是皮革材質的面料,以手工製作完成;在色彩與材質上,有許多靈活多變的搭配可能,讓沙發增添了趣味與設計感。(D&L丹意信實集團) 家具增添電動功能,方便現代人的生活習慣。「KOINOR」的EDDIE沙發,運用俐落的立方體外型設計概念,讓整體視覺感受顯得剛硬方正,流淌著傳統德系沙發的正統血液,在剛強的外表下隱藏著柔軟的心,讓你在乘坐的瞬間感到驚喜與溫柔包覆的支撐感。(美閣傢飾) 貼合身型以及需求的沙發,讓你在或坐、或臥的姿勢中得到最舒適的放鬆。「Musterring」MR495沙發外型充滿義式慵懶風格卻兼具德式嚴謹工藝,紮實的泡綿讓乘坐時包覆性佳,皮革包覆腳座設計使質感提升並增添優雅氣息,挑高底座與精緻椅腳的設計加強了視覺上的穿透感,使整體造型上更加簡潔俐落。(美閣傢飾) 「KRISTALIA」TUILE沙發是設計師Patrick Norguet 凝視屋頂時得到的靈感。TUILE背靠以及扶手外型似屋頂瓦片,以專業戶外家具規格製成,金屬框架經過陽極化電鍍處理,可以降低鏽蝕及日曬對家具所造成的衝擊;內裝使用柔軟的聚氨酯泡綿作為沙發體,包覆金屬結構支撐沙發基座的彈性,不易塌陷;表面使用頂級Sunbrella布料,防污、透氣且能有效防止褪色等。(居雅堂) 前衛外型的家具,不僅吸睛,也為品牌增添新的活力與亮點。「Jot.jot」是一個集結前衛設計人士的品牌,展現了設計新銳的優雅力量。Baba系列仿生的逗趣外型,出自丹麥團隊Iskos Berlin,團隊認為:「物件型態越清晰,越容易被理解。」Baba猶如家中的寵物,等待與人們親暱接觸,讓空間的鮮活感更添幾分,更展現俐落的家居性格。(WOOW&CO.) 撰文」歐陽青昀資料及圖片提供」各大廠商  

  • 紅色的西方歷史

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    紅色的特別之處在於它不單純是一種顏色,更是唯一一個被賦予社會意義的色彩,隨著歷史背景的演變,在各個時期成為不同的象徵和意義。 中世紀時期,紅色代表基督的血和地獄之火,被視為崇高的象徵;然而,在新教改革期間卻一度被禁止使用,但在法國大革命時,因為作為思想的代表色,讓紅色又再度重回崇尚的地位。在藝術領域,紅色比起其餘色彩,在古時就擁有更細緻和多樣的呈現,藝術家們根據要上色容器的材質、存放時間、形狀去思考如何調製紅色顏料,並將紅色使用在藝術創作之上。 大器隨興的姿態,讓乘坐成為最自在的舒適感受。「Poliform」的Mad King單椅,以小圓桌代替傳統的雙扶手設計,厚實的坐墊與靠背,搭配纖細原木支撐腳,不僅提供你一個休息放鬆的位置,Mad King不論放置於空間的何處,都能成為最適切的裝飾品。(弘第Home Deluxe) 「Poltrona Frau」1919單椅靈感來自洛可可風格,17世紀興起的洛可可風,以抽象的火焰、葉、貝殼形的花紋,以及不對稱的曲線構圖,在整齊中展現生動。椅背兩側裝置如耳朵形狀的側邊靠枕,搭配大而圓的扶手,背墊則採「Poltrona Frau」精緻的皮革打摺技術,結合皮革釘釦固定,扶手側邊加上黃銅支架的實木拖盤,為沙發增添尊貴氣勢。(禹臣實業) 在「荷蘭PURE」的椅子上,印染各式摩登大地色系帶來沉穩的奢華感,散發著豐厚的個性美,骨材首選深色金屬和紋理細緻生動的橡木與松木,勾勒出充滿現代感的俐落的線條卻不失經典,無論室內是走簡約的工業風,或帶有強烈風格的金屬風,甚至是繁複華麗的奢豪風,都非常合適。(夏馬城市生活) 「丹麥WOUD」菱格紋編織素色方形抱枕強調經典編織圖案作為主要設計元素,具有圓角和天鵝絨般滑順的感受;毫不隱藏的故意將拉鍊強調突出並作為抱枕設計的元素,讓平淡無奇的拉鍊的在靠枕中脫穎而出,成為視覺的焦點主角。內墊由再生塑料瓶製成,通過Oeko-Tex認證,轉化為舒適蓬鬆的填充物。(夏馬城市生活) 獨特的外形設計,不僅可以讓人留下深刻印象,甚至能成為品牌經典。造型簡單卻非常具有標誌性的「Erik Jorjensen」Corona主人椅,由Poul M. Volther所設計,層層橢圓盤狀的椅身,設計依循有機線條,乍看之下就如同日蝕發生時光暈的變化被依序表現於椅上,靈感來自人體,造型輕盈卻強韌如脊柱的概念。(D&L丹意信實集團) 牛群遊行的概念起源於1998年瑞士蘇黎世,並在世界各主要城市展出。「Cow Parade」是國際性的公共藝術品牌,針對具有當地文化以及城市生活和相關主題的創作藝術品和設計,裝飾藝術牛的玻璃纖維雕塑由當地藝術家裝飾,並分佈在市中心的公共場所,例如火車站,重要的大街和公園。(IUSE 餐廚‧家居) 「PARKVIEW」西德莫系列沙發的設計發想來自義大利設計師Glenn Maerknon在南太平洋小島的潛水旅程中,遇上了產自當地的海洋珍珠。設計師Glenn希望「人們坐上西德莫,就如同被貝殼環繞般的舒適與自在。」選用富有絲滑質感、珍珠光澤的歐洲絨布,典雅的氣質酒紅搭配優雅的線條設計與鍍金椅腳設計巧思,整體造型古典美卻又不失奢華,質感與造型兼備。(晴天家居) 「Frag」Motif咖啡桌是來自Analogia Project的設計。其獨特在於桌面上的馬鞍皮革鑲嵌設計是透過高精度切割成不同的形狀,再以細緻的工藝縫在一起,從重複一個圓圈開始,形成一個圖案,該圖案根據形成其元素的顏色選擇而變化。馬鞍皮革質地的Motif手感細膩,搭配豐富的幾何形色彩和纖細的金屬結構,不僅展示獨特的創意,也展現精湛工藝,為居家生活打造個性化的獨特魅力。(朕璽國際) 路易十四除了作為國家的領導者,高深的藝術造詣,為法國奠定了藝術地位。「LELIEVRE」織錦緞圖像表現與用色,取自法國路易十四時期的典型設計,以法國自家百年織廠再現17世紀的精緻工藝,以帶有金屬反射光的金線勾勒出鳳梨與豐碩的葉,適合家具、窗簾、牆面裝飾使用。(安得利集團) 來自於西班牙的設計師Jaime Hayon,喜愛以獨特的動物型態創作物件。「&Tradition」的Elefy單椅,以大象的溫和性格作為繆思,形塑幽柔椅座線條,具完整包覆感除,並去椅子所有的稜角,在不尋常的形式中,總能窺見一絲優雅,一絲貼近使用者的善意,人們總能在其創作中,享受快樂的純粹。(WOOW&CO.) 撰文」歐陽青昀資料及圖片提供」各大廠商

  • 紅色象徵和意義

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    至今,紅色被廣泛運用在日常生活中,紅綠燈的「紅色」是停止,比賽中的「紅牌」代表犯規,警告標誌大多使用紅色的文字或是圖像呈現,是因為「紅色」是可見光譜中波長最長的顏色,此特性讓紅色成為最容易引起人們注意的顏色,久而久之,「注意、禁止」等辭彙,成為人們對於紅色的解讀。不管是社會、政治、歷史,抑或是情緒、自然等因素,紅色的應用與出現,都為各個領域賦予不同的面貌。 兼具機能與美感書架,能夠為牆面增添活潑氛圍。「Cattelan Italia」的多層次Joker書架,以撲克型的外觀輔以深紅色調,簡單俐落的線條,即使隨意的擺上書籍與飾品,也能襯托出充滿居家氛圍的設計感,與其說Joker是擺放物品的家具,更是一件藝術品的展示。(弘第Home Deluxe) 「Promemoria」的Bilou Bilou是一款經典餐椅,為1999年Romeo Sozzi的創作,問世後深得藝術家和收藏家的青睞,所以自2015年以來,「Promemoria」委託全球知名建築師和設計師重新詮釋該椅。Bilou Bilou帶大寫C的外型特徵,以及椅子實用性強大,故得以原創造型再演繹出無數種不同設計風範。(易雅居) 「WOHAbeing」的TURTLE海龜系列,靈感源自南洋群島的大自然浪漫生態。單椅有著厚實精緻的椅面,加上手工曲木技術製作的主體,椅面類似拉釦設計語彙所構成畫面就像是龜殼一般,單椅的整體有如潔白沙灘上慵懶爬行著的海龜,讓人不禁的想一起愜意躺臥在那群島的沙灘上;表層覆上獨家設計印花的皮革,讓單椅富有濃厚的當代藝術風格,而坐臥感也相當親近人體擁有良好的舒適感。(夏馬城市生活) 1937年,蝴蝶椅的出現,如同一種新的坐姿方式被發明,將人們從正式場合中筆挺的坐姿中釋放,輕鬆舒適坐感奠定了50年代家具設計基礎的另一種精神元素。「Knoll」為紀念Butterfly蝴蝶椅設計80週年,加入了新一代的輕便支架、無須縫線一體成型的特殊材質坐墊,具有更輕盈的動感線條,帶有蝴蝶椅一貫的舒適和優雅氣度,延續Butterfly的永恆風韻。(D&L丹意信實集團) 俐落簡單的線條,輔以鮮豔的紅色,點綴空間語彙。「Bonaldo」BONNIE餐椅是淺口弧形設計的塑料吧檯椅,外型活潑搭配靈活升降式功能以及高彩配色,在空間中成為吸睛亮點,不論是休閒居家空間或是商業場合,皆能帶來最佳乘坐體驗。(美閣傢飾) 當家具有了靈魂,不再單以機能性為訴求,放置在空間中也是優雅的主角。「Zanotta」Joy環型旋轉置物櫃曾獲得金圓規設計獎,每一層板以連結的骨架為中心,能360度環型盛放,可以依照不同的需求自由旋轉擺放提升空間使用效率,即使不擺放物品,也能完美展現其魅力,讓收納空間成為一幅美麗的藝術品。(朕璽國際) Leva扶手椅是Foster + Partners設計的第一個木椅,Leva扶手椅的設計不僅符合人體工學,其蒸氣加彎的木質椅背,略微傾斜與加寬的設計,更形成一個舒適的支撐靠背,看似簡單的形狀,其實是複雜巧思下的結果。透過「MATTIAZZI」的精湛工藝和精密機械,運用可持續發展的理念,減少材料的使用,優化生產;好的產品透過現代材料的轉換應用,並注入新的概念,讓經典產品得以延續。(居雅堂) 威尼斯自古以來就是就是布料製造的故鄉,專門提供皇宮貴族的布料使用,義大利布藝品牌「RUBELLI」創立於18世紀,以豐富的工藝背景,不斷再現18、19世紀的歐洲圖騰風貌。VELVETFORTY是擁有卓越性能的天鵝絨面料,嶄新的技術以防焰色紗織造,具有高強度的耐磨特性,手感柔軟;而DIECIELODE具有民族感紋理的家飾面料,以防焰紗線織造而成,皆適合製作家具。(安得利集團) 提及三腳椅款,最廣為人知的莫過於Mategot的長崎椅。作為極簡藝術的先鋒,Mategot使用沖孔金屬版搭配,整體比例輕盈纖細,椅面拱起猶如馬鞍的型態,在當時是十分前衛的設計。「GUBI」至今量產的幾款Mategot設計,讓熱愛經典之作的消費者,仍有機會購藏大師的設計,感受現代主義的雅緻況味。(WOOW&CO.) 使用安全無毒又環保的建材,是居家設計不斷追求的新標準。「NARDI」NET系列使用特殊的無毒樹脂材質製成,簡約外型,不僅能夠自由組合搭配,也因色彩選擇豐富,讓你不論擺放在室內或室外,都能為你的冬季再填上一筆專屬回憶,並建構一個安全無慮的家居環境。(捷行國際家居) 撰文」歐陽青昀資料及圖片提供」各大廠商

  • 紅色印象

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    英國文獻出現暖色調的「威尼斯紅」名詞,以法國出產的酒命名的「勃艮第酒紅」,以樞機主教的主教服延伸的「樞機紅」,紅色透過深、淺、明、亮,有著千變萬化的可能性。在居家空間中,透過設計師的巧思,一張單椅、一組沙發、一張地毯,將紅色的優雅大方,不落俗套的呈現,打造你我的紅色印象。 在冰冷的地面,鋪上保暖厚實的地毯,為空間增添溫潤感的同時,也點綴居家設計。「Serge Lesage」的Coleen,將大紅花圖樣渲染於地毯上,有如潑墨般的色彩手法營造出空間的生動氣息,放置於主賓交流的場合,搭配團圓歡聚的溫馨氣氛,十分應景。(弘第Home Deluxe) 紅色系面料作為「Loro Piana」品牌的經典代表,Alpaca Bouclé由蘇里羊駝毛與羊毛混紡而成,布面強韌,可繃製於沙發、單椅、抱枕或做成毯子;搭配人字紋編織以及隨興不規則的設計更使它成為鄉間別墅,山區木屋和休閒城市內飾的理想之選,「Loro Piana」用鮮明的顏色為你打造煥然一新的居家空間。(易雅居)。 音樂的影響猶如設計般,可以改變氛圍、心情。BeoSound Shape六角型的立體造型表面,由丹麥知名高品質織品Kvdrat設計的織料覆蓋,宛如藝術品,不但能夠自由選擇顏色、設計排列方式,更承襲了「Bang & Olufsen」揚聲器一貫的優異音質,猶如一支真實的樂隊在家中為您演出,設計的自由度更讓人能夠完美呈現個人風格。(D&L丹意信實集團) 繡球花的花語是:「希望、家族的團聚」,德國家飾品牌「JAB」最喜歡的花卉之一就是繡球花,MARE DI FIORI系列以其鮮豔華麗為靈感,設計在柔軟的粘亞麻布上,呈現色調柔和感。從繡球花綻放出的色調:白色、桃紅色、玫瑰色與藍色,可以相互結合,色彩絢麗奪目。(先施家飾) 地毯的起源距今已有2500年的歷史,以傳統的手工編織製成,被視為珍貴的家具藝術品。「La Chance」Cross地毯的靈感來自繩結,以軍藍色、鮮紅色、白色和駱駝色的優雅融合,並選用優質羊毛製成;Cross地毯由不同的平方單位組成,其佈局和數量將決定地毯的大小和形狀,可以量身定製,以不同的需求融入不同的場合。(朕璽國際) 「毯」透過編織、材質的使用,交織出一件藝術畫作。「MUUTO」的Ripple Throw漣漪蓋毯,在織造技術與織品連動產生視覺的震盪,使用同色系的對比,交織出居家生活不同的韻味。100%純棉織造。使用傳統紗雙股扭織技術,2至3色的色紗混合編織,使其產生多層次的色調渲染,除了繽紛的視覺享受外也能帶出溫暖的親膚觸感。(居雅堂) 「花」在東西文化中都被賦予了特定的意涵,東方喜愛梅蘭竹菊,西方常見玫瑰、罌粟。「Colefax and Fowler」TAPESTRY FLOWERS獨特的刺繡工藝,勾勒出花卉的有機輪廓,展現細膩的表面紋理,適合製作成窗簾,與精緻的花卉刺繡亞麻飾帶FLORETTE BRD相互搭配,增添空間的柔和感。(安得利集團) 澳大利亞是地球上最古老的大陸岡瓦納古陸的一部分,以豐富的地理面貌以及生物多樣性為名。「Samuel & Sons」ISA刺繡綴飾受到澳大利亞大草原地區地形的啟發,由安哥拉山羊毛、雪尼爾花紗、苧麻與亞麻織造而成,適合搭配在窗簾、抱枕、沙發,為空間增添層次紋理。(安得利集團) 居家空間中不過於醒目卻又引人注目的莫過於餐廚用品,以各式色彩、造型、設計,點亮你的餐桌擺設。Marin餐碗盤系列,搶眼的紅色釉漆搭配自由成型的邊緣且經過手工仿舊處理,呈現有如職人手作般的質感;柔和的線條與自然的外型,為日常與特殊場合的餐桌帶來溫暖親切的感受。(Crate and Barrel) 撰文」歐陽青昀資料及圖片提供」各大廠商

  •  「業主到底想要什麼?」這個問題無時無刻不縈繞在設計師們的心頭,尤其面對不擅長將心中所想具體表達,甚至是連「想」的時間都沒有的業主們,設計師巴不得再多學一門讀心術,讀懂業主的喜好與需求,好讓設計案最終皆大歡喜、圓滿落幕。   如同剪髮一樣,和業主一同參考現有的設計案例或許是一項折衷的辦法,但卻難以滿足設計師渴望創作、追求挑戰的熱情,深耕木質材料產業近60年的愛格EGGER觀察到全球設計師們的共同煩惱,決定以自身專業在設計師和業主之間架起順暢溝通的橋樑。   獨步全球九宮格成為良好溝通的起點   愛格EGGER在數年前出版板材花色型錄時,領先全球採用九宮格表現手法,讓各花色間的協調性一目瞭然,更重要的是,每一組九宮格都有對應的場景照,無論設計師或業主都能更直觀的看出不同花色在空間裡的效果。這個創舉,不但大大降低了設計師和業主溝通時的壁壘,縮短了磨合的時間,也讓設計師在有限的時間內,能迅速吸收每年推陳出新的花色在空間中的使用表現,更有機會乘上全球潮流的浪頭。   愛格EGGER曾在展覽上提供花色九宮格的紙卡版本,裡面可見眾多花色依照「純粹自然」、「創意金屬」、「雅緻霧面」等風格進行分類,簡單數張就能遍覽年度新色,比較彼此的差異,更能輕鬆讓業主瞭解世界的設計趨勢,讓設計師和業主都有機會更接近自己心目中的理想空間。   不過,若只有好看好用的九宮格,並不足以讓愛格EGGER跨越國界,受到各地設計師的喜愛,其累積近60年的研發製造能力,才是花色九宮格真正吸引人的關鍵原因。從1961年生產出第一塊塑合板開始,愛格EGGER深信木材能帶給人們最好的生活質感,並繼續創造更多的可能性,一句「More from wood.(更多創造,源自木材)」成為品牌的脊梁,讓愛格EGGER屹立在競爭激烈的市場中。   你要的多樣性與一體感都在這裡 地板、檯面、系統櫃板材、牆面、門板……愛格EGGER為設計師提供多樣的板材選擇,當然也為使用者提供安心的保證。例如經常被運用在系統櫃的塑合板,除了高強度、抗彎曲經過驗證,連使用在裡頭的黏膠,也是由愛格EGGER自行研發,使板材產品獲得F四星最嚴格認證,將甲醛和VOC(揮發性有機化合物)對健康造成的威脅降到最低。   不僅黏膠如此,連不起眼的封邊條,愛格EGGER都專門設立一座工廠鑽研生產,不但讓使用愛格EGGER板材的家具更具整體感,也更加耐用。而這些封邊條除了實用,部份特殊花色則極具裝飾性,為空間畫龍點睛,總能讓渴望在細節中追求個性及品味的使用者感到驚豔。   另一方面,也正因為愛格EGGER的產品幾乎可全面包覆整個空間,為花色連動提供了絕佳的基礎,讓設計師更有機會大膽嘗試突破窠臼的設計巧思,創造意想不到的視覺感受。當然,愛格EGGER也從未忘記,在支持著每個理想空間的同時,地球的資源也在支持著我們。   年度地板新品萬眾期待   發源於奧地利蒂羅爾州聖約翰的愛格EGGER,看著威爾德凱撒山脈年復一年滋養著萬物,深知無計畫的取用資源最終將使所有生物─包含人類─的生存面臨嚴峻威脅。透過可持續的木材循環利用,連無法被使用在產品中的廢棄木料都能成為生質能燃料,且工廠取得的木材也經過嚴格規範,實踐可持續林業的目標。 但可能很少人知道,這些木材其實在不知不覺間早已進入許多台灣人的生活,深耕台灣系統板材市場35年的愛格EGGER,始終希望台灣的設計師和使用者能夠享受與歐美居家環境同等的高品質,例如評價極高的超耐磨木地板。而愛格EGGER 台灣總代理威佐開發也趁機透露,愛格EGGER預計在今年推出防潮功能大躍進的新款木地板,絕對能在市場中掀起巨浪,敬請期待。這時候才認識愛格EGGER沒關係,最重要的是在未來人們的理想生活中一定有它存在。 資料及圖片提供 威佐開發  特約編輯 Yueh-han Yang

  • 電燈的發明改變了人類的生活模式,延長了人類在夜晚的活動時間。早在1879年之前,就已經成功發明電燈,直至愛迪生通過建立發電機和發電系統,將電燈商業化,讓它更進一步普及,改變了人們的生活。至今,燈具除了是照亮黑暗的工具,更被視為美學展現的一環。   日光照耀白晝、月光照亮夜晚,莫內1874年的畫作《印象•日出》,因畫面著重光影多變、對時間的印象空間表現,開啟了印象派的發展,也讓莫內被譽為「光的詩人」。如今,燈具也像是光的詩人,在造型之外,亦利用光源效果為空間增添多變語彙,書寫下空間詩意。 陽光隨著照射的角度、地球與太陽的距離,隨著自轉、公轉不斷變化著。科技的革新,讓人造光也能仿造大自然,有了變化。「Occhio」以線性的設計詮釋了新款的mito linear系列mito volo,可搭配藍芽連結,用手機APP控制,從2700K至4000K的色溫皆可輕鬆調整,繩索高度也可以依據空間需求,自由的從65至165公分上下伸縮,外型簡約卻又不失高雅。(誠繹國際)   大多數的人不喜歡影子,但建築師Steven Holl卻賦予影子豐富表情。「HORM」以專利雷射切割技,術將僅有2.2mm厚度的木片材進行切割加工,使木片板材能像摺紙般折疊出造型。透過折疊和簍空的設計,當LED燈光通過燈罩照射時,會在天花板與牆面四周產生美妙的光影效果,讓這座燈飾在空間中互相交錯出藝術般的美。(夏馬城市生活)   望向天空總能讓人忘卻煩惱,雲朵輕盈飄移,煩惱隨之而去。設計師Ross Lovegrove將「Artemide」吊燈輕量化,運用輕薄的氣生植物樹葉來製造光,用細繩懸掛,並以波浪紋理為燈具光學產生折射、反射效果,光分層顯現,部分重疊,增加陰影對比。不僅柔化了材質的生硬,更增加了吊燈本身的細緻美感,創造有機流動的空中自然風景。(D&L丹意信實集團)   英國設計師 Umut Yamac說:「設計所帶來的樂趣,源自於細節」。善於取材自然環境的他,以鳥類休憩時的樣貌為靈感,為「Moooi」創作出系列燈具作品。他運用摺紙概念將鳥兒的姿態極簡化,運用PP易塑形的特性,維妙維肖勾勒出鳥兒體態的紋理及棲身時的樣貌,更使用洽當比例的黃銅材質點綴於喙及鳥尾,不僅令人眼前一亮,更呈現鳥類堅硬的喙及俏麗的羽尾,運用相異材質呈現獨特自然之美。(明日家居 MOT CASA)   聚焦的燈光將世界的城市濃縮在你的家中,「Martinelli Luce」的City,將中世紀歐洲的城市起源之都盧卡的文明,以及優雅浪漫之都法國巴黎的氛圍,透過一盞燈,為空間型塑多變語彙。藉由燈光點亮一座文明城市,營造異國氛圍,讓地圖延伸出更多新的故事,並向世界人類文明致敬。(美閣傢飾)   光害的影響,讓人們遺忘了,夜空中除了高掛的月亮,還有閃爍的繁星。「Seeddesign」的日恆以沿著天體繞行劃留出炫目的環形光軌為概念,以中心的金屬電鍍平衡桿為軸,象徵著區分白天夜晚的時光交接,可任意翻轉燈體傾向喜愛的角度,改變光向、變幻光影並豐富空間的視覺層次,如系中的行星翻轉,倏忽想起星象圖浩瀚無際的未知感受。(Seeddesign 喜的精品燈飾) 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • 來自天上的光

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    古人依靠自然光生活,不管是白晝的太陽或是夜晚的月亮,光皆由上而下的照耀著每一個角落,懸掛於天花板的燈具由此延伸,其中枝形吊燈是裝飾燈具的代表之一。中古世紀,歐洲貴族在木製十字架的尖端上放置蠟燭,再懸掛至適當的高度,夜間照明的昂貴費用,使得枝形吊燈成為富裕的象徵;隨著時代演進,金屬製的燈架、水晶、煤氣吊燈到現代的電力吊燈,材質、造型的應用,讓吊燈為空間增添多變語彙。   職人手工製作,賦予家具手作的溫度與情感,也讓其成為世上獨一無二的作品。「Poltrona Frau」的SOFFI燈具是由手工吹製以及加工的懸掛玻璃球組成,燈口處採用溫潤手感的馬鞍皮帶點綴,讓燈具不再只是裝飾品,而是將「光」作為氛圍營造的重要推手。(禹臣實業)   介質的改變,讓光無法直行,因而產生折射、反射、繞射等物理現象,透明的玻璃讓光有了更多的可能性。「Vistosi」的Puppet有著簡約又現代的圓形外觀,散枝形吊燈與手工口吹玻璃燈罩,內部更塗上特殊漸層塗料,除了燈罩能依居家擺設氛圍選擇不同顏色,燈身的可按喜好選擇直線型或曲狀。(D&L丹意信實集團) 設計師Verner Panton 在1969 年創作的「Verpan」VP GLOBE 地球吊燈—在透明的空心球體裡,由五片反射圓盤遮罩、三條金屬鍊串聯而成,其認為只有球體才能將光線自四面八方散出。而GLOBE BRASS除了形體,使用的透明玻璃與作為反光的碟型鋁片也盡情地相互反射、漫射不同調性的光,呈現了獨特的技術與材質觀點,並營造出柔和、愉快、平靜的室內光線。(明日家居MOT CASA)   辦公室常見的長條日光燈、家中常用的圓形嵌燈,燈的外型常依據需求以及照射範圍所設計。「Lee Broom」Orion系列跳脫框架,以蛋白石與拋光金球,鑲嵌在乳白及拋光金色燈管,兩個版本中一款為球體發光,一款為柱體發光。極其簡單的元素透過數量以及縱橫放置,在空間可變化出多元的雕塑感,一如其名獵戶星座的展開,與光質同乘進入無邊無際的星河漫遊。(LIGHT+)   聖誕樹纏繞燈條,才得以發光閃爍。「Serip」直接將燈珠取代樹葉,懸掛在以手工鑄銅模擬樹梢的枝枒,晶瑩剔透的水滴如清晨的凝珠滑落樹梢。亦可以選擇不同顏色的支架或玻璃,便可使「Serip」營造截然不同的氣質,或端莊優雅,或冷冽狂野,或繽紛活潑。(LIGHT+)   大自然中元素的碰撞,能帶來意想不到的結果。「Oluce」取自大自然的純粹、簡約,設計師Mariana Pellegrino Soto以水滴的意象做為靈感,延伸出壁燈、吊燈、立燈及桌燈一系列的應用。Alba燈具,有別於水珠的圓潤,柔和的形狀與方形線條成對比,創造出兩種不同的幾何交互視覺,再搭配以經典的銅金色,為整個系列增添驚艷與視覺重點。(朕璽國際) 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • 蠟燭和燭台

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    科技發達的年代,資訊信手捻來,很難想像古時,學子在寒風雪夜挑燈夜讀的毅力,蠟燭和燭台的組合可謂立燈的起源,立燈的光源範圍集中,不會影響整體空間照明,也容易隨意移動、放置;雖然現今電力已漸漸取代蠟燭和燭台的照明功能,卻也從早期蠟燭和燭台的宗教儀式概念中,衍伸出的它藝術價值—作為空間裝飾元素,抑或是為特殊場合增添氣氛。   與家人的親密回憶,是一輩子難易忘卻的。「義大利CASAMANIA」 Granny燈飾的設計靈感是源自於設計師的兒時記憶,選用來自蒂羅爾州綠色高山牧場中採集的純天然羊毛,Granny的表面以大股數的羊毛線手工編織而成,當燈光從舒適而柔軟的織線間透出,就能感受到童年裡來自Granny奶奶最暖和的溫度。(夏馬城市生活)   傳統手工藝堅持,成就許多品牌的經典傳奇。「Original BTC」對於英國製造的重視,得以保存英國的傳統手工藝,與工廠的近百年歷史價值。CHESTER 古銅桌燈外型帶有經典工業風的簡潔感,整體造型就像是將拍電影的聚光燈縮小了,俐落的為你的桌面打上一盞專屬照明。(夏馬城市生活)   陽光過於刺眼會對眼睛造成傷害,室內燈光亦是如此。「KNGB」立燈使用了由英格蘭羊毛編織的遮光布過濾掉多餘強光,只透出柔和的光線,既是一盞能夠增添氣氛的氛圍燈,更能作為閱讀燈來使用。設計簡潔,背後提供了收線空間方便電線收納,燈腳更是能直接藏入沙發下,讓整個客廳空間更加俐落。(朕璽國際)   「Promemoria」以青蛙為品牌著名標示,作為吉祥物,「青蛙」寓意著守護與傳承,也意味著蛻變的象徵牢記過去、鑄就未來。Grenouille是一款LED燈兼床頭燈,以青蛙製成底座,帶有觸控式開關,設計簡約而不失奢華,是「Promemoria」最經典的款式之一。(易雅居)   Theia是一位泰坦女神的名字,根據希臘神話,她是月亮女神塞勒涅的母親,代表光線。「Marset」的Theia如其名所賦予的含意,結合光線與陰影的融合設計,金屬烤漆材質搭配煙燻半透燈罩,透過旋轉的功能,可用於閱讀或是照射物件或牆面營造溫潤氛圍。愜意徘徊在光與影間,享受陰翳之美。(LIGHT+)   丹麥的建築家Poul Henningseng,在20世紀的20年代發明了PH燈,此燈的特色在於:擁有多重同軸心遮板以輻射眩光,同時它只發出反射光,模糊了真正的光源。「LOUIS POULSEN」作為現代丹麥經典燈具大師,向Poul Henningseng PH 3/2 立燈致敬,以手工口吹玻璃製程,輔以琥珀色暈染;燈身部分,採用黃銅材質,底部有 PH 字母雕刻簽名式樣。燈光的部分以反射、折射的方式,生成柔和光源,讓燈飾更具一份品味美感。(居雅堂)   Muran是威尼斯玻璃島的著名手工藝。「PENTA」的MoM外型就是受到威尼斯傳統的Murano玻璃花瓶啟發設計。亮面版本像是貴重的雕刻寶石,漂浮在空中時,彼此相鄰交錯,有如小型懸浮宇宙,中間的發光元素讓整個宇宙明亮起來。(美閣傢飾) 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • 光的藝術

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    光與影、黑與白,光的直進性,讓它碰到無法穿透的物體時,就會產生影子。光影的不可捉模,成為藝術家們創作的靈感,畫家觀察光影在物體上的移動進而創作。   空間中,建材作為設計基礎、家具增添功能與生活感,然而這當中始終有著默默不語的角色—燈具。白天,關上的燈,安靜的像個擺飾,垂吊在天花板上、佇立在沙發的角落;隨著天色漸暗,點亮的燈,散發著耀眼光芒,為每個夜晚,譜寫詩歌。   波希米亞一詞是15世紀法過人對於吉普賽人,過著一種豪放、自由確保有一種精緻感生活方式的稱呼。歐洲頂級照明「Brokis」為捷克品牌,代表波西米亞玻璃工匠精湛完美的設計,MUFFIN系列將精緻輪廓玻璃和實木的完美結合,不僅是Brokis品牌的象徵,也帶給消費者非凡的照明體驗。(捷禾國際)   燈籠是古老的照明設備,在古埃時代及便已經出現,它也被視為民間的一種工藝品。「Sirius」的LED吊掛燈籠,使用燈籠的概念,在燈源外用透明玻璃罩,照亮您的戶外夜景,來自丹麥的「Sirius」,根據流行、經典與最新趨勢生產輕巧具設計感的各項燈飾,CEO Stig Gerlach本身對光的呈現相當熱愛,結合經驗、高品質控管和設計等強項,帶領品牌不斷自我創新、超越。(IUSE)   安置於牆面上的壁燈,利用搶眼造型,成為空間中的主角。「Cattelan Italia」的Fisherman以釣竿作為靈感,簡潔流暢的線條設計宛若精美釣竿,主體支架鑲嵌於牆面上,彷彿漁夫手握釣竿般恣意適切,懸掛設計滿足於視覺漂浮感,當光源點亮,溫潤的光讓空間呈現一股平靜柔和的氛圍。(弘第Home Deluxe)   「Magis」Linnut璃光鳥系列LED燈具是設計師Oiva Toikka和Magis、Iittala 之間最新聯名的合作。「Linnut」在芬蘭語為「鳥」之意,透過「Magis」高科技樹脂成型技術,以旋轉模製聚碳酸酯製成卻呈現近似吹製玻璃的質感,燈罩上分佈的光暗點,帶著細瑕的手作溫度,光與影的律動像是在璃光之間,展現光透層次與質感魅力。(明日家具MOT CASA)   壁面常被當作擺設畫作的基底,「Arketipo」的Iride壁燈,簡約典雅,與其說是燈具,更像是由線條和圓形建構出的雕塑品,結構由圓形與金屬棒交織,散發著強烈裝飾效果與幾何美感,而圓形光盤更創建出一個個類似於日食的光暈,讓空間流露出微醺的暈黃月光,展現來自義大利的燈光美學。(朕璽國際)   藝術界的跨界合作,總能讓設計師、藝術家透過交流,碰撞出不一樣的火花。捷克頂級玻璃品牌「Lasvit」與知名紐約室內設計團隊Yabu Pushelburg合作的Cipher,是由通透的玻璃圓柱及拋光香檳金屬連接而成,燈身上刻劃著清晰細膩的線條,光線自連結處順著刻痕蔓延,在圓柱中透出隱約細膩的光線,如文字中的段落、詩詞中的密碼,恣意的在連結中產生無限未盡的語意。(LIGHT+)   西班牙畫家達利以超現實主義作品為名,亞米‧海因則被喻為設計界的達利,「Parachilna」燈飾藉由不同的表面處理與顏色的選用,將傳統金屬的冷冽感反轉成極具溫度的燈飾表現,將燈飾安置於設計空間中,宛如一幅超現實派畫作。(LIGHT+) 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」各大廠商

  • MAISON&OBJET(簡稱M&O)巴黎家飾展作為歐洲三大知名博覽會之一,M&O巴黎家飾展除了是家具家飾的潮流指標以及新趨勢的起點,也是設計圈重要的交流平台,每年皆會在3月以及9月,分別舉辦春、秋兩季的展會。2019年秋季M&O巴黎家飾展在9月6日至10日盛大舉行,今年展會中共有3千多個品牌參與,其中61%皆來自海外,更有800多件產品是首次亮相,吸引超過7萬5千人次參觀, 2019年秋季M&O巴黎家飾展的展覽規劃更是為迎接2020的25週年而準備。 「Let's Work Together : MAKING WORKPLACES FEEL LIKE HOME」是M&O巴黎家飾展今年首次加入的新主題,「WORK!」喊出將工作空間打造出如同家的舒適感,邀請室內設計師 Philippe Boisselier 為「WHAT’S NEW? WORK!」設計展覽空間並由法國設計界最具影響力女性之一的 Chantal Hamaide 做產品挑選和規劃。   近年,工作與休閒的空間界線日漸模糊,因應市場的變化以及消費者的需求,品牌紛紛推出可移動、具社交、舒適、個性、且靈活變化的家具,能同時運用在居家以及辦公空間中。大多數上班族每天待在辦公室約1/3的時間,然而傳統辦公空間偏重功能導向,鮮少將美感設計、人性化、情感溫度納入考量;現今,歐美的辦公室規劃在實用、效率前提下,也更加重視「共享」與「個性」,像是採用開放式佈局,去除冰冷隔板,甚至捨棄規律的座位劃分,無不更加照顧員工身心需求,讓工作空間具有家的歸屬感,提升團隊交流頻率以及更優越的工作效率。 金融業的辦公室充滿著資金資料、出版業的辦公室總是堆滿文稿,辦公室要如何顯得整潔不凌亂?一個兼具機能以及美感的櫃子很重要,德國製造的「PIURE」家具以櫥櫃為主軸延伸出各式產品線,Flex Shelf以簡約優雅的設計,提供機能性強大的櫥架體系,並且可以依需求客製化。加入盒子的設計元素、安裝在牆上,或是運用不同的色澤搭配,讓櫥櫃更具層次感與豐富室內空間深度。(朕璽國際)   地狹人稠的台灣,常常因租金侷限了辦公室的大小,打造一個有趣的辦公空間其實只需要一個角落!「Cattelan Italia」的Giotto是一座外觀由線條及層板所組合而成的書架,利用一點兩角的結構,架起水平面向的烤漆層板,平均置放在倒三角的核桃木紋支架上,簡約而有趣的設計,不管是放置資料亦或是做擺飾層架,都會成為你辦公室最另類的吸睛角落!(弘第Home Deluxe) 將收納使用的櫃體視為一件大型藝術品,是設計師Steven Holl的巧思。來自義大利的「HORM」不斷探索美的哲學與技術革新,Riddled Buffet邊櫃以黑檀木拼接鋁材,由鐳射雕刻出的孔洞採用摺紙式的表現方法,去建構櫃子裡的每一個空間,可以展示各種收藏品與物件,亦可將它作為一件藝術品來觀賞。邊櫃經由光線照射時,在黑檀木的沉穩色澤中綻放光芒,整體的造型與穿透出的光影,像是將偌大的建築作品縮小收藏在家中觀賞。(夏馬城市生活)   極簡設計是當今潮流,但在辦公空間中過於簡約櫃體常常會有承重限制,那龐大的資料該如何放置?瑞士品牌「USM」的層架與櫃子,大膽採用極為簡約的設計風格,因為「USM」對於金屬以及加工材料的認識,早已讓其產品在業界有屹立不搖的口碑,就算櫃體堆滿資料,也不會有下陷的問題。(瑞歐) 撰文」歐陽青昀  資料及圖片提供」MAISON&OBJET、各大廠商

  • 坐與坐姿

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    肩頸痠痛、腰酸背痛是上班族的文明通病,除了久坐之外,坐姿不正確才是最大元兇。坐姿與健康有著密切關係,人們坐著時,上半身的重量會集中於第4、5節的腰椎上,所以當身體沒有有利的支撐或者是平衡,處於坐位時的身體很難長時間保持直立,造成身體前傾或是駝背。據研究指出,最健康的坐姿是身體軀幹和大腿保持135度的姿勢,此時可以讓椎間盤承受的壓力最小,但同時需要搭配合適的桌子,才不會為了維持坐姿造成頸部過度拉伸而形成身體的另一個負擔。     人的一生有1/3的時間是躺在床上,更有1/3的時間是坐在椅子上,所以椅子跟床一樣重要。「Interstuhl」品牌早已意識到座椅的重要性,從1961年起就致力於生產高品質的辦公椅,silver系列以未來感的設計取勝,搭配與賓士車同等級的皮革,以及鋁合金雙椅背的線條,座椅猶如一件藝術品,榮獲許多國際大獎,也成為英國國家博物館的永久收藏品之一。(瑞歐)   偌大的會議室被龐大的會議桌佔滿空間,堅硬的椅子冰冷填滿剩餘的角落,是否已經可以想像令人窒息的氛圍?會議室是開會、討論重要事情時所使用的空間,但舒適的設計更可以讓員工融入並享受會議。「Frag」的MEA扶手椅有著簡約俐落的現代設計感,在機能性設計的考量上,採用聚氨酯泡沫塑料製作外殼,可提供不同的底座搭配,並輔以皮革軟墊,提供居家與辦公最舒適輕柔的感受。(朕璽國際)   三角形是平面圖形中最基本以及最少邊的多邊形,拿破崙三角形、三角函數等定理都由此延伸,也發展呈數學中的一個分支—三角學。「Agape」的Tre3座椅是以三隻腳穩固支撐椅座,利用最簡單的設計,讓座椅達到完美的平衡,在視覺上展現極簡美感,坐墊以及椅背一體成型的弧形曲線設計,經過計算,讓就坐時達到人體工學的舒適角度。(JIA嘉品企業)   最適合你的單椅,就是能讓你獨自擁有最完整的放鬆時刻,沒有任何一個設計可以比尊寵限定優雅線條旋轉扶手椅來的適合證明這一點。丹麥設計師NielsGammelgaard,用最豐富的設計觀創作了「波蘭Sits」尊寵限定優雅線條旋轉扶手椅,融合「舒適生活」、「簡約設計」為出發點,除了有機器無法取代的手感溫度,更有著工匠師傅的雋永傳承工藝,無論是一個人的獨處或者是和家人朋友、伴侶一同相聚時光,提供了最舒適的依靠與溫度。(夏馬城市生活)   土星被認為是最美的行星,也是最特別的行星,他的土星環是太陽系最令人印象深刻的景觀。Merwyn座椅側身一道宛若土星環的設計,是設計師的創意展現,讓擁有百年工藝技術的「Wittmann」點綴上當今語彙。弧形設計在比例上呈現了無可挑剔的優雅,且充滿著引人入座的吸引力,小型獨立筒技術則讓舒適度發揮到極致;若是選擇扶手款,以皮革覆蓋的椅背與扶手為Merwyn更添雋永的細節。(D&L丹意信實集團)   工作空間為求方便,大多使用塑膠製的家具,觀感上顯得冰冷且毫無生氣,為辨公室注入生機最簡單的方式,就是加入自然材質的家具。英國實木設計家具品牌「SQUARE ROOTS」將對大自然的熱愛,幻化成靈感注入家具,LAMB焦燻橡木皮革座椅看似輕盈的視覺實際上很穩固,貼合的椅背與符合人體工學的椅墊,加上焦糖色澤的皮革與細緻的線條感椅腳設計,在質感中注入溫度。(Mountain Living)   一張舒適的單椅就可以讓身心靈達到完權的放鬆。「KOINOR」的SAFIRA單椅背靠保有德式沙發的俐落線條,並巧妙運用線條呈現圓滑弧形曲線,扶手則宛如花瓣綻放;單椅可調整至180度完全躺平,底盤運用金屬與皮革的異材質結合,整座單椅從頭到尾更融為一體。(美閣傢飾) 撰文」歐陽青昀資料及圖片提供」MAISON&OBJET、各大廠商

  • 空間的開放與隱私

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    歐美提倡的「開放式」辦公空間希望透過突破空間的隔閡,將管理階層扁平化,讓團隊能有更好的溝通與合作,但這樣的形式在效率上並無真正發揮高度作用,因為「隱私」仍是必備條件。保有隱私的辦公空間,除了能減少工作時外界的干擾、員工能自在的以自我風格做事,也能讓工作內容以及個人私事得以保密,辦公空間適當的「開放」以及「隱密」,是設計師們不斷追求的平衡也是員工夢想的環境。   辦公室的裝潢設計,顯露出一個人的個性以及做事風格,簡約幹練卻不失親和感的老闆,最受員工歡迎。「Poliform」的Home hotel桌子就傳達這樣的概念,選擇以傳達自然概念的實木材質製成為最大特色,整體結構以榫接的方式組合而成,採用黑色榆木表露沉穩個性的視覺感,外型是能隨意安放的長方形桌體,使空間上能有更多彈性安排。(弘第Home Deluxe) 一說到辦公室,大部分的人浮出的第一印象是方方正正的格局,簡約、規矩的桌椅配置。來自義大利的藝術才子Carlo Mollino所設計的「Zanotta」Cavour辦公桌就是要打破我們對於辦公室的刻板印象,Carlo Mollino的設計裡總是能透露出他生活中的樂趣,Cavour流線型的桌腳以及不對稱的結構透過桌面和抽屜取得平衡,創造擁有自我風格的獨特辦公空間。(朕璽國際)   身軀維持一姿勢過久,會因為肌肉疲乏而導致姿勢不良,所以不管是久坐、久站都會對健康造成影響。日本辦公家具領導品牌「OKAMURA」因此研發出可調整高度的辦公桌Swift系列,對於久坐的上班族,就算無法空出時間運動,只要藉由調整辦公桌的高度,可以偶爾站著辦公,增加下半身的血液循環。相比固定高度的桌子,每個人因身高不同適合的桌椅高度也不同,「OKAMURA」Swift辦公桌也更貼近使用者需求。(台北貿易)   辦公空間的活潑感,並不只是整體設計規劃,具靈活變化的家具更為重要。「Erik Jørgensen」Insula桌提供各式尺寸,可作為酒吧桌、咖啡桌甚至會議桌,是一個十分靈活的桌子系列,Insula原創性和不對稱的外觀與矩形沙發和辦公環境形成鮮明對比,不僅適合居家環境,擺放在工作場所更顯獨特與活潑。(D&L丹意信實集團)   客製化的家具是當今趨勢,辦公家具也是如此。「KRISTALIA」的Holo雙底工作桌是設計師KensakuOshiro從岩塊受風與流水侵蝕的自然界產生形態,激盪而出的靈感啟發,透過複雜的模塑和彎曲技術,產生了視覺鮮明對比的中空穩固基底。Holo雙底工作桌,提供Fenix-NTM®材質桌板表面三種顏色選擇和四種不同的穩固鋼底基底座,可拼湊出自己最鍾愛的色調,詮釋個人喜好。(居雅堂)   圖形的相對位置、空間區域關係以及空間形式的度量,讓幾何學擁有獨特魅力。由PieroLissoni所設計的「Knoll」桌子系列Grasshopper,就是幾何設計的完美結合,Grasshopper的名字來自貌似蚱蜢纖細的桌腳,桌面使用精緻石材來提升整體質感,現代化的輪廓給予桌子簡潔俐落的設計感,不同空間則給予它不同的形態功能。(D&L丹意信實集團) 撰文」歐陽青昀資料及圖片提供」MAISON&OBJET、各大廠商

  • 共享空間的延伸

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    辦公空間的呆板枯燥,除了會讓辦公氛圍缺少活力,更會造成無形的壓力,讓人們厭惡且畏懼工作,交誼放鬆的共享空間正是為此而生。「休息是為了走更長遠的路」,狹窄的茶水間只能讓員工獲得短暫的喘息,長時間處於高壓狀態,不僅會降低工作效率並增加出錯的頻率,共享空間除了提供員工放鬆休息之外,也能成為同事之間的交流場所,藉由一杯咖啡的時間,找回精神與體力,透過幾句問候和談話,或許理清打結的思路,讓意想不到的創意就此誕生。   Pixel在中文稱為像素,是影像顯示的基本單位,而現今追求高解析度,就是單位面積內的像素越多解析度則越高。「Saba」Pixel沙發就是取自這樣的概念,每一塊沙發自成一個單位,扶手和靠背結構皆可以移除,讓使用者自由調整沙發組合,進而延伸形成無限的組裝。Pixel在整體寬度及深度上都設計的較小,考量人體工學,提供最大舒適感,成為美學與機能兼具的一款沙發,打造共享與交流的舒適場域。(朕璽國際)   適合工作的咖啡廳網路以及插座是不可或缺的基本條件。「MUUTO」Outline highback work Sofa將原本居家的沙發延伸至商業空間中,創造開放式工作場所中,仍保有聲音和空間的隱私空間。結合柔軟、深座和乾淨精緻的線條,搭配高靠背的設計,同時下方的收納櫃設計與電器插座設備,為現代生活空間創造了一處都會綠洲,除了當作個人包廂工作室使用,兩兩相對擺放,還能創造一個半開放式的獨特會議空間,非常適合現代辦公文化的應用。(居雅堂)   如何將空間發揮到淋漓盡致,是家具品牌不斷挑戰的議題。「Draenert」Fontana系列獨特的梯形石頭桌面和實木桌腳的組合,加上專利延展裝置,獨一無二的機械變化讓人嘆為觀止。只要在